Humanité mégapolitaine, aux Rencontres d’Arles

« La vie dans les villes » selon Michael Wolf,

Rencontres d’Arles, Eglise des Frères prêcheurs

3 juillet – 27 Août, 10H00 – 19H30,

10 euros (sans pass) , tarif réduit pour les étudiants.

Logée dans l‘espace architectural gothique de l’église désaffectée des frères-prêcheurs dominicains, cette exposition qui se termine ce jour, a été produite en collaboration avec le musée de la photographie de La Haye. Elle avait  pour ambition de présenter un aperçu général du travail de création de Michael Wolf. Depuis son origine, la démarche artistique et véritablement socio-anthropologique de cet artiste allemand passé par les Etats-Unis et émigré à Hong kong où il a travaillé pendant huit ans à partir de 1994 pour le magazine Stern, s’est focalisée sur la condition humaine, à la campagne au début, puis à la ville. Il sait si bien adopter des points de vue différents qu’il est en mesure de faire ressortir de ses clichés, des dualités déconcertantes de  l’aliénation métropolitaine entre opacité et transparence,  macroscopie et microscopie, hideur et esthétique, vernaculaire et globalisé, rebut et fétiche,  utilitaire et artistique, fascination et répulsion.

Dès l’accès à la nef,  un parti-pris scénographique bien agencé tout en accordant une déambulation aléatoire, se fait sentir. On a pensé et su mettre à profit toute l’ordonnance architecturale pour concevoir dans l’espace, une cohérence d’ensemble, chronologique et à plusieurs facettes. Le choeur, les chapelles latérales, la nef et même le contraste à échelles différentes du style gothique avec la rectitude  des tours et barres de béton photographiées, concourent à la mise en lumière du cheminement artistique de Michael Wolf comme  de la variété des perspectives et des effets qu’offre le genre de la photographie attelé au sujet somme toute banal de La vie dans les villes.

À droite de l’entrée, une petite chapelle isolée expose la série Bottrop-Ebel , une suite de photographies en noir et blanc réalisées dans un petit village minier de la Ruhr. Michael Wolf est encore à l’université et travaille alors sous l’égide de son mentor Otto Steinert.

Installée verticalement en un en arc de cercle panoramique contre le mur du coeur de l’église, l’oeuvre phare de l’exposition et qui aspire le regard dès l’entrée, est l’installation The Real Toy Story (2004). Elle a mobilisé et  aggloméré une myriade de plus de 20 000 jouets et figurines en plastiques produits en masse par la Chine, et que l’artiste a glanés dans différents lieux de second hand aux États-Unis. Insérés comme les lucarnes d’un calendrier de l’avent aléatoirement au milieu de cette débauche hallucinante de jouets d’enfants, le visiteur découvre des portraits solitaires ou en groupe d’ouvriers chinois livides, au regard las, asservis aux chaînes d’assemblage de ces biens de grande consommation.

Dans la nef de l’église, un accrochage de grands tirages en couleur rendent compte du projet Architecture of Density mené entre 2003 et 2014.  Celui-ci a pour cible  des façades de gratte-ciels prolétariens qui concentrent des cages à poules et  occultent tout l’horizon en saturant le cadre. Vues de loin elles n’apparaissent plus qu’en verticales  et horizontales colorées plus ou moins larges et contrastées au point de créer l’illusion de tableaux géométriques de l’art moderne. Mais dès que l’on se rapproche, l’oeil distingue de plus en plus une condition humaine de séjour compressé en cage à poule. Une structure cubique rapportée abrite une oeuvre tridimensionnelle , 100 x 100 (2006) qui permet au visiteur  d’intégrer l’un des 100 appartements de Skep Kip Mei Estate. Celui-ci fait partie des plus anciens complexes d’habitat social de Hong Kong et compte des logis mesurant chacun exactement 10 X 10 pieds, soit à peu près 3 X 3 mètres. La visite permet d’expérimenter la promiscuité dont l’impression est augmentée par un tapissage à l’intérieur du cube, d’images de ces appartements habités et de leurs occupants qui fixent l’objectif de l’appareil photographique.

Les images de la série Transparent City (2006) contrastent avec celles des barres de béton. Ici Michael Wolf met en exergue la transparence de l’architecture de la ville de Chicago. Après un long séjour en Asie, Chicago lui apparaît comme une opportunité contextuelle contrastée dans la poursuite de son étude documentaire de l’humanité citadine .  La ville est bien moins dense, et offre une vision plus aérée, plus en profondeur. La troisième dimension est présente dans les images. La transparence des gratte-ciel dont les façades comportent plus d’ouvertures et de verre, permet d’y voir à l’intérieur.

Avec Tokyo Compression, Michael Wolf continue son observation voyeuriste déjà à l’oeuvre dans Transparent City. Mais cette fois, il vise singulièrement des passagers compressés dans le métro bondé de Tokyo, leurs joues écrasées contre les vitres. Il s’agit pour lui de montrer cette captivité passagère (aux deux sens du terme).  Les effets de la promiscuité et de la  concentration humaine sont traduits dans le style photographique « no exit » déjà employé dans Architecture of Density. Chaque cliché est un entonnoir destiné à piéger le regard du visiteur dans son cadre au moment précis où chaque passager l’est aussi, en incapacité de se soustraire au confinement de cette véritable geôle transitoire.  Les images suggèrent l’inconfort des corps oppressés et contorsionnés jusqu‘à sortir du champ et quitter le cadre. Même les  yeux clos  sont des tentatives vaines d’évasion mentale et d’échappatoire à l’objectif du photographe.

Pendant les six derniers mois de 2014, Michael Wolf a pris de la hauteur pour trouver des points de vue originaux en haut d’ immeubles, de terrasses et de cheminées pour réaliser la  série Paris Rooftops. La vision proposée est frontale au point d’annihiler la profondeur et confère aux images une puissance d’abstraction géométrique insoupçonnable de l’architecture faîtière parisienne.  Les photographies  conjuguent des verticales de murs avec des arêtes obliques de cheminées ou de perspective et des horizontales de terrasses de toit qui alternent selon une distribution secrète autours des aplats de couleurs formés par des pans de façades.

Montré dans l’abside de la chapelle dédiée jadis à Saint Dominique, le projet Hong Kong Corner Houses (2005-2011) traite de la survivance des immeubles d’angle à Hong. Pour la plupart, Ils ont été construits durant les années 1950 et 1960 dans le quartier de Kowloon et abritent tant des activités commerciales que des espaces résidentiels. Datant de la période d’austérité des années d’après-guerre, ils ont été rafistolés et transformés souvent illégalement, de telle sorte qu’ils se  raréfient aujourd’hui et sont parfaitement uniques. Ils constituent une espèce architecturale en voie d’extinction, chaque fois qu’ils sont un peu plus  démolis et remplacés par de nouveaux immeubles dans une mégapole en proie à une frénésie immobilière sur un territoire non extensible, telle qu’elle sévit  à moindre échelle en principauté de Monaco.

Avec Informal Solutions, Michael Wolf a commencé en 2003 une véritable collection photographique et même physique d’objets observés et parfois récoltés quand il le pouvait dans des rues populaires de Hong Kong, que les médias ne s’attachent jamais à montrer. Celle-ci met en valeur la part d’ombre de la ville lumière, le revers de la médaille d’une grande mégapole toujours vantée pour son dynamisme économique. Or au coeur de l’indigence, s’active une ingéniosité et une inventivité de solutions adoptées par des habitants en proie à un grand dénuement. Ces photographies et ces objets constituent ensemble une sorte de cabinet de curiosités dont la préciosité repose toujours sur la rareté, mais cette fois, celle d’objets ayant appartenu à des gueux citadins contemporains : gants, chaussures, serpillières mis à sécher sur des structures improbables, sièges hybrides rafistolés et réaffectés, labyrinthes chaotiques formés par les tuyaux de canalisation et de ventilation, objets ready made décoratifs et même artistiques à partir de formes accidentelles.

Au pays de la production de masse, la Chine, Michael Wolf a repéré et collecté des chaises bâtardes qui constituent un ensemble de plus de 100 Bastard chairs (2001 – 2006). Chacune d’elles est un unicum qui a sa propre histoire. Rafistolées, bricolées à partir d’épaves, 10 appartenant à sa collection sont exposées sur une estrade blanche qui fait office de socle, comme de véritables ready made auxquels s’attache une esthétique de la survivance du rebut. Puisée chez le plus gros producteur d’objets utilitaires domestiques, difficile d’imaginer une récolte et une conservation quasi fétichistes d’objets aussi détériorés.

Hong Kong Assemblage Deconstructed (2015) témoigne d’une nouvelle orientation influencée par le mode de la collection. Ayant photographié un des assemblages urbains de Hong Kong fait d’objets dont des « oeuvres  » artistiques, Michael Wolf a décidé d’ exposer une installation de cintres, ficelles, parapluies, sacs en plastique, ciseaux, ou encore agrafes métalliques afin qu’elle jouxte une photographie ancienne de cet assemblage.

L’issue de l’exposition n’est pas sans provoquer un certain embarras causé par une ultime dualité. Celle d’un plaisir esthétique abondamment nourri par l’efficacité artistique du photographe, mais à la condition d’une permissivité voyeuriste  à bonne distance des affres d’une urbanité effroyable.

Crédits photographiques: Rencontres de la Photographie, Arles 2017.

De la conservation-restauration des peintures sur France Culture

La  première moitié de l’interview  de  Véronique Sorano – Stedman  dans le cadre de l’émission « secret professionnel » sur France culture, est  consacrée à  l’avènement de la discipline,  l’autre  au cas de la peinture « Il ne faut pas voir la réalité telle que je suis » de Max Ernst.

Le propos est celui d’une des rarissimes professionnels intégrés en institution muséale, en l’occurrence le MNAM / Centre Pompidou. Faute de temps imparti, on entendra d’abord un récit aussi sommaire qu’ approximatif de l’avènement la « restauration ». On notera que l‘appellation « conservation-restauration » pourtant la plus  idoine et normalisée à l’échelle internationale de surcroît , n’est pas prononcée tout au long de l’émission. On se demande d’ailleurs bien pourquoi aujourd’hui encore par une professionnelle à un tel niveau de responsabilité en France. Ne faut-il pas y voir là, un signe de regain du modèle qui prévoit dans les musées une position de la restauration (activité technicienne, métier artisanal) subalterne de la conservation (profession libérale) ? Les développements en réponses aux questions posées et qui se veulent vulgarisateurs, laissent assez clairement transparaître la doxa française basée sur une esthétique des œuvres autant essentialiste qu’ intentionnaliste qui permettrait l’accès  à une signification univoque des œuvres. On perçoit aussi dans le discours, une conception de la restauration en tant qu’une approche assignée à la matière des  œuvres non dénuée d’un relent positiviste. C’est encore une fois l’idée du recours prédominant aux outils des sciences dures qui est propagée au détriment de l’évocation de ceux procurés par les sciences humaines et sociales — exceptée l’histoire de l’art, référence exclusive et tutelle scientifique — et qui supposent d’envisager a contrario une oeuvre contextualisée riche d’un faisceau de significations potentielles.

Le récit de l’origine du tableau de Max Ernst  qui sert d’exemple d’application de la restauration, raconte un défaut de conscience critique flagrant chez ceux qui commandèrent, réalisèrent et concédèrent dans les murs en plâtre de la maison à Eaubonne (près de Paris) jadis occupée par le trio conjugal formé par Ernst, Gala, Eluard, la découpe  aléatoire de « tableaux » et  leur  transposition dans  des   formats arbitraires sur toile tendue sur châssis. Car après le départ des trois occupants en 1932, c’est en effet le restaurateur Guillaumard qui, à partir de 1967 sur ordre de Cécile Eluard, la fille du poète avec l’aval de l’artiste dans un but de dispersion mercantile et de fructification d’un décor mural daté originellement de 1923 et attaché à la configuration d’un lieu (on pourrait dire site specific avant l’heure), a procédé à une opération de morcellement en règle et de conversion générique tous deux hérétiques et contraires à l’éthique en vigueur aujourd’hui. Même les portes peintes participant au décor furent prélevées et par le plus grand des hasards, j’eus la fortune de croiser l’une d’elles à mon grand étonnement dans un atelier du Landesmuseum de Hanovre   lors d’un stage de formation en 1977. Ce procédé de transposition (appelé aussi « transfert ») depuis le mur jusque sur la toile, de transmutation transgenre d’une peinture murale en peinture de chevalet, ne fut pas seulement en vigueur à partir du XIX ème siècle, mais bien avant et tout au long du XVIII ème siècle. En effet, cette technique dut sa mise au point et son perfectionnement notamment à l’engouement pour les fouilles archéologiques (sur le site d’Herculanum à partir de sa découverte en 1709 jusqu’à la fouille proprement dite en 1738, et sur celui de Pompéi fouillé à partir de 1748) et au trafic clandestin qu’elles générèrent dans toute l’Europe (cf. Noémie Etienne et Léonie Hénaut (dir.), L’histoire à l’atelier. Restaurer les œuvres d’art , XVIIIe-XXIe siècles, Lyon, Presses universitaires de Lyon, 2012, 418 p.,).

On est loin du portrait idéaliste  fait en introduction de l’émission, de ceux (aujourd’hui, il faudrait plus justement dire « celles » tant les femmes sont très majoritairement représentées dans la profession )  » … moins vaniteux et plus intelligents que tant de philosophes … » qui assurent la perpétuation des oeuvres de l’esprit contre leur propension à l’extinction naturelle, et de celui du visionnaire Toussaint-Hacquin qui, autour de 1730,  prônait déjà la prudence et la réversibilité en raison de la faillibilité humaine notamment par excès d’amour propre.

Aujourd’hui, à une carence de la recherche disciplinaire et au déclin budgétaire subi par la formation, s’ajoute la précarité économique endurée par bon nombre des professionnels privés. A l’aune de cette situation actuelle dramatique éludée par l’émission, la « restauration » française sera-t-elle en mesure d’évoluer  quant à sa capacité de remise en question de son modèle  idéologique et systémique en visée de conditions d’exercice plus en adéquation avec les chartes internationales de la conservation-restauration et plus dignes pour ses ressortissants ?


Pulsions urbaines aux Rencontres d’Arles

« Pulsions urbaines »
Photographie latino-américaine, 1960-2016
Rencontres d’Arles, 3 juillet – 24 septembre, 10H00 – 19H30, 12 euros (sans pass) , tarif réduit pour les étudiants.

L’exposition Pulsions urbaines, est l’un des événements phares de l’édition 2017 des rencontres d’Arles. Très dense en termes d’items et d’occupation des objets sur les murs blancs, elle se déploie dans  trois grandes salles  sur deux niveaux de l’Espace Van Gogh. A partir de plusieurs centaines d’images prélevées dans la collection constituée par le célèbre couple Leticia Carcano et Stanislas Poniatowski, elle a pour ambition d’embrasser un peu plus d’un demi-siècle de photographie latino-américaine.

Prisonero encadenado (1979) 375 x 597, par Jorge Brantmayer (1954).

L’expographie égrène plusieurs thématiques qui se succèdent comme les chapitres d’un essai à la fois historique et anthropologique mais  ici visuel. Plus ou moins en filigrane, le parti-pris de l’exposition, dont un découpage typologique n’est heureusement  qu’optionnel à la faveur d’ un bornage signalétique discret, est clairement celui de l’homme latino-américain dans sa quête d’une nouvelle identité, hybride, métisse, qui doit conjuguer la mémoire populaire rurale avec l’attractivité métropolitaine et ses avatars. Tout porte à croire que les points de vues des photographes se sont attachés à fixer des singularités humaines dans la ville. Les uns et les unes sont pris en étau, tantôt entre leur double antériorité culturelle préhispanique et coloniale, tantôt entre les dualités et antagonismes nés d’une vie sociale diurne et de son pendant nocturne.  La collision s’aggrave de l’émergence des nouvelles identités sexuelles et sociales permises ou imposées,  et des incompatibilités entre ruralité et urbanité. Toute cette coercition n’est pas moins  violente mais peut-être plus pernicieuse que celle induite par l’alternance des régimes autoritaire et démocratique qui s’y rajoute et contribue à produire  des mutants en proie à une globalisation culturelle et économique galopante.

La surabondance et la succession brutale d’ images de nature et intentions différentes concourent certainement à faire ressortir et ressentir une sorte de tension permanente propre à un monde dystopique. On peut en percevoir des ressorts qui marquent beaucoup de regards hallucinés d’un mélange d’inquiétude, d’hébétude et de gravité.   De ce monde citadin sud-américain, il émane une impression de  violence chaotique, d’ explosivité latente même, telles que les médias occidentaux en relatent inexorablement les affres. Malgré son intention indéniablement louable, l’exposition pourra provoquer une impression de remplissage inconsidéré où l’on passe sans transition ni vergogne de la lutte syndicale et politique à la condition interlope principalement noctambule des transsexuels, puis d’une  une esthétique « musicale » liée à de vieux couples danseurs de tango argentin — qui soit dit en passant, ne parvient pas à s’exonérer d’un galvaudage exotique qui a sévi en Europe –, à encore d’autres thématiques ou esthétismes plastiques tout aussi contrastés. Au point de procurer un sentiment oppressant de trop plein émotif, voire de saturation.

« La vie dans les villes » selon Michael Wolf,

Rencontres d’Arles, Eglise des Frères prêcheurs

3 juillet – 24 septembre, 10H00 – 19H30,

10 euros (sans pass) , tarif réduit pour les étudiants.

Logée dans l‘espace architectural gothique de l’église désaffectée des frères-prêcheurs dominicains, cette exposition produite en collaboration avec le musée de la photographie de La Haye. Elle a pour ambition de présenter une vue générale du travail de création de Michael Wolf. Depuis son origine, la démarche artistique et véritablement socio-anthropologique de cet artiste allemand passé par les Etats-Unis et émigré à Hong kong où il a travaillé pendant huit ans pour le magazine Stern, s’est focalisée sur la condition humaine, d’abord à la campagne, puis à la ville. Il sait si bien adopter des points de vue différents qu’il est en mesure de faire ressortir de ses clichés, des dualités déconcertantes de  l’aliénation métropolitaine, entre opacité et transparence,  macroscopie et microscopie, hideur et esthétique, vernaculaire et globalisé, rebut et fétiche,  utilitaire et artistique, fascination et répulsion.

Dès l’accès à la nef,  un parti-pris scénographique bien agencé tout en accordant une déambulation aléatoire, se fait sentir. On a pensé et su mettre à profit toute l’ordonnance architecturale pour concevoir dans l’espace, une cohérence d’ensemble, chronologique et à plusieurs facettes. Le choeur, les chapelles latérales, la nef et même le contraste à échelles comparables du style gothique avec la rectitude des tours et barres de béton, concourent à la mise en lumière du cheminement artistique de Michael Wolf comme  de la variété des perspectives et des effets qu’offre le genre de la photographie attelé au sujet somme toute banal de La vie dans les villes.

À droite de l’entrée, une petite chapelle isolée expose la série Bottrop-Ebel , une suite de photographies en noir et blanc réalisées dans un petit village minier de la Ruhr. Michael Wolf est encore à l’université et travaille alors sous l’égide de son mentor Otto Steinert.

Installée verticalement en un en arc de cercle panoramique contre le mur du coeur de l’église, l’oeuvre phare de l’exposition et qui aspire le regard dès l’entrée, est l’installation The Real Toy Story (2004). Elle a mobilisé et  aggloméré une myriade de plus de 20 000 jouets et figurines en plastiques produits en masse par la Chine, et que l’artiste a glanés dans différents lieux de second hand aux États-Unis. Insérés comme les lucarnes d’un calendrier de l’avent aléatoirement au milieu de cette débauche hallucinante de jouets d’enfants, le visiteur découvre des portraits solitaires ou en groupe d’ouvriers chinois livides, au regard las, asservis aux chaînes d’assemblage de ces biens de grande consommation.

Dans la nef de l’église, un accrochage de grands tirages en couleur rendent compte du projet Architecture of Density mené entre 2003 et 2014.  Celui-ci a pour cible  des façades de gratte-ciels prolétariens qui concentrent des cages à poules et  occultent tout horizon en saturant le cadre. Vues de loin elles n’apparaissent plus qu’en verticales  et horizontales colorées plus ou moins larges et contrastées au point de créer l’illusion de tableaux géométriques de l’art moderne. Mais dès que l’on se rapproche, l’oeil distingue de plus en plus une condition humaine de séjour compressé en cage à poule. Une structure cubique rapportée abrite une oeuvre tridimensionnelle , 100 x 100 (2006) qui au visiteur permet d’intégrer l’un des 100 appartements de Skep Kip Mei Estate. Celui-ci fait partie des plus anciens complexes d’habitat social de Hong Kong et compte des logis mesurant chacun exactement 10 X 10 pieds, soit à peu près 3 X 3 mètres. La visite permet d’expérimenter la promiscuité dont l’impression est augmentée par un tapissage à l’intérieur du cube, d’images de ces appartements habités et de leurs occupants qui fixent l’objectif de l’appareil photographique.

Les images de la série Transparent City (2006) contrastent avex celles des barres de béton. Ici Michael Wolf met en exergue la transparence de l’architecture de la ville de Chicago. Après un long séjour en Asie, Chicago lui apparaît comme une opportunité contextuelle contrastée dans la poursuite de son étude documentaire de l’humanité citadine .  La ville est bien moins dense, et offre une vision plus aérée, plus en profondeur. La troisième dimension est présente dans les images.  tandis que la transparence des gratte-ciel dont les façades comportent plus d’ouvertures et de verre, permet dy voir à l’intérieur.

Avec Tokyo Compression, Michael Wolf continue son observation voyeuriste déjà à l’oeuvre dans Transparent City. Mais cette fois, il vise singulièrement des passagers captifs, compressés dans le métro bondé de Tokyo, leurs joues écrasées contre les vitres. Il s’agit ici pour lui de montrer les effets de la concentration humaine dans le style photographique « no exit » déjà employé dans Architecture of Density. Chaque cliché est un entonnoir destiné à piéger le regard du visiteur dans son cadre au moment précis où chaque passager l’est aussi, dans l’incapacité de se soustraire au confinement de cette geôle temporaire. Les images suggèrent l’inconfort des corps contorsionnés jusqu‘à sortir du champ et quitter le cadre. Même les  yeux clos  sont des tentatives d’évasion mentale et d’échappatoire à l’objectif du photographe vouées à l’échec

Pendant les six derniers mois de 2014, Michael Wolf a pris de la hauteur pour trouver des points de vue originaux en hauts d’ immeubles, de terrasses et de cheminées pour réaliser la  série Paris Rooftops. La vision proposée est frontale au point d’annihiler la profondeur et confère aux images une puissance d’abstraction géométrique insoupçonnable de l’architecture parisienne. Les photographies  conjuguent des verticales de murs avec des arêtes obliques de cheminées ou de perspective et des horizontales de terrasses qui alternent selon une distribution magique autours des aplats de couleurs formés par des pans de façades.

Montré dans l’abside de la chapelle dédiée jadis à Saint Dominique, le projet Hong Kong Corner Houses (2005-2011) traite de la survivance des immeubles d’angle à Hong. Pour la plupart, Ils ont été construits durant les années 1950 et 1960 dans le quartier de Kowloon et abritent tant des activités commerciales que des espaces résidentiels. Datant de la période d’austérité des années d’après-guerre, ils ont été rafistolés et transformés souvent illégalement, de telle sorte qu’ils sont aujourd’hui rares et parfaitement uniques. Ils constituent une espèce toujours plus en voie de raréfaction voire d’extinction, chaque fois qu’ils sont un peu plus  démolis et remplacés par de nouveaux immeubles dans une mégapole en proie à une frénésie immobilière sur un territoire non extensible telle qu’elle sévit à Monaco et à une moindre échelle.

Avec Informal Solutions, Michael Wolf a commencé en 2003 une véritable collection photographique et même physique d’objets observés et parfois récoltés dans des rues populaires de Hong Kong que les médias ne s’attachent jamais à montrer d’une grande mégapole économique. Celle-ci met en valeur le revers de la médaille, la part d’ombre de la ville lumière. Or au coeur de l’indigence, s’active une ingéniosité et une inventivité de solutions adoptées par des habitants en proie à un grand dénuement . Ces photographies et ces objets constituent ensemble une sorte de cabinet de curiosités dont la préciosité repose toujours sur la rareté, mais cette fois, celle des gueux contemporains: gants, chaussures, serpillières au séchage sur des structures improbables, sièges hybrides rafistolés et réaffectés, labyrinthes chaotiques formés par les tuyaux de canalisation et de ventilation, objets ready made décoratifs et même artistiques à partir de formes accidentelles.

Au pays de la production de masse, la Chine, Michael Wolf a repéré et collecté des chaises bâtardes qui constituent une ensemble de plus de 100 Bastard chairs. Chacune d’elles est un unicum qui a sa propre histoire. Rafistolées, bricolées à partir d’épaves, 10 appartenant à sa collection sont exposées sur une estrade blanche qui fait office de socle, comme de véritables ready made auxquels s’attache une esthétique de la survivance du rebut. Chez le plus gros producteur d’objets utilitaires domestiques, difficile d’imaginer une conservation quasi fétichiste d’objets aussi détériorés.

Hong Kong Assemblage Deconstructed (2015) témoigne d’une nouvelle orientation influencé par la collection. Ayant photographié un des assemblages urbains de Hong Kong fait d’objets dont des, Michael Wolf a décidé d’ exposer une installation de cintres, ficelles, parapluies, sacs en plastique, ciseaux, ou encore agrafes métalliques afin qu’elle jouxte une photographie ancienne de cet assemblage.

L’issue de l’exposition n’est pas sans provoquer un certain embarras causé par une ultime dualité. Celle d’un grand plaisir esthétique abondamment nourri par l’efficacité artistique du photographe, mais à la condition d’une intrusion voyeuriste et indécente à bonne distance des affres d’une urbanité effroyable.

 

Soutenances des élèves du Master « Restaurateur du patrimoine » à l’INP

Du 7 au 13 septembre 2017

Accès libre dans la limite des places disponibles.

Le master « restaurateur du patrimoine » donne lieu la dernière année à un travail de recherche et de restauration dans la spécialité choisie – arts du feu, arts graphiques et livre, arts textiles, mobilier, peinture, photographie et sculpture. Ce travail aboutit à la rédaction d’un mémoire et d’une soutenance publique face au jury suivant:

  • Dominique de Font-Réaulx, conservatrice générale du patrimoine, directrice du musée national Eugène Delacroix, présidente,
  • Valérie Kozlowski, conservatrice du patrimoine, Musée de l’Homme,
  • Emilie Lebourg, ingénieure d’études en physique-chimie,
  • Cédric Lelièvre, restaurateur du patrimoine (arts graphiques et livre),
  • Dominique Robcis, restaurateur du patrimoine (arts du feu, spécialité métal), Centre de recherche et de restauration des musées de France (C2RMF), département restauration, filière arts décoratifs,
  • Myriam Serck-Dewaide, conservatrice-restauratrice de sculptures, directrice générale honoraire de l’Institut royal du Patrimoine artistique (IRPA, Bruxelles).

Voir le programme

 

Quand Narcisse médiocrise l’école d’art

Dans une proportion qu’il reste à déterminer, il existe en école supérieure d’art une véritable difficulté de mener à bien en toute sérénité et confiance, notamment lorsque des étudiants y sont impliqués, un travail collectif qui échappe aux velléités individualistes de postures autocentrées sous l’emprise maladive du narcissisme artistique. D’aucuns sont  en effet  en proie à une permanente frustration du « moi créateur »,  tenaillés sans relâche par une nécessité  impérieuse de s’approprier la paternité (ou la maternité) des idées ou inspirations pour faire « oeuvre » en tant qu’auteur. Hélas cette course éperdue au comblement d’un  déficit de  reconnaissance existentielle qui aurait déjà du ou devrait  s’obtenir dans et par le monde de l’art, fait son oeuvre dévastatrice dans  un contexte scolaire au point que ce sont principalement  les étudiants qui en font les frais. Car il faut bien admettre que ces « artistes-enseignants » en proie à cette insatisfaction chronique, souffrent d’un inassouvissement invétéré qui les enjoint à  faire passer leur propre intérêt avant celui du principe constitutionnel de la conjonction. Ce dernier prévoyant qu’un projet mené à bien demeure hors la sphère de la propriété intellectuelle et n’appartient à personne, pas même  à celui qui en est à l’origine ou  l’a initié.

 

 

 

Projet CORE : Etude du champ d’activité de la conservation-restauration des biens culturel

Le Département des études, de la prospective et des statistiques (DEPS) du ministère de la Culture et de la Communication subventionne le projet de recherche intitulé « Le champ d’activité de la conservation-restauration des biens culturels. Points de tension et d’attention pour une étude statistique et socio-économique » sur une période de 7 mois, d’Avril à Octobre 2017.

L’équipe comprend Léonie Hénaut, chargée de recherche CNRS au CSO, ainsi que deux chercheurs post-doctorants engagés à temps plein au laboratoire : Jasmina Stevanovic et Gabriele Pinna.

Résumé :

Dans la perspective du lancement d’une étude statistique et socioéconomique sur les professionnels indépendants qui s’occupent de la conservation et de la restauration des biens culturels en France, nous proposons de réaliser une étude préalable visant à cerner les contours du champ d’activité, et à documenter les points de tensions concernant le marché public de la conservation-restauration aujourd’hui. L’étude préalable comportera deux volets :

Le premier volet « institutionnel » vise à mettre en évidence et à raisonner l’hétérogénéité des définitions de l’activité de conservation-restauration au sein de l’administration centrale du ministère de la Culture, et à produire une première cartographie des modes de fonctionnement de la commande publique dans les différents domaines patrimoniaux, à partir d’entretiens et de documents. Des responsables d’associations représentant les conservateurs-commanditaires seront également interrogés pour connaître leur point de vue sur les normes prescrites par l’administration et les difficultés qu’ils rencontrent au quotidien dans leur mise en œuvre.

Le second volet « professionnel » consiste en une enquête qualitative exploratoire auprès de professionnels indépendants intervenant sur les biens culturels publics pour comprendre comment ils perçoivent le marché et organisent au quotidien la gestion de leur activité, éventuellement à plusieurs, et quelles difficultés ils rencontrent selon les modèles d’entreprise, les domaines de spécialités et les lieux d’exercice. Les données recueillies dans le cadre de ces études de cas approfondies seront mises en regard avec les revendications des différents groupements professionnels, analysées à partir des sources écrites qu’ils produisent et d’entretiens réalisés avec leurs représentants.

Une nouvelle antenne du Centre Pompidou en Chine.

Un peu de Paris atterrit à Shanghai. Le Centre Pompidou vient d’annoncer (18 Juillet) la conclusion du partenariat culturel tant attendu avec le nouveau musée d’art West Bund de Shanghai, qui accueillera une galerie satellite du musée d’art moderne parisien dans la capitale culturelle chinoise. L’aile doit s’appeler le « Centre Pompidou Shanghai » (West Bund), et a déjà programmé une vingtaine d’expositions au cours des cinq premières années. La collaboration de cinq ans renouvelables a été cimentée par la signature d’un mémorandum d’accords entre la France et la Chine avec l’espoir de susciter une future communication culturelle entre les deux pays. Les œuvres de la collection du Centre Pompidou seront exposées à West Bund et, au fil du temps, le Centre Pompidou devrait également montrer certains des chefs-d’œuvre les plus extraordinaires de Chine. Le Centre Pompidou se réjouit cette «première étape» dans la collaboration entre les deux institutions.

A little bit of Paris is landing in Shanghai. The Centre Pompidouin just announced its long-awaited cultural partnership with Shanghai’s new West Bund Art Museum, which will host a satellite gallery for the Paris museum in the Chinese cultural capital. The wing is to be called the Centre Pompidou Shanghai (West Bund), and already has 20 exhibitions slated over the course of the initial five-year run.The renewable five-year collaboration was cemented by the signing of a Memorandum of Understanding between France and China, with the hopes of inspiring future cultural communication between the two countries. Works from the Pompidou’s collection will be on display at West Bund, and over time the Pompidou is expected to show some of China’s most amazing masterpieces as well. The Pompidou hails this as a « first step » in the collaboration between the two institutions.

La construction du West Bund Art Museum est déjà en cours, avec une date d’achèvement prévue pour 2018 et une ouverture en 2019. La structure de de 25.000 m² conçue par David Chipperfield bordera la rivière Huangpu dans le complexe architectural du West Bund Museum Mile. D’autres musées sur le terrain de plusieurs hectares incluent le Long Museum, le Yuz Museum, le Shangaï Center of Photography, le Tank Shangai Art Park  et le Start Museum. L’accord a été en cours de négociation pendant plus d’une décennie et, maintenant qu’il est signé, le partenariat débutera en 2019. Ce n’est pas la première succursale pour le Centre Pompidou, qui en possède déjà une série à Málaga, à Metz et un autre prévu pour Bruxelles. Après Shanghai, une autre antenne est prévue prochainement à Séoul, et il se dit même que les ambitions du Centre Pompidou porteraient désormais sur l’Amérique latine …

Construction of the West Bund Art Museum is already under way, with a scheduled completion date of 2018 and an opening in 2019. The David Chipperfield–designed 25 000 meters square structure will live on the bank of the Huangpu River as part of the West Bund Museum Mile. Other museums on the seven-mile stretch of land include the Long Museum, the Yuz Museum, the Shanghai Center of Photography, the Tank Shanghai Art Park, and the Start Museum. The deal has been under negotiations for over a decade, and, now that it’s signed, the partnership will commence in 2019. This isn’t the first satellite post for the Pompidou, which already boasts a series of branch galleries in Málaga, Spain; Metz, France; and one planned for Brussel. After Shanghai, another branch is planned soon in Seoul, and it is even said that the ambitions of the Center Pompidou would now focus on Latin America …