Référentiel de la formation à la c-r de l’ESAA, en 10 points

Référentiel 2017 de formation à la conservation-restauration de l’ ESA d’Avignon en 10 points

1 ● Sciences humaines

– Histoire des arts visuels et des médias

– Socio-anthropologie de la culture

– Philosophie de l’art / esthétique

– Muséologie / expologie

2 ● Enquête documentaire

– Collecte de sources

– Rédaction de notes de lecture

– Exploitation des sources

3 ● Pratique artistique et technique

– Approche théorique et pratique de médiums (Dessin, photo, vidéo, numérique, …)

– Pratique de la création et de l’exposition

– Pratique de l’écriture rédactionnelle

4 ● Pratique de l’anglais

Compétence pour accéder à la littérature internationale et communiquer à l’étranger, le français n’étant lu et parlé que par moins de 1 % de la communauté mondiale.

5 ● Sciences et technologie matérielles

– Techniques historiques de transformation et de fabrication des matériaux naturels, artificiels et synthétiques

– Documents historiques et modernes et leur utilisation

– Vieillissement des matériaux organiques, minéraux et des matières plastiques

– Matières et matériaux utilisables, utilisés et prohibés en conservation-restauration et leurs applications

– Sciences de la matière (chimie, physique, biologie)

– Examens et analyses scientifiques : instruments, techniques, formulation de la demande et interprétation

6 ● Conservation – restauration

▪ Histoire et herméneutique

Théories et définitions normatives de l’activité et de la profession en France, en Europe et dans les pays industrialisés

Éthique et déontologie

Éthique de la préservation des biens culturels et de la profession (déontologie), responsabilité pour l’art et le patrimoine culturel en tant que source historique, responsabilité politique, sociale et culturelle envers la société

– Autres cultures

– Institutions nationales et internationales

▪ Méthodologie

– Exploitation de documents connexes à un artefact

– Étude des techniques historiques et matériaux utilisés

– Approche logique (déductive, inductive et abductive) pour l’objectivation de l’argumentation

▪ Pratique empirique et scientifique

– Approche sensitive des artefacts culturels : distances du regard, touchabilité et manipulation, rôle des autres sens, posture corporelle dans l’espace

– Examen visuel de détection des altérations, et utilisation d’instruments complémentaires

– Appréhension, acquisition et entretien de machines, instruments et outils

– Conservation préventive : considération du contexte environnemental ( climat, lumière, pollution) en exposition, stockage, transport et maintenance

– Conservation curative : approche technique mimétique, élaboration d’une proposition de traitements, organisation d’un projet de conservation-restauration

– Restauration : visibilité, lisibilité, intelligibilité, appréciabilité, ré-actualisation, réactivation, …

▪ Documentation

– De l’étude, des examens, du diagnostic et du pronostic, de la démarche critique en vue d’une proposition de traitement, des traitements, de leur mises en œuvre et des sources mobilisées

– Informations iconiques et graphiques

– Bilan des résultats

7 ● Législation

▪ Sécurité des biens, des personnes et de l’environnement

▪ Public : institutions et collectivités

▪ Travail : statuts professionnels

▪ Marchés publics : appels d’offre, devis, facturation

8 ●  Professionnalisation

–  Chantiers-école collectifs permanents inclus dans les programmes scolaires du I° et II° cycles, en partenariats avec des institutions publiques pour des interventions sur leur collection.

– Stage individuel  d’immersion en milieu professionnel pendant le premier cycle (2 à 3 semaines à partir du semestre 3 jusqu’au semestre 5, pendant les congés scolaires)

– Stage individuel d’intégration d’une ou plusieurs institutions publiques ou privées, de préférence à l’étranger, en lien avec le projet de recherche de II° cycle =3 à 4 mois (voire plus) au semestre 8

9 ●  Recherche

– Conception d’un projet de recherche et communication de ses résultats

– Méthodologie de la recherche : démarche analytique, critique, comparatiste, …

– Séminaires méthodologiques et thématiques

– Rhétorique du mémoire et de l’exposé : convenance de l’expression et de la formulation écrite comme orale à un argumentaire

10 ● Diplômes (en fin de L, M et D)

– DNAP, Diplôme National d’Arts Plastiques, option art, mention conservation-restauration, au grade de la Licence,

– DNSEP, Diplôme National Supérieur d’Expression Plastique, option art, mention conservation-restauration, au grade du Master II

– DSRA, Diplôme Supérieur de Recherche en Art, mention conservation-restauration, au niveau du doctorat de III° cycle

Deux journées de formation ARAAFU

L’Araafu propose la formation : Prévention des risques d’infestation au sein des établissements patrimoniaux

Date : 2 journées, jeudi 12 et vendredi 13 octobre 2017

Horaires : 9h30-13h et 14h-18h

Lieu : AGECA 177 rue de Charonne, 75011 Paris.

Vous trouverez, en fichier attaché, la plaquette de présentation du stage et le formulaire d’inscription

vous pouvez bien entendu confirmer avant le 20 septembre (date de clôture des inscriptions), puisque la

Date limite d’inscription = 20 septembre 2017
………………………..
Nous attirons votre attention sur le fait qu’il y a peu de places. Celles-ci seront attribuées par ordre de réception. Pensez à pré-réserver dès à présent par courriel ou téléphone !
 
vous pouvez pré-réserver immédiatement par retour de courriel puis confirmer avant le 29 mars par courrier traditionnel en envoyant les éléments détaillés ci-dessous.
 
POUR VOUS INSCRIRE :
– imprimer la plaquette,
– détacher le bulletin d’inscription, le remplir, le signer,
– et l’adresser au secrétariat :
– accompagné de votre paiement (sauf organismes de formation et institutions payant a posteriori).
 
N.B. Les chèques servent de garantie à votre inscription mais ne seront encaissés qu’après la formation
Si vous souhaitez faire prendre en charge cette formation par un organisme de formation professionnelle, adressez-vous au secrétariat munis de la liste des pièces demandées (devis, convention, autre) avant le stage.
 
Pour le FIF-PL, nouvelle procédure, il faut me transmettre avant le stage le document « attestation de présence » correspondant à votre code NAF que vous pouvez trouver sur le site du FIF-PL.

Un entretien de Jean-Pierre Cometti avec Eric Mangion.

Cet entretien date de 2011.

EM. Vous êtes un des rares philosophes à fréquenter régulièrement des artistes contemporains, et même à enseigner dans une école d’art, comme à traduire de nombreux textes théoriques sur l’art, et pourtant vous estimez que ce n’est pas à la philosophie de légiférer sur l’interprétation et l’identification de l’art, pas même sous la forme d’une métacritique. J’y vois là un grand paradoxe. D’autres s’en chargent, non ?

JPC. La position des philosophes est ambiguë. L’intérêt qu’ils portent à l’art est toujours plus ou moins empreint de leurs démangeaisons propres, à quoi il faut ajouter leur propension à se donner l’avantage d’un accès privilégié à ce qui retient leur attention. Comme si toute chose recelait un sens qu’il s’agissait de déceler, de recueillir, et comme si la philosophie en était spécifiquement chargée. Mes intérêts, si j’en ai, ne sont pas de cette nature. Ce qui m’intrigue, c’est la manière dont les pratiques artistiques, et toutes sortes d’autres pratiques, sont investies d’un sens, identifiées et légitimées au regard de nos croyances et des institutions qui les orchestrent. En un sens, il n’y a pas d’art ; ce qu’il y a, ce sont des pratiques qui répondent à des conditions données et se voient accorder un sens et un statut particulier, distinct, même si elles communiquent, bien entendu, avec une multitude d’autres pratiques autrement cataloguées. L’ontologie, de ce point de vue, est toujours de trop. Ces conditions sont sociales ; en ce qui nous concerne, elles vont de pair avec le statut d’autonomie que l’art a acquis dans nos sociétés. Pour moi, la question est donc plus de savoir ce qui fait l’art et en même temps ce qu’il fait, plutôt que ce qu’il est. Il se peut que la philosophie y contribue, au même titre que d’autres facteurs culturels ; quant à statuer sur l’art, je ne crois pas que cela ait beaucoup de sens pour la philosophie, De quoi pourrait-elle se recommander ? Mais puisque vous parlez de « métacritique », je dirais que le type de réflexion que je crois praticable doit s’appliquer à la critique – la critique d’art, dans ce cas – en ce qu’elle participe de ce que j’appelle les « facteurs d’art »1 . La critique se situe au point d’insertion des pratiques artistiques dans l’espace public, c’est-à-dire de leur identification et de leur reconnaissance. Mais elle entre en relation, pour ne pas dire en concurrence, avec d’autres instances, ce qui devrait l’obliger à en prendre la mesure et à en tirer les conséquences. Le type d’analyse que cette situation permet d’entrevoir est d’ordre métacritique. Il relève des perspectives que j’ai évoquées il y a quelques instants, mais il concerne tout autant la critique elle-même que la philosophie. Une chose me paraît sûre : il existe une priorité de la critique sur la philosophie. Quelles que soient les options de cette dernière, elle ne peut pas faire l’économie d’une réflexion sur ce que la critique met en jeu, c’est-à-dire sur ce qui fait l’art, dans des conditions dont la critique patentée est partie prenante.

EM. Dans votre prochain ouvrage Art et facteurs d’art, vous évoquez justement l’évolution de ces « facteurs d’art ». En quoi ont-ils évolué et en quoi réduisent-ils l’autonomie ontologique de l’art ? Je pense notamment à ces « modalités pragmatiques et performatives impliquées dans l’identification et la reconnaissance auxquelles les oeuvres doivent leur statut » que vous évoquez.

JPC. L’autonomie artistique est un produit contingent de l’histoire. Elle coïncide avec l’émergence de ce que Peter Bürger appelle l’ « institution art », dans sa Théorie de l’avant-garde.2 Elle relève, en un sens, d’une manière d’être, indissociable de ces « facteurs d’art » auxquels j’ai fait allusion. Mais pas seulement de ces institutions que sont le musée, l’exposition, etc., comme on pourrait trop aisément le croire. Il y va des dispositions et des standards mobilisés sur le plan de la perception, des représentations et des croyances auxquelles elles se conjuguent, et bien entendu des dispositifs techniques qui y entrent selon des modalités diverses. C’est l’une des raisons pour lesquelles l’art et notre rapport à l’art ne jouissent qu’en apparence d’un statut autonome. Les croyances – et les théories – qui créditent l’art d’un tel statut (ces croyances sont présentes au sein des mouvements artistiques eux-mêmes depuis le romantisme notamment) reposent sur la transposition, à l’échelle des œuvres et des pratiques – et bien entendu de l’expérience esthétique – des conditions constitutives (d’un point de vue historique et social) d’un art séparé, c’est-à-dire de la constitution, dans le champ social, d’un domaine séparé d’activités, de productions et de comportements crédités de fins et d’une valeur propres. John Dewey, dans son livre de 1932, L’art comme expérience, en a établi le diagnostic. Sa notion d’expérience permet non seulement de comprendre en quoi l’art, que ce soit sur le plan de la production ou de la réception, s’inscrit dans un champ de dispositions et d’activités beaucoup plus large que ce que recouvre ordinairement le concept d’ « expérience esthétique », mais elle possède aussi cette vertu de placer sous un autre éclairage l’art et les pratiques artistiques comme telles, y compris là où elles se voient attribuer une signification autonome. Grosso modo, elle consiste notamment à réinscrire l’art et notre rapport à l’art dans le temps et dans le contexte plus large de nos interactions avec notre milieu, naturel, culturel et social. Ce rapport au temps ou à l’événement dont l’expérience est indissociable s’oublie dans la tendance à fixer dans des propriétés attribuables à des objets les caractéristiques qui en émergent ou en font partie. À cela tient le privilège des objets, et à cet égard il en va de l’art comme de tout le reste, bien que le paradigme de l’œuvre en illustre le parachèvement. Si vous substituez au concept d’art ou au concept d’œuvre celui d’expérience, vous changez complètement de sujet. Vous ne vous posez plus les questions irritantes et inutiles de ce qu’est une « œuvre », de ce qui la qualifie comme telle du point de vue de ses propriétés ou de ce qui en fait la valeur intrinsèque. Vous prenez davantage en considération ce qui a lieu, dans les conditions où cela se produit, et en pensant que vous n’avez aucune raison, hormis nos habitudes, d’en dissocier les objets qui semblent en recueillir toutes les vertus. Bien entendu, ce que je suggère ici pose toutes sortes de problèmes sur lesquels je ne m’attarderai pas, mais je ferai une dernière remarque en pensant à l’intérêt que vous portez vous-même à la performance. L’expérience, au sens de Dewey — c’est-à-dire de ce qui entre à un moment donné dans un champ d’interactions — correspond exactement à ce que nous appelons une performance en art. Mais nous aurions tort de faire de la performance un genre ou quelque chose comme cela. La performance ou l’expérience sont la dimension sous laquelle il y a ou peut y avoir « œuvre », selon l’usage ordinaire de ce mot. C’est à cela que renvoient les « modalités pragmatiques et performatives » auxquelles vous faisiez allusion.

1 Art et facteurs d’art, Rennes, Presses Universitaires de Rennes, 2012 (à paraître). 

2 Peter Bürger, Théorie de l’avant-garde, trad., Paris, éd. Questions théoriques, 2012 (à paraître).

Réaction au programme de la journée d’étude sur la profession de conservateur-restaurateur.

Le 07 Avril prochain, la section fédérée PACA de l’Association Générale des Conservateurs des Collections Publiques Françaises (AGCCPF) et la Fédération Française des professionnels de la Conservation-Restauration (FFCR), organisent une journée d’étude ayant pour intitulé, « Conservateur-restaurateur : une profession en questions »  (voir ici), consacrée « aux enjeux de la reconnaissance de la profession de conservateur-restaurateur ».

A la lecture du pré-programme, il y a de quoi être extrêmement déçu et même exaspéré en voyant à quel point la parole est accaparée par les tenants de ce qui apparaît comme une véritable coterie largement parisienne et institutionnelle. Or ce n’est ni dans la capitale ou en région parisienne,  ni sous statut public, ni encore en situation économiquement convenable qu’exerce aujourd’hui la grande majorité des conservateurs-restaurateurs habilités dont il doit être question lors de cette journée. Ceux-là même pour qui une note interne du Ministère de la Culture du 22 février 2016 appelle à « un plan d’action indispensable à la survie » de la profession.

Alors que cette rencontre se déroule à Marseille avec le soutien financier de la Région PACA, le département de conservation-restauration de l’Ecole Supérieure  d’Art d’Avignon (ESAA), l’une des quatre formations publiques françaises à un exercice professionnel habilité au sein des musées de France et la seule implantée en PACA, n’a même pas été sollicitée pour y contribuer ! Certains de ses représentants et diplômés étaient pourtant susceptibles de fédérer et faire entendre des voix diverses et rares,  concernant par exemple ,

  • la reconnaissance  de la conservation-restauration en tant que véritable discipline, en remplacement d’une activité seulement auxiliaire de l’histoire, de l’histoire de l’art ou de l’archéologie à laquelle elle est encore confinée en France,
  • l’absence d’école doctorale en conservation-restauration quand toutes les vieilles nations d’Europe occidentale en sont dotées,

  • la spécificité de la formation à la discipline en école supérieure d’art,

  • son orientation à Avignon vers un modèle d’ingénierie de la conservation-restauration et ses perspectives en considération des nouveaux usages du patrimoine qui ont  déjà cours,

  • les effets des restrictions budgétaires subies récemment avec grand bruit, ayant conduit à la fragilisation extrême de la formation avignonnaise,

  • ou  dans un registre plus revendicatif, les difficultés d’insertion professionnelle des jeunes diplômés dans le marché, 

  • et la mesure rapide de la baisse de la TVA pour relancer la commande.

Au lieu de cela, il est prévu une prestation de la responsable de la formation initiale du département des restaurateurs de l’Institut National du Patrimoine (INP) qui se place ainsi en position hégémonique avec, apparemment, la bénédiction de la section fédérée PACA de l’AGCCPF et de la FFCR. Son sujet  fort peu à propos de surcroît,  traite de « la pédagogie  à l’INP, comme outil pour la reconnaissance des domaines d’expertise du conservateur-restaurateur ». Or personne* n’oserait se permettre aujourd’hui une remise en question des domaines d’expertise du conservateur-restaurateur.  C’est le manque de sa reconnaissance statutaire qui pose problème à la profession, et qui n’est pas sans conséquences néfastes pour le patrimoine !

* Excepté le rapport « Musées du XXIème siècle » coordonné par la conservatrice générale du patrimoine, Jacqueline Eidelman, dont il sera question plus loin.

La présidente de la FFCR  jouit, elle, du privilège de deux temps de parole dans la journée, – on se demande bien pourquoi -, tandis qu’un membre de son conseil d’administration propose de questionner la solution d’« une liste des métiers du patrimoine », laquelle a déjà été émise et argumentée il y a un an dans une colonne  de Semin’R : « La meilleure solution serait certainement de créer une liste de métiers et professions dédiés à la sauvegarde des objets d’art et du patrimoine, où artisans des métiers d’art, artisans et professions libérales  pourraient parfaitement être définis et cohabiter en bonne intelligence et en mutualisation d’expériences ». (voir ici)

Si ce n’est pas une volonté délibérée de monopole du discours, alors c’est un flagrant délit de cynisme et  de manquement à un devoir de responsabilité autant que de solidarité les plus élémentaires de la part des organisateurs, dont la FFCR / Paris & PACA. Bien qu’elle compte encore parmi ses adhérents des étudiants de l’ESAA, elle donne hélas raison pour le coup à ses détracteurs qui l’accusent de centralisme voire de parisianisme.

Incapable de se déprendre d’une subordination tutélaire, elle était déjà taxée d’un manque patent de vigueur et de fermeté dans la revendication publique. Ce défaut sapant la crédibilité d’une volonté de rupture radicale avec le régime inique auquel sont réduits les conservateurs-restaurateurs,  et avec le système des marchés publics qui les précarisent toujours un peu plus.

Afin d’espérer une meilleure représentativité quantitative de la profession, peut-être la FFCR devrait-elle commencer par une mesure « restauratrice » tout à fait dans ses cordes: celle à la fois historique et symbolique de rétablir dans l’intitulé de son objet, l’appellation normative « conservateur-restaurateur » qui fut inconsidérément escamotée dans le courant des années  2000  pour des raisons peu avouables  et qui  ont  porté préjudice à la reconnaissance de la profession.

Et suite à une actualité très récente, sans doute le rapport de la mission « Musées du XXIe siècle » remis il y peu à la Ministre de la Culture et de la Communication devrait-il a minima donner lieu à un courrier public de protestation, au vu du passage affligeant évoquant les (conservateurs-) restaurateurs. Car outre son indigence pathétique en comparaison des précédents rapports, celui-ci constitue une véritable avanie pour les conservateurs-restaurateurs  et  tous ceux qui réclamaient dans une lettre ouverte il y a tout juste un an pour la profession, « que lui soit donnée toute la dignité nécessaire au sein des institutions culturelles publiques. »

La rencontre du 07 Avril, n’était-elle pas une bonne opportunité  de discuter de l’extrait du rapport ministériel: « Mais sans aller jusqu’à la fonctionnarisation, les grands musées gagneraient à créer des services de restauration internes. Certains conservateurs pensent toutefois que cette solution n’est pas sans danger (cf. système anglo-saxon) » ?

Du reste, il est très peu probable au vu de la suite du contenu de la journée, qu’assez de temps puisse être consacré aux difficultés statutaires et économiques du plus grand nombre des conservateurs-restaurateurs  professionnels. « La profession de restaurateur du patrimoine est en grande souffrance. Au  bord du gouffre. De plus en plus nombreux sont ceux qui abandonnent le métier, les commandes publiques se raréfient, les revenus sont en chute libre », clamait publiquement en Mars 2016 une cohorte de conservateurs, artistes, conservateurs-restaurateurs, et acteurs institutionnels de renom  pour alerter les pouvoirs et l’opinion publics. Hélas, tout juste un an après, cette réunion s’apparente au modèle de la journée auto-promotionnelle en vase clos. Car elle s’annonce surtout comme une sempiternelle présentation de vitrines de structures publiques ou privées, très peu représentatives du cadre professionnel de la grande majorité des conservateurs-restaurateurs, où chaque laudateur s’efforcera d’y vanter et proclamer le haut niveau de compétence et de capacité de complémentarité du conservateur-restaurateur dans le meilleur des mondes « de la chaîne patrimoniale; ».

Très joli tout cela et suffisamment varié sur le papier, dispensé par des personnes certainement pleines de bonne volonté, mais qui vont meubler un temps de parole qui aurait pu être employé  pour aborder de front les problèmes graves rencontrés par les conservateurs-restaurateurs professionnels, entrepreneurs privés  livrés à la dureté impitoyable des marchés publics dans la situation d’austérité économique actuelle. Car personne ne peut être sans savoir qu’il n’est pas courant pour eux de pouvoir bénéficier d’un soutien des pouvoirs publics leur permettant de débattre ne serait-ce qu’une journée avec leurs partenaires privilégiés, les conservateurs du patrimoine, de leurs problèmes et d’envisager solidairement des solutions ainsi que des perspectives d’amélioration de leurs conditions d’exercice.

De la lecture de ce pré-programme, il ressort un arrière goût de déjà-vu et l’amère impression que sa teneur a été conçue dans un entre-soi en dépit de la gravité de la situation et de son urgence à l’infléchir. Combien de conservateurs-restaurateurs libéraux ou entrepreneurs individuels seront enclins et en capacité économique de sacrifier une journée pour assister à cette rencontre où si peu de temps sera consacré à leurs préoccupations les plus cruciales ?

S’agissait-il d’apaiser une mauvaise conscience et/ou d’oeuvrer pour la postérité après les remous causés par la pétition en ligne de Mars 2016 « Alerte, les restaurateurs français du patrimoine sont en danger. Les oeuvres d’art sont en danger » signée par près de sept mille individus ? Car on pourra toujours retenir que l’AGCCPF/PACA et la FFCR auront organisé de concert une journée dédiée au questionnement sur les conditions statutaires et d’exercice de la profession de conservateur-restaurateur. Mais en réalité, les organisateurs auront donné le change en évitant délibérément d’aborder les véritables problèmes et enjeux, l’exclusivité de l’expression ayant été réservée à des conservateurs-restaurateurs en situation professionnelle privilégiée et en relative sécurité économique, soit  au sein d’institutions publiques, soit en bonne santé professionnelle.

C’est à prédire finalement, que la journée d’étude prévue cette année, risque fort de rester sans effet et de ne pas parvenir à prolonger ni même à bégayer celle, fameuse, organisée en Octobre 2009 sous la houlette de Thierry Martel, qui avait pour thème, « Actualités des pratiques de la restauration en France et en Europe », et dont la grande qualité des interventions de locuteurs peu habituels est entrée dans les annales.

Pourquoi ne pas avoir convié au moins quelques orateurs représentatifs des conservateurs-restaurateurs en grande précarité statutaire et économique, à même d’énoncer eux-mêmes et mieux que quiconque leur situation calamiteuse et les effets répercutés sur le patrimoine ?

V° colloque de l’ARSET

 Les Rencontres de l’ARSET

« Les collections ethnographiques : Traitement et exposition d’objets composites »

Vendredi 21 avril 2017

8h30 – 18h30

École supérieure des beaux-arts TALM – Tours

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PROGRAMME PRÉVISIONNEL

sous réserve de changements de l’ordre chronologique des intervenants.

Modérateur : Manuel VALENTIN Anthropologue et historien des arts d’Afrique, UMR 208 « Patrimoines locaux », IRD/MNHN – Paris.

  • Les problématiques spécifiques de la conservation-restauration des objets ethnographiques sacrés : étude de cas d’une collection de masques Yup’ik d’Alaska conservée au Musée Canadien des Civilisations, Gatineau, Canada,

par Alice FLOT Conservatrice-Restauratrice d’objets ethnographiques musée du quai Branly – Jacques Chirac,

  • Les vicissitudes de la collection de tapa du museum d’histoire naturelle de Rouen. De la collecte à la restauration,

par Julia FERLONI Conservatrice – MuCEM, pôle « Commerce, Artisanat et Industrie » et Anne-Claire de POULPIQUET Conservatrice-Restauratrice d’arts graphiques,

  • Conservation, restauration et exposition d’une collection de parures de plumes amazoniennes du Musée d’ethnographie de Genève

par Camille BENECCHI Conservatrice-Restauratrice indépendante, diplômée de l’ESAA et Lucie MONOD Conservatrice-restauratrice d’objets ethnographique, musée d’ethnographie de Genève,

  • Latex et textile, décor fragile à effet théâtral, solutions de consolidation en binôme,

par Susanne BOURET Conservatrice-Restauratrice de textile et Laure MANCHILINE Conservatrice-restauratrice d’objets et d’œuvres composites, spécialisées en matériaux organiques et contemporains,

  • La conservation des gants de foot du gardien Dino Zoff du Musée National du sport – À la limite de la restauration des objets du xxème siècle, la conservation des mousses polyuréthane,

par François DUBOISSET Restaurateur du patrimoine, spécialité bois plastique caoutchouc,

  • La restauration des éléments du café L’Ami Butte pour l’exposition Café In au MuCEM ( octobre 2016-janvier 2017),

par Mireille JACOTIN Conservatrice – MuCEM, pôle « Vie public » et Laure MANCHILINE Conservatrice-restauratrice d’objets et d’œuvres composites, spécialisées en matériaux organiques et contemporains,

  • Le Carrosse de Paul Arzens (Musée des Arts et Métiers) : conservation et restauration d’une œuvre entre patrimoine technique et industriel, design et « sculpture roulante »,

par Michaela FLORESCU Conservatrice-Restauratrice du patrimoine métallique,

  • Conservation of cAns in collectioNS,

par Laura BRAMBILLA Docteur en chimie et chercheuse en conservation-restauration à la Haute Ecole Arc – Neuchâtel.

N.B. : Des visites des ateliers de restauration de la formation Conservation -restauration d’oeuvres sculptées seront possibles durant la pause déjeuner ou à la fin de la journée si le temps imparti le permet.

Contacts : colloque.arset@yahoo.fr

« Ikonikat » expérimente le parcours visuel sur les images artistiques

Des chercheurs du CNRS ont mis au point une application qui permet d’étudier les différents comportements des regardeurs de tableaux. Le projet ikonikat (Ikonik Analysis Toolkit) ambitionne de découvrir ce que l’on perçoit face à une œuvre d’art. Du 22 mars au 26 juin 2017, l’application sera à disposition des visiteurs de l’exposition « Le Mystère Le Nain », au musée du Louvre-Lens.

Elle associe pour la première fois des sociologues et historiens de l’art en comportant deux colloques-ateliers (du 28 au 31 mars à Lille et à Lens, les 5 et 6 mai à Lens). Son point d’orgue est une expérimentation dans l’exposition, de l’application Ikonikat avec appareils d’oculométrie cognitive et tablettes qui mettent en œuvre le procédé sur sept tableaux des frères Le Nain.

Par des aller-retour successifs, les yeux des visiteurs passeront des peintures accrochées aux cimaises à leurs reproductions numériques sur une tablette, et vice versa ; puis avec leurs doigts, ils pourront cerner virtuellement les visages, tracer par frottement des lignes courbes ou droites avec un  gros trait rouge – un peu comme sur Snapchat pour les plus jeunes, ou sur Paint mais sans l’aide d’une souris pour les autres. L’objectif étant de permettre aux chercheurs de  mieux étudier  la réception des images artistiques.

Interface de l'application Ikonikat affichant le tableau Famille de paysans, de Louis Le Nain. © RMN-Grand Palais (musée du Louvre)/Jean-Gilles Berizzi/Julien Wylleman/Sarah Landel/Ikonikat
Interface de l’application Ikonikat affichant le tableau « Famille de paysans », de Louis Le Nain. © RMN-Grand Palais (musée du Louvre)/Jean-Gilles Berizzi/Julien Wylleman/Sarah Landel/Ikonikat

Les manipulations de chaque visiteur seront collectées par l’application, de même que leurs réponses à un questionnaire sociologique. Leur exploitation devrait permettre de vérifier si l’attention du public se porte réellement sur les éléments jugés les plus importants par les professionnels des musées et les historiens de l’art. Ou encore de comprendre de quelle manière le contexte social et culturel (visites en famille, groupe scolaire, etc.) ou l’ordre dans lequel les œuvres sont présentées, influence leur perception par les visiteurs. Par ailleurs, l’exposition sera la première consacrée aux frères Le Nain depuis plus de quarante ans.
Selon le commissaire d’exposition, Nicolas Milovanovic, « L’interdisciplinarité est encore rare en histoire de l’art et c’est une chance de pouvoir la mettre en pratique à l’occasion d’une exposition au Louvre-Lens ». Cette expérience devrait permettre « de mieux comprendre comment le public appréhende les œuvres, quels sont les cheminements du regard et comment mieux adapter aux différents publics le discours des conservateurs, des conférenciers et des médiateurs. »

Cette expérimentation renvoie au travail d’Amaël Rivoal-Mourelot, diplômée de l’INP en 2012 et à son mémoire « L’oculométrie cognitive ou la perception d’une image. Le cas d’une œuvre lacunaire : La vie de Saint-André, panneau peint catalan, fin XIIIème siècle (Paris musée des Arts décoratifs) présenté lors des JERI 2014. Gaelle Baudry, aujourd’hui diplômée de l’ESAA, avait fait alors un commentaire critique pour Semin’R, de « cette méthode expérimentale, comme une manière de pallier l’absence d’approche scientifique dans le choix de réintégration des lacunes pour la restauration des peintures ». […] « L’oculométrie cognitive est une technique permettant l’enregistrement du mouvement des yeux par un repérage en temps réel de la position du regard. Ce système capte la réflexion de rayons infrarouges envoyés sur la cornée oculaire. Les modes d’enregistrement varient mais dans le cas présent Amaël R-M a utilisé des lunettes dotées de caméras. Les informations récoltées permettent de connaître le temps de fixation d’un individu, le temps d’intérêt et le nombre de fixations par zone sur un support donné. On retrouve l’utilisation de cette technologie dans des études psychologiques, marketing, simulations virtuelles etc… Les usages sont nombreux et même une étude a été menée par la Tate Britain en soumettant à la perception du public deux types de restaurations (monochrome ou illusionniste). »

Du reste, le procédé  Ikonokat pourrait bien servir à d’autres applications de recherche. Le CHispa qui est soutenu par l’Agence Nationale de la Recherche (ANR-13-JSH3-0006ANR ), est destiné à élaborer des outils numériques permettant d’exploiter des corpus d’archives et de manuscrits. En tant que projet expérimental, il prend appui sur des corpus particuliers d’archives  dont les ayants-droits ont accepté la mise à disposition pour la recherche. Le CHispa vise ainsi à développer des méthodologies pour faciliter l’exploitation, grâce aux outils numériques, des archives des écrivains contemporains. Dans ce  cadre CHispa poursuit également une recherche sur la valorisation par le numérique des Arts performatifs.

Lire aussi : « Ikonokat, un autre regard sur l’art »

 

Les conservateurs-restaurateurs méprisés dans un rapport du Ministère de la Culture.

Un article de la Tribune de l’art fustige le rapport remis au  Ministère de la Culture sur les musées du XXIéme siècle, pour son mépris des conservateurs-restaurateurs. Ce rapport d’une mission confiée à Jacqueline Eidelman, fait état des résultats d’une réflexion d’un comité de pilotage composé de 20 personnalités du monde des musées, dont  » les objectifs étaient d’identifier les enjeux du musées pour les prochaines décennies et de proposer les axes directeurs d’une évolution de son modèle ». 

On peut y lire page 99-100   dans le volume II des « Rapports des groupes de travail », au minuscule chapitre

Restauration et régie des oeuvres:

« Les restaurateurs du patrimoine constituent eux aussi une profession en crise. Les restaurateurs sont pris entre deux feux. Il ont une position assez revendicative: les institutions ne leur donnent pas la place qu’ils pensent qu’ils devraient avoir. Il est parfois demandé par des commanditaires publics, des prestations estimées relativement simples : ces commanditaires ne pensent pas nécessaires que les personnes recherchées aient été diplômées au plus haut niveau (INP, Ecole de Tours…). Le modèle de formation développé par l’INP peut être considéré comme trop intellectuel ou trop théorique, pas assez dans le geste, dans l’habileté manuelle. Ph. Barbat ne croit pas à une fonctionnarisation des restaurateurs. Ils ne sont pas des chefs de travaux d’art. Mais sans aller jusqu’à la fonctionnarisation, les grands musées gagneraient à créer des services de restauration internes. Certains conservateurs pensent toutefois que cette solution n’est pas sans danger (cf. système anglo-saxon).

Les régisseurs ont gagné, pour leur part, une place centrale dans le dispositif de la vie des collections. Anne Henry, régisseur au Musée d’art et d’industrie de Saint-Etienne, a donné un témoignage de travail en équipe, qui montrait la place du régisseur, comme force de proposition sur les expositions, les acquisitions. Du point de vue de la formation, elle a souligné une lacune du point de vue de la gestion de projet. On ne peut nier de la part des restaurateurs une certaine amertume, parfois, par rapport aux régisseurs, mais la montée en puissance de cette profession correspond à un principe de réalité: les oeuvres circulent de par le monde de plus en plus, cette mobilité impose des compétences fortes du point de vue de la préservation du patrimoine.

29. L’élévation du niveau des restaurateurs est globalement très satisfaisant, leur reconnaissance comme partenaire scientifique plus que comme prestataire laisse encore à désirer.

30. Les régisseurs sont à présent installés dans le paysage des métiers et la formation est reconnue.

_________________

Hélas ce n’est pas un cauchemar ! Non ce lamentable diagnostic, consternant de méconnaissance de la compétence dont il est question et d’une étroitesse de vue impensable à ce niveau d’expertise et de responsabilité, ne date pas du XIXème siècle. Il suffisait pourtant de jeter un oeil sur la place et le rôle du conservateur-restaurateur dans tous les musées des pays développés. A pleurer de dépit …

 

La profession de conservateur-restaurateur en question

Journée d’étude « Conservateur-restaurateur : une profession en questions » (annoncée le 08/03/17)

La section fédérée Provence-Alpes-Côte d’Azur de l’Association générale des conservateurs des collections publiques de France (AGCCPF) et la Fédération française des professionnels de la conservation-restauration organisent, en partenariat avec les Archives municipales de Marseille, une journée d’étude consacrée aux enjeux de la reconnaissance de la profession de conservateur-restaurateur.
Au-delà des interventions menées couramment (conservation préventive, curative et restauration), des missions d’expertise, conseil, études préalables, recherche appliquée ou encore assistance à maîtrise d’ouvrage sont de plus en plus recherchées auprès des conservateurs-restaurateurs.
Malgré le rôle clé qu’ils peuvent être amenés à jouer dans la chaîne patrimoniale, les conservateurs-restaurateurs pâtissent d’un manque de reconnaissance professionnelle officielle (absence de postes dans les institutions, la fonction publique et territoriale ; inscription du domaine de la restauration dans la liste des métiers d’art).
. Quels sont les freins à cette reconnaissance et quelles en sont les conséquences pour la conservation des biens patrimoniaux ?
. Qu’en est-il dans les collections muséales, les archives, les monuments historiques ?
Ces questionnements viendront alimenter cette journée thématique.

Informations pratiques : 
L’inscription est obligatoire auprès de l’AGCCPF PACA.
Pour plus d’informations, veuillez contacter Laura Ribeiro, secrétaire :
agccpfpaca@free.fr / 06 34 04 02 72.

Consulter le pré-programme

Télécharger la fiche d’inscription

 

Journées européennes du patrimoine

34e Journées européennes du patrimoine – 16-17 septembre 2017

La 34e édition des Journées européennes du patrimoine se tiendra les 16 et 17 septembre 2017, sur le thème de la jeunesse.
Cette édition sera résolument tournée vers le jeune public et sa sensibilisation au patrimoine, à l’histoire de la Nation et à l’histoire de l’art, ou encore aux métiers du patrimoine.
Comprendre et connaître le patrimoine dans son contexte historique et social, c’est mieux appréhender la société dans laquelle nous vivons. C’est discerner les valeurs sur lesquelles elle se construit pour les comprendre, pour les questionner, pour mieux se les approprier.

Télécharger ici le communiqué de presse du Ministère de la Culture et de la Communication.

Un résumé du livre de J.-P. Cometti « Conserver / restaurer »

Résumé du livre de Jean-Pierre Cometti, Conserver/Restaurer. L’oeuvre d’art à l’époque de sa préservation technique, Paris, Gallimard, coll. NRF Essais, 2016, 320 p. ,

par André-Louis Paré.

Jean-Pierre Cometti, Conserver / Restaurer. L’oeuvre d’art à l’époque de sa préservation technique Paris, Gallimard, coll. NRF Essais, 2015, 320 p. Fra. Spécialiste de Robert Musil et de Ludwig Wittgenstein, auteur de nombreux ouvrages consacrés à l’art contemporain, dont Art et facteurs d’art (Presses universitaires de Rennes, 2012) et La nouvelle Aura. Économies de l’art et de la culture (Éd. Questions Théoriques, 2015), Jean-Pierre Cometti (1944-2016) est décédé peu avant la parution de cet ouvrage qui sera donc parmi ses derniers. Un autre livre, consacré cette fois à la pensée de John Dewey, est paru chez le même éditeur en février 2016.

Ayant pour thème la conservation et la restauration des oeuvres, cet essai a pour origine une expérience de cinq années au sein de l’École supérieure d’art d’Avignon. Son titre réfère à un célèbre texte de Walter Benjamin, publié en 1935, lequel réfléchissait sur l’apport de la photographie et du cinéma comme nouvelles techniques de reproduction. Mais de nos jours, la restauration et la conservation n’ont plus le même contexte ; la « valeur d’exposition » se développe sur de nouveaux territoires qui «mobilisent l’attention et les compétences du conservateur-restaurateur bien au-delà de sa vocation traditionnelle ». Dans le domaine culturel, la restauration et la conservation renvoient principalement à des oeuvres d’art. Pour un musée, restaurer un portrait de Rembrandt en vue de le préserver pour les générations futures va de soi. Il en serait de même pour la plupart des oeuvres déjà présentes dans nos musées. Toutefois, à partir des avant-gardes du siècle dernier, la notion d’oeuvre va subir un déplacement, de sorte que l’intérêt mis sur l’objet se tournera peu à peu vers le processus. Conséquemment, l’attention portée aux propriétés va muter vers une attention consacrée « au fonctionnement et aux conditions de fonctionnement. » Pour distinguer ces deux attitudes, Cometti réfère aux régimes autographique et allographique comme stipulés par Nelson Goodman. Dans cette dernière catégorie, ce sont les effets escomptés qui doivent être désormais pris en compte par le restaurateur d’une oeuvre. En s’éloignant ainsi du « paradigme de l’objet », les difficultés vont également concerner « le rôle primordial qu’y jouent les dispositifs techniques » au sein des oeuvres. Les cas de figure à ce propos sont multiples. Cependant, une chose est sûre, grâce à ces nouvelles avenues, le métier de restaurateur, qui présuppose des règles et une conception esthétique et philosophique des oeuvres, est bouleversé. Pour des oeuvres technologiquement complexes, des équipes de spécialistes doivent être envisagées. Les experts sont de plus en plus souvent invités à offrir leur soutien à la restauration d’une oeuvre qui exige des savoirs spécialisés. Mais il y a aussi autre chose : à l’ère de l’Internet et du numérique, notre rapport aux patrimoines est forcément bousculé. Pour Cometti, cette époque de la préservation technique invite à promouvoir une « philosophie de la restauration ». Philosophie qui débute par la prise en compte d’une réflexion sur les concepts d’oeuvre, d’identité, d’authenticité, d’intention, etc. ; d’autant que les moyens de diffusion, grâce « aux ressources offertes aujourd’hui par la numérisation », changent considérablement la donne. Il s’agit, en effet, d’une situation nouvelle qui implique forcément la question du patrimoine. Et qui dit patrimoine, dit également mémoire. Pour quoi, pour qui conserver les oeuvres produites aujourd’hui ? Si restaurer et conserver les oeuvres font appel à des questions se rapportant au temps, à la culture et à la mémoire, qui doit et peut en avoir la responsabilité ? Pour l’auteur, ces questions doivent être posées sous l’angle d’une ontologie des oeuvres d’art associée à un contexte juridique, politique et historique. Aussi, à l’ère de l’Internet, des impératifs économiques, de marché, et de la capitalisation d’une certaine culture, il y a péril en la demeure, celle qui a pour socle la transmission d’une mémoire collective.

Ce résumé a déjà été publié dans la revue Espace : Art actuel, Numéro 114, automne 2016, p. 108-109

Restauration et remploi.

Journée d’étude : « Restauration et remploi »

Main Guard, achevé en 1674, Clonmel (Ireland) (exemple de remplois d’éléments romans dans des édifices élevés au XVIIe siècle en Ireland selon la recherche menée par Rachel Moss)

Type : Journée d’étude
Date : mercredi 24 mai 2017
Lieu : Ecole nationale des chartes, salle L. Delisle

Journée d’étude des doctorants du centre Jean-Mabillon (École nationale des chartes) en collaboration avec l’École pratique des hautes études.

Le centre Jean-Mabillon (École nationale des chartes) organise, en partenariat avec l’École pratique des hautes études, une journée des doctorants le 24 mai 2017. Cette journée est destinée à rassembler des doctorants français et étrangers afin qu’ils partagent leurs idées et leurs recherches autour d’un thème général qui sera, cette année, « Restauration et remploi ».

Présentation

Arnold Esch a proposé en 1998, dans un article consacré au reimpiego, de distinguer dans les objets archéologiques l’Überleben, la simple survie matérielle d’un objet, d’une ruine, et la Nachleben, véritable vie après la vie « par transformation continuée »[1] des vestiges du passé. Ces notions sont probablement importables – moyennant quelques adaptations – dans l’ensemble des disciplines historiques qui s’intéressent aux enjeux et aux formes de la mémoire : que ce soit l’histoire (politique, des idées, etc.), l’histoire de l’art et l’archéologie, ou la philologie et la littérature.

Dans la vie et la survie des objets, des documents, des idées, des œuvres du passé, on peut distinguer deux types d’intervention humaine. D’une part, l’homme a tenté, à plusieurs moments de son histoire, de retrouver et sauver les traces du passé qui subsistaient, que ce soit par des « fouilles archéologiques » ou par l’exploration d’archives, de manuscrits, de bibliothèques. Au sein de ces manœuvres de « sauvetage » des vestiges du passé, les opérations de restauration constituent un moment important et délicat, tant d’un point de vue technique que d’un point de vue déontologique. Il n’en reste pas moins que la restauration a participé, dans la majeure partie des cas, à la survie, l’Überleben des objets du passé. D’autre part, nombreuses sont les traces (matérielles ou textuelles) du passé qui ont trouvé une nouvelle vie (une Nachleben) au cours de leur voyage à travers le temps, notamment grâce à la pratique du remploi. Bon nombre d’édifices anciens ont pu servir de « carrière de pierres » aux époques ultérieures. Il ne manque pas dans les écrits historiographiques d’exemples d’intégration de matière plus ancienne (servant quelques fois à la réécriture de l’histoire). Enfin, on ne connaît pas de littérature qui ne soit faite de remplois (qu’il s’agisse de citations, de plagiats, de réécritures, etc.).

Au cours de cette journée d’étude, nous aimerions réunir des doctorants de domaines différents (archéologues, historiens de l’art, historiens, philologues, littéraires) autour d’une réflexion concernant ces deux pratiques, restauration et remploi, et les produits qu’elles ont pu engendrer jusqu’à nos jours.

Définir les pratiques

Dans la perspective d’ouvrir une discussion méthodologique, nous aimerions poser la question des définitions de ces deux pratiques et des débats qu’elles impliquent. Qu’est-ce que la « restauration » ? Quels sont les enjeux de sa définition ? Quels peuvent en être aujourd’hui les principes ? Doit-on tout restaurer ? Qu’est-ce que le remploi ? Quelle est la valeur symbolique de ce geste ?

Il pourrait être utile de poser également la question de la proximité de ces pratiques qui participent toutes deux d’un regain d’existence offert aux objets auxquels elles s’appliquent : dans quelle mesure remploi et restauration sont-ils liés ? Une restauration est-elle un remploi ? Et, inversement, le remploi pourrait-il être compris comme une « restauration partielle » de l’œuvre ?

Définir les « produits »

Un autre obstacle méthodologique est celui de la définition et du statut des objets issus de ces pratiques. Le résultat de chacun de ces processus est un objet qui présente une certaine complexité. Un vestige du passé soumis à un travail de restauration subit une modification. Quant à la matière (concrète ou textuelle) remployée, elle s’insère dans un nouveau contexte, elle évolue. Comment ces produits ont-ils été perçus dans le passé ? Comment les analyse-t-on aujourd’hui ?

Cerner les enjeux de ces pratiques hier et aujourd’hui

Enfin, nous aimerions proposer une ouverture dans la réflexion sur ces objets, touchant plus particulièrement à l’interprétation des gestes de restauration et de remploi. À quelles fins a-t-on restauré dans le passé ? À quels desseins restaure-t-on aujourd’hui ? Quels ont pu être les enjeux du remploi jadis? Ont-ils servi une idéologie ? Ont-ils répondu à un besoin d’actualisation, de mise à jour ? Ou ont-ils simplement satisfait au nouveau goût contemporain ? Et aujourd’hui ?

Modalités de soumission et contact

La journée d’étude est ouverte à tout doctorant ou jeune docteur, quelle que soit son école ou université de rattachement, désireux de participer à cet événement.

Les propositions de communication d’une page maximum sont à envoyer à l’adresse suivante je.doctorants.enc.ephe.2017@gmail.com jusqu’au 15 mars 2017, accompagnée de quelques mots-clés et précisions vous concernant (doctorant/jeune docteur, école/université, laboratoire, sujet de recherche). La réponse du comité scientifique sera notifiée dans le courant du mois d’avril.

Télécharger appel à communication

[1] Esch Arnold, « Reimpiego dell’Antico nel Medioevo : la prospettiva dell’archeologo, la prospettiva dello storico », dans Ideologie e pratiche nel reimpiego nell’alto Medioevo. Atti della Settimana di studio del Centro italiano di studi sull’altt Medioevo (Spoleto, 16-21 aprile 1998), Spolète, coll. « Settimane di studio del Centro italiano di studi sull’alto Medioevo », 46 (1999), 2 vol., t. I., p. 77-78.

Un commentaire critique de billet.

Ce commentaire a été suscité après la lecture très intéressée du billet paru sur GRHAM « Les changements de dimensions des tableaux de la collection du cabinet du Roi Louis XIV (1683-1709) » [https://grham.hypotheses.org/3773] par Pauline Nitot (dont la qualité n’est pas mentionnée) sous la direction de Claire Bételu. La fin de son texte conduit à faire part ici, en l’absence de possibilité de commenter directement sur le carnet de recherche GRHAM, d’un argumentaire critique en toute bienveillance confraternelle.

Eu égard à ce qui est écrit, il paraît exagéré d’affirmer que  « La prise en compte des effets du temps sur l’œuvre a aujourd’hui pris le pas sur les autres arguments  et est mise en avant dans la Charte de Cracovie de 2000 qui guide les choix en matière de préservation du patrimoine « , et ce pour deux raisons principales.

Primo, la référence à la charte de Cracovie de 2000 à propos de restauration de peinture ancienne, ne paraît pas pertinente étant donné que ses recommandations ne concernent que le patrimoine bâti. En outre, il y a peu de chance pour que « La restauration est une opération qui porte sur un bien patrimonial, en vue de la conservation de son authenticité et de son appropriation par la communauté […] L’authenticité signifie la somme des caractéristiques substantielles, certifiées d’un point de vue historique, depuis l’état originel jusqu’à la situation actuelle, qui est le résultat des diverses transformations survenues au cours du temps » constitue un recours textuel, théorique et éthique, qui fait foi au Louvre pour les conservateurs et les conservateurs-restaurateurs, surtout depuis que l’ICOM s’est dotée d’une définition internationale et plus consensuelle en 2010 à Shangaï. Au reste, c’est toujours l’idéologie brandienne qui fait force de loi dans le plus grand musée du monde.

Secundo, en considérant que les changements d’une oeuvre peinte, tout autant historiques les uns que les autres ne se valent pas tous, il arrive encore aujourd’hui que des commissions scientifiques optent pour la dé-restauration, sans que cela soit considéré comme une hérésie.

Spectrométrie de fluorescence des rayons X © V.A. Solé/ESRF

Comme il est dit avec raison par l’auteure, le dilemme se cristallise sur le concept d’authenticité, lui même renvoyant implicitement à celui d’identité. Or si l’on conçoit l’ identité d’une oeuvre,  non plus fondée exclusivement sur sa forme et ses caractéristiques matérielles, ni figée par une indexation à son état d’origine mais basée aussi sur sa dimension sociale et donc dynamique dans le temps, alors une peinture peut demeurer la même (= authentique) tout en changeant, c’est à dire en devenant autre chose que ce qu’elle était initialement. L’identité des objets concrets n’est plus assimilable seulement à leur constitution matérielle.

Mais devenir autre chose ne signifie pas devenir une autre chose: « devenir autre chose » est invariable, et témoigne d’ un changement de valeur et de propriété symbolique.; « devenir une autre chose » signifie une modification matérielle  par laquelle une chose particulière en devient une autre, radicalement différente.Une chose peut donc demeurer elle-même tout en faisant l’objet d’un certain nombre de modifications.

[Cet argument renvoie au fameux questionnement ontologique du bateau de Thésée, une expérience de pensée faite par des philosophes de l’Antiquité, puis  par Hobbes, Leibniz et Locke 1 bien plus tard, posant la question  du Même et de l’Autre ainsi que  de l’identité et de sa persistance dans le temps. En bref, selon un récit légendaire que l’on doit à Plutarque, Thésée serait allé combattre le Minotaure à bord d’un navire athénien. Après son retour victorieux, les athéniens décidèrent de le conserver à quai pour commémorer cette victoire et son héros. Au fur et à mesure que le vaisseau subissait les affres du temps, ils remplaçaient les planches abîmées, afin qu’il soit, des siècles pus tard, toujours complet. Au point qu’un beau jour, il ne resta plus aucune planche d’origine. Dès lors, deux avis contraires furent émis: certains affirmèrent que ce bateau demeurait le même qu’à l’origine, d’autres que le remplacement en avait fait un autre. L’identité repose-t-elle plutôt sur la matière, ou est elle préservée par la forme, ou peut-elle l’être encore d’une autre façon  ?]

A propos des oeuvres d’art telles que les peintures anciennes, on peut envisager à l’instar d’Aristote considérant les objets concrets, que certaines de leurs propriétés leur sont essentielles et d’autres contingentes. Les premières sont celles qu’on ne peut modifier, étant entendu que nous parlons toujours du même objet. Les secondes peuvent changer : l’oeuvre peut ne plus avoir le même usage (théologique, décoratif, esthétique, …) sans pour autant changer d’ identité. L’essence permet de fonder l’identité d’un objet au cours du temps : la diminution ou l’augmentation de format en sont une propriété contingente,  tandis qu’elle a conservé ses propriétés essentielles.

Car tous les changements subis par une oeuvre, témoignent du goût, de l’inclination, de la dévotion, du fétichisme, de la préoccupation, en somme de moult intérêts et attachements pour elle, et participent de son identité relationnelle. On est loin de celle se résumant à « la volonté de l’artiste » tellement sujette à caution.

L’identité de cette oeuvre pour les générations futures inclura peut-être notre approche contemporaine, dont le souci éthique est de la considérer aujourd’hui comme moins absolue, donc plus relative pour sa disposition à la modification tant dans le passé que peut-être à l’avenir.

___________________Notes_____________________________________________________

1 Le philosophe anglais John Locke Locke a émis une extension de l’histoire pour rendre le paradoxe encore plus criant. Si un collectionneur récupère les planches usées et délaissées  afin de reconstituer le bateau de Thésée à l’identique et ailleurs. Il y aura donc deux bateaux semblables dont l’un constitué des planches de l’original. Mais alors, lequel des deux sera vraiment le bateau de Thésée ? Le philosophe se demande aussi si un bas troué conserve son identité après qu’on en ait plusieurs fois bouché l’orifice.