Archives de catégorie : Expositions

« 23 tonnes » à la Biennale de Lyon: ce qu’en disent les médias

Des sons et des rythmes

A la Sucrière, […]. C’est la vidéo inhumaine qu’Hamid Maghraoui obtient en plaçant sa caméra sur une grue qui décrit un cercle : elle enregistre automatiquement un paysage ravagé par l’industrie.

Extrait de « 14e Biennale de Lyon : des songes et des sons branchés sur l’Univers », article paru dans Le Monde numérique le 19.09.2017.

L’art émancipateur

Moins dramatique, la vidéo de Hamid Maghraoui a un format vertical inhabituel. Les images ont été prises avec une GoPro posée sur le porte-à-faux d’une grue. Depuis ce nid de béton et de métal, à hauteur de nuages, on aperçoit au loin Avignon et ses abords, version contemporaine d’une peinture de paysage.

Extrait de « La Biennale de Lyon, une leçon d’évasion » , article paru dans LE TEMPS  le 29.09.2017.

« L’ Afrique des routes », à la croisée des chemins

« L’ Afrique des routes »             31 Janv. – 12 Nov. 2017              Musée du Quai Branly – J.Chirac  /  Lire ici

A vrai dire, « L’Afrique des routes » n’est plus à la croisée des chemins de l’histoire du continent africain. Elle a fait son choix en souhaitant résolument rompre avec une kyrielle de clichés et poncifs répandus à  propos de l’Afrique, qui en faussent la perception et la connaissance.  D’entrée  de  jeu, le visiteur est prévenu par  un avertissement   sans  frais  de  la  fausseté  de  nombreuses idées reçues et de l’obsolescence d’une terminologie encore en vigueur. Comme par exemple celles qui alimentent les notions de  primitivisme, d’ethnicité, de primarité et de l’isolement de l’Afrique. Du reste, il est recommandé de ne plus parler de l’Afrique, mais plutôt des Afriques.

L’exposition (dé)montre que depuis l’époque la plus reculée connue — environ 5000 avant JC — jusqu’à aujourd’hui, le continent africain n’a jamais été la contrée isolée et sauvage  si souvent stigmatisée comme telle. Les populations autochtones ont parfaitement su nouer des relations d’échanges – religieux, de savoir-faire, commerciaux, artistiques, stylistiques —  avec des voisins parfois même lointains, bien avant que les conquérants portugais ne débarquent sur les côtes africaines au milieu du XV ème siècle. Une quantité de documents très divers (cartes, écrits, photographie, dessins, etc.) témoignent de la création de voies de communication terrestres, fluviales, ou maritimes qui ont permis la circulation des biens et des personnes, de gré mais aussi de force.

L’un des grands mérites du parti-pris de l’exposition est d’y révéler une « agentivité »1 d’objets trop longtemps confinés à la représentation de la primitivité. Trop habituellement montrés ou perçus, plus ou moins consciemment, d’abord en tant qu’éléments significatifs de cultures sous développées ou curiosités pourvoyeuses d’exotisme, ils apparaissent ici sous un autre jour. Celui qui éclaire et met en exergue des faisceaux de relations auxquels ces artefacts participent et parfois dont ils occupent le coeur. De la sorte, ils échappent au sort et au dénuement de ces naufragés et épaves paraissant échoués sur des plages feutrées sans ressac, derrière les vitrines rutilantes aux lumières tamisées des temples de la diversité culturelle qui les détiennent comme otages du regard ethnocentré, seulement ethnoesthétique, doublé d’un fétichisme inculte et marchand, mais aussi comme apostrophes mutiques.

Le visiteur n’est plus convié seulement ou expressément à l’émoi de la fascination pour leur esthétique moderniste, leur étrangeté mystérieuse ou encore, pour un témoignage de notre antériorité civilisationnelle. Ce sont d’autres propriétés et valeurs – de fonctionnement, d’usage – de ces objets contributeurs d’un raffinement et une sophistication culturelles qui jurent avec les stéréotypes et les clichés encombrant encore beaucoup trop d’ imaginaires.

Le parti-pris est si efficace qu’on a le sentiment que tous les objets issus des cultures des autres autre-part ou disparues ne devraient plus être montrés autrement, dans la mesure où l’on possède suffisamment d’informations pour ce faire.

Sans détour et courageusement même, l’enjeu de l’exposition est aussi de pallier le manque cruel de visibilité de la part d’ombre de l’histoire coloniale, si peu glorieuse et parfois tellement sordide. La chronologie très succincte de la colonisation n’élude pas le trop longtemps occulté massacre de Thiaroye pendant le sommeil de tirailleurs sénégalais démobilisés, attendant la solde qui leur avait été promise dans un camp militaire non loin de Dakar, et qui fit 70 morts in fine selon le rapport du 5 décembre 1944 par le général Dagnan. En des temps de crise et de confrontation culturelle, identitaire, religieuse, martelées par les médias de masse, il n’est pas aisé d’ouvrir au grand jour des pages sombres de l’histoire nationale. C’est que les méfaits sanglants et d’une violence inouïe à l’égard de populations colonisées dont elles attestent, ne sont pas moins pires que ceux perpétrés par des terroristes se réclamant d’un Islam intégriste, extrémiste ou véritable.

La commissaire Gaêlle Baujean a truffé avec parcimonie le parcours d’oeuvres d’art moderne et contemporain afin qu’elles supportent la comparaison ou la confrontation avec les objets de l’autre, autre-part. Outre une résonance artistique,  elles peuvent être perçues aussi comme participant à la crédibilité d’une re-considération d’objets qui ont pu être infériorisés par la taxonomie muséale empreinte de la traditionnelle hiérarchie des productions artistiques. La plus remarquable d’entre elles – qui a suscité le plus de réactions d’incrédulité quand ce n’est pas de rejet catégorique si l’on en croît le livre d’or – est La réparation (The repair) de Kader Attia, appartenant aux collections du Centre Pompidou / Musée National d’Art Moderne. C’est un diptyque de 80 diapositives couleurs qui conclut l’exposition en montrant  de plein fouet sur un énorme  écran, des visages de gueules cassées par la Grande Guerre, juxtaposés à des ustensiles divers, tous ostensiblement et grossièrement recousus. La vision des têtes de ces « pauvres bougres » réchappés de la grande boucherie, véritablement scarifiés  et vilainement balafrés, est d’une brutalité telle qu’elle peut faire oublier la proposition de leur parallèle avec des objets exotiques réparés, voire même le sentiment de plénitude procuré par l’exposition. La radicalité choquante de l’oeuvre a peut-être été choisie à dessein, pour exhorter le visiteur à une vigilance au récit historique de la colonisation, et peut-être encore dans la perspective d’une réparation au moins symbolique de ses méfaits, dont l’ ostracisme  qui frappe encore la plupart des pays d’Afrique noire longtemps considérés comme dénués d’une histoire.

1 Le terme fait référence à l’agentivité d’Alfred Gell,  L’art et ses agents [Art and agency], Les Presses du Réel, 1998.

Suzanne Hetzel expose au Musée Angladon

Le Musée Angladon, ancien Hôtel de Massilian datant du XVIII ème siècle et ayant appartenu à des amateurs d’art, propose l’exposition permanente d’une collection mise à disposition par les héritiers de Jacques Doucet. Outre les œuvres originales de très grands artistes des XIX ème et XX ème siècles rassemblées par le grand couturier parisien, la directrice du lieu, Lauren Laz, a laissé les coudées franches à l’artiste plasticienne Suzanne Hetzel pour investir le musée du 16 Septembre au 31 Décembre 2017. Artiste invitée en résidence  de Septembre 2016 à Septembre 2017, celle-ci « s’est inspirée de l’esprit profondément studieux des fondateurs du musée Jean et Paulette Angladon, artistes et collectionneurs»,(extrait du texte de présentation du musée). En témoigne son parti-pris d’intégrer ses productions (photographies, objets, installations) au coeur même de la muséographie pérenne: l’exposition s’intitule « Au premier, Au deuxième … (Installations de Suzanne Hetzel). »

S. Hetzel en travail de construction. © 2017 Artothèque Antonin Artaud / Marseille.

L’oeuvre de Suzanne Hetzel se compose principalement de photographies, de vidéos et d’autres objets divers. Ses travaux la conduisent à explorer les manières qu’a l’homme d’investir des lieux et à relever l’empreinte que ceux-ci  laissent sur lui, ses relations, sa langue, sa culture. Dans les images pourtant fixes qu’elle dévoile, apparaissent en filigrane des éléments mouvants, dynamiques, tels que des liaisons interpersonnelles et des connexions entre les choses sous l’emprise du temps, de la mémoire et de l’oubli. L’exposition se veut un tableau de chasse. Suzanne Hetzel montre ses captures d’un mobilisme que vanta déjà Héraclite en son temps. Il fut le chantre d’une représentation du monde où toutes choses changent et se meuvent perpétuellement, ces changements relatifs s’inscrivant dans l’unité de toutes choses.

Rappelons que Suzanne Hetzel vit à Arles et travaille à Marseille depuis qu’elle est diplômée de l’ École supérieure d’art et de design de la capitale phocéenne. Un certain nombre d’étudiants des deux mentions de l’ESAA n’ont certainement pas oublié sa prestation en tant que présidente du remarquable jury du Diplôme National d’Arts Plastiques de Juin 2016, composé aussi de la philosophe & artiste, Marjorie Caveribère, et du vénérable Hervé Giocanti. Celles et ceux qui sont encore  à l’ESAA, et les autres qui y sont entrés postérieurement, ne manqueront pas de courir au Musée Angladon pour y voir son travail plastique, et peut-être, revoir ou découvrir l’artiste en chair et en os lors de ses venues les 28 Septembre et 21 Décembre prochains.

Ouverture : du Mardi au Dimanche de 13 h à 18 h.

Visites commentées de l’exposition : Samedi 16 et Dimanche 17 Septembre à 15h.

Rencontres et discussions avec l’artiste : les 28 Septembre et 21 Décembre 2017 à 18 h 30.

Tarif unique 3€ – Gratuit – 25 ans

Accessibilité handicapés moteurs

Adresse : 5 rue Laboureur

Tél. public : 04.90.82.29.03 Site internet

Hamid Maghraoui présent à la Biennale de Lyon 2017

Nous nous réjouissons de la sélection  d’une oeuvre récente de notre collègue enseignant et ami Hamid Maghraoui, 23 tonnes, par les commissaires de la 14ème Biennale de Lyon de 2017 qui a pour thème « les mondes flottants ». Elle sera exposée à partir du 20 Septembre 2017 jusqu’au 07Janvier 2018 à la Sucrière, à proximité d’oeuvres des trois artistes, Lara Almarcegui, Hans Harp et Hans Haacke.

Né en 1973 à Nîmes, vivant et travaillant entre Nîmes, Avignon et Paris, l’artiste plasticien Hamid Maghraoui est un observateur sagace de la quotidienneté et de la domesticité impliquant des objets banals en prise avec l’univers collectif. Il parvient à discerner des fragments de l’ordinaire pour les transcender en usant de l’insolite comme du paradoxe. Après avoir décortiqué et trituré subtilement  la trivialité du visible, il en extrait l’oracle d’un  insoupçonnable insu révélé par des figurations relevant toujours de la litote, parfois de la boutade ou encore de l’allégorie. Doté de cette clairvoyance déjà briguée par d’illustres précurseurs du surréalisme pour percevoir la face cachée des choses, Hamid Maghraoui lui, pourvoit une véritable anthropologie plastique de l’aliénation. En singularisant et fictionnalisant certaines formes audiovisuelles dans des configurations inaccoutumées, il s’est fait remarquer par sa mise à l’index de comportements consuméristes et mécanisés, notamment conditionnés par la toute puissance des médias de masse.

La vidéo perpétuelle et muette 23 tonnes (2016) présentée à la Sucrière, montre un panorama ciblé par un curieux ajour statique. Dans ce viseur au premier plan, un ciel cotonneux toujours changeant semble mis en joue : il défile par à-coups dans un sens puis dans l’autre.  Ce dispositif de visée indéterminé est un couloir en béton jalonné d’armatures métalliques qui jure avec l’organique du paysage. C’est que l’œil d’une caméra fixe et autonome a été placé au creux du contrepoids de 23 tonnes attenant à la flèche d’une grue de chantier. Sa mobilité axiale n’est perceptible qu’après sa visualisation mentale. Au gré des allers-retours pilotés par le grutier au travail, tel un balayage de scanner, une ligne de mire menaçante  insinue à 37 mètres de hauteur, l’inexorable emprise de l’urbanisation sur l’espace vital.

Avec ses instruments de capture, Hamid Maghraoui ose investir des perspectives et points de vue saugrenus pour en extorquer des visions qui brouillent les codes de détermination. Outre leur esthétique visuelle, les expédients et objets qu’ il  mobilise interloquent à  propos de la  perception de l’environnement spatial et social. Son travail recèle des rapprochements avec d’autres genres artistiques dont le regardeur peut prendre acte pour entrevoir et méditer une réalité qui n’est jamais restreinte ni astreinte,  mais multiple et transformable.

[ …] A la Sucrière, c’est le lac souterrain que l’on croirait, d’après sa couleur opalescente, né de la fonte d’un glacier, dans lequel Doug Aitken fait tomber du plafond des filets d’eau chantants. C’est la vidéo inhumaine qu’Hamid Maghraoui obtient en plaçant sa caméra sur une grue qui décrit un cercle : elle enregistre automatiquement un paysage ravagé par l’industrie. [ …] (extrait de l’ article du Monde du 19.09 par Emmanuelle LEQUEUXHarry BELLET et Philippe DAGEN)

« .

Journées européennes du patrimoine

Avignon 2017

le 14 Septembre

à la Salle des Fêtes de l’Hôtel de Ville de 9h à 17h30, : 3e Forum du Patrimoine – « Avignon, Jeunesse et Patrimoine ».

9h30 : ouverture du Forum par Mme le Maire..

Matinée : présentation des questions de liens entre les jeunes et les patrimoines, et exposés d’exemples réussis à Avignon et ailleurs.. Après-midi : deux ateliers participatifs. Atelier 1 : Pédagogie et médiations du patrimoine, présidé par Mme L. Abel Robert, Ajointe au Maire, Déléguée à la jeunesse, à l’Ecole et à l’Université. Atelier 2 : Les économies du patrimoine et la formation professionnelle, présidé par Mme I. Portefaix, Adjointe au Maire, Déléguée à la création d’emploi et d’activités économiques, à l’Economie sociale et solidaire, à la formation professionnelle.

les 16 & 17 septembre

Parmi les très nombreux lieux proposés à la visite, 5 suggestions de Semin’R :

L’Atelier Jean-Loup Bouvier, 9, rue du Ponant – 30133 Les Angles, 04 90 25 32 90 : Atelier de restauration de Monuments Historiques, sculpture statuaire et ornementale. Les 16 et 17/09 de 9h30 à 12h30 et de 14h à 18h30 : Visite libre ou guidée, l’Atelier Jean-Loup Bouvier excelle dans différentes techniques de restauration, de sculpture, de gypserie et de moulage, touchant toutes les époques de notre patrimoine. Gratuit.

Le Musée Vouland, 17 rue Victor Hugo, 04 90 86 03 79, www.vouland.com : Collection d’arts décoratifs (XVII e -XVIII e s.) et de peinture provençale. Jardin traversé par le Canal de Vaucluse. Les 16 et 17/09 :  de 14h à 19h : visite de l’exposition Hortus 2.0, art des nouveaux média. Une trentaine d’installations contemporaines, matérielles ou immatérielles, interactives ou génératives sur le thème du jardin, des relations entre l’homme et la nature (jusqu’au 1er/10 2017).- à 14 h 30 : Nature ?,  visite ludique en famille pour tous à partir de 7 ans (musée, exposition et jardin).- à 16 h 30 : Imagine un jardin, atelier pour tous à partir de 7 ans. Visite ludique  et atelier sur réservation.Tarif unique 2€ / Gratuit – de 25 ans

Le Palais du Roure réouvre ses portes, 3 rue Collège du Roure, 04 13 60 50 01 :  Ancien hôtel des Baroncelli de Javon (XVe-XXe s). Musée d’arts et traditions populaires et Centre de documentation ethnographique, provençale et arhcéologique.
– de 10h à 18h : Visites des expositions « Le Palais des Baroncelli – entre Provence et Toscane », travaux périscolaires de 2014 à 2017 ; et visite libre du 1er étage du musée.– 16/09 :. à 10h30 et 11h45 : visite guidée pour les enfants, du 2e étage du musée, par S. Dublange. Sans inscription, nombre limité à 15 enfants/visite. . à 11h30 : conférence Les travaux des restaurations du Palais du Roure de 2013 à 2017. Orientations, choix, difficultés, découvertes, par D. Repellin ou T. Bricheux, architectes des Monuments Historiques. Lancement du livret d’accompagnement des visites pour les 5-9 ans.. à 16h : inauguration des expositions.. à 16h45 : concert surprise dans la cour.– 16 et 17/09 : . à 10h30 et 11h45 : visite guidée pour les enfants, du 2e étage du musée, par S. Dublange.Sans inscription, nombre limité à 15 enfants/visite.. à 11h30 : conférence L’histoire du Palais du Roure à travers son architecture, par la Conservation.. après-midi : jeu de l’oie sur le Palais ouvert aux enfants. Sans inscription. Gratuit.

© Monuments Historiques / Martine Audibert

Les Bains Pommer, 25 rue du Four de la Terre : Etablissement de bains publics au style art-déo, véritable institution avignonnaise du début du XXe s racheté récemment par la Ville. Fermé depuis 1972, ce centre d’hydrothérapie avait été créé en 1892 par Auguste Pommer qui y recevait la bourgeoisie avignonnaise. Son établissement fut même fréquenté par Frédéric Mistral. Il a été classé monument historique en 1992. Gratuit.

L’École d’Avignon, 6 rue Grivolas, 04 90 85 59 82, www.ecole-avignon.com : Centre de ressources sur le bâti ancien, installé depuis 1983 dans l’hôtel du Roi René , né d’une ambition de caractérisation des compétences pour intervenir sur le patrimoine architectural. Se reporter à son site internet pour plus d’informations. Gratuit.

Pulsions urbaines aux Rencontres d’Arles

« Pulsions urbaines »
Photographie latino-américaine, 1960-2016
Rencontres d’Arles, 3 juillet – 24 septembre, 10H00 – 19H30, 12 euros (sans pass) , tarif réduit pour les étudiants.

L’exposition Pulsions urbaines, est l’un des événements phares de l’édition 2017 des rencontres d’Arles. Très dense en termes d’items et d’occupation des objets sur les murs blancs, elle se déploie dans  trois grandes salles  sur deux niveaux de l’Espace Van Gogh. A partir de plusieurs centaines d’images prélevées dans la collection constituée par le célèbre couple Leticia Carcano et Stanislas Poniatowski, elle a pour ambition d’embrasser un peu plus d’un demi-siècle de photographie latino-américaine.

Prisonero encadenado (1979) 375 x 597, par Jorge Brantmayer (1954).

L’expographie égrène plusieurs thématiques qui se succèdent comme les chapitres d’un essai à la fois historique et anthropologique mais  ici visuel. Plus ou moins en filigrane, le parti-pris de l’exposition, dont un découpage typologique n’est heureusement  qu’optionnel à la faveur d’ un bornage signalétique discret, est clairement celui de l’homme latino-américain dans sa quête d’une nouvelle identité, hybride, métisse, qui doit conjuguer la mémoire populaire rurale avec l’attractivité métropolitaine et ses avatars. Tout porte à croire que les points de vues des photographes se sont attachés à fixer des singularités humaines dans la ville. Les uns et les unes sont pris en étau, tantôt entre leur double antériorité culturelle préhispanique et coloniale, tantôt entre les dualités et antagonismes nés d’une vie sociale diurne et de son pendant nocturne.  La collision s’aggrave de l’émergence des nouvelles identités sexuelles et sociales permises ou imposées,  et des incompatibilités entre ruralité et urbanité. Toute cette coercition n’est pas moins  violente mais peut-être plus pernicieuse que celle induite par l’alternance des régimes autoritaire et démocratique qui s’y rajoute et contribue à produire  des mutants en proie à une globalisation culturelle et économique galopante.

La surabondance et la succession brutale d’ images de nature et intentions différentes concourent certainement à faire ressortir et ressentir une sorte de tension permanente propre à un monde dystopique. On peut en percevoir des ressorts qui marquent beaucoup de regards hallucinés d’un mélange d’inquiétude, d’hébétude et de gravité.   De ce monde citadin sud-américain, il émane une impression de  violence chaotique, d’ explosivité latente même, telles que les médias occidentaux en relatent inexorablement les affres. Malgré son intention indéniablement louable, l’exposition pourra provoquer une impression de remplissage inconsidéré où l’on passe sans transition ni vergogne de la lutte syndicale et politique à la condition interlope principalement noctambule des transsexuels, puis d’une  une esthétique « musicale » liée à de vieux couples danseurs de tango argentin — qui soit dit en passant, ne parvient pas à s’exonérer d’un galvaudage exotique qui a sévi en Europe –, à encore d’autres thématiques ou esthétismes plastiques tout aussi contrastés. Au point de procurer un sentiment oppressant de trop plein émotif, voire de saturation.

« La vie dans les villes » selon Michael Wolf,

Rencontres d’Arles, Eglise des Frères prêcheurs

3 juillet – 24 septembre, 10H00 – 19H30,

10 euros (sans pass) , tarif réduit pour les étudiants.

Logée dans l‘espace architectural gothique de l’église désaffectée des frères-prêcheurs dominicains, cette exposition produite en collaboration avec le musée de la photographie de La Haye. Elle a pour ambition de présenter une vue générale du travail de création de Michael Wolf. Depuis son origine, la démarche artistique et véritablement socio-anthropologique de cet artiste allemand passé par les Etats-Unis et émigré à Hong kong où il a travaillé pendant huit ans pour le magazine Stern, s’est focalisée sur la condition humaine, d’abord à la campagne, puis à la ville. Il sait si bien adopter des points de vue différents qu’il est en mesure de faire ressortir de ses clichés, des dualités déconcertantes de  l’aliénation métropolitaine, entre opacité et transparence,  macroscopie et microscopie, hideur et esthétique, vernaculaire et globalisé, rebut et fétiche,  utilitaire et artistique, fascination et répulsion.

Dès l’accès à la nef,  un parti-pris scénographique bien agencé tout en accordant une déambulation aléatoire, se fait sentir. On a pensé et su mettre à profit toute l’ordonnance architecturale pour concevoir dans l’espace, une cohérence d’ensemble, chronologique et à plusieurs facettes. Le choeur, les chapelles latérales, la nef et même le contraste à échelles comparables du style gothique avec la rectitude des tours et barres de béton, concourent à la mise en lumière du cheminement artistique de Michael Wolf comme  de la variété des perspectives et des effets qu’offre le genre de la photographie attelé au sujet somme toute banal de La vie dans les villes.

À droite de l’entrée, une petite chapelle isolée expose la série Bottrop-Ebel , une suite de photographies en noir et blanc réalisées dans un petit village minier de la Ruhr. Michael Wolf est encore à l’université et travaille alors sous l’égide de son mentor Otto Steinert.

Installée verticalement en un en arc de cercle panoramique contre le mur du coeur de l’église, l’oeuvre phare de l’exposition et qui aspire le regard dès l’entrée, est l’installation The Real Toy Story (2004). Elle a mobilisé et  aggloméré une myriade de plus de 20 000 jouets et figurines en plastiques produits en masse par la Chine, et que l’artiste a glanés dans différents lieux de second hand aux États-Unis. Insérés comme les lucarnes d’un calendrier de l’avent aléatoirement au milieu de cette débauche hallucinante de jouets d’enfants, le visiteur découvre des portraits solitaires ou en groupe d’ouvriers chinois livides, au regard las, asservis aux chaînes d’assemblage de ces biens de grande consommation.

Dans la nef de l’église, un accrochage de grands tirages en couleur rendent compte du projet Architecture of Density mené entre 2003 et 2014.  Celui-ci a pour cible  des façades de gratte-ciels prolétariens qui concentrent des cages à poules et  occultent tout horizon en saturant le cadre. Vues de loin elles n’apparaissent plus qu’en verticales  et horizontales colorées plus ou moins larges et contrastées au point de créer l’illusion de tableaux géométriques de l’art moderne. Mais dès que l’on se rapproche, l’oeil distingue de plus en plus une condition humaine de séjour compressé en cage à poule. Une structure cubique rapportée abrite une oeuvre tridimensionnelle , 100 x 100 (2006) qui au visiteur permet d’intégrer l’un des 100 appartements de Skep Kip Mei Estate. Celui-ci fait partie des plus anciens complexes d’habitat social de Hong Kong et compte des logis mesurant chacun exactement 10 X 10 pieds, soit à peu près 3 X 3 mètres. La visite permet d’expérimenter la promiscuité dont l’impression est augmentée par un tapissage à l’intérieur du cube, d’images de ces appartements habités et de leurs occupants qui fixent l’objectif de l’appareil photographique.

Les images de la série Transparent City (2006) contrastent avex celles des barres de béton. Ici Michael Wolf met en exergue la transparence de l’architecture de la ville de Chicago. Après un long séjour en Asie, Chicago lui apparaît comme une opportunité contextuelle contrastée dans la poursuite de son étude documentaire de l’humanité citadine .  La ville est bien moins dense, et offre une vision plus aérée, plus en profondeur. La troisième dimension est présente dans les images.  tandis que la transparence des gratte-ciel dont les façades comportent plus d’ouvertures et de verre, permet dy voir à l’intérieur.

Avec Tokyo Compression, Michael Wolf continue son observation voyeuriste déjà à l’oeuvre dans Transparent City. Mais cette fois, il vise singulièrement des passagers captifs, compressés dans le métro bondé de Tokyo, leurs joues écrasées contre les vitres. Il s’agit ici pour lui de montrer les effets de la concentration humaine dans le style photographique « no exit » déjà employé dans Architecture of Density. Chaque cliché est un entonnoir destiné à piéger le regard du visiteur dans son cadre au moment précis où chaque passager l’est aussi, dans l’incapacité de se soustraire au confinement de cette geôle temporaire. Les images suggèrent l’inconfort des corps contorsionnés jusqu‘à sortir du champ et quitter le cadre. Même les  yeux clos  sont des tentatives d’évasion mentale et d’échappatoire à l’objectif du photographe vouées à l’échec

Pendant les six derniers mois de 2014, Michael Wolf a pris de la hauteur pour trouver des points de vue originaux en hauts d’ immeubles, de terrasses et de cheminées pour réaliser la  série Paris Rooftops. La vision proposée est frontale au point d’annihiler la profondeur et confère aux images une puissance d’abstraction géométrique insoupçonnable de l’architecture parisienne. Les photographies  conjuguent des verticales de murs avec des arêtes obliques de cheminées ou de perspective et des horizontales de terrasses qui alternent selon une distribution magique autours des aplats de couleurs formés par des pans de façades.

Montré dans l’abside de la chapelle dédiée jadis à Saint Dominique, le projet Hong Kong Corner Houses (2005-2011) traite de la survivance des immeubles d’angle à Hong. Pour la plupart, Ils ont été construits durant les années 1950 et 1960 dans le quartier de Kowloon et abritent tant des activités commerciales que des espaces résidentiels. Datant de la période d’austérité des années d’après-guerre, ils ont été rafistolés et transformés souvent illégalement, de telle sorte qu’ils sont aujourd’hui rares et parfaitement uniques. Ils constituent une espèce toujours plus en voie de raréfaction voire d’extinction, chaque fois qu’ils sont un peu plus  démolis et remplacés par de nouveaux immeubles dans une mégapole en proie à une frénésie immobilière sur un territoire non extensible telle qu’elle sévit à Monaco et à une moindre échelle.

Avec Informal Solutions, Michael Wolf a commencé en 2003 une véritable collection photographique et même physique d’objets observés et parfois récoltés dans des rues populaires de Hong Kong que les médias ne s’attachent jamais à montrer d’une grande mégapole économique. Celle-ci met en valeur le revers de la médaille, la part d’ombre de la ville lumière. Or au coeur de l’indigence, s’active une ingéniosité et une inventivité de solutions adoptées par des habitants en proie à un grand dénuement . Ces photographies et ces objets constituent ensemble une sorte de cabinet de curiosités dont la préciosité repose toujours sur la rareté, mais cette fois, celle des gueux contemporains: gants, chaussures, serpillières au séchage sur des structures improbables, sièges hybrides rafistolés et réaffectés, labyrinthes chaotiques formés par les tuyaux de canalisation et de ventilation, objets ready made décoratifs et même artistiques à partir de formes accidentelles.

Au pays de la production de masse, la Chine, Michael Wolf a repéré et collecté des chaises bâtardes qui constituent une ensemble de plus de 100 Bastard chairs. Chacune d’elles est un unicum qui a sa propre histoire. Rafistolées, bricolées à partir d’épaves, 10 appartenant à sa collection sont exposées sur une estrade blanche qui fait office de socle, comme de véritables ready made auxquels s’attache une esthétique de la survivance du rebut. Chez le plus gros producteur d’objets utilitaires domestiques, difficile d’imaginer une conservation quasi fétichiste d’objets aussi détériorés.

Hong Kong Assemblage Deconstructed (2015) témoigne d’une nouvelle orientation influencé par la collection. Ayant photographié un des assemblages urbains de Hong Kong fait d’objets dont des, Michael Wolf a décidé d’ exposer une installation de cintres, ficelles, parapluies, sacs en plastique, ciseaux, ou encore agrafes métalliques afin qu’elle jouxte une photographie ancienne de cet assemblage.

L’issue de l’exposition n’est pas sans provoquer un certain embarras causé par une ultime dualité. Celle d’un grand plaisir esthétique abondamment nourri par l’efficacité artistique du photographe, mais à la condition d’une intrusion voyeuriste et indécente à bonne distance des affres d’une urbanité effroyable.

 

La peinture de Ronan Barrot à Avignon, dans le plus simple appareil.

Auteur de l’affiche du Festival d’Avignon 2017 (ci-dessus à gauche), le peintre Ronan Barrot expose du 06 au 26 Juillet des œuvres — dont la plupart conçues pour l’occurrence — dans l’église  conventuelle des Célestins aujourd’hui désaffectée et accessible gratuitement.

En érudit d’histoire de l’art et dont la filiation à la tradition picturale est criante, le peintre qui affirme « s’être jeté dans la gueule du Louvre », a pris en compte le caractère d’un lieu que la mémoire ne peut jamais désacraliser tout à fait. Avignon offre l’opportunité de visiter beaucoup d’églises toujours consacrées et dotées d’un décor foisonnant de tableaux encadrés par des moulures dorées. Or si la situation est a priori similaire à l’église des Célestins, il n’en est rien. Dans un dénuement « cistercien » de l’architecture gothique, minérale, grisâtre, toute en verticalité sur un sol de terre meuble et nimbée par une atmosphère de pénombre de cachot, le peintre a installé parfois à même le sol, non pas des tableaux, mais des toiles peintes , exemptes de cadres, de cimaises et de cartels en jouant de l’ordonnance architecturale.  L’éclairage ponctuel et oblique des œuvres, la plupart des grands formats (environ 200 x 250 mm), est discret, tout en retenue, comme pour respecter les ambiances obscurcies aussi bien dans les représentations que du lieu d’exposition. Ainsi les images demeurent pâles, sans aucun reflet. Il faut s’approcher et scruter la surface en lumière rasante pour percevoir une alternance de brillances et matités qui témoignent des matières plus ou moins saturées en huile. A l’instar de l’architecture, la peinture non vernie apparaît dans son plus simple appareil, brute et odoriférante, comme si le peintre venait tout juste de terminer son travail (Traditionnellement, les peintures ne pouvaient être recouvertes d’un vernis résineux « égalisateur » qu’au moins un an après leur finition).

© Christophe Raynaud de Lage

Détail

Lorsqu’on observe pour décrypter les images, il ne s’agit plus seulement de scènes religieuses ou théologiques qui illustreraient explicitement l’Ancien ou le Nouveau Testament. Celles de Ronan Barrot y réfèrent sans doute par quelques éléments de composition, de théâtralisation et de formes architecturales, mais demeurent énigmatiques, intemporelles, en comportant une large part  d’incertitude et de mystère. Même des visages se dérobent, distordus à la manière de ceux de Francis Bacon, estompés  et « endommagés » (Cf. détail ci-contre). Comme pour nous dire: « ce vieillard barbu n’est (peut-être) pas celui que vous croyez reconnaître … » Le contour des formes se dilue dans l’opacité des bruns sombres. De quoi s’agit-il ? Qui sont les protagonistes ? Sont-ils actuels ou fictionnels ? Est-ce un moyen de passer du biblique au profane contemporain ? L’artiste le sait-il lui-même ? Est-ce au regardeur de déterminer ce qu’il voit ? Ronan Barrot peindrait-il la part d’ombre de l’homme, au propre  avec un « outre-brun » envahissant, comme au figuré, pour en éclipser une barbarie insoutenable ? Tel Poussin, lui qui a contrario  » … n’a jamais pu peindre la tête du Christ; le corps pas davantage, ce corps d’une complexion si tendre; cette tête où se lisent l’onction et la sympathie pour les misères humaines. » (Delacroix, Journal, 1851, p.438).

En fin de compte, ce n’est pas la représentation d’un thème ni la figuration d’un sujet qui priment puisque le visiteur est laissé sans itinéraire fléché, désemparé avec ses interrogations et son infirmité cognitive. Dès lors l‘enjeu  n’est-il pas précisément  la peinture pour elle-même, sa composition, sa grammaire, sa gamme chromatique, ses harmonies et ses dissonances colorées, son rythme, son énergie, sa puissance, sa force ? Ronan Barrot ne serait pas le premier à vouloir (dé)peindre la peinture. Toujours est-il que la sienne est souvent taxée par d’aucuns — les premiers, un comble,  certains de ses professeurs de l’ENSBA ! — comme une survivance d’académisme  dans la production artistique contemporaine. Or à n’avoir de cesse que de  transgresser l’académisme, on finit par s’illusionner dans un académisme de la transgression.

Une peinture en cours d’exécution, avant l’exposition.

Plus encore peut-être que toute autre, l’empreinte de la manière espagnole du XVII ème siècle et de Goya en particulier semble indéniable. Mais la recherche de parenté apparaît bien vaine sitôt qu’au tableau suivant, c’est plutôt le XIX ème français, Géricault, Courbet, Manet, Delacroix,  l’expressionnisme berlinois des années 1920,  ou encore plus près de nous, les harmonies de Matisse et les empâtements sculpturaux d’Eugène Leroy , qui s’invitent … On retrouve un usage omniprésent de  tonalités claires très colorées qui tranchent avec l’obscur des bruns sombres appliqués vigoureusement à grands coups de brosses ou spalters. Cette façon   caractérise  la dramaturgie et même la violence insufflées dans des images cinglantes qui attirent l’oeil mais dont la signification est redoutable. S’y enchevêtrent dans une furia gestuelle les signes iconiques oscillant toujours entre l’achevé et l’ébauche.

Puisque qu’elle dissimule autant qu’elle révèle,  cette peinture iconoclaste n’est plus médium du message. C’est le thème qui parait  assujetti à la peinture qui se joue d’elle même, du sujet  et d’une iconographie univoques, au point parfois d’estomper  la frontière entre figuration et abstraction  à laquelle d’aucuns veulent toujours se référer. Et c’est déjà en cela que cette manière n’est plus académique et aspire à la contemporanéité quand bien même elle est allusive, évocatrice, mémorielle de maîtres anciens et de sa fonction majeure jadis. Excellant de savoir faire, Ronan Barrot peint en peinture comme un alchimiste cherche en expérimentant sans cesse les ressorts de la technique académique à l’huile. Tout comme un Sigmar Polke, mais sans volonté d’irrévérence subversive. Par exemple, sur un fond de paysage dont la facture est achevée, il a dessiné au trait et en demi-pâte seulement par une ellipse  et une oblique qui ne coïncident pas avec une esquisse initiale en frottis,  une barque qui apparaît alors « translucide » tandis qu’à l’intérieur le nautonier — peut-être Charon traversant l’Achéron — est lui, opaque. Ailleurs, la moitié inférieure du tableau est seulement esquissée quand la partie supérieure est aboutie. Une façon d’inscrire une temporalité dans l’image afin d’en  d’en proscrire la fixité en faisant apparaître simultanément plusieurs phases qui matérialisent la chronologie d’exécution. « Toute la peinture est dans les sacrifices et les partis pris », avait dit Goya. Il faut être virtuose pour oser se permettre ces transgressions expérimentales avec mesure et sans pure fantaisie sur des tableaux dynamiques qui ont été élaborés en concert dans l’atelier, l’un non sans les autres. Telle une emblématique série de crânes alignés dans un triptyque à volets, qui peut faire penser aussi à l’accumulation provoquant un effet de saturation. C’est que leur metteur en scène démiurgique est « fou de peinture » comme il le dit lui-même. Ronan Barrot n’en est pas moins  didactique: à l’heure du pixel, il veut partager avec le regardeur son solfège et les entorses qu’il y provoque,  en l’incitant au décryptage de la fabrication processuelle de ses visions ténébreuses, de leur mystérieux idiome et de leur rapport dialectique.

Puisse l’asservissement à l’habileté qui conduit inexorablement au galvaudage et à l’imposture prétentieuse du toc artistique drapé dans ses oripeaux mondains, épargner ce prospecteur acharné qui brave les ayatollahs de l’art contemporain et sa doxa. Pour s’en prémunir, en digne et téméraire héritier des maîtres qu’il célèbre, il devra nécessairement trouver le courage de continuer à s’aventurer dans des contrées inconnues de son art. « Ils ont à ce point galvaudé leurs éloges, que l’artiste qui se respecte tient pour encens leurs imprécations  » (Gide, Journal, 1924, p. 790)

  • Programme de salle PDF
  • Entretien avec Ronan Barrot PDF

Crédits photographiques : © Christophe Raynaud de Lage

Un peu d’Afrique beaucoup à Paris

« L’ Afrique des routes »             31 Janv. – 12 Nov. 2017              Musée du Quai Branly – J.Chirac  Lire ici

Alexis Peskine • Le radeau de la Méduse • 2015

 

 

« Africa Now ! »                               27 Mars-25 Juin 2017 Galerie des Galeries Lafayette    Lire ici

 

 

 

 

« Afriques Capitales »                  29 Mars – 28 Mai 2017            Grande Halle de la Villette        Lire ici

« Trésors de l’islam en Afrique »                                                 De Tombouctou à Zanzibar Institut du monde arabe          14 avril30 juillet 2017         Lire ici
Expo BILLET FONDATION ART AFRIQUE, LE NOUVEL ATELIER « Le nouvel atelier »   26 Avril – 28 Août 2017 Fondation Louis Vuitton      Lire ici

« Ikonikat » expérimente le parcours visuel sur les images artistiques

Des chercheurs du CNRS ont mis au point une application qui permet d’étudier les différents comportements des regardeurs de tableaux. Le projet ikonikat (Ikonik Analysis Toolkit) ambitionne de découvrir ce que l’on perçoit face à une œuvre d’art. Du 22 mars au 26 juin 2017, l’application sera à disposition des visiteurs de l’exposition « Le Mystère Le Nain », au musée du Louvre-Lens.

Elle associe pour la première fois des sociologues et historiens de l’art en comportant deux colloques-ateliers (du 28 au 31 mars à Lille et à Lens, les 5 et 6 mai à Lens). Son point d’orgue est une expérimentation dans l’exposition, de l’application Ikonikat avec appareils d’oculométrie cognitive et tablettes qui mettent en œuvre le procédé sur sept tableaux des frères Le Nain.

Par des aller-retour successifs, les yeux des visiteurs passeront des peintures accrochées aux cimaises à leurs reproductions numériques sur une tablette, et vice versa ; puis avec leurs doigts, ils pourront cerner virtuellement les visages, tracer par frottement des lignes courbes ou droites avec un  gros trait rouge – un peu comme sur Snapchat pour les plus jeunes, ou sur Paint mais sans l’aide d’une souris pour les autres. L’objectif étant de permettre aux chercheurs de  mieux étudier  la réception des images artistiques.

Interface de l'application Ikonikat affichant le tableau Famille de paysans, de Louis Le Nain. © RMN-Grand Palais (musée du Louvre)/Jean-Gilles Berizzi/Julien Wylleman/Sarah Landel/Ikonikat
Interface de l’application Ikonikat affichant le tableau « Famille de paysans », de Louis Le Nain. © RMN-Grand Palais (musée du Louvre)/Jean-Gilles Berizzi/Julien Wylleman/Sarah Landel/Ikonikat

Les manipulations de chaque visiteur seront collectées par l’application, de même que leurs réponses à un questionnaire sociologique. Leur exploitation devrait permettre de vérifier si l’attention du public se porte réellement sur les éléments jugés les plus importants par les professionnels des musées et les historiens de l’art. Ou encore de comprendre de quelle manière le contexte social et culturel (visites en famille, groupe scolaire, etc.) ou l’ordre dans lequel les œuvres sont présentées, influence leur perception par les visiteurs. Par ailleurs, l’exposition sera la première consacrée aux frères Le Nain depuis plus de quarante ans.
Selon le commissaire d’exposition, Nicolas Milovanovic, « L’interdisciplinarité est encore rare en histoire de l’art et c’est une chance de pouvoir la mettre en pratique à l’occasion d’une exposition au Louvre-Lens ». Cette expérience devrait permettre « de mieux comprendre comment le public appréhende les œuvres, quels sont les cheminements du regard et comment mieux adapter aux différents publics le discours des conservateurs, des conférenciers et des médiateurs. »

Cette expérimentation renvoie au travail d’Amaël Rivoal-Mourelot, diplômée de l’INP en 2012 et à son mémoire « L’oculométrie cognitive ou la perception d’une image. Le cas d’une œuvre lacunaire : La vie de Saint-André, panneau peint catalan, fin XIIIème siècle (Paris musée des Arts décoratifs) présenté lors des JERI 2014. Gaelle Baudry, aujourd’hui diplômée de l’ESAA, avait fait alors un commentaire critique pour Semin’R, de « cette méthode expérimentale, comme une manière de pallier l’absence d’approche scientifique dans le choix de réintégration des lacunes pour la restauration des peintures ». […] « L’oculométrie cognitive est une technique permettant l’enregistrement du mouvement des yeux par un repérage en temps réel de la position du regard. Ce système capte la réflexion de rayons infrarouges envoyés sur la cornée oculaire. Les modes d’enregistrement varient mais dans le cas présent Amaël R-M a utilisé des lunettes dotées de caméras. Les informations récoltées permettent de connaître le temps de fixation d’un individu, le temps d’intérêt et le nombre de fixations par zone sur un support donné. On retrouve l’utilisation de cette technologie dans des études psychologiques, marketing, simulations virtuelles etc… Les usages sont nombreux et même une étude a été menée par la Tate Britain en soumettant à la perception du public deux types de restaurations (monochrome ou illusionniste). »

Du reste, le procédé  Ikonokat pourrait bien servir à d’autres applications de recherche. Le CHispa qui est soutenu par l’Agence Nationale de la Recherche (ANR-13-JSH3-0006ANR ), est destiné à élaborer des outils numériques permettant d’exploiter des corpus d’archives et de manuscrits. En tant que projet expérimental, il prend appui sur des corpus particuliers d’archives  dont les ayants-droits ont accepté la mise à disposition pour la recherche. Le CHispa vise ainsi à développer des méthodologies pour faciliter l’exploitation, grâce aux outils numériques, des archives des écrivains contemporains. Dans ce  cadre CHispa poursuit également une recherche sur la valorisation par le numérique des Arts performatifs.

Lire aussi : « Ikonokat, un autre regard sur l’art »

 

A voir ou à revoir …

 

© Elodie Henaff / CDP29

Voyant, devin, tireuse de cartes, sorcier : ces mots convoquent immanquablement des images d’Épinal, depuis les sorcières du Moyen Âge jusqu’aux marabouts d’Afrique. Pourtant, les pratiques dites magiques n’ont pas disparu en France, en ville comme à la campagne. L’Abbaye de Daoulas s’associe avec le Musée des civilisations de l’Europe et de la Méditerranée (Mucem) pour traiter de la magie et de la sorcellerie dans notre monde contemporain.

Conçue comme un retour sur nos représentations face aux incertitudes du présent et du futur, l’exposition invite à s’interroger sur notre propre position entre rationalité et croyance. Amulettes, supports d’envoûtement, films documentaires – ou encore la reconstitution du cabinet d’un célèbre voyant des années 70, Marcel Belline – matérialisent l’invisible et l’impalpable et nous plongent au cœur d’une autre vision du monde.

BONNE FORTUNE & MAUVAIS SORT AU CINEMA L’IMAGE DE PLOUGASTEL DAOULAS
En partenariat avec l’Abbaye de Daoulas, Le cinéma l’Image de Plougastel Daoulas, propose de septembre à décembre différents films à voir ou revoir en lien avec l’exposition Bonne fortune & mauvais sort. Magie, communication avec l’au-delà, pouvoirs magiques sont au programme.

Plus d’info dans le programme cinéma l’Image en téléchargement ci-dessous.


* CYCLE DES CROYANCES *
Cette année, trois de nos sites partagent en outre le même thème des
croyances. Vous êtes invités à cheminer depuis la foi bretonne du 16e siècle, catholique et préservée des contestations, avec Il était une foi au Château de Kerjean, jusqu’à ces petits arrangements avec le rationnel que raconte l’Abbaye de Daoulas et qui peuvent nous pousser chez les diseuses de bonne aventure ou à croire au mauvais sort. Le Manoir de Kernault, fidèle à son habitude n’en a pas fini de nous raconter des histoires, de celles qui sont peuplées d’êtres immortels, de vampires ou de fées avec Même pas peur ! Voyages dans d’autres mondes.

Chemins du patrimoine en Finistère

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Une exposition monographique d’Hamid Maghraoui

Hamid Maghraoui* s’emploie  à façonner minutieusement et produire  des « oeuvres d’art » qui veulent interpeller ses congénères  à  propos  de  leur  perception  du   réel,  de ses représentations et de ses médiations. Son regard d’artiste y capte d’autres visions, y perçoit des sons, des images au-delà des apparences, insolites, insoupçonnées et qui bouleversent les codes de détermination. Afin de les saisir avec ses instruments de capture, la photographie et la vidéo sonore,  il entrevoit des perspectives et ose investir des points de vue complètement improbables mais Dresscode © Hamid Maghraoui pourtant banals. Finalement pour en transmettre les fruits, il utilise tout type de supports de l’image, qu’ils soient utilisés  dans l’univers collectif ou domestique.  Parallèlement à cette démarche et dans une configuration inaccoutumée, il présente des objets familiers dont il a enfreint l’artefactualité  et modifié la fonctionnalité originelles avec l’imagination farfelue d’un enfant qui (ré)invente et  (re)fait un monde à sa manière.

FRAC LR – photo P. Schwartz

Avec son troisième oeil, Hamid Maghraoui est un éclaireur indien qui lève le voile sur des évidences sous – jacentes, occultes, parallèles, en creux, capables de transcender la trivialité du réel. Le but étant d’en inverser les ressorts, d’en montrer la poésie et l’artisticité  ou encore d’autres composantes cryptiques qui semblent inépuisables. En messager de la Création, il vient révéler que la réalité n’est pas restreinte ni astreinte,  mais multiple et à produire ! Avec des objets du quotidien, il en fait la preuve en donnant des images à méditer à la portée de tous les regardeurs. C’est un art direct et désireux de les apprivoiser dans les lieux réservés et intimidants qui sacralisent l’oeuvre. Or, l’artiste ne livre-t-il pas de la sorte une confidence inavouable en laissant déceler « innocemment » une forme d’iconoclasme latent vis à vis de l’exposition et de l’art lui-même ?

Photo:  Les "sucettes" publicitaires vantent des images de magazines agrandies par l'artiste parce qu'elles ont été raturées à Dubaï par des préposés au contrôle de la décence. Comme au temps de la Contre-Réforme  et des repeints  de  pudeur apposés sur les peintures en Europe  dans le   courant  du  XVIème siècle, ce sont ici des traces énergiques de marqueur noir laissées à même le papier glacé des images, qui biffent  des parties de corps humain jugées trop dénudées. Or l'exposition propose avec malice un renversement sémantique de ces retouches graphiques: elles sont mises en exergue sur des détails photographiques comme pour exalter un habillage vestimentaire digne d'une véritable "griffe" de styliste.

 * H. Maghraoui est enseignant à l’ESA d’Avignon et un consultant  régulier de Semin’R.
Merci à Emmanuel Latreille, directeur du FRAC LR, dont le rôle décisif aura permis (enfin et très justement !) une exposition monographique de cette envergure, en fidélité et soutien à un jeune artiste installé sur le territoire.
DRESSCODE – Hamid Maghraoui
Du 10 mars au 14 mai 2016 au FRAC LR
Du 1 mars au 17 avril 2016 à la Chartreuse et à la Tour Philippe-le-Bel de Villeneuve-lez-Avignon

 

10 expériences de La vie moderne à la 13° biennale de Lyon

Moins de pièces  pour cette biennale au Mac et à la Sucrière  qu’il y a deux ans. Plus d’espace pour chaque oeuvre, plus de temps pour le visiteur de passer de l’une à l’autre. La rédaction de semin’R a particulièrement apprécié successivement, d’abord au MAC …

  • une installation du congolais Sammy Baloji qui se compose de :

The Album
Collages photos, 40 x 55 cm
Sculpture en métal, 400 x 550 cm

Hunting & Collecting
Livre d’artiste, 32 page, 37.5 x 31 cm
Impressions photos, dimensions variable
Photos d’archive

crédits photos © M.Maire 2015

Courtesy American Museum of Natural History, New York, and Royal Museum for Central Africa, Tervuren

BALOJI_02
crédits photos © M.Maire 2015

Au MAC de Lyon, Sammy Baloji érige une structure monumentale, une sorte de pergola métallique qui rappelle celle des dioramas des muséums d’histoire naturelle. L’artiste a récemment collaboré avec Chrispin Mvano, journaliste du Nord-Kivu  dévasté par la guerre sur un album contenant d’anciennes photographies coloniales prises par le commandant belge Henri Pauwels lors de son expédition au Congo entre 1911 et 1913. L’artiste s’en inspire pour rassembler, dans de nouveaux montages, des photos prises par Mvano que jouxtent ses propres clichés prises dans la ville de Goma. A côté, une quinzaine d’images et aquarelles reproduites à partir de la collection du Museum américain d’histoire naturelle de New York, retracent l’une des expéditions au Congo Belge du célèbre taxidermiste Carl Akeley, ainsi que les images de la construction du diorama destiné à accueillir « The Old Man of Mikeno », l’un des premiers gorilles naturalisés au monde.

crédits photos © M.Maire 2015
crédits photos © M.Maire 2015

Suivent un livre de 32 pages, contenant le dessin du parcours en Afrique du commandant Pauwels la carte réalisée par Chrispin Mvano et utilisée par Carl Akeley lors de l’une de ses expéditions en Afrique, ainsi que les dessins des études minéralogiques effectuées par la compagnie minière congolaise Gécamines. Sur le mur du fond, 371 noms d’organisations dédiées à la condition humaine.

crédits photos M.Maire
crédits photos © M.Maire 2015
crédits © Blaise Adilon
  • Un film en 3D de Cyprien GaillardNightlife, 2015, qui débute par la vision de la sculpture en bronze du Penseur de Rodin, endommagée par un attentat en 1970 à Cleveland, puis se termine  à Los Angeles et Berlin avant de retourner à Cleveland pour s’achever sur le seul des quatre chênes encore vivants qui furent offerts à Jesse Owens pour chacune de ses quatre médailles d’or aux Jeux Olympiques de Berlin en 1936. Une psalmodie lancinante et répétitive constitue la bande-son créée à partir des samples de deux versions de la même chanson d’Alton Ellis, mêlant le célèbre I was born a loser, tiré de la version Blackman’s World de 1969, et celle de la version de 1971, Black Man’s Pride, dont le refrain était entre-temps devenu I was born a winner. On retiendra particulièrement les images superbes d’arbres et de végétaux secoués par un vent en furie, et celles filmées à l’intérieur d’un feu d’artifice par une camera embarquée sur un drone.
crédits © Cyprien GAILLARD 2015

Soundtrack :
© BLACK MAN’S WORLD
Performed by Alton Ellis, (P) 1970 Sanctuary Records Ltd., a BMG Company, Courtesy of BMG Rights Management GmbH
Written and composed by Alton N. Ellis, published by Haka Taka Music, Courtesy of Melodie der Welt GmbH & Co. KG.
© BLACK MAN’S PRIDE
featuring the performance of Alton Ellis is licensed by Jamaica Recording and Publishing Studio Limited,
13 Studio One Boulevard, Kingston 5, Jamaica
Written and composed by Alton Ellis, published byThird Side Music o/b/o Jamrec Music,
Courtesy of Rückbank Musikverlag Mark Chung

Copyright Cyprien Gaillard
Courtesy de l’artiste et Sprüth Magers, Berlin

  •  Une oeuvre de Massinissa SelmaniSouvenir du vide, 2011-2015,  qui est un film d’animation projeté sur des cubes de papier calque translucide. Des images diverses aussi tragiques qu’humoristiques constituent une sorte de rébus indéchiffrable.
crédits © Blaise Adilon
  • Un cout métrage de Cecilia Bengolea et Jeremy Deller , Rhythmasspoetry, (Création Biennale 2015) qui ont collaboré pour la première fois pour parcourir ensemble l’agglomération de Lyon – ses quartiers périphériques, ses contrastes et sa diversité. IAprès qu’ils rencontrent Denis Trouxe, l’ancien adjoint au maire, chargé de la culture et du patrimoine à la ville de Lyon, Cecilia Bengolea compose avec lui un rap à la fois loufoque et sciemment caricatural.
    Rhythmasspoetry
    crédits © Cecilia Bengolea & Jeremy Deller

    Denis Trouxe accepte de l’interpréter dans sa villa cossue de Champagne-au-Mont-d’Or (une banlieue plutôt cossue de l’ouest lyonnais) – accompagné par Domy Caramel, Latys Shye et Sarah, trois danseuses de dancehall originaires de Vaulx-en-Velin, une banlieue « sensible » à l’est de Lyon. On a droit à un vidéoclip surprenant, qui rappelle le caractère suranné de ceux à petits moyens de chanteuses et chanteurs africains, et où se côtoient des représentants de classes sociales très peu enclins à se rencontrer dans la vie courante.

Courtesy des artistes et Art:Concept, Paris

  • Puis à la Sucrière,  une série de photographies de George OsodiOil Rich Niger Delta et Rois du Nigeria,
    crédits photos © M.Maire 2015

    qui réfèrent indirectement à l’exploitation du pétrole dans le delta du fleuve Niger, qui produit à la fois richesse et malheur . HRM Benjamin Ikenchuku Keaborekuzi 1, Dein of AgborLa série Oil Rich Niger Delta est constituée de deux cents images témoignant des dégradations de l’écosystème du fleuve et les conséquences de la pollution sur la population locale. Selon George Osodi, « le début du commerce du pétrole a signé le début d’un drame visuel » qui provoque pauvreté, corruption et violence.

    Ogoni Boy

    Pour la Biennale, l’artiste a souhaité inclure quelques-uns des cent portraits de sa série des Rois du Nigeria : le projet est destiné à montrer la complexité de l’histoire du Nigeria. iiiii_05

    Il se réfère au rattachement voilà cent ans des parties Nord et Sud du pays et souligne l’unité possible d’un pays pourtant déchiré par les attentats de Boko Haram et de nombreux conflits ethniques et religieux.

HRM Agbogidi Obi James Ikechukwu Anyasi ll, Obi of Idumuje Unor

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

  • la sculpture  d’Andreas Lolis,  Permanent Residence, (Création Biennale 2015). On s’attend à trouver une cabane faite d’un asemblage approximatif de  cartons et palettes en bois de SDF. Mais à proximité,  il s’agit de marbres précieux et sculptés à la perfection en trompe l’oeil. L’artiste grec joue du paradoxe en sculptant le marbre, matériau étroitement lié à l’architecture  et à la sculpture glorieuses de la Grèce antique, pour construire une structure précaire référant à la pauvreté et à la situation économique désastreuse de la péninsule héllénistique contemporaine.

Permanent Residence

Permanent Residence
crédits © Blaise Adilon

Courtesy de l’artiste et The Breeder, Athènes

  •  Un film d’animation de David Shrigley, Start/Finish, 2015,qui est une version modifiée du jeu d’arcade de Sega des années 80, Out Run. Le spectateur assiste à la conduite d’un pilote tenant un volant à deux mains, se maintenant sur une route où apparaissent soudainement des personnages réclamant vainement du secours. Pas question de s’arrêter et comme dit l’artiste: « Peut-être est-ce une réinterprétation de la parabole du Bon Samaritain », qui met en scène un voyageur, attaqué et laissé pour mort par des bandits sans que personne ou presque ne se préoccupe de lui…
Start/Finish
crédits © Blaise Adilon

Courtesy de l’artiste et Anton Kern Gallery, New York ; BQ Gallery, Berlin ; Stephen Friedman, Londres et Nicolai Wallner Gallery, Copenhague

  • Une installation d’Hicham Berrada, Mesk-Ellil, qui présente, dans une lumière bleutée, sombre, un environnement nocturne, une sorte de jardin botanique en clair-obscur où poussent du mesk-ellil ,
Mesk-ellil
crédits © Blaise Adilon

(« musc de la nuit » en arabe, « cestrum nocturnum » en latin, « jasmin de nuit » en français) dont la particularité est de s’ouvrir uniquement la nuit en libérant un parfum très intense. Cette installation inverse le cycle jour/nuit de la plante afin que les visiteurs puissent faire l’expérience olfactive et sensorielle d’un jardin de nuit, pendant les heures d’ouverture de la Biennale. La nuit (la vraie), lorsque la Biennale est close, un éclairage horticole permet aux plantes de rester en floraison et de bénéficier de la lumière du jour.

Courtesy kamel mennour, Paris

  • Une autre installation de Otobong NkangaWetin You Go Do ?, (Création Biennale 2015) composée de boules de béton de différentes dimensions, peintes en bleu et reliées entre elles par des cordages, tandis qu’une bande-son envahit l’espace. Otobong Nkanga dit utiliser sa voix et son corps comme medium de ses idées, qu’elle incarne dans des performances ou des installations. Ici, telles des planètes, les boules sont une sorte de raccourci des différents usages et valeurs culturelles que nous associons aux ressources naturelles. Trois boules diffusent chacune un monologue, créant une mélopée qui rebondit dans l’espace et crée de facto une sorte de dialogue.

Courtesy de l’artiste

crédits © Blaise Adilon
  • Un parcours non obligé proposé par  Kader Attia, Les oxymores de la Raison / Reason’s oxymoron, (Création Biennale 2015)

    S’il veut franchir le passage d’une salle à l’autre, le visiteur se retrouve face à un parcours labyrinthique composé de petits bureaux disposés en open space et tous dédiés à l’archivage et l’archive. Réparer l’irréparable est constitué de 18 vidéos qui alimentent un essai sur la pathologie psychiatrique telle qu’elle est perçue dans les cultures extra-occidentales traditionnelles d’une part, et dans les sociétés occidentales modernes d’autre part. Le visiteur peut visionner sur un écran dans chaque « station » du parcours, une série interviews de psychiatres, psychanalystes, philosophes, ethnologues, historiens, musicologues, de guérisseurs et féticheurs, de marabouts et griots, et même de patients, où alternent explications rationnelles et représentations irrationnelles de ce que l’Occident nomme la psychiatrie.  « L’œuvre s’intéresse particulièrement à la question de l’irréparable, inhérente à celle de la réparation, et interroge l’ambivalence de la psyché des sociétés modernes occidentales par rapport aux sociétés extra-occidentales traditionnelles. » (présentation de l’oeuvre sur le site de la biennale)

    Galleria Continua, Les Moulins

Les oxymores de la Raison
crédits © Blaise Adilon

 

 

 

 

 

L’art et la machine au Musée des confluences de Lyon.

art_machine_affiche_300Du 13 octobre 2015 au 24 janvier 2016, l’exposition“L’art et la machine” voudrait mettre en lumière les relations étroites entre le regard de l’artiste sur la machine et l’évolution des technologies industrielles et mécaniques, depuis les planches techniques de l’Encyclopédie au XVIIIe siècle, jusqu’, à l’ère électronique à partir de la fin du XX° siècle. 

Le compte-rendu est à venir.

AFFICHES DE CINEMA RESTAUREES A PERPIGNAN

L’Institut Jean Vigo est une cinémathèque euro-régionale établie à Perpignan  qui oeuvre pour la sauvegarde, la conservation et la transmission du patrimoine cinématographique. Sa collection compte plus de 56 000 pièces, dont un fond d’affiches de cinéma qui est le 3ème plus important de France.

Dans les grandes salles royales de la citadelle du Palais des Rois de Majorque, cette exposition met en lumière 38 affiches de cinéma d’origine française, mais aussi américaine, italienne ou allemande. Ces affiches ont toutes été restaurées et numérisées  par la Cinémathèque Française.

A  voir du 20 juin au 30 août 2015 au Palais des Rois de Majorque à Perpignan. Informations: 04 68 34 48 29. www.cg66.fr

Le Musée du Prado célèbre la restauration du « Calvaire » de Rogier Van der Weyden

Le Musée du Prado célèbre la restauration du Calvaire  de Van der Weyden (34 x 194 cmà l’occasion d’une  exposition unique. C’est en effet la première fois que sont réunis exceptionnellement les trois tableaux « qui peuvent être attribués en toute certitude  à la main de l’artiste », affirme Lorne Campbell, le commissaire de l’exposition et l’un des plus grands spécialistes mondiaux du peintre né Rogier de le Pasture à Tournai vers 1400, décédé Rogier Van der Weyden à Bruxelles en 1464, et qui n’a lui-même jamais possédé ces trois tableaux ensemble.

Miraflores

Les    deux   autres    tableaux     accompagnant   le  Calvaire     sont    le Triptyque de Miraflores (71 × 43 cm (x3))  offert par le roi Juan II de Castille à la Cartuja de Miraflores à Burgos,  propriété aujourd’hui de la Gemäldegalerie de Berlin,  et La descente de croix conservée (220 × 259 cm) au Musée du Prado, qui fut peint pour l’église de Notre-Dame de Louvain hors-les-murs sur commande de la corporation des arbalétriers, aux alentours de 1435 selon Lorne Campbell.

Confié par le Monastère de San Lorenzo du Palais de l’Escorial et après un processus de conservation-restauration commencé voilà trois ans avec le soutien de la fondation Iberdrola, le Calvaire, d’un poids de plus de 200 kg  principalement du à quatorze panneaux de chêne balte, peint entre 1457 et 1464, année de la mort de l’artiste, sera exposé au Prado à partir du 24 Mars.

Exposition au Prado du 24 mars 2015 au 28 juin 2015

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