Archives de catégorie : Billets

Au sujet de l’ « approche biographique »

 Objets inanimés, avez-vous donc une âme

Qui s'attache à notre âme et la force d'aimer ?

(Lamartine, extrait de Milly, ou la terre natale)

1.  En conservation-restauration, l’approche biographique constitue une démarche visant à la production d’informations et de connaissances centrées sur le récit de la « vie » d’un bien culturel. Il s’agit d’appréhender des situations et des phénomènes étudiés au prisme de la narration sous forme d’un récit biographique. La pratique de l’enquête à propos d’un objet révèle qu’une bonne part de ses propriétés ne se distinguent qu’à l’examen des épisodes jalonnant son parcours dans un contexte et une histoire.

2. Etudier un bien de collection publique requiert absolument de se focaliser aussi sur sa situation muséale, où se jouent des interactions multipartites entre l’objet lui-même, le public, le muséographe, le régisseur, le donateur, le dépositaire, et l’enquêteur / conservateur-restaurateur. Il est important de prendre en compte toutes les subjectivités des différents interlocuteurs avec lesquelles  l’objet est en prise.

3. Il ne revient pas au conservateur-restaurateur de déterminer les qualités de préciosité et rareté d’un bien culturel. Sa tâche consiste à déceler et recenser les facteurs qui y concourent dans une situation donnée. Les matières constituantes de ce bien ne sont pas signifiantes et précieuses en soi, mais seulement dans un certain contexte. L’approche biographique enseigne que la préciosité est davantage tributaire du lien relationnel à une chose matérielle qu’au(x) matériau(x) qui la compose(nt). L’identité de cette chose matérielle n’est donc pas réductible à sa fonction ni à la matière dont elle est faite.

4. L’identité des biens culturels mobiliers est une notion cruciale en ce qu’elle est directement et précisément corrélée à celles d’authenticité et d’intégrité. Au reste, ces deux dernières qualités  sont toujours mentionnées dans les codes déontologiques enjoignant les conservateurs-restaurateurs à leur absolu respect comme autant de repères cardinaux déterminants auxquels sont assujettis leur compétence, leur activité et leurs résultats.

5. L’approche biographique des objets qui est déjà propre à différentes sciences humaines, ne se réduit pas à une seule pratique de recherche. Elle est susceptible de constituer aussi le support d’une « recherche-action ». En effet, l’approche biographique ne répond pas seulement à de seuls enjeux de connaissance n’incluant pas le biographe. La démarche concerne celui-ci au premier chef, par le fait qu’il aura à agir dès lors que sa proposition de traitement de l’objet examiné aura été acceptée.  Il peut aussi être impliqué dans la réflexion et l’analyse qui sont menées, et même amené à des connaissances reliées à d’autres sujets que ceux sur lesquels porte directement son enquête. Si la production de connaissances demeure la visée principale, le récit de vie peut se concevoir aussi comme un compte-rendu de l’implication du conservateur-restaurateur dans la « vie » des oeuvres et ses conséquences, tout comme un outil d’analyse de sa pratique professionnelle.

Portrait robot de Rembrandt

Ce  portrait    dévoilé   le 5  Avril 2016, n’est   pas  de  la  main  de Rembrandt  van Rijn.  Il  a  été réalisé    347  ans  après  sa  mort, par    une    intelligence   artificielle   et    une   imprimante    haute définition, dans le cadre d’un projet  mis en oeuvre par  la  banque ING,  l’université de   Delft et deux  musées   néerlandais.  Ce sont
des    scanners    3D   et   le   deep  learning,   une    branche    de l’intelligence    artificielle    qui    permet    à  un  logiciel d’assimiler des données constantes à partir d’un grand nombre d’exemples.

The Next Rembrandt
 crédit : The Next Rembrandt

Avant de pouvoir  obtenir  exactement le style  et le coloris de Rembrandt par reproduction, les opérateurs ont scanné  en haute-définition et en 3D près de 300 des peintures du maître hollandais, avant qu’elles soient analysées par un algorithme qui en a extrait toutes les données. C’est grâce à la société Microsoft que le programme a pu relever les grandes caractéristiques de la production du peintre afin d’exécuter le portrait d’un sujet-type:  un homme de type caucasien portant la barbe, entre trente et quarante ans,  en position de trois-quarts , en habit sombre avec chapeau et col blanc, regardant à droite. Le programme a pu analyser la manière dont le peintre hollandais élaborait ses portraits : espacement entre les yeux, position du nez, forme des visages , etc. La  peinture classique se caractérise par une matière en trois dimensions constituée de couches superposées d’inégales épaisseurs et de zones de reliefs dont il est possible de faire la stratigraphie. L’algorithme utilisé a parfaitement intégré ces aspects pour être capable de produire des cartes topographiques pouvant rendre compte des différences d’épaisseur de la matière peinte. Une fois tous les paramètres enregistrés, il aura fallu 13 couches d’impression successives d’une encre spéciale pour obtenir l’équivalent du relief des peintures de Rembrandt, et une image de 148 millions de pixels: « The Next Rembrandt« .

Cet événement ne peut pas empêcher de penser qu’au rythme où progresse la technologie et la robotique, il n’est plus fantaisiste de penser que bientôt, une machine sera capable de restaurer un tableau après qu’une intelligence artificielle en aura capté toutes les données utiles pour ce faire.

Can a robot paint like a classical artist? That is the question being posed in an amazing competition that challenges teams to create a robo-Rembrandt. A dozen teams from around the world have already committed to RobotArt, with over $100,000 in prize-money available

©University of Konstanz/REX/Shutterstock

3th anniversary of Semin’R


The   actual   website  has  succeeded  two  previous  drafts begun since 2011. After the last one put under the name of Seminesaa in April  2014  on  the  OpenEdition  website  dedicated  to  electronic resources  in  the humanities  and  social  sciences ,  Semin’has taken  off  and  lists  now 3500 to 4000 different visitors per month.

Semin’R is  an online platform and a part of the Interdisciplinary Research Unit concerned with studies of, and engagement with, Conservation of artistic and Heritage artifacts [IRU-cr] at the Ecole Supérieure d’ Art in Avignon, France. This is conceived as a “research notebook”  which is aimed at both the students of conservation and readers concerned with the preservation of cultural property. One of the challenges of this forum  is to provoke the students to detach themselves form the prevailing, standard ways of thinking about a static, immobile object  and to develop, and argue for, an interdisciplinary approach exemplified by carefully selected case studies.  It is intended to open up on current and future researches for students of second and third cycles, providing also a set of tools into links, as well as for teachers and external researchers interested in these topics.

Semin’R hopes to attract the curiosity of those who are curious and open when it comes to thinking about conservation and its related issues – this discipline too often still supposed to the prism of erroneous clichés.

Our space wishes to contribute to the historical, epistemological, methodological and meta-critical approach in conservation. It acts on the cross-sections of hard sciences, human (and social) sciences, and borders on certain artistic practices. Being an online research notebook, it aims to examine the field of conservation and its varying applications contingent on the ontology and system of objects under consideration by the conservator-restorer.

Our platform raises a number of field-related questions concerning a variety of problems and attempts to initiate a discussion. Among issues discussed are.. (describe here more specifically.  The involved factors are numerous, whether of artworks or cultural artefacts; they require a special attention and determine to a large extent the approaches and possible hypotheses, as well as the requirements that the conservator faces. Our research interested and reflected in this forum, revolve around means of production, appropriation, and signification related to social situations.  Taking into account diverse viewpoints and contexts, the critical inquiry pursued here investigates the shifting status of objects, the aspects of identity, authenticity and originality, the fate of images and discourses in socio-cultural processes.

From this perspective, Semin’ R engages in a reflection that exceeds the ideological « restoration ». Acknowledged as hold of a monopoly institutional and centralized of the rhetoric on the discipline, conservation is still too often envisaged according to a scientistic or positivist conception, and confined to the rank of auxiliary activity which activities are reduced to the investigations of the physicality of the objects it is called upon to treat.
 Still somewhat confined to invisibility and mutism by the virtue of an outdated anachronistic ideology of restoration, the conservator, now involved in a liberal-minded activity, must endorse the more theoretical discourse and be capable to sustain it.

Further, Semin’R engages with projects related to the maintenance and conservation of both contemporary artistic and ethnographic artifacts. The  » art and artefactuality  » seminar that the philosophizer Jean-Pierre Cometti  (1944-2016) launched in 2011, is the heart of this program. This seminar ‘art and artefactuality’ proposes sessions wishing to provides responses on questions which will mark the stages with it. It is intended to open up to resources of other disciplines and to current researches. 
The approach is prospective in that it is also oriented towards the theorization of a conservation engineering (see https://seminesaa.hypotheses.org/5479). This is part of the ‘material turn’ — which refutes the categorial division as form / matter, image / medium, material / immaterial — is capable of underpinning a re-conception and a repositioning of the profession of conservator according to the criteria of an engineering.
(translation with the precious help of Hanna Hölling)
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This work is licensed under a Creative Commons License.

Nanorestauration

Rémy Dreyfuss-Deseigne en train de restaurer Matisse  D.R.  Rémy Dreyfuss-Deseigne. Photo HD / L’Est Républicain
Dans le cadre de son mémoire de fin d’études à l’Institut national du patrimoine, Rémy Dreyfuss-Deseigne prend en chage des « vues d’optique », une sorte d’estampes imprimées en noir sur papier très fin et polychromes que l’on visionnait dans une boîte noire.  Cinéma portatif de l’époque, l’illusion d’une animation était produite par le défilement de plusieurs vues. Habituellement, c’est un papier japonais qui est utilisé, mais il manque de transparence. C’est une des  raisons qui pousse l’étudiant à aller voir du côté des  nanotechnologies auxquelles il s’intéresse par ailleurs déjà, et, sur les conseils du directeur du Laboratoire du Jardin des Plantes, il examine les potentialités de  la nanocellulose. Ce matériau constitué de cellulose pure extraite de plantes, extrêmement fin et translucide, est couramment  utilisé dans l’électronique, la médecine ou l’agroalimentaire, mais à sa connaissance,  pas encore en conservation-restauration de biens culturels. Reste à résoudre le problème de  sa manipulation. A force d’essais successifs, Rémy Dreyfus Deseigne a développé une technique qui lui permet de l’expérimenter à plusieurs reprises , comme  sur les calques de l’architecte Louis Kahn, au Conservation Center for Art and Historic Artefacts de Philadelphie dans le cadre d’une bourse de recherche, puis sur  des dessins de Paul Cézanne, Albrecht Dürer,  Henri Matisse, Salvador Dali, …

Sitôt rentré en France, le Centre national de la cinématographie, la Cinémathèque française et La Monnaie de Paris lui commandent, pour les premiers,  la restauration de l’acétate de cellulose d’anciens  films d’animation, pour le troisième, de ses calques et assignats. Le diplômé de l’INP en 2015, a déposé un brevet à l’Institut national de la propriété intellectuelle (INPI) qui doit assurer la protection de sa méthode. Il exerce son activité installé dans l’est de la France,  et envisage de diffuser sa technique de nanorestauration par des formations, ainsi que des feuilles de nanocellulose.

Destruction du patrimoine culturel = « crime de guerre »

Il y a tout juste un mois, une résolution portant le numéro 2347 portée par l’Italie et la France — les deux nations respectivement les plus grandes détentrices de patrimoine artistique — a été adoptée à l’unanimité par le Conseil de Sécurité de l’ONU, afin que la destruction du patrimoine culturel devienne « crime de guerre ». On se souvient avec émotion,  pendant celle de Bosnie-Herzégovine (1992-1995), du pilonnage méthodique du pont de Mostar et de sa destruction par l’artillerie croate sous les caméras du monde entier, en 1993. Très récemment, des sites et des cités antiques ont été ravagés sous l’oeil des médias par des extrémistes musulmans, et notamment   par l’organisation Etat islamique (EI). Ainsi les sites de  Bahmian en Afghanistan,  Ninive, Nimroud, Hatra constituant le  berceau de  l’écriture et de la architecture monumentale primitive, l’ancienne Mésopotamie couvrant l’Irak actuel plus une partie de la Syrie orientale, ont subi des dégâts irréversibles. Les cas lesRésultat de recherche d'images pour "destruction de palmyre" plus atteints et médiatisés il y a peu, furent ceux de l’oasis syrienne de Palmyre et du vieux souk couvert d’Alep, sciemment prémédités comme une atteinte directe à la population dans son patrimoine culturel, son identité et sa mémoire, avec pour objectif d’ éradiquer toute trace de civilisation en faveur d’un retour littéral au temps du prophète de l’Islam. Déjà en 2015, l’ONU s’était fendu d’une résolution 2199 pour interdire  le commerce de biens culturels et d’antiquités en provenance d’Irak et de Syrie, tant le pillage de sites et de collections publiques avait pris de l’ampleur. Désormais plus de cinquante états échangent leurs informations avec l’Unesco, Interpol, les services des douanes, le groupe de travail « UnisPourLe Patrimoine », dans le but de mettre fin au trafic d’antiquités qui représente une manne  financère des  réseaux djihadistes, comme celui de l’EI au Proche Orient. En effet, celui-ci incite à la fouille clandestine de pilleurs qu’il rémunère. Lors de la séance du 24 mars dernier, la directrice générale de l’Unesco Irina Bokova a déclaré: « La destruction délibérée du patrimoine est un crime de guerre, elle est devenue une tactique de guerre pour mettre à mal les sociétés sur le long terme, dans une stratégie de nettoyage culturel. C’est la raison pour laquelle la défense du patrimoine culturel est bien plus qu’un enjeu culturel, c’est un impératif de sécurité, inséparable de la défense des vies humaines. [ …] Les armes ne sont pas suffisantes pour vaincre l’extrémisme violent. Bâtir la paix passe aussi par la culture ; cela passe par l’éducation, la prévention et la transmission du patrimoine. C’est tout le sens de cette résolution historique ».

Une étude sur l’activité de la conservation-restauration

Projet CORE : Le champ d’activité de la conservation-restauration des biens culturels, sous la responsabilité de Léonie Hénaut (avril-octobre 2017)

Le Département des études, de la prospective et des statistiques (DEPS) du ministère de la Culture et de la Communication subventionne le projet de recherche intitulé « Le champ d’activité de la conservation-restauration des biens culturels. Points de tension et d’attention pour une étude statistique et socio-économique » sur une période de 7 mois, d’avril à octobre 2017.

L’équipe comprend Léonie Hénaut, chargée de recherche CNRS au CSO, ainsi que deux chercheurs post-doctorants engagés à temps plein au laboratoire : Jasmina Stevanovic et Gabriele Pinna.

Résumé :

Dans la perspective du lancement d’une étude statistique et socio-économique sur les professionnels indépendants qui s’occupent de la conservation et de la restauration des biens culturels en France, nous proposons de réaliser une étude préalable visant à cerner les contours du champ d’activité, et à documenter les points de tensions concernant le marché public de la conservation-restauration aujourd’hui. L’étude préalable comportera deux volets :

Le premier volet « institutionnel » vise à mettre en évidence et à raisonner l’hétérogénéité des définitions de l’activité de conservation-restauration au sein de l’administration centrale du ministère de la Culture, et à produire une première cartographie des modes de fonctionnement de la commande publique dans les différents domaines patrimoniaux, à partir d’entretiens et de documents. Des responsables d’associations représentant les conservateurs-commanditaires seront également interrogés pour connaître leur point de vue sur les normes prescrites par l’administration et les difficultés qu’ils rencontrent au quotidien dans leur mise en œuvre.

Le second volet « professionnel » consiste en une enquête qualitative exploratoire auprès de professionnels indépendants intervenant sur les biens culturels publics pour comprendre comment ils perçoivent le marché et organisent au quotidien la gestion de leur activité, éventuellement à plusieurs, et quelles difficultés ils rencontrent selon les modèles d’entreprise, les domaines de spécialités et les lieux d’exercice. Les données recueillies dans le cadre de ces études de cas approfondies seront mises en regard avec les revendications des différents groupements professionnels, analysées à partir des sources écrites qu’ils produisent et d’entretiens réalisés avec leurs représentants.

Appel à parrainage / Call for sponsorship

Le parrainage dont il est question ici, est un soutien financier à fournir à quelques étudiant(e)s, en vue d’en retirer un bénéfice direct, selon la définition prévue par l’arrêté du 6 janvier 1989 relatif à la terminologie économique et financière *.

Cette année aura lieu  le  18 ème congrès triennal de l’ICOM-CC  à Copenhague au Danemark, du 4 au 8 Septembre inclus.  La contribution demandée pour financer  la participation de ces étudiant(e)s à cet événement, s’élève en tout ou partie à la somme forfaitaire de Mille (1.000,-) Euros par personne. Elle doit servir à couvrir les frais d’inscription au congrès, des voyages AR, d’hébergement, et de per diem.

Merci de partager ce message et de faire offre en prenant contact avec la rédaction, impérativement avant le 10 May 2017 : 
seminart.esaa @ gmail.com
The sponsorship which is referred,  is financial support for a few students with a view to obtaining a direct benefit as defined by the French legal  decret of the 6th  January 1989 on economic terminology and Financial system *. This year will be the 18th ICOM-CC Triennial Congress in Copenhagen, Denmark. The contribution requested to finance the participation of these students in this event amounts, in whole or in part, to a thousand (1.000,-) Euros per person. It is intended to cover conference registration, AR travel, accommodation, and per diem expenses.
Thank you for sharing this message et making your offer by contacting the chief-editor, imperatively before 10 May 2017: 
seminart.esaa @ gmail.com

The 18th Triennial Conference /   will be held in Copenhagen, Denmark from  4-8 September 2017.

The Conference theme is « Linking Past and Future« . In close collaboration with the ICOM-CC Directory Board, the Danish National Organizing Committee and its Danish partners will develop an appealing plenary programme as well as a full social programme.

The Conference will also mark and celebrate ICOM-CC’s 50th Anniversary.

* L’article 39-1-7° du CGI prévoit que les dépenses engagées par les entreprises dans le cadre de manifestations notamment de caractère culturel ou concourant à la mise en valeur du patrimoine artistique ou à la diffusion de la culture, de la langue et des connaissances scientifiques françaises, sont déductibles du revenu imposable de l’entreprise lorsqu’elles sont engagées dans l’intérêt direct de l’exploitation.

Intérêt de dépenses de parrainage:

Les dépenses engagées pour un  parrainage sont destinées à promouvoir l’image de marque de l’entreprise. Celui-ci répond donc à une démarche commerciale explicitement  raisonnée, quant à sa retombée.

Condition de déduction

Les dépenses de parrainage sont déductibles des résultats de l’entreprise soumis à l’impôt sur les sociétés, qui les engage lorsqu’elles sont exposées dans l’intérêt direct de l’exploitation. Cette condition est considérée comme remplie lorsque :

  • l’identification de l’entreprise qui entend promouvoir son image de marque est assurée quelque soit le support utilisé (affiches, annonces de presse, effets médiatiques, etc…) ;

  • les dépenses engagées sont en rapport avec l’avantage attendu par l’entreprise. Celle-ci doit être en mesure de justifier que les charges supportées à l’occasion d’une action de parrainage ne sont pas excessives eu égard à l’importance de la contrepartie attendue.

Les dépenses engagées doivent satisfaire les conditions générales des charges au même titre que les autres frais généraux. En raison de son caractère commercial, la dépense de parrainage doit faire l’objet d’une facturation assujettie à la TVA.

« Art and artefactuality » seminar

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Nam June Paik, «Random Access Music» Exposition of Music – Electronic Television, 1963, crédits : Manfred Montwé | © Nam June Paik

The « art and artefactuality » seminar focuses primarily on contemporary art made since the 1960s and ethnographic objects (to be understood as being  geographically and temporally, native  to distant cultures). Conducted by Gaspard Salatko and Marc Maire, it examines  issues raised when both works of art designed to be iterative, ephemeral, or provisional, and artefacts produced to have a limited lifetime, become the subject of conservation and exhibition projects.  Considering both conceptual and material problems, the aim of the seminar is to help significantly students to resolve difficulties of conserving and restoring the  cultural property they have in charge. With nine meetings in the year, the reflection is particularly  based on case studies and recent treatments proposed by ancient students of the conservation cursus in the ESAA.

Introduced in 2011 by an interdisciplinary duet, the philosopher Jean-Pierre Cometti and the conservator Marc Maire, this seminar is continuing a practice begun for more than ten years in the ESAA to anchor the research practice in second cycle of the conservation training. It attempts to develop  research processes to formulate their  methods and rules, while making a methodological reflection on this exercise. This kind of heuristics is evolving by developing, dilating, and accentuating reflections as well as by trying hard to supply and to refine answers to problems of conservation applications.

The seminar establishes at the same time, the theoretical, methodological and practical cornerstone of the second cycle research education program, by displaying themes on nine monthly sessions, from October till June included.  According to the status, the ontology and the objects regime of which conservation is called to take care, it aims expressly at questioning its field of intervention at the crossroads of  philosophy of art, aesthetics, art history,  technical culture and  other human and social sciences.


 

 

Référentiel de la formation à la c-r de l’ESAA, en 10 points

Référentiel 2017 de formation à la conservation-restauration de l’ ESA d’Avignon en 10 points

1 ● Sciences humaines

– Histoire des arts visuels et des médias

– Socio-anthropologie de la culture

– Philosophie de l’art / esthétique

– Muséologie / expologie

2 ● Enquête documentaire

– Collecte de sources

– Rédaction de notes de lecture

– Exploitation des sources

3 ● Pratique artistique et technique

– Approche théorique et pratique de médiums (Dessin, photo, vidéo, numérique, …)

– Pratique de la création et de l’exposition

– Pratique de l’écriture rédactionnelle

4 ● Pratique de l’anglais

Compétence pour accéder à la littérature internationale et communiquer à l’étranger, le français n’étant lu et parlé que par moins de 1 % de la communauté mondiale.

5 ● Sciences et technologie matérielles

– Techniques historiques de transformation et de fabrication des matériaux naturels, artificiels et synthétiques

– Documents historiques et modernes et leur utilisation

– Vieillissement des matériaux organiques, minéraux et des matières plastiques

– Matières et matériaux utilisables, utilisés et prohibés en conservation-restauration et leurs applications

– Sciences de la matière (chimie, physique, biologie)

– Examens et analyses scientifiques : instruments, techniques, formulation de la demande et interprétation

6 ● Conservation – restauration

▪ Histoire et herméneutique

Théories et définitions normatives de l’activité et de la profession en France, en Europe et dans les pays industrialisés

Éthique et déontologie

Éthique de la préservation des biens culturels et de la profession (déontologie), responsabilité pour l’art et le patrimoine culturel en tant que source historique, responsabilité politique, sociale et culturelle envers la société

– Autres cultures

– Institutions nationales et internationales

▪ Méthodologie

– Exploitation de documents connexes à un artefact

– Étude des techniques historiques et matériaux utilisés

– Approche logique (déductive, inductive et abductive) pour l’objectivation de l’argumentation

▪ Pratique empirique et scientifique

– Approche sensitive des artefacts culturels : distances du regard, touchabilité et manipulation, rôle des autres sens, posture corporelle dans l’espace

– Examen visuel de détection des altérations, et utilisation d’instruments complémentaires

– Appréhension, acquisition et entretien de machines, instruments et outils

– Conservation préventive : considération du contexte environnemental ( climat, lumière, pollution) en exposition, stockage, transport et maintenance

– Conservation curative : approche technique mimétique, élaboration d’une proposition de traitements, organisation d’un projet de conservation-restauration

– Restauration : visibilité, lisibilité, intelligibilité, appréciabilité, ré-actualisation, réactivation, …

▪ Documentation

– De l’étude, des examens, du diagnostic et du pronostic, de la démarche critique en vue d’une proposition de traitement, des traitements, de leur mises en œuvre et des sources mobilisées

– Informations iconiques et graphiques

– Bilan des résultats

7 ● Législation

▪ Sécurité des biens, des personnes et de l’environnement

▪ Public : institutions et collectivités

▪ Travail : statuts professionnels

▪ Marchés publics : appels d’offre, devis, facturation

8 ●  Professionnalisation

–  Chantiers-école collectifs permanents inclus dans les programmes scolaires du I° et II° cycles, en partenariats avec des institutions publiques pour des interventions sur leur collection.

– Stage individuel  d’immersion en milieu professionnel pendant le premier cycle (2 à 3 semaines à partir du semestre 3 jusqu’au semestre 5, pendant les congés scolaires)

– Stage individuel d’intégration d’une ou plusieurs institutions publiques ou privées, de préférence à l’étranger, en lien avec le projet de recherche de II° cycle =3 à 4 mois (voire plus) au semestre 8

9 ●  Recherche

– Conception d’un projet de recherche et communication de ses résultats

– Méthodologie de la recherche : démarche analytique, critique, comparatiste, …

– Séminaires méthodologiques et thématiques

– Rhétorique du mémoire et de l’exposé : convenance de l’expression et de la formulation écrite comme orale à un argumentaire

10 ● Diplômes (en fin de L, M et D)

– DNAP, Diplôme National d’Arts Plastiques, option art, mention conservation-restauration, au grade de la Licence,

– DNSEP, Diplôme National Supérieur d’Expression Plastique, option art, mention conservation-restauration, au grade du Master II

– DSRA, Diplôme Supérieur de Recherche en Art, mention conservation-restauration, au niveau du doctorat de III° cycle

Le séminaire « art et artefactualité » en 2016 -2017

Le séminaire art et artefactualité de la mention CR à l’ESAA.

   Ce séminaire initié en 2011 par un duo interdisciplinaire, Jean-Pierre Cometti, philosophe, et Marc Maire, conservateur-restaurateur, se poursuit aujourd’hui dans le prolongement d’une pratique entamée depuis plus de dix ans à l’ESAA pour ancrer la dimension de la recherche en II° cycle de la formation en conservation-restauration. Il s’attache à élaborer des procédés de recherche pour en formuler les procédures — les modalités et règles — tout en effectuant une réflexion méthodologique sur cet exercice. Cette sorte d’heuristique évolue en développant, dilatant, creusant des réflexions aussi bien qu’ en s’efforçant de fournir et d’affiner des réponses aux problèmes posés par l’application de la conservation-restauration plus particulièrement à des productions de l’art contemporain et à des artefacts dits ethnographiques (à comprendre comme étant originaires de cultures éloignées ou révolues).

Sans titre, Yann Cantelaube, ESAA 2015, crayon de graphite, tissu imprimé, collection de l’artiste.

Le séminaire constitue le choeur à la fois théorique, méthodologique et pratique du programme d’enseignement du second cycle, en se déployant sur neuf sessions mensuelles d’Octobre à Juin inclus. Il est piloté aujourd’hui par Gaspard Salatko, docteur en anthropologie sociale et ethnologie, associé à Marc Maire. En fonction du statut, de l’ontologie et du régime des objets que la conservation-restauration  est appelée à prendre en charge, il vise expressément à interroger son champ d’intervention  au  carrefour  de la philosophie de l’art, de l’esthétique, de l’histoire de l’art, de la culture technique et d’autres sciences humaines et sociales. Car le séminaire art et artefactualité poursuit son ambition initiale de dépasser résolument le modèle classique de l’étude  d’un  bien matériel  par  les (conservateurs-) restaurateurs.  Le standard consiste prosaïquement la plupart du temps en un examen scientifique de la physicalité, rapporté à une interprétation du sens sous un angle de vue réduit depuis que la (conservation-) restauration fut érigée en activité auxiliaire de l’histoire et de l’histoire de l’art. Le séminaire art et artefactualité lui préfère une analyse critique toujours singulière — à l’instar de tout objet analysé du point de vue de son trajet dans le temps ou de sa biographie — et alimentée par les résultats d’une enquête pluri-directionnelle qui met en en lumière la complexité d’un objet en prise avec sa variabilité relationnelle, située, synchronique et diachronique.

A la différence de celle du « chercheur » en création artistique, l’ expérience d’analyse et d’interprétation d’un bien patrimonial exclut de se situer sur le plan du vécu, des affects, de l’émotion individuels, de l’idiosyncrasie en somme. Elle vise à ce que son examen des concepts, usages et comportements, participe à nourrir une réflexion à caractère interdisciplinaire devant conduire à des applications concrètes de la conservation-restauration en relation à d’autres activités patrimoniales sur le lieu-même de son exercice. Les éléments structurels du cadre méthodologique contribuant à cette démarche ne peuvent être déterminés qu’à partir d’une analyse de nature à la fois sémiotique et techno-logique. Celle-ci est corrélative d’une caractérisation fonctionnelle et relationnelle qui se fonde sur une véritable enquête anthropologique — culturelle, historique  et sociologique (ou ethnologique, selon) — et qui concerne directement les biens patrimoniaux confiés aux étudiants diplômants dans le cadre du droit du patrimoine. Par un travail de définition et de clarification, le séminaire envisage de lui assortir un outillage conceptuel au service de l’exigence d’une approche critique, tant des objets pris en charge que méta-critique, c’est à dire, de la conservation-restauration elle-même. L’enjeu étant la capacité d’alimenter un argumentaire doublement idoine: à la fois propre au conservateur-restaurateur, et efficient aux yeux de son commanditaire. Les outils dont il est question ne peuvent être choisis qu’en relation avec les questions requises par les problématiques des biens concernés. C’est pourquoi la réflexion est menée aussi par référence à des biens culturels  tenus pour significatifs des questions et problèmes examinés.

La teneur du séminaire voulue dynamique, est élaborée notamment en concertation avec les membres d’une équipe constituante, l’Unité de Recherche Interdisciplinaire en conservation-restauration [URI-cr]. Elle s’adresse non seulement aux étudiants de M1 et M2 de la mention CR, mais est ouverte aussi à tous les autres « chercheurs » qu’ils soient de l’ESAA ou d’ailleurs. A ces séances, peuvent être reliées des interventions thématiques suivies de discussions avec des chercheurs invités en fonction des notions abordées ou d’opportunités.

 

To practice inquiry in conservation, it is being « contemporary », too.

Résultat de recherche d'images pour "agamben"According to Giorgio Agamben1, we can think that the «contemporary» is essentially out-of-reach by one’s peers. He said to us that contemporary is impossible to seize, as those stars we feel the light even if they are already disappeared, and as fashion embodies ever-changing. At the same time, ever in an awkward position and inevitably involved in the real, he is enable to haul of this to analyse.

What if contemporary was quite the one that not embrace totally his time, that not join completely his movement but which is able to make a gap, a step aside, to consider it in whole complexity, to measure it in whole dimensions, and to detect its contradictions ?

« Contemporary is uncurrent » had said Roland Barthes in his final lesson at the Collège de France, probably preoccupated at this watershed of his life, by his own contemporaneity. With this affirmation, he refered obviously to « Uncurrent considerations» by Friedrich Nietzsche. But Agamben comes to mention these two philosophers because they adopt similar positions : « the one that belongs to his time, real contemporary, is the one that not concords perfectly with it, nor supports its pretensions, and define himself, in this sense, as uncurrent ». Like  Nietzsche, Barthes is right on top of contemporary « precisely by this gap and this anachronic, he’s able more than others to perceive and catch his time »

Italian philosopher evokes an other aspect of contemporary which is also able to scrutinize darkness of his time, his dark side, and not let somebody approach it only because he appeared in full light. To be able to see it dark, it is precisely an ability to « feel its contemporaneity ». « The present’s access road has necessarily the form of an archeology : because archaic is out-of-reach as present, and we have to do mourning of this meaning of which origin ever goes away. »

Contemporary is endowed with an other ability. He is not only here to see in the dark, Agamben said to us, nor to divide time into slices. « […] this means contemporary is not only the one that, perceiving present darkness, determine inaccessible light . He is  […] able to transform and to connect it with other times, to read the history in new way, to refer to it according to need that owes nothing to arbitrariness, but arises from an requirement to which he cannot answer. » Therefore, past’s light might clarify present’s darkness. Agamben based his argument on Michel Foucault and Walter Benjamin’s works to see on them present’s historical scouts, because they knew how to update uncurrent and make it contemporary. Since it is necessary to use paradox, Agamben’s aim is a quest, a « making in light » of what hic and nunc is to clarify that. « It’s as this invisible light that is present’s darkness projected his shadow on past while this one hit by this shadow ray, acquired ability to answer to darkness of this moment. […] »

Real contemporary must know how to peel off slightly of his time to  see it better. According to Agamben, evocation of the past, taste for anachronic or shifted is a sign of necessary lucidity for the interpretation of the present. If each one must be of his time, this « backward-looking attitude » is not a mark of nostalgia, which one, distorts irremediably the present. This notion of contemporaneity cannot let conservator indifferent, such that represents obvious correspondences with the approach and with the artifacts’ vocation that it is led to take care and to restore. To test the gap exercise, to define outlines and method to adopt the observer’s viewpoint that marks step in walk for « now », such is the goal that the Unity of  Interdisciplinary Research Unit in and on Conservation, has also settled down.

[This note has been translated from French by Natacha LE ROY, L2 CR.]

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  1. What’s Contemporary ?, opening lesson of theoretical philosophy’s class given in 2005-2006 in University IUAV of Venice, translated from the italian by Maxime ROVERE, Rivages Poche Petite Bibliothèque, 64p., ISBN  : 2-7436-1857-4,

Which ‘operation’ confers to an artefact the artwork’s status ?

How can a banal object move from the status of an utilitary object to an artwork, namely an artefact which has been produced to render a service, in the same way as a masterpiece or a genius’ work of art ? More simply, how can an utensil become an artwork ?

A priori an artwork has never been produced for any other purpose than the one of existing for what it is. It is useless in the sense that it does not allow to facilitate or perform a task, it does not provide a material service.conference_auratisation But in the moral sense from a philosphical point of view, the artwork matters to respond to a mental expectation, a spiritual desire : the one of lifting the soul, eclipsing the triviality of everyday concerns, and arouse an aesthetic emotion. Therefore, the experience of a poem, an opera, a movie, an architecture or an artistic performance, can enable a sense of satisfaction or pleasure provided both by knowledge and emotion. Thus, artworks are objects of the mind. (NB : French law rightly qualifies them as « works of the mind »).

In the case of Fountain by Marcel Duchamp or of any other ready made, it is obvious that there are no qualities of form, style, rarity, originality, preciosity… or of technique which make it an artwork. The object in itself, its utensility, fall within the most shared banality. The artistry of this work of art doesn’t manifest itself by the vision only, or by any tangibility. It doesn’t have any obviousness that can be revealed by the constatation of an intrinsic nature, of signs of belonging to a genre, or of essential properties and qualities, but rather requires to be detected after an autoreflexive and introspective development, inevitably starting from the following interrogation. « How this mass-produced urinal can be included in the field of art ? » Any object (or arrangement of objects) presented by its author, made especially or appropriated from its primary function, can grant the status of artwork, or is likely to be elevated to the rank of artwork, provided that we acknowledge the power – as original as possible – to trigger the emotional reaction of pleasure by surprise, critique, interrogation, admiration … , by the experience that it gives.

If we split the art history into three successive paradigms, classic, modern and contemporary, each of them involves a definition different from art. In classic paradigm, art forces itself in a conformity with norms inherited from the tradition. In modern paradigm, art wants to report the interiority of the artist and its diet of peculiarity, which sometimes supposes the transgression of the classic norms. In paradigm contemporary, art consists in exceeding the limits of what is collectively admitted as of art. The esthetic experience is not the same for each of paradigms. When the classic aimed at the spiritual rise, and the modern at the esthetic emotion, contemporary art looks for more the sensation. Several authors strive to demonstrate in a multidisciplinary book1, that it is not the esthetic established value from the beautiful or from the ugly that dominates as well in the creation as in the reception of the artworks. Authenticity, autonomy, celebrity, high price, emotion, experience, way, morality, sustainability, pleasure, originality, rarity, responsibility, sensorialité, significance, spirituality, work, uniqueness, universality, truth, virtuosity … can matter as much as the esthetic attraction. According to Jean-Pierre Cometti2, the artwork does not possess intrinsic qualities but exists and defines itself through social, institutional and material factors. From then on, it is by the pragmatic approach which opposes in a fetishistic consideration of the artwork that we can make the experience.

      If we should formulate only two elementary, necessary and sufficient qualities of the piece of art and of its cerebral utility, it could be to generate at least the « fascination » and the « revelation ».

(This note has been translated from French by Laetitia Fuzeaux / L2 CR.)

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  1. Heinich N., Schaeffer J.-M., Talon-Hugon C., Par-delà le beau et le laid. Enquêtes sur les valeurs de l’art, presses universitaires de Rennes, 2014,
  2. Cometti J.P., Art et Facteurs d’art. Ontologies friables, « Aesthetica », Presses universitaires de Rennes, 2012.

 

Disparition de Metka Kraigher-Hozo

 

C’est avec  tristesse que nous avons appris le décès hier à l’âge de 76 ans, de Metka Kraigher-Hozo, figure emblématique de l’Académie des Beaux-Arts de Sarajevo et de la conservation-restauration en Bosnie Herzégovine. Diplômée de l’Académie des Beaux-Arts de Ljubljana, Metka Kraigher-Hozo était un pilier de l’Académie des Beaux-arts de Sarajevo à plusieurs titres. D’abord professeure adjointe à partir de 1973 , puis associée avant d’être finalement titularisée en 1999, elle en fut la doyenne de 2001 à 2005, tout en demeurant une enseignante charismatique pour des générations d’étudiants. Elle est aussi l’auteure de nombreuses publications sur sa spécialité, la technologie de la peinture, dont des ouvrages de référence. [Slikarstvo/Metode Slikanja/Materijali (1991), Metode slikanja i materijala – prošireno izdanje (2007)]Résultat de recherche d'images pour "kraigher-Hozo" A partir de 2002 et jusqu’à 2011, elle fut pionnière pour la création du tout premier département de conservation-restauration d’oeuvres d’art  en Bosnie Herzégovine et coordinatrice  de son enseignement. Elle fut notamment à l’origine du partenariat international incluant initialement le département de conservation-restauration de l’Ecole Supérieure d’Art d’Avignon. Depuis 2013, elle était professeure émérite pour une  recherche interdisciplinaire  en conservation et restauration dans le cadre du projet ALU i PMF-a. Mais surtout, et en continuant d’exercer son enseignement académique même dans les pires moments comme sous le feu de snipers lors du siège de Sarajevo, elle fut  une militante inconditionnelle et acharnée pour la sauvegarde de l’idéal de la Jerusalem d’Europe, de son particularisme interculturel de coexistence  tolérante.

Tous les anciens étudiants et les enseignants de l’ESAA qui ont eu le privilège de travailler avec cette grande dame, de la connaître  et d’en apprécier les exceptionnelles qualités tant humaines que professionnelles, voudraient partager la peine de ses proches ainsi que de tous les acteurs de l’Académie des Beaux-Arts  comme du milieu artistique de Sarajevo, en leur adressant leurs sincères condoléances.

 

Reconstitution de lacunes par le moulage

Le moulage pour la reconstitution des lacunes en restauration de la céramique et du verre,

L’article d’ Hélène Blanpain publié sur ceROArt, résumé ici par Alicia Hidoud (L2 CR)

Introduction

La reconstruction des lacunes par moulage est une technique de comblement rapide et précise mais peut s’avérer dangereuse pour un objet si elle est mal exécutée. Il existe différents procédés et matériaux de moulage, cependant cet article se penche sur les procédés permettant la prise d’empreinte de zones ou d’éléments susceptibles d’être reproduits en restauration de la céramique et du verre. L’auteure cite le silicone comme étant le matériau d’empreinte le plus approprié de part sa précision et son faible taux de rétraction.

Procédés de moulage pour la reconstitution des lacunes

La technique de réalisation d’un moule est une opération délicate qui nécessite la succession de plusieurs étapes devant être exécutées avec précision. Un moulage est la réalisation d’une empreinte d’une forme visant à la reproduire. Il existe différents procédés de reconstruction de lacunes par moulage : comme prendre l’empreinte d’une zone identique de l’objet ou d’un objet similaire, prendre l’empreinte d’une ancienne restauration ou modeler la forme manquante dans un matériau intermédiaire et procéder à son moulage.On compte 3 grandes techniques de moulage employées pour effectuer une prise d’empreinte et une reproduction d’éléments :

– le moule ouvert en une pièce (une face du modèle n’est pas recouverte par le matériau)

– le moule fermé en une pièce (il permet de prendre l’empreinte de toutes les faces de l’élément à mouler)

– le moule fermé en deux ou plusieurs pièces (il est nécessaire lorsque l’élément à mouler présente plusieurs contre-dépouilles, quand il présente des zones fragiles, fines…)

Comparaison et conclusion

Dans le cas d’un comblement en résine époxy, le moule fermé en une pièce est le plus approprié. (annexe : tableau comparatif et récapitulatif)

Matériaux de moulage : gros plan sur le silicone

Silicone de condensation et silicone d’addition

Le silicone est un élastomère à structure minérale. On peut en avoir sous différentes formes avec différentes fonctionnalités. Le silicone élastomère RTV à deux composants (une base et un catalyseur RTV2) est le plus utilisé en moulage. On en trouve deux types : ceux qui polymérisent par condensation et ceux qui polymérisent par addition (annexe : tableau comparatif des RTV2)

Incompatibilité avec certains matériaux de moulage

– Le silicone est sensible à un apport d’humidité pendant sa polymérisation. (cela peut entraîner la formation de bulles de gaz)

– Le silicone d’addition est sensible à certains contaminants. (tels que les amines, le souffre et les sels organo-étains qui peuvent entraîner l’inhibition de sa polymérisation)

– Le silicone de condensation est plus sensible aux résines époxy. (ces dernières attaquent les moules en silicone et peuvent adhérer au moule ou modifier ses dimensions)

Caractéristiques générales

On compte deux grandes consistances de silicones : liquide (plus ou moins visqueux) ou dit putty, ayant la consistance d’une pâte à modeler (annexe : tableau comparatif entre silicones liquides et putty). On trouve aussi des silicones transparents avantageux en cas de comblement en résine époxy. Les proportions de base et de catalyseur sont variables et modifient les propriétés du silicone. Il existe plusieurs types de catalyseurs présentant des caractéristiques différentes et l’emploi d’un catalyseur, particulièrement utile lorsque plusieurs couches de silicone sont appliquées. On peut également ajouter des additifs au mélange pour en faire varier la consistance. (annexe : tableau récapitulatif des avantages et inconvénients du silicone RTV2)

Quelques critères de sélection pour le choix des procédés et matériaux de moulage

Trois grands facteurs peuvent influencer le choix du procédé et des matériaux de moulage :

– la nature et la consistance du comblement final ; la nature du matériau de comblement est également importante,

– la forme de l’élément à mouler,

– la nature de l’élément à mouler ; la matière des œuvres n’est pas toujours compatible avec les matériaux de moulage employés.

Conclusion

Dans la réalisation d’une intervention de moulage, il n’y a pas de systématismes, de nombreux critères de sélection doivent être mis en place pour s’adapter à chaque situation. Les trois grandes techniques de moulage employées pour la reconstitution de lacunes sont le moule ouvert, le moule fermé en une pièce et le moule fermé en plusieurs pièces. Elle peuvent être utilisées pour la réalisation de comblement, de la petite lacune sans décor à une grande reconstitution de formes et décors complexes. Le silicone s’adapte à tous les procédés de moulage employés en restauration ce qui fait de lui le matériau d’empreinte le plus courant. Cependant, son coût élevé incite à s’intéresser à d’autres matériaux d’empreinte, comme le latex, ou des produits similaires, comme la réalisation de prothèses médicales.