A recent paper of Hanna Hölling

TIME AND CONSERVATION by Hanna Hölling.

Abstract

What does time mean in conservation ? Is time present in conservation as an implicit or explicit dimension and how does conservation, if at all, conceptualize time? By proposing a temporal critique of conservation, this paper argues that thinking time has been absent from the narratives of conservation, its episteme, theoretical and research-generating activities, and from its practical theoretical engagement with the material world. Reviewing varying implicit manifestations of time in conservation, it subsequently proposes an alternative way of thinking about time.

Keywords: Bergson, conservation, critique, duration, durée, time, temporality

Overture

The formulation “Linking Past and Future” has temporal undertones (and is a thematic concern of a conference on the occasion of which this paper emerged.) It implies a certain understanding of time, while, simultaneously, it carries a promise for a better, brighter, and more conscious future. Linking past and future elicits the rhetoric of conservation that asserts its ability to enter the past by manipulating the objects’ condition in the present. Oftentimes, this activity is underpinned by the belief that the past is within a reach and that it can be resurrected. Whether this assumption remains true or false, what interests me in this context is whether, and to what degree, such activity evokes a contestation with time, and why, for that matter, the notion of time has never been scrutinized in conservation. Is it possible that conservation implicitly manipulates time without explicating the time’s intrinsic complexities? What does it mean that conservation is preoccupied with the past ? And, what kind of time governs conservation ? 

Thinking time in conservation

In what follows, I argue that the concept of time lies at the grounds of the conservation’s practical and philosophical project. My paper pursues purely theoretical approach; it is based on my readings of conservation theoretical texts, observation, and practical experience gathered through long-time engagement with changeable artworks, both traditional and recent. I have chosen a theoretical approach in the belief that there is a need for a meaningful theorization of conservation. Thinking time in conservation is necessary as it strives to advance conservation’s critical theoretical discourse. My use of the gerund “thinking” instead of “rethinking,” is deliberate: The latter would suggest that time in conservation has already been scrutinized. Fostering an interdisciplinary approach (combining the theory of conservation, heritage studies and philosophy), I suggest that time has come to revisit conservation temporal dimension in order for it to acquire a certain temporal consciousness.

What’s (the) time ?

What then is time ? If no one asks of me, I know; if I wish to explain to him who asks, I know not” contends Saint Augustine in Confessions written in the fourth century (Book IX, emphasis mine). To be sure, time is one of the most mysterious aspects of the world we live in. Even today, there is no universal definition of time. “In a sense, it is always too late to talk about time,” posited French philosopher Jacques Derrida in 1972 (Derrida 1972, 42). In turn, after having acquired a vast number of books devoted to the topic of time, the Korean video artist Nam June Paik realized that he had absolutely no time to read them.

Too often, we find ourselves facing the unsolved and ubiquitous paradigm of time, the measured time of clocks and media, and subjective time that does not comply with its measurability. Time occurs within a range of various intensities and velocities while reading an interesting book or watching a play; it may turn into a painful expectation when we wait for something that we long for, an important message or a delayed train.

Time as Measurement

In the Western world, the common sense definition of time as a method of its measurement was initiated at the end of the thirteenth century by mechanical clocks. This moment also marks the inception of modern homogenous time, which replaced traditional methods of time measurement based on unequal intervals calculated by the length of daylight. Clock time was applied in monastic life. The monastery’s towers became houses for clocks; they not only announced hours and religious festivities but also marked the beginning and end of the working day. French philosopher Michel Foucault saw in the religious orders the establishment of discipline and a chronological way of thinking linked with the application of timetable (Foucault 1995, 150). The beginning of time’s secular life is marked by the moment when clocks began to announce the hours from the town hall’s towers to regulate work of Flanders and Northern France textile towns (Mooij 2005, 105). But it was the modern science that confirmed time’s tightness to irreversible direction, reaching its prominent stage with the refinement of the theory of entropy, the second law of thermodynamics. Further, scholars consider railway and telegraph as media that helped to regulate and standardize time. The rise of capitalism and the expanding economy tied the attachment of humans to clock time and manifested in the control over the cycles of their labor and leisure (conceptualized by Karl Marx). According to the media theorist Bliss Cua Lim, this modern time consciousness became gradually natural and incontrovertible, obscuring the plurality of human existence in time (Cua Lim 2009, 11). We accepted it as a ready-made temporality.

The ready-made time of conservation

Conservation, I argue, adapted the sequential, chronological time that results in the understanding of time merely as a method of its measurement—the time of clocks, machines, scientific apparatus, historic chronologies, industry, and labor. While critical theory, philosophy and art practice have long been engaged with anachronistic and heterochronic interpretations of historical time—the belated and the put-of-synch, seriality and repetition, to name but a few—conservation, so it seems, has overtaken the ready-made temporality expressed in linear structures—the inheritance of the clock-time discipline of capitalist modernity.

In conservation, however, time exists as a merely implied dimension. It manifests itself, among other things, in the way conservators adapt thinking about events that take place in the life of artworks as occurring on a timeline, valuing them according to their precedence. This valuation is revealed in the wish to access the point of creation, the author’s intention and the sources of the original object. The paradigms of conservation such as the concepts of reversibility, the belief in an original/preferred condition of an artwork and the notion of restoration rest on the implied notion of measurable and linear time. I will now gradually unpack these concepts.

As a rule, “original state” concerns the material condition of an artwork and corresponds to the idea of an artwork’s history being restricted to its physical history (Villers 2003, 5). At times, however, the idea of an “original state” can also be applied to a work’s “concept,” as when the “purpose of restoration” becomes “the conservation of an object so that it can be seen, or even used, in its original concept and original beauty” (Ashley Smith 2004, 19). It is widely accepted that, when a museum purchases a piece of installation art, for instance, the artwork becomes “frozen” in that particular historical moment at which it enters the collection. The traditional understanding of an artwork being “locked in time” is expressed by the term freeze strategies; similarly, the formulation freeze-frame paradigm referred to the conservation of an artwork based on scientific analysis that excluded truths derived from phenomenological awareness and interpretation. [2]

The ideal of restoring a work to a past condition was closely associated with the notion of the state of an artwork as the artist intended it. This was largely due, as Steven Dykstra put it, to scientific techniques introduced to the conservation laboratory in the nineteenth century that made it possible to analyze materials and thereby to discern between the materials originally used by the artist and those added later.[3] There is a close relationship between the “intended” instance of a work and what has been referred to as the “authentic condition” (as a rule, a material condition). In traditional conservation the term “authentic condition” is associated with a sequential understanding of time: in the life of an artwork, events that occur earlier on the timeline appear to have a higher authentic value than those that occur later. Thus, the “authentic” is often tied to an early state of the work, while the “original” lies proximate to the origins of an artwork or its conception. Similar ideas are expressed in the argument that the goal of conservation should be to capture not the “original” of a work but its “ideal state”—a state “defined by time, not by physical description” (Appelbaum 2009, 176-7). To determine an object’s ideal state, we first need to fix it to a specific historical moment and then determine the physical state that corresponds to that moment. The “return” to the past inherent in the ideal state confirms once again conservation’s deep-rooted belief in sequentiality and a recoverable past.

The concept of reversibility—a much-contested theory related to the paradigm of minimal intervention—reveals an implied obedience to sequential, linear time and, at the same time, attempts to question it. It does this by positing a state to which an object can return if the materials and processes employed by conservators are reversible. This also approximates the idea of re-storation, which, from an etymological point of view, already involves the notion of “redoing.”[4] The impossibility of such a return in traditional and multimedia artworks reveals the paradox here. The concept of reversibility violates the principles of decay and aging (nothing can ever become younger) and exposes the lack of an appropriate conception of time.

The understanding of temporal progression that follows a sequential timeline leads to peculiar situations: In order to satisfy the patterns of chronology, changeable artworks that are characterized by multiple materializations such as multimedia installations, performances, (Fluxus) events and conceptual artworks (conceived as a concept and conveyed in an instruction), would have to be reduced to a preferred, singular state. [5] It goes without saying that to reduce a changeable work which manifests itself in different spatio-temporal constellations runs the risk of impoverishing its potential. Unlike traditional media, which are conceived as unique works in a singular medium, it is precisely the ability to change and transform that allows these artworks to survive and to be transmitted into the future.

But do traditional artworks, such as painting or sculpture, not evolve and change over time, only slower, rather then fast ?[6] And are they not inhibited in a singular, preferred condition ?

The notion of duration

As a supplement to the concept of entropy (Second Law of Thermodynamics) and temporal irreversibility (decay), I propose to consider an alternate conception of time in conservation. This concept aligns with artworks being human-cultural creation, rather that the product of measurement, analysis and chronological orders. Here, the temporal analysis by French philosopher Henri Bergson has profound implications for the resolution of conservation’s engagement with time.

Diagram drawn by the author after Bergson’s cone of memory. The diagram illustrates the coexistence of varying temporalities in the present.

The philosophical project of Henri Bergson (1859–1941) posits that time does not exist as a linear entity marked by a succession of separate points in the past, present, and on into the future—a view of time that follows Aristotelian notion of time as a line and merely coincides with the trajectory of a clock hand. [7] Bergson believed that the reduction of time to space and numbers is caused by science’s capacity to measure points on a line and simultaneities as starting and end points of movement. (This reduction reverberates the conservation scientific approach to measure materials and determine their properties in the search for the essence of the work.) For Bergson, time is neither theological, nor cyclical (time cultivated by agrarian societies). Rejecting a homogenous, conventional, spatialized, numerical conception of time, Bergson argued that we become acquainted with heterogeneous time, or durée, meaning duration. Durée, the movement of time itself, the permanent, unstoppable changing of things, is first of all a critique of the time of the natural sciences conceived on the basis of space: fragmented time. Instead, Durée is based on the idea of a present involving a past and an anticipation of a future. And I propose to apply this idea to the understanding of time in conservation and to artworks as entities enduring in time, subject to a continuous, indivisible flux of change.

In his book Bergsonism (1966), French philosopher Gilles Deleuze provides us with a comprehensive insight into Bergsonian’s method. Deleuze’s analysis of Bergson’s includes a visualization of the contemporaneity of the past in the form of a cone (Deleuze 1991[1966], 59-60) (fig. 1). The cone is divided into three sections—AB, A’B,’ and A’’B’’—symbolizing the coexistence of all layers of the past with the present. The past AB coexists with the present S, including sections A’B’ and A’’B.’’ The sections are virtual, symbolically representing the distance of the past from the present, yet including the entirety of the past rather than its particular elements. The identity of duration is presented as an ever-growing image of the past in the present and “the conservation and preservation of the past and the present.” Every successive moment contracts and is condensed with the former and, simultaneously, “always contains, over and above the preceding one, the memory the latter has left it”(Deleuze 1991[1966], 51).

So in their contemporaneity, the past and the present that has been coexist, but the past also preserves itself endlessly within itself, while the present passes. Bergson argues that the past, in its entirety, is prolonged to its present and acts in it. Duration is the survival of the past, an ever-accumulating ontological memory that is wholly, automatically, and ceaselessly preserved. In duration, the current moment does not depose that which came before. Could an artwork’s present preserve all its pasts? And could conservation cease to depose of the moments which came after the imagined, original moment of creation ?

Following the Bergsonian conception of time and its Deleuzian interpretation, I propose, first of all, that in artworks the present is the survival of the past. Rather than being virtual, the past is actualized in the present, which is all we are able to analyze from our inhabited temporal perspective. Duration is crucial for understanding the continuity of artworks and essential to divorcing conservation from its traditional views of time. Instead of positing a return to the past as the most justifiable goal of conservation, the Bergsonian concept of duration offers us a profound way to reexamine the assumptions of the profession. One possible consequence of applying durée to works characterized by change is that their changeability can exist unrestrictedly in a continuum of duration; in other words, each instantiation of a changeable artwork is equally important and preserves, to some extend, previous version.

To explain how artworks experiencing change can be understood as existing in a continuum of previous and future manifestations, we briefly need to change our focus from the ontology of time to phenomenology, the philosophy of consciousness as dependent on subject. The continuum of duration encompasses what might be defined as retentions and protentions. The idea of retention and protention is based on Husserl’s phenomenology of temporality, in which he neglects the experience of the world as a series of unconnected instances. The protention is distinct from immediate experience but still retained in our consciousness; it relates to the perception of the moment that has yet to be perceived. The continuity rests upon the idea that each moment of protention becomes a retention of the next. Retentions and protentions may illustrate the factual existence of an artwork’s instantiations, stages in its life or “conditions.” Retentions and protentions create a conceptual realm of duration where the past is becoming present (or where, returning to the Bergsonian idea, the past is actualized in the present). Protensions might be conceived of as an openness of the artwork to its future change. Because there is never a disjunction between protention and retention, from an ontological perspective, the past is preserved automatically.

Conclusion

In brief, the orientation of conservation toward the past involves back-and-forth movements between abstract times, or, at best, a misinterpretation of linearity—in the common sense, conservators “take care of the past” and “pass it over to the future.” If the past is contemporaneous with the present, then we do not need to “preserve the past” in the traditional meaning of the word, but rather preserve the present. In fact, the present is the only given reality and the only reality to be preserved. Conservation could thus be defined as a process that shapes changeable artworks. Conservation can reduce undesirable change, but never prevent it. So, in my thinking, and following Bergsonian durée, artworks—as objects that undergo transformation—abide in their present which is constituted by their many different pasts. In other words, they are constructed by their “present” as much as by their “past conditions.”[8] This not only results in the abandonment of the search for authenticity somewhere in the remote past but also moves conservation away from its attempt to manage change (measured in an artwork’s former conditions) and toward a process intervening in the artwork’s temporality. Additionally, such a stance unquestionably releases conservation from the drive to “recover the past” or “the original” or to “give back the authentic object,” which, in my view, are approaches based on a misconception of time.

Whether engaged with traditional art or multimedia works, conservation can no longer claim to be neutral. Each intervention is a process that transforms the work of art. According to Cesare Brandi, conservation is a methodological recognition, the moment when the consciousness of the observer recognizes an object as a work of art (Brandi 2005, 48).[9] In discussing the significance of the past, David Lowenthal holds that every act of recognition alters what survives (Lowenthal 2003, 390). This is a positive gesture because, as he claims, the past can be used fruitfully when it is “domesticated … to inherit is to transform” (Lowenthal 2003, 412).

ACKNOWLEDGMENTS

The writing of this paper was supported by the intellectual environment of the Department of the History of Art at the University College London. I am very grateful to my colleagues for inspiring discussions. I was able to revise the final version of this paper during my research residency at the Getty (2017-18) and I would like to acknowledge the outstanding support provided by the colleagues at the Getty Conservation Institute and the Getty Research Institute in Los Angeles.

NOTES

  1. This article has been published as in ICOM-CC 2018 Preprints: Hanna B. Hölling, “Time and Conservation,” ICOM-CC 18th Triennial Conference Preprints, Copenhagen, 4-8 September 2017, edited by J. Bridgland, Paris: International Council of Museums.

  2. For ‘freeze strategies’ see Hummelen et al. “Towards a Symmetrical Approach, 1041-1047. Freeze frame paradigm was used in the context of Dutch conservation projects, such as “New Strategies in the Conservation of Contemporary Art” (2009-2013).

  3. In literary and philosophical circles, intentionalism was opposed by the anti-intentionalists resulting, among others, from the term coined as ‘intentional fallacy’ and an eponymous publication by Wimsatt and M. Beardsley. See also Dykstra, “The Artist’s Intentions.”

  4. Re-” word forming element; C. 1200; from Old French and also directly from Latin re- “again, back, against.” Online Etymology Dictionary, s.v. “re-,” accessed October 12, 2016, http://etymonline.com/index.php?term=re-&allowed_in_frame=0.

  5. I elaborated on the notion of changeable artworks, which I relate to the concept of the archive and temporal materiality in Hölling, Paik’s Virtual Archive: Time, Change, and Materiality in Media Art (2017).

  6. For artworks’ slower and faster response to time, as well as their active and passive engagement with time, see Hölling, Paik’s Virtual Archive, 120-22.

  7. Bergson laid out his ideas in the following books, to which I refer throughout the text: Matter and Memory (1896), Time and Free Will (1889) and Creative Evolution (1907)

  8. Not yet advancing the concept of time but arguing from within the conceptual framework of authenticity, Salvador Muñoz Viñas posits the only “authentic condition” that we know is the condition in which the artwork currently is. Muñoz Viñas, Contemporary Theory, 94.

  9. Brandi uses ‘restoration’ in his Theoria, where I use ‘conservation.’

REFERENCES

Appelbaum, B. 2009. Conservation Treatment Methodology. Oxford: Butterworth-Heine­mann.

Ashley-Smith, J. 2004. “The Ethics of Conservation.” in Care of Collections, ed. Simon J. Knell. London: Routledge.

Bergson, H. 2005 (1896) Matter and Memory. Translated by Nancy Margaret Paul and W. Scott Palmer. New York: Zone Books.

Bergson. H. 1998 (1907). Creative Evolution. Translated by Arthur Mitchell. Mineola, NY: Dover Publi­cations, 1998.

Bergson, H. 2005 (1889) Time and Free Will. Translated by F. L. Pogson. London: Elibron Classics, 2005.

Brandi, C. 2005. Theory of Restoration. Translated by Cynthia Rockwell. Florence: Nardini Edi­tore.

Cua Lim, B. 2009.Translating Time: Cinema, the Fantastic, and Temporal Critique. Durham: Duke University Press.

Deleuze, G. 1991 (1966). Bergsonism. Translated by Hugh Tomlinson and Barbara Habberjam. New York: Zone Books.

Derrida, J. 1982. Margins of Philosophy, trans. Alan Bass. Chicago: University of Chicago Press.

Dykstra, S.W. 1996. “The Artist’s Intentions and the Intentional Fallacy in Fine Arts Conservation.” Journal of the American Institute for Conservation 35/5 (1996): 197-218.

Foucault, M. 1995. Discipline and Punish: The Birth of Prison, translated by Allan Sheridan. Second edition. New York and Toronto: Random House, 1995.

Hölling, H. 2017. Paik’s Virtual Archive: Time, Change, and Materiality in Media Art. Oakland: University of California Press.

Hummelen, I., van Saaze, V., Versteegh, M. 2008. “Towards a Symmetrical Approach in Conservation?” In ICOM-CC 15th Triennial Conference Preprints, 22 – 26 September 2008, vol. II, ed. J. Bridgland. New Delhi: Allied Publishers.

Jameson, F. 2013. “The End of Temporality.” In Abstraction: Whitechapel Documents of Contemporary Art, ed. Maria Lind. Cambridge, MA: The MIT Press.

Lowenthal, D. 2003. The Past is a Foreign Country. Cambridge: Cambridge University.

Muñoz Viñas, S. 2005. Contemporary Theory of Conservation. Oxford: Elsevier.

Mooij, J. J. A. 2005. Time and Mind: The History of a Philosophical Problem, translated by Peter Mason. Leiden: Brill.

Villers C. 2003. “Post Minimal Intervention.” The Conservator 28 (2003): 310.

Wimsatt Jr., Beardsley, M.C. 1954. “The Intentional Fallacy.” In The Verbal Icon:  Studies in the Meaning of Poetry. Lexington: University of Kentucky Press.

SUGGESTED QUOTATION

Hanna B. Hölling, “Time and Conservation,” ICOM-CC 18th Triennial Conference Preprints,

Copenhagen, 4-8 Septmber 2017, edited by J. Bridgland, Paris: International Council of Museums

AUTHOR’S CONTACT DETAILS

Hanna Hölling

University College London

London, United Kingdom

h.holling@ucl.ac.uk

www.ucl.ac.uk/art-history/people/academic-staff/hanna-hoelling


 

Yaël KREPLAK rejoint le GRICR.

crédits Yaël Kreplak

Yaël KREPLAK rejoint le Groupe de Recherche Interdisciplinaire en Conservation-Restauration (GRICR) de l’ESAA. Elle est chercheuse associée au CEMS-IMM (EHESS, Paris) et actuellement post-doctorante à la Fondation des sciences du patrimoine (Labex Patrima). Fondés sur des enquêtes ethnographiques réalisées dans des institutions artistiques, muséales et patrimoniales (Villa Arson, Musée national d’art moderne, Archives nationales), ses travaux visent à élaborer une approche praxéologique de l’art, ancrée dans la description des pratiques ordinaires de mise en exposition, de conservation, de restauration et de documentation. En mobilisant les apports de l’ethnométhodologie, de l’analyse de l’action située et de l’esthétique pragmatiste, ses recherches défendent une approche descriptive des pratiques sociales situées qui font les œuvres.
Elle a été membre du jury dont celui du mémoire, du DNSEP option » art »/ mention »conservation-restauration » en 2016 et 2017. Depuis 2015, elle développe le projet de recherche interdisciplinaire Écologie des collections. Nouvelles perspectives sur les pratiques muséales, en collaboration avec Tiziana Beltrame et Frédéric Keck, avec le soutien du Labex CAP. développé à l’École supérieure d’art d’Avignon.

Yaël Kreplak a reçu, en 2016, un soutien à la théorie et critique d’art du Cnap pour une recherche intitulée « Vers une écologie de l’art. Une ethnographie du MNAM ».

https://labexcap.academia.edu/Ya%C3%ABlKreplak

http://traces.hypotheses.org/

http://des-recits-ordinaires.villa-arson.org/ 

Bienvenue à elle !

Un nouveau Diplôme d’Université « Patrimoines, des matériaux au numérique », à l’UAPV

Rattaché au Service de la Formation Tout au Long de la Vie, un Diplôme d’Université permettant d’acquérir, de développer ou de perfectionner des compétences dans le domaine des patrimoines, est proposé par l’Université d’Avignon et des Pays de Vaucluse en partenariat avec le Pôle Cultures & Patrimoines.

PUBLIC CIBLE

Le Diplôme d’Université Patrimoines, des matériaux au numérique s’adresse à des professionnels du patrimoine : architectes, restaurateurs, agents des services patrimoines, des services techniques des collectivités publiques, maçons MH, entreprises spécialisées.

L’UAPV promet la délivrance de la formation par des professionnels, référents dans leur domaine. (Leurs identités ne sont pas encore fournies).
Un premier  module,  introductif et théorique, aborde le patrimoine bâti et ses implications dans le champ de la médiation culturelle. Puis ce sont  les matériaux et médiums tels que pierre, béton, métal, liants, décors peints et couleurs qui sont traités. Enfin, ce sont les applications du numérique au service du patrimoine bâti, notamment les relevés et modélisation, qui concluent la formation.

Celle-ci destinées aux professionnels œuvrant dans le secteur du patrimoine, qu’ils soient conservateurs-restaurateurs, conservateurs,  artisans d’art, maîtres d’œuvre, voudrait leur permettre

  • d’une part d’acquérir des compétences liées aux spécificités de différents matériaux présents dans des ouvrages patrimoniaux,
  • d’autre part,d’appréhender l’usage des nouveaux outils numériques dans leurs métiers respectifs.L’ensemble de ces modules est conçu et dispensé par des professionnels et des enseignants-chercheurs, avec pour  objectif l’acquisition de connaissances à la fois théoriques et pratiques ciblées et nécessaires au quotidien des professionnels mentionnés.

COMPETENCES VISEES

  • Approfondir les notions et concepts liés aux patrimoines ainsi que leurs modes de valorisation potentiels
  • Connaître, de manière pragmatique et synthétique, les matériaux et leur histoire
  • Comprendre leurs modes de vieillissement, les procédés de conservation et de restauration les plus adaptés, les plus performants et pérennes en fonction de leur environnement et de leur structure
  • S’initier aux technologies numériques appliquées aux patrimoines (relevés, reconstitution, médiation)

Programme de formation 2017-2018 à télécharger 

DEROULEMENT

La formation s’articule autour de modules thématiques encadrés par des binômes professionnels et référents universitaires.
Elle est d’une durée totale de 133 heures en présentiel.
Elle se déroule d’octobre à juin à raison d’un module de 2 à 2,5 jours par mois sur 9 mois (examen en juillet).
Chaque module peut être suivi indépendamment.

TEMPORALITE 

Durée des études (en semestres) : 133 heures de formation sur 9 mois, à raison d’un module de +/-2 jours par mois.

Nombre d’heures hebdomadaires : entre 14h et 17,5h
Télécharger le calendrier prévisionnel de la formation

EQUIPE PEDAGOGIQUE

Les deux co-responsables de la formation sont deux enseignantes-chercheuses formidables, impliquées aussi dans des projets d’analyse et d’identification de matériaux du patrimoine, aussi bien au niveau national qu’international. Mesdames
Carole Mathé – De Souza, MCF HDR, UAPV  &
Cathy Vieillescazes, PR, UAPV.

 NIVEAU DE RECRUTEMENT = Bac + 2

Conditions d’admission

LIEU(X) DE FORMATION  + Campus Hannah Arendt – Site Chabran

STAGES = Non

COÛT DE LA FORMATION COMPLETE  = 2 000 €.

Coût de la formation par module : nous consulter. (Des possibilités de prise en charge sont envisageables selon la situation de chacun. La Formation Tout au Long de la Vie se tient à votre disposition pour tous renseignements.)

ACCESSIBILITE

Formation continue

Partenariats institutionnels

Cette formation est organisée en partenariat avec le Pôle Industries Culturelles & Patrimoines.
Pôle ICP
Avenue de la 1ère Division France libre
13200 ARLES
Tél. : +33 (0)4 90 99 08 11
www.industries-culturelles-patrimoines.fr

 

Consulter la plaquette de présentation ICI

« Conserver/restaurer », 18 mois après sa parution …

Le 18 Février  2016 paraissait le livre posthume de Jean-Pierre Cometti Conserver / restaurer. L’oeuvre d’art à l’époque de sa préservation technique, dans la collection nrf essais chez Gallimard. Ses notes de lecture et recensions ne sont pas légion et ont relativement tardé à apparaître. Elles sont répertoriées ci-dessous par ordre alphabétique: Rodolphe André,  Pierre Leveau,  Louis Paré, Bernard Sève,   Jean-Christophe Sevin. Au moins un autre compte-rendu par Léonie Hénaut est en cours.

YAËL KREPLAK

 

Yaël KREPLAK

Yaël Kreplak est chercheuse associée au Centre d’Etude des  Mouvements Sociaux – Institut Marcel Mauss (EHESS, Paris) et travaille dans le domaine de l’ethnométhodologie et de l’analyse de l’action située.

Fondés sur des enquêtes ethnographiques réalisées dans des institutions artistiques, muséales et patrimoniales (Villa Arson, MNAM, musée du quai Branly, Archives nationales), ses travaux visent à élaborer une approche praxéologique de l’art, ancrée dans la description des pratiques ordinaires de mise en exposition, de conservation, de restauration et de documentation. En mobilisant les apports de la philosophie pragmatiste, de la sociologie des sciences et de l’analyse des interactions, ses recherches défendent une approche descriptive des pratiques sociales situées qui font les œuvres.

Page personnelle  ICI

Publications récentes

2017               « La conservation comme performance ? Une approche par les pratiques », Conserver et transmettre la performance artistique, Culture & Musées n° 29, Jean-Marc Leveratto dir. (à paraître).

2017               « Des documents dociles. Propositions pour une lecture de la documentation des collections », in Document bilingue, Érik Bullot et Sabrina Grassi-Fossier dir., Publication du Musée des civilisations de l’Europe et de la Méditerranée et Éditions Macula, p. 69-79.

2017               « Voir une œuvre en action. Une approche praxéologique de l’étude des œuvres », Cahiers du CAP, n° 5, p. 189-213.

2017               « Le continuisme deweyen à l’épreuve des situations. De l’art comme expérience aux pratiques artistiques en interaction », in Après L’Art comme expérience : John Dewey dans le débat contemporain, Jean-Pierre Cometti et Giovanni Matteuci éd., Paris, Questions Théoriques (à paraître).

2016               « On ne sait pas ce qu’est une pratique », avec Franck Leibovici, Essai de bricologie. Ethnologie de l’art et du design contemporain, Techniques et Culture, n° 61, Thomas Golsenne et Patricia Ribault dir., [http://www.cairn.info/revue-techniques-et-culture-2015-2-page-188.htm].

2014               des récits ordinaires, avec Franck Leibovici et Grégory Castéra, Dijon, Les presses du réel, coll. « Villa Arson ».

Résultats du DNSEP-CR 2017

Après des soutenances qui se sont déroulées les 16, 19 et 20 Juin, le jury que l’on voit ici studieux, a décerné le DNSEP option art / mention conservation-restauration à

Pauline BERTRAND avec les félicitations,

Masumi KANAMORI avec mention,

Aurore ORLANDI,

Zoë RENAUDIE avec les félicitations.

Pour la première fois cette année, les candidats au DNSEP se sont vus offrir l’opportunité de présenter leur travaux et de les soutenir face au jury, dans les espaces de la Collection Lambert.

« Restauration » celtique

 

Au nord de la ville de Troyes, les fouilles préventives des archéologues de l’INRAP après un diagnostic réalisé en août 2012 sur la ZAC du Moutot, ont permis en 2014 une découverte exceptionnelle. Une nécropole protohistorique dont les sépultures s’étalent sur une période de plus de 1200 ans. Elle abrite notamment une tombe à char princière celte datant du premier âge du fer, entre 800 et 450 avant JC, période Hallstatt. Cette tombe correspond à la présence d’un pôle aristocratique urbain, de la fin du 1er âge du fer. La présence de cette pièce d’apparat rarissime illustre le pouvoir de princes puissants. La pièce majeure retrouvée dans la tombe est un chaudron monumental de facture étrusque ou grec dont l’ouverture est d’un mètre environ.

Au centre de cette pièce exceptionnelle, les archéologues ont mis à jour une très belle œnochoé, un vase à boire, à bec tréflé en céramique attique à figures noires. Elle est  un accessoire du banquet funéraire et fait partie du viatique de la tombe. Elle représente un thème dionysiaque (Dyonisos allongé sous une vigne, face à Démeter et un satyre). L’oenochoé de Lavau est particulièrement remarquable à double titre. Tout d’abord, en ce qu’elle est découverte dans un contexte celtique, fait très peu courant. L’autre caractère exceptionnel est fourni par des ajouts d’ornementations clairement celtiques en métaux précieux à même le vase. Un motif de masque en argent, stylisé avec des oreilles en feuilles de gui, orne la base de l’anse. L’embase et la lèvre (ou le col) du vase sont sertis d’une tôle d’or repoussée (sertissage rapporté), et soulignés d’un décor de méandres en filigrane.

Mais pour quelle(s) raison(s) les celtes ont-ils rajoutés ces motifs de métal précieux sur la céramique ? Afin de la magnifier, lui donner plus de valeur, se l’approprier ou la « restaurer » ? 

Pour tenter de répondre à cette question, il faut passer par d’autres objets. Le vase de Lavau n’est pas un cas unique. Cette « customisation » se retrouve ailleurs. D’autres cas d’amélioration ou d’embellissement d’objets retrouvés dans des tombes, sont conservés dans des musées. Celui du Wurtemberg de Stuttgart, expose des objets méditerranées rehaussés par les celtes.

Württembergisches Landesmuseum

Ils ont été trouvés au XIX ème siècle non loin de Stuttgart, sur le site d’Asperg, dans une tombe princière contemporaine de celle de Lavau. Parmi eux, deux magnifiques coupelles athéniennes qui servaient à distribuer la boisson. On a pu déterminer que ces récipients se sont cassés dans l’Antiquité au niveau des anses, probablement à l’usage. Et ce qui est remarquable, c’est que ces objets étaient si précieux qu’ils ont été  « restaurés » par un ajout de tôle d’or décorée. Les artisans celtes ne se sont pas contentés de consolider l’objet en essayant de seulement réparer la fonctionnalité des coupelles et en s’efforçant de respecter leur apparence d’origine. Leur geste va bien au-delà : il la consisté a leur donner encore plus de valeur et de beauté.

Dans une autre vitrine du même musée, un autre cas restauré par les celtes de manière curieuse, attire l’attention. C’est celui du grand chaudron aux lions en bronze provenant de la tombe de Hochdorf à Eberdingen. Le pourtour de l’ouverture est surmonté de trois petites sculptures de lions. Deux proviennent clairement d’ateliers grecs. Le troisième est de taille identique aux autres, mais son style est beaucoup plus épuré. Il remplace un lion perdu. Cela signifie que les artisans celtes ont délibérément choisi de reproduire le lion manquant avec leur propre style, alors qu’il eut été sans doute faisable d’un point de vue technique, de faire une copie d’un lion original à partir de l’un des deux restants. Après cette intervention singulière, le chaudron est devenu un objet culturellement et stylistiquement composite, métis : mi méditerranéen, mi celtique.

Ces exemples signifient selon les archéologues spécialistes de cette époque, que les celtes n’étaient pas isolés et que des échanges existaient bien entre eux et l’actuelle Italie du Nord, ainsi qu’avec le monde grec, au point que leurs esthétiques étaient partagées. Des objets décoratifs et des bijoux étaient même spécialement fabriqués par des artisans du nord de l’Adriatique pour répondre à une demande celte. « Restaurer » un objet esthétique provenant d’une autre culture, semble avoir consisté, dans les exemples cités, à affirmer son propre style en l’intégrant avec son plus grand savoir faire dans celui de l’Autre. En dépit d’un respect de l’intégrité stylistique des objets, les artisans celtes agissaient comme pour témoigner à la fois d’une égalité de valeur culturelle, et d’un processus d’intégration relevant d’une acculturation délibérément choisie.

Plus près de nous, la restauration a déjà eu pour dessein d’améliorer et même de magnifier parfois  les objets qu’elle traitait. Jusqu’à la fin de la première moitié du siècle dernier, avant que ne se diffusent un code d’éthique, des peintures ont été l’objet du zèle pictural de « peintres-restaurateurs » peu scrupuleux, pour qui retouche signifiait aussi rectification. 

Luc Di Rosa, membre du séminaire « art & artefactualité », a suggéré le parallélisme avec le Kintsugi (ou kintsukuroi), une méthode japonaise de réparation de céramiques cassées, avec une laque spéciale mélangée avec de l’or, de l’argent ou du platine. La philosophie qui sous-tend cette technique, conduit à donner accès à l’histoire de l’objet et à intégrer visiblement la réparation dans la nouvelle pièce sans la camoufler ou  la déguiser. Le processus se traduisant généralement par une intervention et un résultat surpassant esthétiquement celui d’origine.

Décès de Katia Baslé.

C’est avec une grande tristesse que Semin’R  vient d’apprendre le décès soudain de Katia Baslé, survenu dimanche dernier après un accident vasculaire cérébral et des conséquences néfastes que n’ont pu endiguer des soins hospitaliers.  Chef des travaux d’art, chargée de la coordination préventive au Centre Interdisciplinaire de Conservation et Restauration du Patrimoine (CICRP) de Marseille, Katia était une personne et une professionnelle très appréciées de ses collègues et interlocuteurs, notamment pour son entrain quotidien. La communauté des conservateurs-restaurateurs enseignants  et étudiants de l’ESAA qui l’ont fréquentée, ont savouré sa présence et lu ses publications, salue sa mémoire. Avec son plus grand respect, elle compatit au chagrin et au deuil de ses proches à qui elle adresse ses plus sincères pensées et condoléances.

 

Le premier « Musée du flop » n’a pas raté l’ouverture de ses portes.

Le Musée du flop  (Museum of failure)   rassemble  une   collection  d’innovations ayant  échoué lors  de leur  mise  sur le marché.  La majorité  de tous  les projets d’innovations échoue, et  le musée  réunit ces ratages afin de permettre au public une fascinante expérience d’où en tirer  des leçons. La collection compte  plus de soixante dix produits et services provenant des quatre coins du monde.

On a plus l’habitude de visiter des lieux à la gloire de réussites dans tous les domaines, l‘histoire préférant se souvenir des vainqueurs. Or l’inéluctable avancée du progrès et des inventions a aussi ses perdants, oubliés du récit mémoriel auxquels il n’est pas coutume de rendre hommage. C’est un psychologue américain, Samuel West, docteur en psychologie du travail, qui est à l’origine de ce musée singulier, le «Museum of failure» qui a ouvert ses portes le 7 juin dernier à Helsingborg / Suède.

Samuel West / Crédits photographiques : CNN

Y est exposé un certain nombre de foirages commerciaux les plus retentissants du siècle dernier. En bonne place de ce bric-à-brac qui brasse tous les secteurs de la production industrielle, l’Apple Newton, le stylo Bic pour femme rose ou violet (parce que la marque avait pu penser que les femmes ne sauraient ou ne pourraient pas écrire avec un bic pour homme …) ou le collant féminin Bic, Google Glass, Nokia N-Gage, Orbitoclast, Lobotomy (instrumentation medicale), les lasagnes surgelées Colgate, le parfum Harley-Davidson, l’appareil photo digital Kodak,, la fibre optique Lego, le système Sony Betamax éteint par son concurrent direct, le VHS.

Pourtant, le Betamax de Sony mis sur le marché en 1975,  offrait une qualité bien supérieure à celle du VHS mis au point par JVC. Mais il accumula des défauts majeurs qui lui seront fatals. Seul Sony pouvait utiliser ce format, quand le VHS fut adopté par tous ses concurrents. La durée d’enregistrement et de visionnage des cassettes Betamax ne dépassait pas une heure. Finalement en 1988, Sony commercialisa son premier magnétoscope en VHS

Pour le psychologue initiateur du musée, l’enjeu est de positiver le bide, le râteau, l’échec. Il argumente l’idée que le ratage est un passage obligé du chemin vers la réussite. La mise sur le marché de nouveautés ou de produits révolutionnaires, suppose une part de bides, voire d’idées stupides. Le musée correspond à une volonté de dédramatisation de l’échec commercial, en somme. L’échec serait-il plus accepté dans la culture anglo-saxonne ?  Toujours est-il qu’une association – 60 000 rebonds (près de 60 000 entreprises font faillite chaque année) – tente d’importer en France l’idée de «Fail fast» ou échouer vite,  pour les entrepreneurs français qui font faillite. Avec  « pour volonté de faire évoluer en profondeur le regard sur l’échec en France « , elle  exhorte par exemple d’arrêter de se battre quand il y a changement de réglementation, et qu’on ne peut rien y faire.

Parmi les objets présentés , une invention de Donald Trump, «Trump the game», datant de l’époque où le milliardaire donnait dans le business du jeu de société. En 1989, le jeu sort en ressemblant fort à un « Monopoly » sophistiqué. Hélas, c’est un fiasco cuisant: entre 1989 et 1990, l’entreprise Hasbro qui produit la boîte du jeu, n’en écoule que 800.000 exemplaires au lieu des 2.000.000 escomptés.

Autre loupé retentissant , l’Apple Newton lancé en 1993, au prix exorbitant, aux multiples défauts et dysfonctionnements, dont la commercialisation sera stoppée en 1997, et qui sera remplacé seulement dix ans après par l’Iphone d’abord, l’Ipad ensuite.

en 1985, le new coke est le premier soda consommé dans l'espace. sur terre,
© Coca cola company

Un reproche : point d’automobile, et l’absence de certaines marques quand on se se souvient d’échecs notoires imputés à des erreurs de marketing ou à des lancements ratés, certes un peu plus anciens. Par exemple aux USA, la Ford Edsel et son lot d’innovation. C’était une belle grosse américaine à la prétention futuriste, baptisée en 1958 par Henry Ford du même du prénom que son fils unique, mort d’une maladie 15 ans plus tôt. Le modèle est  lancé tambours battants, mais s’effondre finalement à peine deux ans plus tard à cause de facteurs multiples : des finitions désastreuses, un contexte économique défavorable, une défiance des consommateurs. La perte financière sera faramineuse: 350 millions de dollars, soit à peu près 2,5 milliards aujourd’hui, et la Edsel fut un gigantesque  bide commercial.

Ou encore en France dans les années 90, la Renault 14 « savonnée » par une publicité désastreuse en référence à la poire et  la Ford K qui n’aura pas le succès de son ancêtre portant la lettre T. Un peu plus tard, l’Avantime  de la marque au losange, remarquablement originale aussi bien  à l’intérieur qu’ à l’extérieur, mais qui restera incomprise et que ses détracteurs appelleront « le fer à repasser ». Comble de l’ironie, la marque avait choisi pour son spot publicitaire la chanson de Portishead : « Give me a reason, to love you… »

« Etrangement » oublié, Le New coke, de la célèbre firme de sodas d’Atlanta, sitôt lancé le 23 Avril 1985, sitôt retiré le 11 Juillet de la même année. Alors que les déboires de son concurrent direct Pepsi sont rappelés: Le pepsi crystal lancé en 1994, mais dont personne ne verra la couleur. Il était sans caféine, mais surtout, incolore et transparent. Il n’a pas du tout  séduit les consommateurs et sera abandonné au bout de quelques années.

       L’expérience de ce musée ouvre-t-elle la porte à la constitution d’un patrimoine de l’échec ? Par ailleurs et à propos de ratage … A notre connaissance, il y a très, très, très peu de rencontres (inter)disciplinaires qui concernent l’échec, le ratage, le fiasco. Courageuse, a revue CeROArt avait en 2009, traité le thème « L’erreur, la faute , le faux. » Dommage, c’est pourtant en faisant des erreurs qu’on apprend aussi, comme il est dit dans un des articles

Bibliographie:

HAIG, Matt, 100 grands flops de grandes marques, Dunod, Paris, 2011

4 ème colloque IIC des étudiants et jeunes professionnels de la CR


4ème colloque IIC des étudiants & jeunes professionnels  en conservation-restauration

du  12 au 14 October 2017 à Berne

Les colloques de l’IIC Etudiants & Conservateurs-restaurateurs émergeants (S & EC) ont pour ambition de créer une plateforme où les étudiants en conservation-restauration et les jeunes professionnels du monde entier, ainsi que ceux des disciplines et des professions connexes, peuvent se rencontrer pour discuter de leurs objectifs, de leurs besoins et de leurs attentes. Les colloques permettent à la prochaine génération de professionnels de la conservation-restauration de tirer parti de l’expérience et des conseils des anciens et de partager leurs projets d’avenir.

À la suite des rencontres précédentes SIC I & EC de Londres (2011), Copenhague (2011) et Varsovie (2015), nous sommes heureux d’annoncer le quatrième colloque des 12 et 13 octobre à Berne. Il se déroulera sur deux jours et comprendra des tables rondes avec modérateurs, des visites d’ateliers et des événements sociaux.

Le titre de la conférence de 2017 s’inspire du philosophe suisse de l’éducation, Joachim Pestalozzi, dont le credo «Apprendre avec la tête, le cœur et les mains» est également très applicable au métier de la conservation-restauration.

Une équipe de 13 étudiants réunis dans l’association sofea (Student Organization For Extracurricular Activities HKB, Bern), sont responsable de la réalisation de la conférence à l’Université des Beaux-Arts de Berne – Suisse.

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4th IIC Student & Emerging Conservator Conference  12-14 October 2017 in Bern

Thursday, October 12, 2017 – 09:00 to Saturday, October 14, 2017 – 14:00 | Bern University of the Arts

The IIC Student & Emerging Conservator (S&EC) Conferences aim to create a platform where conservation students and young conservators from around the world, as well as those in related disciplines and professions, can meet to discuss their aims, needs and expectations. The conferences allow the next generation of conservation professionals to learn from the experience and advice of professionals and share their plans for the future.

Following on from the successful previous IIC S&EC Conferences in London (2011), Copenhagen (2011) and Warsaw (2015), we are delighted to announce the fourth conference on the 12th & 13th October in Bern. It will be held over two days and consists of moderated panel discussions, studio visits and social events.

The title of the 2017 conference is inspired by the Swiss educational philosopher Joachim Pestalozzi, whose credo of ‘Learning with Head, Heart, and Hands’ is also very applicable to the conservation profession.

A team of 13 students confederated to the association sofea (Student Organization For Extracurricular Activities HKB, Bern), who is responsible for the realization of the conference at the Bern University of the Arts – Switzerland.

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Un projet de recherche pour la conservation et la restauration des oeuvres variables et complexes

Le projet DIAL: un nouvel index digital pour répertorier la « vie » des oeuvres variables et complexes. (Faculté de sciences humaines, Conservation et Restauration du patrimoine, Université d’ Amsterdam.)

Les œuvres d’art contemporain peuvent être complexes, non seulement du fait de l’utilisation de matériaux et de techniques, mais aussi de leur contenu et de leur forme d’expression. La manifestation d’une œuvre peut prendre plusieurs formes et varier selon le contexte et le temps. Par conséquent, se préoccuper durablement des œuvres d’art contemporain complexes nécessite une approche complètement différente de celle de l’art traditionnel. À l’aide de DIAL, un index numérique capable de de répertorier la vie entière d’une œuvre d’art, le projet vise à développer un outil numérique pour les systèmes de gestion de collections afin de sensibiliser les professionnels à leur propre rôle lors de l’exposition d’œuvres d’art complexes.

Le caractère dynamique et la forme fluide de nombreuses œuvres d’art contemporain remettent en question les façons de faire des musées et les obligent à penser au-delà de leurs cadres habituels afin de remplir leur responsabilité en tant qu’institution de gestion de collections. Cependant, l’infrastructure numérique des musées prévue pour remplir ce rôle, n’est pas suffisamment équipée pour ces types d’œuvres d’art. Les caractéristiques intangibles des œuvres d’art variables ou interactives, ne peuvent pas être traduites dans les systèmes de base de données de collection actuels.
Ce projet veut s’attaquer à ce manque en recherchant des façons de mieux comprendre les conséquences des choix dans la gestion des œuvres d’art complexes. Ceci est fondamental, car le processus dynamique de réinstallation, de ré-implémentation et de participation du public affecte à la fois l’apparence finale d’une œuvre et son contenu. Bien que ce constat ait été progressivement admis, il n’a pas encore donné lieu à un changement dans l’infrastructure du musée, qui repose uniquement sur des objets statiques et des données fixes. Ce projet vise à stimuler l’esprit d’investigation du professionnel en intégrant une approche réflexive dans le système de gestion des collections, révélant le facteur directeur dans la vie d’une œuvre d’art.

Le projet, une collaboration entre l’Université d’Amsterdam, le musée Kröller-Müller et les Solutions Simples de Wiel, veut développer un outil numérique permettant de visualiser la vie de l’oeuvre d’art. Ce «DIAL for Complex Artworks» vise à rendre les professionnels de l’industrie créative plus conscients de l’impact de leurs propres actions sur les œuvres d’art qu’ils gèrent. De cette façon, cette recherche contribue à la réflexion critique et à une vision durable de la gestion des œuvres d’art contemporaines complexes.

Durée du projet: 1er juin 2017 – 31 mai 2018

Chercheuse principale:  Sanneke Stigter, Université d’ Amsterdam. Résultat de recherche d'images pour "sanneke stigter"s.stigter@uva.nl 

Partenaire publique: Susanne Kensche, Musée Kröller-Müller

Partenaire privé: Wiel Seuskens, Wiel’s Simple Solutions

En savoir plus

 

 

Formation gratuite sur les restes humains

Les restes humains dans les collections publiques en France, de l’état des lieux aux enjeux professionnels

Rencontre professionnelle

23 juin 2017

Muséum de l’Homme, Paris /  Programmation Ocim

En partenariat avec le Musée de l’Homme

Thème
Des restes humains sont présents dans de nombreuses collections publiques au sein de musées de France, d’établissements d’enseignement supérieur et de recherche, ainsi que de centres hospitaliers universitaires.

Pour s’inscrire.

 

 

https://ocim.fr/formation/restes-humains/

La mention « conservation-restauration de l’ESAA.


LA MENTION « CONSERVATION – RESTAURATION »

… dans le panorama français,

 Il existe en France seulement 4 formations publiques1 dont les diplômés au grade de Master bénéficient d’une habilitation qui les autorisent à traiter le patrimoine mobilier public. La profession de conservateur – restaurateur est désormais précisément définie par différentes chartes éthiques et codes déontologiques2 sur le plan national comme international. (cf. ICOM-CC1984ECCO2002, et ICOM2010-résolutionn°7).

La plupart des  profanes conçoit souvent la conservation-restauration comme un champ d’activité homogène ayant pour objectif essentiel de prolonger l’existence des biens culturels dans le futur. En réalité, il existe différentes démarches de conservation et de restauration qui sont à l’oeuvre en fonction de diverses  théories, catégories d’artefacts, situations institutionnelles, cultures et conjectures historiques qui les ont produites. 

Même si un gabarit normatif pour la formation à la conservation-restauration a été préconisé par un consensus européen (cf. ENCoRE), chacune des formations publiques françaises a initié et développé son propre programme d’enseignement3 en tenant compte du contexte national et de son antériorité historique. Cette diversité est contingente de leur histoire, de leur implantation et des spécialités (“œuvres peintes” ou “sculptées”, “objets archéologiques”, “arts du feu”, “arts graphiques”, etc.) privilégiées par chacune, mais aussi et surtout, elle est tributaire de conceptions théoriques coexistantes. 

les orientations théoriques …

Ce qui distingue plus essentiellement ces cursus relève de leur « philosophie » de la conservation-restauration, de la place du conservateur-restaurateur dans la chaîne patrimoniale, des enjeux de son action, et des ressources mobilisées pour la réaliser. Partant d’une position historique d’activité subalterne, la conservation-restauration a acquis dans bon nombre de pays membres de l’ICOM, le rang de discipline académique. En effet, elle est aujourd’hui dotée d’écoles doctorales, d’un corpus de théories ou doctrines susceptibles d’amélioration permanente qui établit un « langage » spécifique avec ses règles de production discursive, et enfin d’une communauté identifiée de chercheurs.

… de l’ESAA … 

L’évolution de la formation à la CR dispensée par l’ESAA et l’ancrage de son enseignement au sein d’une école d’art en ont déterminé l’ADN. Depuis plus de dix ans et contrairement aux autres formations similaires, la formation de l’ESAA ne dispense pas d’enseignement qui vise expressément une spécialisation en termes de médium, matériau, et/ou genre artistique. Certes elle se distingue par un focus dirigé vers les productions relevant de circonscriptions conventionnelles:  l’art (dit)  contemporain et les artefacts (dits) ethnographiques caractérisés par leur éloignement culturel et/ou temporel, car ce sont eux qui font émerger les questionnements en point de départ de l’enseignement.

… pour une ingénierie de la conservation-restauration …

La formation de l’ESAA privilégie l’enseignement d’une ingénierie de la conservation-restauration4 de biens culturels. Celle-ci consiste d’abord en une enquête rigoureuse à la fois matérielle et socio-historique, subordonnée à une réflexion critique susceptible de corréler ces deux dimensions de tout artefact culturel. Le questionnement et la proposition de réponse concernent essentiellement les enjeux, objectifs et moyens de la conservation-restauration, en fonction de la nature, du statut, de l’ontologie, et du régime des objets que celle-ci est appelée à prendre en charge pour sa part.

Il s’agit ensuite de la conduite de la réalisation de traitements appropriés à un ou des biens culturels dans une situation donnée, selon une déontologie et une méthodologie dont les principes sont éminemment logiques et ses référents, d’ordre scientifique, technologique et technique.

Soutenances du DNSEP mention CR

Cette activité est appelée méthodologiquement à (re)considérer les biens culturels, outre un statut d’accessoire, comme de véritables protagonistes dans une complexité sociale et relationnelle située. Ce dessein implique de concevoir une matérialité qui ne sépare pas la prise en compte de leur consistance physique5 de celle d’autres facteurs spécifiques tout aussi déterminants de leur identité et de leurs significations6Cette manière de comprendre leur matérialité implique la prise en compte d’un pluralisme ontologique et de leur performativité. Puisqu’elle s’inscrit dans une démarche pragmatique, l’investigation est amenée à lier étroitement les dimensions techniques, technologiques, sémiotiques, anthropologiques et sociologiques d’une analyse des biens culturels en question. Car ceux-ci participent de cultures matérielles la fois lointaines et proches  en tant qu’ils sont liés  à des expériences et des usages qui s’y inscrivent. 

L’ingénierie de la conservation-restauration désigne un ensemble de fonctions qui comprend la réalisation d’enquêtes, la production d’ études de faisabilité , de diagnostics et de pronostics, la conception de projets globaux, la mise en œuvre de traitements spécifiques, techniques ou esthétiques, l’acquisition et la vérification d’équipement et fournitures adéquats pour leur réalisation, le contrôle de résultats, et enfin, la restitution de la réflexion et des résultats par la formulation d’un discours argumenté propre à cette ingénierie.

…  redevable à la contiguïté des deux mentions de l’ESAA.

La proximité et la fréquentation permanente de créateurs — adeptes de la pensée critique comme du caractère subversif de l’art — et théoriciens de tous horizons dans une école supérieure d’art, est certainement pour beaucoup dans le déclenchement et l’entretien d’une réflexion critique sur le sens, les formes et l’exercice de la conservation-restauration, en un mot, sa métacritique 7. 

Selon une autre conception et en toute conscience de la portée politique et des enjeux de la valorisation du patrimoine, les étudiants bénéficient d’un enseignement qui requiert le croisement des regards. Car le recensement des potentialités sémantiques et des valeurs d’un bien culturel est au prix de cette interdisciplinarité à même de discerner une identité et un sens qui se rapportent à un enchevêtrement de nombreux facteurs spécifiques avec plusieurs temporalités, contextes culturels, politiques et économiques,  systèmes de conventions.

La conservation-restauration n’est pas conçue avec une  primauté accordée aux sciences exactes, comme le laisse aussi supposer la figure du conservateur-restaurateur en blouse blanche véhiculée par les médias dont la plupart des sites internet des formations. Méthodologiquement parlant et dès le premier cycle, c’est lenquête qui est au cœur de la démarche en faveur d’objets sémiophores dotés d’une survivance à la mesure des attachements d’une communauté transgénérationnelle. 

Si l’on examine la conservation-restauration dans une perspective historique et épistémologique, il apparaît que la prévalence de l’attention accordée à la constitution matérielle des biens culturels, est corrélative de la persistance de celle des sciences exactes. Or aujourd’hui, la conservation-restauration des productions de l’art contemporain et des artefacts ethnographiques réclame nécessairement une pratique fondée sur une enquête critique recourant aussi aux outils des sciences humaines et sociales.

Cette contiguïté, cette congruence des deux mentions de l’ESAA, ont sans doute encouragé aussi l’aspiration de conservateurs-restaurateurs à la production et la diffusion d’un discours propre à la spécificité de leur expérience au contact intime et prolongé avec un bien culturel.  Cette ambition signifie le dépassement de la vénération fétichiste de la relique ou du chef d’oeuvre, comme l’abandon du rapport limité au compte-rendu technique et impersonnel en vertu d’axiomes déontologiques. Elle suppose également de renoncer à ne fonder une proposition de traitement que par la puissance persuasive de la démonstration et de l’instrumentation scientifiques, au profit d’un argumentaire critique, dialectique et empreint d’une subjectivité assumée.

[Auteurs: HG, MM]

Pour  approfondir:  ICI

____________________Notes_____________________

1 Premières promotions : 1973 Université Paris I, 1978 IFROA (INP), 1981 ESA Avignon,1983 ESBATours.

2 Ils recourent notamment à un ensemble de dichotomies ou lignes de partage : main/esprit, théorie/pratique, tangible/intangible, matériel/immatériel, tradition/nouveauté, etc. 

3 La proportion et le contenu des enseignements ressortissant des sciences exactes, humaines et sociales, et le dosage théorie/pratique en fournissent une idée.

4 L’ingénierie de la conservation-restauration, regroupe l’ensemble des actions qui conduisent, de l’examen, l’analyse et la conception, à la réalisation, son contrôle et à la (re)mise en fonctionnement patrimonial d’un bien culturel.

5 Qui est du ressort des sciences de la matière.

6 Qui est du ressort des sciences humaines et sociales.

7 Les étudiants ne sont pas formés pour acquérir une compétence qui se mesurerait seulement à la capacité d’excellence de réalisations par soi-même de traitements en adéquation avec une idéologie normative dans un contexte déterminé et invariable.

Une présentation succincte de l’ESAA

Une école d’art en réseau …

Avec 44 autres stuctures similaires réparties sur le territoire français de métropole et d’outre-mer, l’Ecole Supérieure d’Art d’Avignon (ESAA) est un établissement public de coopération culturelle (EPCC) relevant du ministère de la Culture et de la Communication. Il est soutenu financièrement et administrativement par la Ville pour une large part et par l’État.

Résultat de recherche d'images pour "écoles d'art avignon"Outre sa mission essentielle d’enseignement supérieur et de formation initiale, l’ESAA s’inscrit sur un territoire à la fois proche et plus élargi. En nouant des liens de partenariats aussi bien avec des organisations éclectiques qu’avec des institutions plus renommées, de dimensions locale,  nationale et internationale, elle vise à entretenir une dynamique de recherche productive en termes de projets et de prospective.

Elle fait partie aujourd’hui du réseau « les écoles du sud » qui regroupe en région Provence-Alpes-Côte d’Azur & Monaco, les établissements

° Villa Arson
° École Nationale Supérieure de la Photographie
° ESADMM-Ecole supérieure d’art & de design Marseille Méditerranée
° École supérieure d’art d’Aix-en-Provence
° Ecole Supérieure d’Art et Design Toulon Provence Méditerranée
° Ecole Supérieure d’Art Avignon
° Pavillon Bosio, Ecole Supérieure d’Arts Plastiques de la Ville de Monaco

… avec deux spécialisations …

« Pélerinage » au Musée Pierre de Luxembourg, Villeneuve-lez-Avignon

Depuis 1981, l’ESAA poursuit sa mission principale de formation initiale avec une identité duale qui en fait sa singularité dans le paysage français: l’option art y est déclinée en deux mentions spécialisées: la création-instauration et la conservation-restauration.

Comme on le sait, le propre des écoles supérieures d’art est le temps important qui est consacré à la pratique de la création, en séances collectives et régime de plus en plus autonome. Aujourd’hui, toute connaissance, tout matériau, tout médium, tout ready made et même l’usage  de son propre corps peuvent donner lieu à une production artistique, comme des produits sélectionnés et des gestes maîtrisés, à la conservation-restauration d’un artefact patrimonial. Or il ne s’agit pas de les utiliser aux seules fins de l’expression spontanée et géniale d’un moi pour seulement soi, ni d’autre part, en application habile d’un savoir-faire anonyme sous couvert de la notoriété d’un chef d’oeuvre et/ou la sacralité d’une relique.  L’enjeu est bien plus la manifestation d’un être au monde dont la singularité de la proposition sera d’autant plus appréciable qu’une multitude pourra s’y re-connaître à la faveur d’une capacité de mobilisation et de critique d’expériences, de références et concepts tant acquis que partageables.

  • création-instauration

Le mot création renvoie à la pratique de créer ex nihilo, aux médiums et genres artistiques classiques. Il est accolé à instauration, qui désigne lui, l’acte de « faire exister pour la première fois » (E. Souriau, Vocabulaire d’esthétique, PUF, 1990), comme Marcel Duchamp s’y est employé dans le champ de l’art avec ses ready-made.

La mention  » création-instauration » se focalise particulièrement sur trois axes opérationnels que sont les arts plastiques (objets / dispositifs), les arts performatifs / pratiques scéniques, et les arts médiatiques.

  • conservation-restauration

La locution conservation-restauration est la formulation normalisée à l’échelle internationale (ICOM, 2010) qui désigne une discipline académique et une activité professionnelle en faveur de la sauvegarde de biens culturels matériels. Très synthétiquement dit, la conservation vise d’abord à stabiliser un objet en l’état, puis la restauration à améliorer son appréciation.

Les productions de l’art contemporain et les artefacts ethnographiques du patrimoine conservé dans les institutions publiques, constituent prioritairement le champ  de questionnement et d’application, ainsi que l’enjeup rivilégiés par la mention  conservation-restauration.

NB : la formation de l’ESAA demeure aujourd’hui la seule en France dédiée à la conservation-restauration des artefacts ethnographiques après l’arrêt de celle du Master Conservation-Restauration des Biens Culturels à l’Université Paris I – Sorbonne.

… congruentes …

  • C’est l’objet /oeuvre d’art qui est le dénominateur commun aux deux mentions, au centre d’attentions que lui consacrent les deux démarches de part et d’autre, tels deux pendants.

  • Au cours du temps, la création-instauration se situe en amont de l’objet puisqu’elle s’attache aux questions et enjeux liés à sa production, tandis qu’en aval, la conservation-restauration se préoccupe des conditions de sa réception.

création-instauration objet/oeuvre conservation-restauration

—————————— cours du temps ———————————→

  • Outre le tête-à-tête de chaque acteur de l’école  avec l’objet / oeuvre d’art, c’est aussi celui des deux mentions qui est instauré pour que s’y puisent les bénéfices de rapports dialogiques et dialectiques.

… pour un enseignement supérieur …

L’enseignement supérieur des  « arts plastiques » est placé sous le contrôle pédagogique du ministère de la Culture et de la Communication. Il est assuré à la fois par des artistes, des théoriciens et des professionnels, en mettant particulièrement l’accent sur des pratiques en dialogue permanent avec les cours théoriques.

A l’appui des programmes européens et d’autres plus  spécifiques, il encourage ses étudiants à la mobilité internationale.

Outre un objectif de professionnalisation, l’enseignement supérieur en école supérieure d’art comporte un adossement à la recherche. « En plus d’une connaissance affirmée des fondements scientifiques d’une activité professionnelle, une qualification de niveau I nécessite la maîtrise de processus de conception ou de recherche » (cf. site du MCC). Parallèlement à l’élaboration progressive du projet de l’étudiant, la recherche permet l’accès et le croisement d’autres domaines, d’autres disciplines académiques, mais aussi d’activités hétéroclites.

Dès le premier cycle, la formation fait de l’enseignement d’acquis fondamentaux — à hauteur de 30% environ et déterminés  en adéquation avec l’identité de l’école  — une priorité. A partir de l‘année L2, semestre après semestre, des cours théoriques et pratiques contribuent progressivement à la spécialisation et à l’initiation à la recherche en abordant la réflexion critique, l’analyse et les questions de  méthodologie.

… vers trois diplômes.

Conformément au système LMD issu des accords de Bologne, l’ESAA délivre un enseignement supérieur conduisant à trois diplômes.

  • Le Diplôme National d’Art (DNA) au niveau II et au grade de la licence, option art /option art /« mention création-instauration » ou « mention conservation-restauration », en fin du premier cycle de 3 ans,
  • Le Diplôme National Supérieur d’Expression Plastique (DNSEP) au niveau I et au grade du Master II, « mention création-instauration » ou « mention conservation-restauration », en fin de second cycle de 2 ans,
  • Le Diplôme Supérieur de Recherche en Art (DSRA), « mention création-instauration » ou « mention conservation-restauration », en fin de troisième cycle de 3 ans.

Soutenances pour le DNSEP – CR 2017

Les soutenances de quatre étudiantes de l’ESAA pour l’obtention du Diplôme National Supérieur d’Expression Plastique, option artmention conservation-restauration au grade de Master II, auront lieu

  • le 16 Juin 2017 (mémoire), à huis-clos devant un jury composé de Yaël Kreplak, Chercheuse en sociologie des mondes de  l’art associée au CEMS-IMM (EHESS, Paris), et Gaspard Salatko, professeur d’anthropologie de l’art et du patrimoine à l’ESAA, coordinateur de l’année M2. 
  • les 19 et 20 Juin 2017 (projet), en public restreint devant le jury complet composé de : Emmanuel Latreille, Directeur du FRAC Occitanie / Montpellier (président du jury), Sergueï Wolkonsky, artiste et ancien professeur à l’ESA de Perpignan, Ariel Bertrand, conservatrice-restauratrice de peintures (Master CRBC), Yaël Kreplak, Chercheuse en sociologie des mondes de l’art associée au CEMS-IMM (EHESS, Paris) , et Gaspard Salatko,  professeur d’anthropologie de l’art et du patrimoine à l’ESAA.

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La fin de l’année scolaire 2016-17 verra quatre étudiantes candidates à l’obtention du [ DNSEP au grade de Master II / option art / mention conservation-restauration ] de biens culturels.  Investies dans le  champ de recherche et d’application  de la conservation-restauration que privilégie l’ESAA, elles présenteront chacune devant un jury* pluridisciplinaire extérieur, un mémoire de recherche et un projet d’intervention. Leur enjeu principal est le traitement d’objets qui, par convention, se rapportent à lart contemporain et aux artefacts ethnographiques conservés dans des institutions publiques, conformément  au cadre réglementaire et d’habilitation du droit du patrimoine.

Le caractère interactif et performatif de productions artistiques contemporaines et le nouveau statut de certains objets scientifiques patrimonialisés, requièrent de prendre en considération une matérialité dont la teneur excède les caractéristiques et propriétés inhérentes à leur constitution physique. Il s’agit de se pencher  aussi sur les  conditions situées de l’usage de ces objets dans des temporalités et spatialités différentes, ainsi que sur la teneur des relations sociales auxquelles ils ont contribué ou qu’ils ont même déterminées. 

S’appuyant sur une enquête, cette considération a conduit chacune des candidates vers l’analyse des informations accumulées et l’élucidation d’une problématique originale dans une situation donnée.   L’examen de modalités particulières pour la réactivation de ces oeuvres  d’art contemporain et ces artefacts scientifiques étudiés selon un mode d’existence patrimonial, a réclamé à la fois leur reconsidération ontologique et des propositions de traitements spécialement adaptées à leur singularité. Celles-ci doivent permettre de mieux rendre compte de déplacements interprétatifs qui jalonnent la « trajectoire biographique » de ces objets anciens.

Les travaux réalisés cette année donnent à cet enjeu multiple tout son relief et sa portée en proposant, via un recours approprié à  des outils des sciences  humaines, sociales et exactes, des solutions ajustées à des objets sémiophores dont chaque candidate aura tenté ainsi d’ouvrir tout l‘éventail des potentialités signifiantes.

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The end of the school year 2016-17 will see four female candidates for the final diplom [DNSEP at the Master II / option art / mention conservation-restoration] of cultural property. Invested in the field of research and application of conservation that ESAA favors, they will each present in front of an external and pluridisciplinary jury *, a research thesis and an intervention project. Their main challenge is the treatment of objects that belong — by convention — to contemporary art and ethnographic artefacts preserved in public institutions, in accordance with the regulatory framework and the enabling of French heritage law.

The interactive and performative character of contemporary artistic productions and the new status of some patrimonialised scientific objects require taking into consideration a materiality whose content exceeds the characteristics and properties inherent in their physical constitution. It is also a matter of examining the conditions of use of these objects in different temporalities and spatialities, as well as the content of the social relations to which they have contributed or which they have even determined.

Based on investigation, this consideration led each of the candidates to analyze picked up informations and to elucidate an singular problem in a given situation. The examination of specific modalities for the reactivation of interactive or performative works of contemporary art and of scientific artefacts studied according to a patrimonial mode of existence, demands both their ontological reconsideration and proposals for treatments specially adapted to their singularity.These must make it possible to better account for interpretive displacements that mark the « biographical trajectory » of these ancient objects.

The study and research works realized this year give this multi-faceted issue its full scope and significance by proposing, through appropriate use of human, social and exact sciences, solutions adapted to semiotic objects, so each of which has tried to open up all Range of potential meanings.

S. Elarbi, G. Salatko, M. Maire.

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          PROGRAMME ,   HORAIRES  &  LIEUX

  • Approche de l’oeuvre « Three diagram man meets loveelasticity » de John Bock,

par Aurore ORLANDI,  aurore.orlandi@laposte.net

Crédits photographiques: Andy Keate /exposition John Bock, FRAC PACA / 2005

L’installation Three diagram man meets loveelasticity a été créée par John Bock en 2001, et acquise par le FRAC-PACA en 2004. L’œuvre est aussi composée d’une vidéo de performance et des objets issus de cette dernière. Voilà ce que nous savions de cette œuvre en janvier 2017. L’enjeu de ce mémoire est de redonner à voir cette œuvre en respectant son intégrité. Pour ce faire, il a fallu utiliser des outils quelque peu différents de la conservation-restauration dite classique. En mettant le résultat de l’enquête sur son parcours en regard de sa matérialité, nous pourrons ainsi examiner si elle présente des problèmes d’intégrité et quelle est la teneur de ses altérations. Nous pourrons ensuite déterminer comment intervenir sur cette œuvre étant données ses spécificités.

Abstract : Approach to John Bock’s ‘Three Diagram Man Meets Loveelasticity ‘ artwork. The art installation named ‘Three diagram man meets love elasticity’ has been created in 2001 by John Bock, and owned by the FRAC PACA in 2004. The artwork is also composed by a performance video and objects from this one. Here is what we know about it in January 2017. The aim of this Master thesis is to give again the will to see this artwork while its integrity is respected.  To do so, it has to be use unusual tools  to conventional conservation. In putting the result of this study’s process in regard of its materiality, we will be able to see if  it has some integrity’s problems and which are the nature of its alterations. Then we will be able to determine how to make interventions on an artwork which has such type of specificities.

Direction de projet:  Stéphanie Elarbi
Direction de mémoire:  Hervé Giocanti
  • Le phare acoustique du Docteur Vladimir Gavreau. Une étude en conservation-restauration sur les fonctions d’un objet scientifique partiellement identifiable,

par Masumi KANAMORI, vanri.masu@gmail.com

Crédits photographiques : Masumi Kanamori

L’objet de mon étude, le phare acoustique, a été fabriqué en 1964 par un scientifique, Vladimir Gavreau, pour une étude sur la directivité d’ondes sonores à basse fréquence au Laboratoire de Mécanique et d’Acoustique de Marseille. C’est un objet expérimental dont l’objectif était de servir d’instrument à infrason voire en tant qu’arme infrasonique.

Malgré quelques informations que j’ai pu obtenir concernant cet objet, il reste encore des zones d’ombres et des éléments à identifier. Au cours des recherches sur le personnage de Gavreau et du phare acoustique, une ambiguïté sur la théorie de l’objet est apparue. Cette indétermination de l’objet  m’a amenée à réfléchir sa catégorisation en tant qu’objet scientifique et technique obsolète, au point de remettre en cause son rôle dans la société.

Ce mémoire contribue clarifier les fonctions d’un objet scientifique et technique non-identifiable et statuer sur les conditions de sa conservation-restauration.

Abstract :The acoustic headlight of Doctor Vladimir Gavreau. A conservation study on the functions of a partially identifiable scientific object’.

The acoustic whistle was made by an scientist, Vladimir Gavreau, in order to study the directivity of acoustic waves at the Mecanic and Acoustic Laboratory in Marseille in 1964. Its purpose was experimental research of infrasound to be used as an infrasound tool or military weapon.

Even if I got some information and details about this, it still remain some grey areas and factors that are not identifiable. During this project about Gavreau’s character and the whistle, I found an ambiguity about the theory of Gavreau’s whistle. This scientific incertitude in the field of science lead me to think about its obsolete categorization as scientific and technical object and about its function in the society.

This project contribute to the investigation of the fonctions for a scientific and technical object that is not identifiable in the society and to find a solution concerning the criterions about conservation.

Direction de projet:  Pierre Lagrange, Marie Boyer, Jean-François Salles,
Direction de mémoire:  Gaspard Salatko
  • Le Thylacine du Muséum-Aquarium de Nancy. Deux interventions pour la re-présentation de la taxidermie erronée d’un animal disparu. Un outil de sensibilisation à la conservation du vivant,

par Pauline BERTRAND, annadeville@hotmail.com

Crédits photographiques : Pauline Bertrand

Cette recherche repose sur une taxidermie de thylacine, ou tigre de Tasmanie, conservée dans les réserves du Muséum-Aquarium de Nancy. Ce représentant d’une espèce disparue a été naturalisé au XIXème siècle dans une posture erronée rappelant celle d’un kangourou et avec une poche marsupiale inversée. N’étant plus exposé au public depuis 2005, comment permettre la re-présentation d’un tel spécimen à des fins pédagogiques et de sensibilisation écologique, sans toutefois altérer ses valeurs scientifiques et historiques ?

Abstract : The Thylacine of the Muséum-Aquarium of Nancy. Two interventions for the exhibition of an erroneous depiction of an extinct animal. A tool to raise awareness for the conservation of biodiversity. This research is based on a taxidermy of thylacine – or Tasmanian tiger – preserved in the reserves of the Museum-Aquarium of Nancy. This representative of an extinct species was naturalized in the nineteenth century in an erroneous pose reminiscent of that of a kangaroo and with an inverted marsupial pouch. No longer on public display since 2005, how can such a specimen be presented for educational purposes and public awarness of the biodiversity crisis without altering its scientific and historical values ?

Direction de projet:  Marc Maire
Direction de mémoire:  Gaspard Salatko
  • Le monde de Feux Pâles. L’exposition à l’épreuve de la conservation-restauration. (2 tomes)

par Zoê RENAUDIE, zoe.renaudie@hotmail.fr

CAPC Musée d’art contemporain, Ⓡ, 1990 © Claire Burrus / crédit photographique : Florian Kleinefenn

Feux pâles est une exposition (CAPC, 07 décembre 1990 – 03 mars 1991) de l’agence Les ready made appartiennent à tout le monde Ⓡ. Elle est considérée comme une œuvre de Philippe Thomas (1951-1995) . La nature ambiguë  du  médium  de ce bien  culturel  m’a  enjoint à définir des méthodes de conservation-restauration, ajustées à la fois à la dimension événementielle de Feux pâles mais aussi à ses qualités d’installation ou d’œuvre composite : comment caractériser l’exposition, établir son état référentiel et concevoir son activation ?

Abstract : The world of ‘Feux pâles’.  An exhibition put to the test of conservation. ‘Feux pâles’ is an exhibition (CAPC, 7 December 1990 – 3 March 1991) of the agency ready-mades belong to everyone Ⓡ. It is considered to be a work of art conceived by Philippe Thomas (1951-1995). The ambiguous medium of this cultural property required me to define methods of conservation that could be adjusted both to the event Feux pâles, and to the installation or composite work: how to characterize the exhibition, establish its state of reference and design its activation ?

Direction de projet:  Stéphanie Elarbi
Direction de mémoire:  Gaspard Salatko