Un peu d’Afrique beaucoup à Paris

« L’ Afrique des routes »             31 Janv. – 12 Nov. 2017              Musée du Quai Branly – J.Chirac  Lire ici

Alexis Peskine • Le radeau de la Méduse • 2015

 

« Afriques Capitales »                 29 Mars – 28 Mai 2017            Grande Halle de la Villette        Lire ici

« Trésors de l’islam en Afrique »                                                 De Tombouctou à Zanzibar Institut du monde arabe          14 avril30 juillet 2017         Lire ici
image « Le nouvel atelier »                     26 Avril – 28 Août 2017            Fondation Louis Vuitton      Lire ici

« Art and artefactuality » seminar

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Nam June Paik, «Random Access Music» Exposition of Music – Electronic Television, 1963, crédits : Manfred Montwé | © Nam June Paik

The « art and artefactuality » seminar focuses primarily on contemporary art made since the 1960s and ethnographic objects (to be understood as being  geographically and temporally, native  to distant cultures). Conducted by Gaspard Salatko and Marc Maire, it examines  issues raised when both works of art designed to be iterative, ephemeral, or provisional, and artefacts produced to have a limited lifetime, become the subject of conservation and exhibition projects.  Considering both conceptual and material problems, the aim of the seminar is to help significantly students to resolve difficulties of conserving and restoring the  cultural property they have in charge. With nine meetings in the year, the reflection is particularly  based on case studies and recent treatments proposed by ancient students of the conservation cursus in the ESAA.

Introduced in 2011 by an interdisciplinary duet, the philosopher Jean-Pierre Cometti and the conservator Marc Maire, this seminar is continuing a practice begun for more than ten years in the ESAA to anchor the research practice in second cycle of the conservation training. It attempts to develop  research processes to formulate their  methods and rules, while making a methodological reflection on this exercise. This kind of heuristics is evolving by developing, dilating, and accentuating reflections as well as by trying hard to supply and to refine answers to problems of conservation applications.

The seminar establishes at the same time, the theoretical, methodological and practical cornerstone of the second cycle research education program, by displaying themes on nine monthly sessions, from October till June included.  According to the status, the ontology and the objects regime of which conservation is called to take care, it aims expressly at questioning its field of intervention at the crossroads of  philosophy of art, aesthetics, art history,  technical culture and  other human and social sciences.


 

 

Formation continue ARAAFU

                           F  O R M A T I O N                   C O N T  I N U E

« Les sorbants : principes et applications »
  • Date : vendredi 28 avril 2017
  • Horaires : 9h30-13h et 14h-17h30
  • Lieu : 17 rue de Tolbiac (dans les locaux de la faculté, salle à définir)

Vous trouverez, en fichier attaché, la plaquette de présentation du stage et le formulaire d’inscription

Date limite d’inscription : 29 mars 2017
………………………..
ATTENTION ! = Peu de places disponibles . A pré-réserver dès à présent par courriel ou téléphone. et à confirmer impérativement avant le 29 Mars.
NB: elle seront attribuées par ordre de réception.
 
POUR VOUS INSCRIRE :
  1. imprimer la plaquette,
  2. détacher le bulletin d’inscription, le remplir, le signer,
  3. et l’adresser au secrétariat accompagné de votre paiement (sauf organismes de formation et institutions payant a posteriori).

ARAAFU (boite aux lettres : Blind) 21 rue d’Annam, 75020 Paris

N.B. Les chèques servent de garantie à votre inscription mais ne seront encaissés qu’après la formation
Si vous souhaitez faire prendre en charge cette formation par un organisme de formation professionnelle, adressez-vous au secrétariat munis de la liste des pièces demandées (devis, convention, autre) avant le stage.
Pour le FIF-PL, nouvelle procédure, il faut me transmettre avant le stage le document attestation de présence correspondant à votre code NAF que vous pouvez trouver sur le site du FIF-PL
Pour plus :
ARAAFU / par l’égard de Camille BLIND
Permanence téléphonique le jeudi matin
(répondeur en dehors de ces horaires) : 06 95 129 222
Site internet : http://araafu.com

Le séminaire « art et artefactualité » en 2016 -2017

Le séminaire art et artefactualité de la mention CR à l’ESAA.

   Ce séminaire initié en 2011 par un duo interdisciplinaire, Jean-Pierre Cometti, philosophe, et Marc Maire, conservateur-restaurateur, se poursuit aujourd’hui dans le prolongement d’une pratique entamée depuis plus de dix ans à l’ESAA pour ancrer la dimension de la recherche en II° cycle de la formation en conservation-restauration. Il s’attache à élaborer des procédés de recherche pour en formuler les modalités et règles, tout en effectuant une réflexion méthodologique sur cet exercice. Cette sorte d’heuristique évolue en développant, dilatant, creusant des réflexions aussi bien qu’ en s’efforçant de fournir et d’affiner des réponses aux problèmes posés par l’application de la conservation-restauration plus particulièrement à des productions de l’art contemporain et à des artefacts dits ethnographiques (à comprendre comme étant originaires de cultures éloignées ou révolues).

Sans titre, Yann Cantelaube, ESAA 2015, crayon de graphite, tissu imprimé, collection de l’artiste.

Le séminaire constitue le choeur à la fois théorique, méthodologique et pratique du programme d’enseignement du second cycle, en se déployant sur neuf sessions mensuelles d’Octobre à Juin inclus. Il est piloté aujourd’hui par Gaspard Salatko, docteur en anthropologie sociale et ethnologie, associé à Marc Maire. En fonction du statut, de l’ontologie et du régime des objets que la conservation-restauration  est appelée à prendre en charge, il vise expressément à interroger son champ d’intervention  au  carrefour  de la philosophie de l’art, de l’esthétique, de l’histoire de l’art, de la culture technique et d’autres sciences humaines et sociales. Car le séminaire art et artefactualité poursuit son ambition initiale de dépasser résolument le modèle classique de l’étude  d’un  bien matériel  par  les (conservateurs-) restaurateurs.  Le standard consiste prosaïquement la plupart du temps en un examen scientifique de la physicalité, rapporté à une interprétation du sens sous un angle de vue réduit depuis que la (conservation-) restauration fut érigée en activité auxiliaire de l’histoire et de l’histoire de l’art. Le séminaire art et artefactualité lui préfère une analyse critique toujours singulière — à l’instar de tout objet analysé du point de vue de sa trajectoire ou de sa biographie — et alimentée par les résultats d’une enquête pluri-directionnelle qui met en en lumière la complexité d’un objet en prise avec sa variabilité relationnelle, située, synchronique et diachronique.

A la différence de celle du « chercheur » en création artistique, l’ expérience d’analyse et d’interprétation d’un bien patrimonial exclut de se situer sur le plan du vécu, des affects, de l’émotion individuels, de l’idiosyncrasie en somme. Elle vise à ce que son examen des concepts, usages et comportements, participe à nourrir une réflexion à caractère interdisciplinaire devant conduire à des applications concrètes de la conservation-restauration en relation à d’autres activités patrimoniales sur le lieu-même de son exercice. Les éléments structurels du cadre méthodologique contribuant à cette démarche ne peuvent être déterminés qu’à partir d’une analyse de nature à la fois sémiotique et techno-logique. Celle-ci est corrélative d’une caractérisation fonctionnelle et sociologique qui se fonde sur une véritable enquête anthropologique — culturelle, historique  et sociologique (ou ethnologique, selon) — et qui concerne directement les biens patrimoniaux confiés aux étudiants diplômants. Par un travail de définition et de clarification, le séminaire envisage de lui assortir un outillage conceptuel au service de l’exigence d’une approche critique, tant des objets pris en charge que méta-critique, c’est à dire, de la conservation-restauration elle-même. L’enjeu étant la capacité d’alimenter un argumentaire doublement idoine: à la fois propre au conservateur-restaurateur, et efficient aux yeux de son commanditaire. Les outils dont il est question ne peuvent être choisis qu’en relation avec les questions requises par les problématiques des biens concernés. C’est pourquoi la réflexion est menée aussi par référence à des objets ou à des oeuvres  tenus pour significatifs des questions et problèmes examinés.

La teneur du séminaire voulue dynamique, est élaborée notamment en concertation avec les membres d’une équipe constituante, l’Unité de Recherche Interdisciplinaire en conservation-restauration [URI-cr]. Elle s’adresse non seulement aux étudiants de M1 et M2 de la mention CR, mais est ouverte aussi à tous les autres « chercheurs » qu’ils soient de l’ESAA ou d’ailleurs. A ces séances, peuvent être reliées des interventions thématiques suivies de discussions, avec des chercheurs invités en fonction des notions abordées ou d’opportunités.

 

CALL FOR PAPERS / APPEL A ARTICLES

 6th interdisciplinary ALMA conference    Painting as a story

31 May – 3 June
Wednesday, May 31, 2017 – 12:00 to Saturday, June 3, 2017 – 12:00 | Brno, Czech Republic

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Brno, Czech Republic

Methodological novelties to the fine arts’ research with the accent on the role of time depending processes affecting the object‘s identity and state of preservation.

Conference topics:

  • Degradation phenomena (from chemical mechanisms to impacts on artwork’s aesthetic value and identity)
  • Unclear history (consistency and controversy of historical and analytical facts and comparative studies)
  • Unclear future (recent experience with conservation of modern and contemporary art)

6th interdisciplinary ALMA conference focused on research, technology, history and conservation/restoration of paintings. The conference is going to be held in historical premises of the Augustinian Abbey, Mendel Square, Brno, on May 31 – June 3 2017. The usual date of the conference was postponed from the traditional November of an even year to spring of an odd year to achieve regular annual periodicity with a conference held in Krakow, Poland with a similar specialization. The tandem of these two conferences will create a united discussion platform for the field of interdisciplinary research of the fine arts in the Central European region. Therefore, in the programme committee of the ALMA conference 2017 there are not only Czech members, but also members from Slovakia, Austria, Germany and Poland. For the first time the conference is organized not only by establishing institutions of ALMA laboratory, i. e. Academy of Fine Arts in Prague and Institute of Inorganic Chemistry of the Czech Academy of Sciences, v.v.i., but also Moravian Gallery in Brno, Masaryk University Brno, and two partner institutions from Slovakia – Slovak University of Technology in Bratislava and Academy of Fine Arts and Design in Bratislava. Because of the Czech-Slovak format of the organizing committee, it was decided to held the conference in Brno for the first time. The conference is going to be held under the patronage of the Rector of Academy of Fine Arts in Prague, MgA. Tomáš Vaněk, and the Rector of Masaryk University Brno, doc. PhDr. Mikuláš Bek, Ph.D. The conference is intended for researchers from the fields of natural and material sciences, humanities, restoration and conservation and arts, interested in current scientific knowledge on the topic and its possible use in practice.

The topic of the conference is “Painting as a story” where the need of the interdisciplinary approach can be seen in any potential context. Also a crystallographic workshop focused on authentication of artworks and the provenience analysis organized by International Union of Crystallography becomes a regular part of the tandem of Central European conferences.

The ALMA conference 2017 registration is now open and accessible on the website: https://www.alma-lab.cz/eng/informations-and-registration. It is possible to submit oral or poster presentations. Main conference language is English, a limited number of presentations can also be in Czech or Slovak.

Presenting students can ask for a financial support. Conference proceedings “Acta Artis Academica” is included in the international ISI Proceedings database (Web of Science). Important information can be found in the invitation (attached below).

Invited speakers

  • Katrien Keune / University of Amsterdam, Amsterdam, Netherlands
  • Koen Janssens / University of Antwerpen, Antwerpen, Belgium
  • Luciano Pensabene / Peggy Guggenheim Collection, Venice, Italy
  • Giovanni Cavallo / Scuola universitaria professionale della Svizzera italiana, Canobbio, Switzerland
  • Gilberto Artioli / University of Padova, Padova, Italy (CrysAC IUCr)
  • Costanza Miliani / University of Perugia, Perugia, Italy
  • Jiří T. Kotalík / Academy of Fine Arts in Prague, Prague, Czech Republic

Call for abstracts and registration opening: 7 November 2016

Abstract submission: 28 February 2017

Submission for financial support (for presenting students): 28 February 2017

Decision of acceptance: 20 March 2017

Early-bird registration: 30 April 2017

Date of the conference: 31 May – 3 June 2017

Questions regarding registration can be sent to a contact e-mail address: alma2017@alma-lab.cz.

Pratiquer l’enquête en conservation-restauration , c’est aussi être « contemporain ».

          Si l’on en croit Giorgio Agamben  [Qu’est-ce que le contemporain ?,Résultat de recherche d'images pour "agamben"  leçon inaugurale du cours de Philosophie théorétique donné en 2005–2006 à l’université IUAV de Venise, traduit de l’italien par Maxime Rovere, Rivages Poche Petite Bibliothèque, 64 p., ISBN :  2-7436-1857-4, 5,- €] , on peut penser que le  « contemporain » est par essence inaccessible à ses pairs. Le contemporain est impossible à saisir nous dit-il,  comme ces étoiles dont nous percevons la lumière  alors même qu’elles ont disparu, et comme la mode qui incarne un changement perpétuel. A la fois toujours en porte-à-faux et impliqué directement dans le réel, il n’est plus capable de s’en extirper pour l’analyser.

        Et si le contemporain c’était justement  celui qui n’épouse pas totalement son époque, qui n’adhère pas complètement à son mouvement mais qui est capable de faire un écart, un pas de côté, pour la considérer dans toute  sa complexité, la mesurer dans toutes ses dimensions, et en déceler ses contradictions ?

« Le contemporain est l’inactuel » avait dit Roland Barthes dans sa leçon terminale au Collège de France, sans doute préoccupé à ce tournant de sa vie, par sa propre contemporanéité.  Avec cette affirmation, il renvoyait évidemment aux  « Considérations inactuelles » de Friedrich Nietzsche. Or Agamben en vient à citer ces deux philosophes pour ce qu’ils adoptent des postures similaires : « celui qui appartient véritablement à son temps, le vrai contemporain, est celui qui ne coïncide pas parfaitement avec lui ni n’adhère à ses prétentions, et se définit, en ce sens, comme inactuel ». Tout comme  Nietzsche, Barthes est en plein dans le contemporain « précisément par cet écart et cet anachronisme,  il est plus apte que les autres à percevoir et à saisir son temps » .

Le philosophe italien  évoque une autre facette du contemporain qui est aussi celui capable de  scruter l’obscurité de son temps, sa part d’ombre, et  de ne pas se laisser absorber seulement par ce qui apparaît en pleine lumière.  Être en mesure de la voir sombre,  c’est précisément une  aptitude à « éprouver la contemporanéité ». « La voie d’accès au présent a nécessairement la forme d’une archéologie : car l’archaïque est tout aussi inaccessible que le présent, et qu’il faut faire le deuil même de ce sens dont l’origine s’éloigne toujours. »

Le contemporain est doué d’une autre capacité. Il n’est pas seulement là pour voir dans le noir, nous dit Agamben, ni pour saucissonner le temps en tranches. « […] Cela signifie que le contemporain n’est pas seulement celui qui, en percevant l’obscurité du présent, en cerne l’inaccessible lumière. Il […] est en mesure de le transformer et de le mettre en relation avec d’autres temps, de lire l’histoire d’une manière inédite, de la « citer» »en fonction d’une nécessité qui ne doit absolument rien à son arbitraire, mais provient d’une exigence à laquelle il ne peut pas ne pas répondre. » La lumière du passé pourrait donc  éclairer les ténèbres du présent. Agamben s’appuie  cette fois sur les oeuvres de Michel Foucault et de Walter Benjamin pour voir en ces derniers des éclaireurs historiques du présent, en ce qu’ils savaient actualiser l’inactuel et le rendre contemporain. Quitte à user du paradoxe, la visée d’Agamben est une quête, une « mise en lumière »  de ce  qui  fait le  hic et nunc  pour  le  clarifier. « C’est comme  si cette invisible lumière qu’est l’obscurité du présent projetait son ombre sur le passé  tandis  que  celui-ci, frappé  par ce  faisceau d’ombre, acquérait la capacité de répondre aux ténèbres du moment. […] ».

          Le véritable contemporain doit savoir  se décoller légèrement de son temps pour mieux le voir. Pour Agamben, l’évocation du passé, le goût de l’anachronique ou du décalé est un signe de lucidité nécessaire à l’interprétation du présent. Si chacun doit être à son temps, ce « passéisme »  n’est pas une marque  de la nostalgie, qui elle, altère irrémédiablement le présent. Cette conception de la contemporanéité ne peut laisser indifférent tout conservateur-restaurateur, tant elle présente des correspondances  évidentes avec sa démarche et avec la vocation des artefacts qu’elle est amenée à prendre en charge et à remettre en fonction. Expérimenter l’exercice de l’écart,  en préciser les contours et la méthode pour adopter le point de vue d’un observateur qui marque  le pas dans la marche du « maintenant »,  tel est le dessein que se fixe aussi l’Unité de recherche Interdisciplinaire en et sur la conservation-restauration.

 

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Une expérience et une re-connaissance critique d’Exhibit B

couverture de CEA_223Cahiers d’études africaines                            2016/3    (N° 223)                              De l’art (d’être) contemporain
La Passion, noire et animiste, selon Brett Bailey

Une expérience et une re-connaissance critique d’Exhibit B

Page 607 à 636

Au carrefour de la conservation-restauration avec l’histoire de l’art et les sciences humaines.

La substance explicite : à propos des croisements de la conservation-restauration avec l’histoire de l’art et les sciences humaines,

par Hanna-Barbara HÖLLING  (traduit de l’anglais par Marc MAIRE).

___________

Depuis que la conservation-restauration esthanna-01-portrait apparue comme une activité foncièrement tournée vers l’étude de la nature des œuvres d’art, l’intérêt pour les médiums et la constitution physique des matériaux s’est progressivement déplacé vers le chœur du discours théorique et historique de l’art. Devenue un champ scientifiquement fondé et intellectuellement étayé autour de la deuxième moitié du XXème siècle, la conservation-restauration a acquis la capacité de fournir du discernement au moyen de faits concrets relatifs à la matérialité du monde « artefactuel ». Le «tournant matériel» * des dernières décennies, signe d’un attachement approfondi pour la matérialité, a renforcé l’attractivité des opportunités de bourses de recherche en conservation-restauration  grâce à un éventail de disciplines parmi les sciences humaines. De façon plus importante encore, du reste, la conservation-restauration a commencé à s’émanciper de son rôle quelque peu subalterne par rapport à d’autres disciplines, en contribuant à une plus grande connaissance, à la fois  des objets et des cultures qui les ont produits.

Dans cette courte digression, je propose d’examiner les croisements de la conservation-restauration  avec d’autres sciences humaines et d’aller au-delà des questions de l’analyse technique de l’art, celle-ci étant devenue l’une des contributions majeures de la conservation-restauration aux spécialisations émergentes de l’histoire de l’art matérielle et technique. Cette dernière a sans aucun doute amélioré  la compréhension de l’histoire de l’art, sans pour autant  épuiser la capacité de la conservation-restauration à dialoguer avec la matérialité des objets. La substance explicite , telle que je vais la postuler, me permettra de suggérer que la contribution de la conservation-restauration aux sciences humaines, recouvre une plus large part d’implication intellectuelle avec l’objet, incluant les préoccupations pour sa constitution matérielle mais sans s’y limiter. Sans nier l’importance incontestable de la dimension scientifique de la conservation-restauration par son apport de précision analytique, j’affirme de la sorte, l’importance de la théorie et de la philosophie de la conservation-restauration. Cette branche la plus importante des Conservation Studies, s’inscrit à la croisée d’autres sciences humaines telles que la philosophie, les sciences sociales, l’anthropologie, l’histoire et l’histoire de l’art, de la même façon qu’elle en est réciproquement irriguée par elles.

« Explicite » a comme origine étymologique du latin, «expli-care» qui signifie littéralement «déplier», «démêler», « expliquer », ou « rendre visible ». Par conséquent, dans une conception élargie de la conservation-restauration, la matière constituante dénote une façon de concevoir une forme de matérialité plus complexe,  qui suppose certes la constitution physique de la matière, mais dont ce n’est pas l’enjeu exclusif. Je formule substance explicite comme un moyen de faire référence  aux voies  qu’emprunte la conservation-restauration pour expliquer les objets et artefacts qu’elle étudie, en termes d’une matérialité relationnelle et temporelle dépassant de loin la  seule dimension de la physicalité du matériau.

En privilégiant des façons de faire  et en réfléchissant aux démarches critiques qu’elle a entreprises, la conservation-restauration explique non seulement des manières d’appréhender des artefacts, mais révèle aussi comment ces démarches influencent, en effet, les interprétations de l’histoire de l’art.

Selon Alfred Gell, l’art est un système d’actions qui articule « des relations sociales à proximité d’objets propageant une agentivité  sociale ». 1 Une telle conception dynamique des œuvres d’art en fait « les dépositaires des relations sociales ». 2 En retraçant les circonstances de l’émergence de l’œuvre d’art, la conservation-restauration cherche à ré-imaginer ces relations afin de comprendre une œuvre d’art résultant d’un procédé spécifique de création. Un tel procédé ne parvient jamais  jusqu’à son achèvement en tant que le résultat de la compétence et de la connaissance mises en œuvre par une seule personne, mais relève plutôt d’une conséquence de puissances collectives, augmentée de collaborations et de la mobilisation de ressources. 3 En outre, dans le cas d’œuvres d’art qui ont été restaurées et re-restaurées, le réseau de personnes dont les pratiques produisent l’objet tel que nous le percevons dans le présent, est encore plus grand. Par exemple, les restaurations historiques exécutées par des artistes ou des artisans, mettent en lumière la restauration et la conservation en tant que processus culturellement contingents de l’usage d’artefacts. En privilégiant des façons de faire, et en réfléchissant aux  démarches critiques qu’ elle a initiées, la  conservation-restauration   met au jour  non seulement les

 

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En manifestant des qualités performatives et une extrême complexité relative à la réflexion concernant leur pérennisation, les assemblages hétérogènes des installations d’art, les traces laissées après la performance, manifestent plus clairement  » la substance explicite » sous la focale de cet essai. Com & Com (Johannes M. Hedinger, Marcus Gossolt), Bloch, 2011. Sculpture de Bloch / tronc d’arbre / ready made naturel, bande-annonce, cordes, Bloc empreinte de pied. Vue de l’installation lors du Grand Prix Suisse de l’art à « Art Basel » 2012. Avec l’autorisation de Com & Com. En-cours participatif, processus – projet orienté. Chargé de signification socio-culturelle et soumis à l’interprétation comme à la revalorisation pendant son voyage en cours à travers des lieux géographiquement éloignés, le tronc est autant transporteur d’une vieille tradition suisse, qu’une plate-forme de médiation entre diverses manifestations du folklore local.

façons d’appréhender les artefacts, mais révèle aussi la manière dont ces démarches influencent  les interprétations de l’histoire de l’art. En faisant resurgir leur système de relations et son impact sur les trajectoires des œuvres d’art, la conservation-restauration peut contribuer  à démêler les conditions historiques qui ont permis un certain nombre de mesures tout en limitant les autres. De même, dans la déduction de l’a priori  historique de Michel Foucault (Foucault 1976), l’enquête de la conservation-restauration  peut expliciter (archéologiquement) les hiérarchies et traces dans les méandres du passé afin de contribuer à une meilleure compréhension des mécanismes qui ont conduit aux circonstances dans lesquelles l’objet et le monde qui l’entoure, y compris les structures sociales, existent.

Malgré ce qui a été affirmé, au début du XXIème siècle, avec sa propension au questionnement technique, le legs érudit de la conservation-restauration continue d’être trop facilement réduit à celui d’un domaine subalterne au service d’autres disciplines. Visiblement, la conservation-restauration  parle un langage différent. Mais contrairement à l’histoire de l’art qui a été soupçonnée d’allégeance tant à la production qu’à la consommation d’œuvres d’art en général 4 – le matérialisme d’inspiration marxiste par exemple – je formule l’hypothèse que la conservation-restauration embrasse un large spectre d’investigations. En respectant ce qui pourrait ressembler à la logique de la chaîne opératoire*  anthropologique (« séquence opérationnelle »), et elle-même étant dépositaire de l’œuvre d’art tactile, sensuelle qui a été conditionnée en prévision des procédures de sa manipulation, la conservation-restauration se penche sur les conditions qui la transforment (l’adaptation de l’œuvre d’art aux contraintes d’un musée, son interprétation et sa démobilisation). Ici, la matérialité ne doit pas  nécessairement s’opposer au visuel. 5 On pourrait dire que la co-constitution du visuel  et de la matérialité, — une préoccupation concernant les écologies du visuel 6 en quelque sorte —  constitue le centre d’intérêt de la conservation-restauration.

La conservation-restauration devient une intervention temporelle qui traduit des temporalités spécifiques des œuvres d’art dans le présent.

Désormais, d’après l’idée de l’œuvre d’art en tant que résultat de l’action sociale dont l’une des conditions essentielles est le temps, la conservation-restauration est en prise avec la temporalité de ces objets en un sens complexe. Tout d’ abord, en tant qu’intervention culturellement contingente, la conservation-restauration  se déroule dans le temps;  elle a donc une spécificité temporelle sans laquelle elle resterait un ensemble « pratico-théorique » d’actions et de concepts génériques. En second lieu, parce que la matière qu’elle déploie est temporellement spécifique — elle se réfère toujours à une période spécifique — la conservation-restauration peut être conçue comme un processus qui intervient dans la temporalité intrinsèque de la matière, soit par la modification ou la manipulation. En suivant ce cheminement de pensée, l’œuvre d’art qui est composée de ces matières, évoque la temporalité particulière dans laquelle elle a été conçue. Cette assertion est exemplifiée dans la conjonction de l’archéologie des media et de la conservation-restauration par des média technologiques, des média dont l’appareil de lecture ou d’affichage indique une époque spécifique de développement technologique. Troisièmement, parce que les mesures de la conservation-restauration ne s’inscrivent que dans le présent, plutôt que dans le passé,  la conservation-restauration devient une intervention temporelle qui traduit les spécificités temporelles des œuvres d’art au chœur du présent. 7 Une telle traduction temporelle est toujours particulière à la disponibilité et à la spécificité de l’outil technique à disposition, à l’actualité culturelle, et à l’aptitude ainsi qu’à la compétence de ceux qui l’exécutent. Certes, la traduction est impossible sans la transformation de l’original. Ailleurs j’ai donné les raisons pour l’intégration des archives en tant qu’un royaume virtuel et physique qui rend possible l’actualisation d’œuvres d’art. 9 Ancrées dans le temps et la culture, une telle archive contient la matière des œuvres d’art comme une sorte de matérialité temporelle, contingente de conditions historiques et actuelles, ainsi que la logique « archivistique » qui la protège.  Même si la formulation substance explicite  peut tout aussi bien s’appliquer à l’art traditionnel et aux artefacts, elle est clairement plus convenable aux formes récentes d’art comprenant un ordinateur et des media informatiques à base de technologie, aux assemblages hétérogène de l’installation et à l’art-performance. Les formes d’art de courte durée (ou « éphémères ») qui requièrent – ou même impliquent – le remplacement, l’interchangeabilité,  la répétabilité, la réinterprétation et la réinvention, indiquent les façons de ré-articulation de ce que les objets sont et de ce qu’ils furent selon les normes muséologiques et les paradigmes de la conservation-restauration.

Par delà l’artefacto-centrisme caractéristique des théories de l’art et de la culture matérielle , apparaît un système de relations issu de recherches récentes et de la critique,  qui promeut de nouveaux modes de pensée avec les objets et à propos d’eux.

 

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Avec leur propension à défier des convictions  et des  définitions  bien  enracinées,  les « objets » et artefacts les plus récents contestent l’affichage du recueil des normes de l’esthétique et du musée. Com & Com (Johannes M. Hedinger, Marcus Gossolt), Baum 1, 2010. Sculpture d’arbre / ready made naturel. Vue  de  l’installation  lors  de l’exposition « La réalité  dépasse  la  fiction  » au Centre Pasquart  Biel / Biennale, Suisse. Switzerland. Avec l’autorisation de Com & Com , Pour un ready made naturel et sa vie muséologique , l’oeuvre  a  été  rituellement  découpée  en morceaux lors  d’une  performance  concluant  l’exposition,  et  a quitté le musée  pour vivre  son vivant  fragmenté  dans  les demeures des gens.

Mon propre travail s’est attaché à l’intérêt pour la manière dont la conservation-restauration recourt aux théories de la critique, des média et de l’art pour élaborer ses propres philosophies. Dans un monde dominé par les perspectives historiques de l’art, l’inclusion des possibilités  réflexives de la conservation-restauration peut avoir un impact sur la façon dont nous concevons les œuvres d’art. La vertu d’une telle  pensée nouvelle à propos de jonctions de disciplines et du regroupement  de langages disciplinaires, implique que la conservation-restauration cesse d’être simplement une contribution à l’étude de la « choséité » physique d’un monde « artefactuel ». Elle peut plutôt servir à enrichir la pensée critique dans la théorie de l’art et l’esthétique. Elle fournit sa quote-part au questionnement: « que signifie le fait pour une œuvre d’art, de continuer d’exister et d’attirer toujours notre attention, même lorsqu’elle est séparée de son contexte originel, en se soumettant à l’esthétique du changement* et de la transformation ? » Cette considération participe de la reconnaissance de la matérialité incontestable d’une œuvre,  non pas en tant qu’une simple matière, mais plutôt comme une substance explicite — porteuse de signification complexe, agissant dans le présent.

____________Notes du traducteur _______________________________________

* Le «tournant matériel» a émergé au milieu des années 1980, à partir de racines  développées après la deuxième guerre mondiale avec la création du département d’anthropologie de l’ University College London

* [en français dans le texte] Allusion au concept de chaîne opératoire d’André Leroy Gourhan qui fut le premier l’employer avant qu’il n’ait surtout été utilisé à partir de la fin des années 1970 et des années 1980.

* allusion à un autre article de l’auteur : « The  aesthetics of change : on the relative durations of the impermanent and critical thinking in conservation. » (traduction en cours)

____________Notes_____________________________________________________

  1. GELL, Alfred , Art and Agency: An Anthropological Theory, Oxford and New York, Oxford University Press, 1998:7, L’art et ses agents. Une théorie anthropologique, Paris, Les presses du réel, 2009,
  2. BAXANDALL, Michael , Painting and Experience in Fifteenth century-Italy: A Primer in the Social History of Pictorial Style, Oxford and New York: Oxford University Press, 1994:1, L’oeil du Quattrocento. L’usage de la peinture dans l’Italie de la Renaissance, Paris, Collection Bibliothèque des Histoires, Série illustrée, Gallimard, 1985,
  3. Pour « des collaborations élargies »,  lire  Hölling Hanna, Re:Paik: On Time , Changeability and Identity in the Conservation of Nam June Paik’s Multimedia Installations, Diss. Universiteit van Amsterdam, 2013, Box Press 2013: 70; pour la « mobilisation de ressources », lire Becker Howard, Art worlds, Berkeley and Los Angeles: University of California Press, 2008:70,
  4. DELL, Simon , « Gell’s Duchamp / Duchamp’s Gell » In Distributed objects: Meaning and Mattering after Alfred Gell, édité par Luina Chua et Mark Elliott 114-129, New York et Oxford: Berghahn 2013:118,
  5. YONAN, Michael, « Toward a Fusion of Art History and Material Culture Studies ». West 16th: A Journal of Decorative Arts, Design, History and Material Culture, Vol.18, N.2, 2011,
  6. ROSE, Gillian, Divya P. Tolia-Kelly. Visuality / Materiality: Images, Objects and Practices, Farnhan, England et Burlington, USA: Ashgate, 2012:4,
  7. HÖLLING, Hanna, Re:Paik: On Time , Changeability and Identity in the Conservation of Nam June Paik’s Multimedia Installations, Diss. Universiteit van Amsterdam, 2013, Box Press 2013: 188,
  8. BENJAMIN, Walter, « The Task of the Translator ». In Selected Writings, Vol.1 1913-1926. Bullock M.  and Jennings M. W., red. Cambridge, Massachussets and London: Harvard University Press, 1996:253-263,
  9. HÖLLING, Hanna, Re:Paik: On Time , Changeability and Identity in the Conservation of Nam June Paik’s Multimedia Installations, Diss. Universiteit van Amsterdam, 2013, Box Press 2013: 209.

[Cet article a été publié pour la première fois en anglais sous le titre « The Explicit Material: On the Intersections of Conservation, Art History and Human Sciences » dans le périodique Simulacrum, du Stichting Simulacrum, Kunsthistorisch Instituut, University of Amsterdam, 2014, N°1 / p. 22-27.]

Bienvenue à Hanna Hölling, professeure-chercheuse associée à Semin’R

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Hanna devant « Spiral Jetty » de R. Smithson. (Courtesy of H. Hölling)

La rédaction de Semin’R ainsi que la modeste Unité de Recherche Interdisciplinaire en et sur la conservation-restauration de l’art contemporain et des objets ethnographiques de l’ESAA, sont très heureuses d’accueillir en leur rang,  Hanna Hölling qui a accepté avec enthousiasme de se joindre à leur entreprise. Elles tiennent à la remercier très chaleureusement pour sa confiance, sa marque de reconnaissance du travail accompli, et sa motivation pour contribuer  au partage, à distance à la fois géographique et linguistique depuis la prestigieuse University College of London (UCL) où elle officie au sein du département d’histoire de l’art.

Hanna est titulaire d’un doctorat de l’Université d’Amsterdam depuis 2013, après avoir soutenu une thèse sur les installations multimedia intitulée: Re:Paik: On Time, Changeability, and Identity in the Conservation of Nam June Paik’s Multimedia Installations .

En parfaite concordance avec l’orientation et les enjeux des recherches auxquelles Semin’R donne un éclairage, elle mène les siennes au croisement de l’histoire et de la théorie de l’art, des material culture studies, et de la conservation-restauration. Avant d’enseigner au Département d’Histoire de l’Art de l’University College London, Hanna fut  Professeure invitée de 2013 à 2015, dans le cadre de la bourse annuelle Andrew W. Mellon dédiée aux « Cultures of  Conservation » du Bard Graduate Center (Decorative Arts, Design History, Material Culture) à New York.

Des bourses et récompenses postdoctorales ont notamment permis à Hanna l’obtention très prochaine d’une résidence au Getty Conservation Institute de Los Angeles pour l’année scolaire 2016 – 2017, celle d’une résidence précédente  à l’Institut Max Planck pour l’histoire des sciences de Berlin en 2015, et lui ont valu le financement de quatre années d’études,  octroyé par la Netherlands Organization for Scientific Research de 2009 à 2013 à l’Université d’Amsterdam Hanna fut aussi par le passé, à la tête de la conservation au Zentrum für Kunst und Medientechnologie (ZKM) de Karlsruhe et  par ailleurs, elle a donné des conférences à l’Université d’Amsterdam, à la Staatliche Akademie der Bildenden Künste de Stuttgart, ainsi que dans diverses universités européennes et américaines.

Wellcome to Semin’R, Hanna !

Lire aussi

 

Quel devenir pour le moulage du corps de la Vénus Hottentote ?

Tracey Rose, Vénus Baartman, 2001

En juillet 1994, une demande de restitution des restes de la dépouille de Saartjie (ou Sarah) Baartman dit la Vénus Hottentote est formulée à François Miterrand lors de sa visite officielle en Afrique du Sud reçue alors par Nelson Mandela. Puis elle est discutée une seconde fois en janvier 1996, au cours d’un entretien du docteur Ngubane, alors ministre sud-africain des arts, de la culture, de la science et de la technologie avec Jacques Godfrain, le ministre français de la coopération, lui aussi  en visite officielle en Afrique du Sud. A la suite de cette entrevue, une mission d’étude pour l’examen de la possibilité d’une restitution et pour la détermination de ses modalités est  confiée à deux experts, l’un français, l’autre sud-africain: Henri de Lumley, directeur du laboratoire de préhistoire du Muséum national d’Histoire naturelle et  Philip Tobias, professeur au département des sciences anatomiques à l’université de Witwatersrand à Johanesburg. Rien ne se passe jusqu’à la réitération de la demande par un courrier du 6 octobre 2000  de Madame Skeweyiya, ambassadrice de la République d’Afrique du Sud auprès du Secrétaire général du Quai d’Orsay, à la suite du précédent créé par la restitution de la momie « El Negro » au gouvernement du Botswana par les autorités espagnoles et afin d’accélérer la procédure qui a rencontré des obstacles en France, notamment chez les conservateurs de musée.

La procédure diplomatique de restitution traînant en longueur, la demande est alors relayée par  l’intervention d’un sénateur, en l’occurrence docteur en médecine, Nicolas About, après qu’il fut saisi par son homologue sud-africain à double titre, le docteur Audrey Van Zyl, parlementaire sud-africain. Le 6 novembre 2001 au Sénat, Nicolas About interpelle à ce sujet , le secrétaire d’état au patrimoine et à la décentralisation culturelle, Michel Duffour. Dans la foulée, le 4 décembre 2001, Nicolas About dépose au Sénat une proposition de loi ainsi libellée : « Par dérogation à l’article L.52 du Code du domaine de l’Etat, il est procédé à la restitution par la France de la dépouille mortelle de Saartjie Baartman, dite « Vénus hottentote » à l’Afrique du Sud » . Après moult tergiversations, la proposition de loi est adoptée par le Sénat le 29 janvier 2002, un texte de loi transmis à l’Assemblée nationale le 30 janvier, adopté définitivement le 21 février et promulgué le 6 mars (JO du 7 mars 2002), décidant de la restitution officielle par la France de la dépouille de Saartjie Baartman à l’Afrique du Sud.

Après qu’il fut évoqué un temps « l’hypothèse de funérailles nationales », le 9 mai 2002 jour de la journée nationale de la femme en Afrique du Sud,  la cérémonie a finalement lieu près du village de Hankey (Eastern Cape), conformément aux rites en vigueur dans sa communauté et à ceux de l’Église du Christ de Manchester (la jeune femme avait été baptisée dès son arrivée sur le sol anglais). La dépouille de la « Vénus hottentote » est partiellement incinérée, puis inhumée en présence des représentants de la communauté khoïsan, de ministres et du Président de la République d’Afrique du Sud, Thabo Mbeki.

Les pièces anatomiques reliées à la  « Vénus hottentote »  qui fut présentée au public sans discontinuation durant cent cinquante huit années, de 1816 à 1974, étaient constituées de son squelette, de ses viscères (NB: le cerveau en fait partie), de ses organes génitaux*, d’un moulage anatomique en plâtre et d’un portrait réalisé à la peinture à l’huile. Elles ont été d’abord versées tout à fait normalement dans les collections du Muséum National d’Histoire Naturelle à Paris au moment de leur création, avant d’être transférées dans celles du Musée de l’Homme, au moment de sa création en 1937.

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Paul Gauguin « Tehura », entre 1891 et 1893 masque en bois de pua polychrome H. 0.222 ; L. 0.078 ; P. 0.126 © Musée d’Orsay

Ce sont le squelette et le moulage qui étaient présentés au public, d’abord  dans une salle d’anatomie comparée du Muséum National d’Histoire Naturelle, puis dans la galerie d’anthropologie physique au musée d’ethnographie du palais du Trocadéro jusqu’en 1974. Les bocaux n’étant accessibles à des scientifiques que sur autorisation expresse du directeur d’établissement. Après cette date et là encore sur décision du directeur de l’établissement, le moulage fut mis en réserves et ne fut exposé que temporairement dans la salle de préhistoire, « à la demande du public », puis remisé une seconde fois dans les réserves du musée à compter de 1976. Mais en 1994,  dans le cadre d’une exposition temporaire « La sculpture ethnographique : de la Vénus hottentote à la Tehura de Gauguin », le moulage fut à nouveau présenté au Musée d’Orsay du 16 Mars au 12 Juin, à la demande de sa directrice Françoise Cachin, ainsi qu’ à Arles au Museon Arlaten du 5 Juillet au 4 Septembre. Ce furent les dernières présentations au public du moulage du corps de la Vénus hottentote. Car c’est en 1994 que fut formulée la première demande de restitution de la dépouille de Saartjie Baartman …

La conférence Griqua qui avait réclamé le retour des restes de Saartjie (Sarah) Baartman sur sa terre natale, aux fins de funérailles et de crémation, n’a pas émis la demande de récupérer ce moulage ni les dessins ou peintures la représentant. Elle n’a pas non plus  exigé que ces objets soient détruits. Alors que vont-ils devenir ? Ont-ils conservés leur inaliénabilité aux yeux de la loi ? Où sont-ils remisés et à quel titre ?

_______________________

* GOULD, Stephen Jay, Le Sourire du Flamand Rose : Réflexions sur l’Histoire Naturelle, Paris : Seuil, 1985, p.267. Lors d’une visite des caves du Musée de l’Homme à Paris, Stephen Jay Gould , professeur de biologie, géologie et histoire des sciences à l’université de Harvard,  fait une découverte macabre. « Ces étagères contiennent un bric-à-brac indescriptible : des têtes coupées de Nouvelle-Calédonie, un exemple de ce que l’on faisait subir aux pieds des femmes chinoises — oui, vous avez bien lu, un morceau de jambe, sectionnée juste au-dessous du genou, et se terminant par un pied bandé. Et, sur l’étagère qui surplombait celle des cerveaux, je vis quelques-unes des pièces à conviction de l’histoire du racisme qui me plongèrent dans le bain de la mentalité du XIXe siècle et me procurèrent un frisson d’horreur : trois bocaux de plus petite taille contenant les organes sexuels disséqués de trois femmes du Tiers-monde. L’un des trois bocaux portait une étiquette avec la mention « Vénus Hottentote »

Bibliographie

Digital Art: who cares ? With a documentary on born-digital art

What is needed to be able to support museums and artists to sustain their digital born artworks for the future? This documentary has been created as part of the research project Transformation Digital Art’. A project about conservation strategies for digital art by The Foundation for the Conservation of Contemporary Art (SBMK) in collaboration with LIMA, Kröller Müller Museum and Gemeentemuseum Den Haag.

Ce film documentaire, créé dans le cadre du projet de recherche «Transformation Art numérique », date de Février 2016.  Ce projet concerne les stratégies de conservation de l’ art numérique et a été initié de mai 2014 à Novembre 2015 par la Fondation pour la conservation de l’ art contemporain (SBMK) en collaboration avec LIMA (lien LIMA), Kröller Müller Museum et Gemeentemuseum Den Haag.

A l’instar d’une société  de plus en plus imprégnée par le numérique et la technologie, les artistes contemporains font appel à ces ressources pour créer des œuvres qui  reflètent leur milieu. En manipulant des logiciels et même en créant les leurs, ils explorent de nouvelles fonctionnalités jusqu’aux limites du possible.

En conséquence, les institutions collectionneuses et les archives sont de plus en plus confrontées à des œuvres qui ne se caractérisent plus par un support physique, mais qui existent uniquement sous forme numérique: c’est l’art d’origine numérique  (born-digital art).

L’affichage et le stockage de de type d’art consistent en de nouveaux  défis, car les oeuvres dépendent d’un environnement technologique qui ne cesse d’évoluer rapidement: les logiciels et l’ équipement technologique se développent. Alors, soit les oeuvres sont capables d’ évoluer de la même manière, soit elles disparaissent pour toujours.

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Peter Struycken, un pionnier dans l’ art numérique, est très connu en Hollande en tant  que le concepteur des timbres-postes  pointillistes de la Reine Beatrix, diffusés à partir des années 1980 jusqu’ aux années 2000. Ses oeuvres collectionnées et conservées par de nombreux musées néerlandais, sont typiques des  problèmes qui se posent à propos de la préservation de l’ art numérique. Ses recherches sont éclairantes pour le traitement de l’ art numérique aujourd’hui et dans l’avenir. Ce documentaire présente un certain nombre d’approches possibles.

Some links:

Des liens

Stedelijk Museum Amsterdam
Kröller-Müller Museum
Musée Boijmans Van Beuningen
Bonnefantenmuseum
Gemeentemuseum Den Haag
Van Abbemuseum
Museum De Pont
Centraal Museum
Dutch Cultural Heritage  Agency
Rijksmuseum Twenthe
Stedelijk Museum Schiedam
CODA Apeldoorn
Frans Hals | De Hallen
Musée Beelden aan zee
Museum Arnhem
Mu.Zee Oostende
EYE Film Insititute
Rijksmuseum Amsterdam
Art Foundation Akzo Nobel
Rabobank Kunstcollectie
ING Kunstcollectie
LIMA
INCCA
SRAL
Restauratoren Nederland
Inside Installations
CoOl
Variable media  network
STT
NIMk 
PH5
C-R training Univ. Amsterdam
Kunstenaarsmateriaal

Contrats et modèles

 

Colloque INHA

Colloque « Comportement mécanique des peintures » – 29 & 30 septembre 2016 – INHA, Paris

Les communications pourront porter sur des sujets variés, par exemple :
• mesures physiques, surveillance et prédiction
• mécanismesd’actions
• documentation et constats d’état
• solutions pratiques et stratégies de conservation

• études de cas…

Les auteurs qui souhaitent présenter un travail en cours ou achevé, une recherche ou un cas d’étude pertinent, sont invités à soumettre un résumé de 300 mots maximum avant fin février 2016.
Les auteurs retenus devront envoyer un résumé détaillé qui sera inclus dans le programme du colloque avant fin juin 2016.

Télécharger ici l’annonce complète

Contact : painting.mechanical.2016@gmail.com

Colloque organisé par les groupes de travail Conservation préventive, Documentation et Peintures de l’ICOM-CC en partenariat avec la fondation des sciences du patrimoine, l’Institut National du Patrimoine, l’université Paris 1 Panthéon-Sorbonne. et le C2RMF.

Les 4 formations publiques françaises à la conservation-restauration

Voici ci-dessous comment le MCC présente de bien piètre manière, la discipline de la conservation-restauration et les 4 formations initiales permettant d’accéder à un diplôme au grade de Master.    ICI  
L’appellation « restaurateur du patrimoine » est celle choisie par l’INP pour ses diplômés,  en dépit de la définition de la profession établie par l’ICOM-CC depuis 1984 et par le code de déontologie des musées voté initialement lors de la 15 ème assemblée de l’ICOM en 1986 à Buenos Aires,  Le conservateur-restaurateur : une définition de la profession   et de la   résolution 7    adoptée lors de sa 27 ème  assemblée en 2010 à Shangaï [ « La conservation-restauration est complexe et exige la collaboration de professionnels qualifiés dans les divers domaines pertinents. En particulier, tout projet impliquant des actions directes sur le patrimoine culturel requiert un conservateur-restaurateur. (réf. définition de la profession par ICOM-CC, Copenhague, 1984, et Code de déontologie de l’ICOM).  » ] Au nom de quelle « exception française » le site du ministère, éludant les   Règles professionnelles de l’ECCO   adoptées par l’Assemblée Générale de l’ECCO, le 11 juin 1993 et modifiées par l’Assemblée Générale de l’ECCO, le 1er mars 2002, persiste à imposer « restaurateur du patrimoine » comme appellation générique ? Pourquoi le MCC cautionne-t-il cet isolationnisme, en France même, malgré la ratification française des textes de l’ICOM ?

Telle qu’elle est cantonnée à une intervention matérielle en vue d’une transmission dans le futur, la définition sommaire de l’activité est inexplicablement erronée. On conserve et on restaure aussi, et certainement d’abord, pour une transmission au présent !

En limitant l’intervention de  cette activité à la matière des biens culturels, elle passe notamment sous silence le travail d’enquête, d’étude préliminaire et de documentation pour appréhender les situations passées et actuelles des  biens culturels pris en charge, ainsi que les dimensions critique et de conception de cette discipline qui constituent un préalable sans lequel aucun traitement n’est envisageable.  De même, la conservation préventive qui n’agit précisément pas sur la matière des biens culturels, mais plutôt autour , est complètement éludée.

Celà fait tout de même beaucoup sur le site public français de référence et on peut s’en étonner. Pourquoi ne pas s’être référé tout bonnement à la définition internationale de l’ICOM adoptée à Shangaï en 2010 et qui fait consensus ?

En outre, les descriptifs de formation ne bénéficient pas du même souci du détail que celui du cursus et du diplôme de l’INP, alors que les quatre diplômes revêtent le grade de Master et procurent la même habilitation en regard du droit du patrimoine. Pourquoi donc ?

Pour finir, on ose affirmer que « Certains restaurateurs exercent leurs fonctions dans le secteur privé. » alors qu’il s’agit de la plupart. Plus loin, on laisse entendre qu’ « Ils peuvent intégrer un grand laboratoire ou une importante institution patrimoniale ». Certes quelques rares opportunités de cette sorte existent, mais cette précision devient saugrenue en regard de la très grande majorité des conservateurs-restaurateurs qui exercent en entreprises privées, (chacun-e) en tant que salarié-e, entrepreneur (artisan) ou profession libérale.

Cela fait décidément beaucoup de points à revoir pour réparer cette présentation inexacte et indigente.

 

Ce qui suit est visible sur le site du MCC :

Restaurateur du patrimoine

Les restaurateurs interviennent sur la matière des œuvres et objets ayant une valeur patrimoniale, afin de les transmettre aux générations futures. Ils agissent lorsque cette matière est menacée et que le vieillissement, les accidents, les remaniements ont fragilisé les œuvres, perverti ou masqué leur image. Certains restaurateurs exercent leurs fonctions dans le secteur privé. Ils peuvent intégrer un grand laboratoire ou une importante institution patrimoniale .

  • L’École d’Art d’Avignon – ESAA combine l’enseignement de la création avec celui de la préservation des biens culturels et forme en 5 ans au Diplôme national supérieur d’expression plastique (DNSEP), option Art, mention conservation-restauration.
  • L’École supérieure des beaux-arts Tours, Angers, Le Mans – Esba TALM propose, sur le site de Tours, un cycle long spécialisé en Conservation-restauration des oeuvres sculptées.
  • L’Institut national du patrimoine – Inp assure une formation qui conduit en 5 ans au diplôme de restaurateur du patrimoine et confère le grade de master à ses titulaires. Admis sur concours, les élèves restaurateurs acquièrent les bases théoriques, scientifiques et pratiques nécessaires à la restauration d’œuvres et objets patrimoniaux. Sept spécialités sont ouvertes : arts du feu, arts graphiques et livre, arts textiles, mobilier, peinture, photographie, sculpture. Le cursus prévoit de nombreux stages et chantiers-école, tant en France qu’à l’étranger.
  • L’Université Paris 1 propose deux masters en conservation-restauration :

DNSEP-CR 2016: résultats.

Ce Mardi 28 Juin 2016,  le jury présidé par Jean-Marc Prévost, directeur du Carré d’Art de Nîmes, composé de Yaël Kreplak, docteur en sociologie de l’art, Chloé Maquelin, conservatrice-restauratrice au Musée d’ethnologie de Neuchâtel,  Laurent Prexl, artiste et professeur à la Villa Arson, et Gaspard Salatko, docteur en socio-anthropologie et professeur à l’ESAA, a décerné  le DNSEP  option art, mention conservation-restauration de biens culturels  à

Elsa DECKER,

Marie BASTARD, avec félicitations,

Coline BOURGOUIN,

Gaelle BAUDRY, avec félicitations,

Timothée LECOUEDIC.

Leur réussite honorant  une fois de plus leur formation et ses acteurs impliqués,  tous les membres de l’ UIR-CR de l’ESAA leur adressent leurs congratulations, remerciements et encouragements pour la suite  .

Magistrale Gaelle.
Magistrale Gaelle.

SESSION 2016 DU DNSEP-CR DE L’ESAA

SESSION 2016 DU DNSEP DE L’ESAA

option art mention conservation-restauration de biens culturels

Soutenances publiques

Mardi 28 Juin 2016

  9 h – 18 h

sur le site de Baigne-pieds et sous réserve de places disponibles.

En 2016, cinq candidates postulent à l’obtention du DNSEP, option art, mention conservation-restauration des biens culturels. Pour rappel, deux épreuves sanctionnent l’accès à ce diplôme national au grade de Master II. Il s’agissait, dans un premier temps, de soutenir le mémoire de recherche, le 21 Juin à huis clos, puis, dans un second temps, ce Mardi 28 Juin,d’exposer oralement le projet de conservation-restauration construit tout au long de cette dernière année e qui concerne un bien culturel.

L’inflation contemporaine du panorama des biens culturels a pour effet de questionner le champ d’application de la conservation-restauration. Pour cette discipline, la résolution de problèmes ne se restreint pas à la matérialité ni à la visibilité des artefacts qu’elle prend en charge. Elle engage le conservateur-restaurateur à ne pas tenir pour autonomes les choses qui lui sont confiées et à les envisager au regard de la pluralité des mondes et des modes d’existence dont elles témoignent.

Dans ces conditions, la commande institutionnelle de restaurer ne va pas de soi. Elle enjoint les conservateurs-restaurateurs à considérer au moins deux questions complémentaires.

D’une part, comment rendre compte des conditions d’activation et de réactivation des objets qui leur sont confiés, étant données les spécificités mêmes des institutions qui sont chargées d’en assurer la pérennité ?

Et, d’autre part, comment comprendre les prérogatives du conservateur-restaurateur et situer son intervention au contact des autres acteurs des mondes de l’art et du patrimoine ?

Les travaux réalisés cette année à l’École Supérieure d’Art d’Avignon illustrent et mettent en perspective la variété des situations où s’actualisent ces questions.

  • jupe monnaie 02Après un stage de plusieurs mois en Nouvelle-Calédonie, Marie BASTARD se propose d’envisager les conditions d’exposition de la collection de « jupes – monnaies » du Muséum d’histoire naturelle de La Rochelle. Témoins des bouleversements culturels liés à la colonisation, à partir de la fin du 19ème siècle, ces objets à la fois vestimentaires et d’échanges matrimoniaux, ne sont plus confectionnés ni utilisés aujourd’hui. En sorte que la formulation d’une proposition de traitement non assujettie à une interprétation ethnocentrée de ces objets, requiert de rendre compte du point du point de vue Kanak aussi bien que du point de vue occidental.

    accords faisandés

  • Soucieuse de réfléchir au devenir des installations détenues par les FRAC, Gaëlle BAUDRY envisage les conditions de réactivation d’Accord faisandé, une oeuvre  réalisée en 2013 par l’artiste Anthony Duchêne. Conservée par le Frac de Provence-Alpes-Côte d’azur, cette oeuvre n’a plus jamais été exposée depuis son acquisition. Dès lors, comment donc fournir à l’institution les moyens de disposer cette installation dénuée de notice protocolaire, sans en trahir le sens et tout en se passant de l’intervention de son auteur ?

  • Where the slaves liveLa recherche de Coline BOURGOIN prend appui sur Where the slaves live, une oeuvre de l’artiste Adrian Villar Rojas, réalisée en 2014 pour la Fondation Vuitton où elle est désormais exposée. La matérialité particulière de cette création, pour partie composée d’êtres vivants, éprouve la façon dont le conservateur-restaurateur peut se saisir, notamment par le biais du constat d’état, d’une sculpture « vivante », et donc,  évolutive et impermanente.

    Monuments aux sapins morts

  • En réfléchissant aux solutions de stockage, de transport et de présentation adaptées à Monument aux sapins morts de l’artiste Rodolph Huguet, Elsa DECKER propose de considérer la pratique du soclage comme un prolongement de l’activité du conservateur-restaurateur. Dans cette perspective, envisager les conditions de réactivation et de préservation de cette oeuvre acquise en 2013 par le Frac de Franche – Comté, suppose  de recueillir au préalable les témoignages et la documentation qui permettront de saisir les propriétés et les références constitutives de ce « monument » d’une extrême fragilité.

    conservatoire d'anatomie

  • Enfin l’investissement de Timothée LECOUEDIC s’est porté sur une collection de spécimens tératologiques conservés en fluide au Conservatoire d’anatomie de la Faculté de médecine de Montpellier. La démarche qu’elle mobilise consiste tant à maintenir les solutions de conservation en fluide de ces restes humains qu’à valoriser et transmettre les objectifs scientifiques et pédagogiques aux fins desquelles cette collection a naguère été constituée.

   Chacune de ces recherches s’appuie sur une enquête approfondie de nature à la fois anthropologique et socio-historique, dont l’enjeu vise à identifier les propriétés tant sensibles que cognitives qui sont attribuées aux objets, afin de proposer les solutions de traitement les mieux ajustées à leurs singulatités. En mettant  l’accent sur la variété même des situations liées aux appréciations, passées, présentes et à venir des objets qui leur ont été confiés, les candidates tracent une voie tant méthodologique que déontologique. Son enjeu consiste à penser à nouveaux frais la conservation-restauration des collections d’art contemporain et ethnographiques.

Les travaux présentés n’auraient pu être réalisés sans la contribution de toute l’équipe administrative et technique de l’ESAA, ni sans l’accueil et la confiance réservés aux cinq étudiantes de l’ESAA par les institutions suivantes  (par ordre alphabétique)Conservatoire d’anatomie / Montpellier, Fondation Louis Vuitton / Paris, FRAC Franche-Comté / Besançon, FRAC Provence-Alpes-Côte d’Azur / Marseille, Museum d’histoire naturelle / La Rochelle, et le Laboratoire de chimie appliquée à l’art, l’archéologie ainsi que la conservation-restauration des matériaux du Patrimoine Culturel (UMR IMBE CNRS 7263 IRD 237 / Université d’Avignon et des Pays de Vaucluse).

Que leurs responsables et collaborateurs partenaires soient ici vivement remerciés.                                                             

Crédits : GS, MM / 06.16

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Appel à contributions

Evolution de la conservation préventive en France – 8 et 9 juin 2017 – Pierrefitte

L’Association des Préventeurs Universitaires (APrévU) existe depuis le début de l’année et  vient de mettre en ligne un site internet :https://aprevu.com

Elle lance un appel à contributions pour la conférence, qui aura lieu les 8 et 9 juin 2017 aux Archives Nationales à Pierrefitte.

Date limite : résumés pour le 15 juillet 2016 au plus tard : https://aprevu.com/2016/06/11/appel-a-contribution

Restitutions de biens culturels africains à leurs pays d’origine (suite)

Dans un billet paru en Septembre 2016, nous écrivions à raison « La liste s’allonge au fur et à mesure que des pays redécouvrent leur patrimoine et font de lui un critère de leur essor. Il semble que la demande de restitutions d’objets culturels à leur pays d’origine aille grandissante. […] ». Par contre nous supposions un peu vite qu’ « … il n’est pas certain par exemple, que le gouvernement sénégalais ne tenant pas à raviver  le souvenir de la sécession en Casamance, réclame de sitôt les restes du roi des Flup de Casamance, Sihalébé Diatta,  capturé puis emprisonné à Sédhiou par les français, et mort en détention après une grève de la faim  en 1903 ». [« Le transfert de Sihalébé fut pour les Flup un acte sacrilège d’une gravité exceptionnelle que l’administrateur supérieur ne soupçonna pas. Le roi, personnage religieux et sacré, ne pouvait selon la coutume abandonner son territoire. Il était l’intermédiaire vivant et indispensable entre les forces invisibles et ses sujets qui ne l’avaient jamais vu ni boire, ni manger. Incarcéré avec plusieurs d’entre eux à Séju, il se laissa mourir de faim, devant ses gardiens stupéfaits » (Roche, p. 282) ]

Chronique de demandes de restitution – épisode 1

Dans la réserve des crânes.
Réserve des crânes . Crédits Musée de l’Homme / Paris.

Car en décembre 2011, le président de la République Abdoulaye Wade avait  demandé au gouvernement sénégalais de constituer une première commission à même « de se rapprocher des autorités coutumières et religieuses de la Basse–Casamance (extrême sud –ouest du Sénégal) notamment, le roi d’Oussouye et les autorités de Cabrousse, afin de solliciter leur avis sur le bien-fondé du rapatriement les restes  d’Aline Sitoé Diatta (1920-1944), surnommée aussi « la Jeanne d’Arc africaine », jeune résistante enlevée puis déportée à Tombouctou au Mali où elle est décédée et enterrée ‘dans un modeste cimetière. En cas d’avis défavorable à son rapatriement – le président de la République ayant déjà obtenu l’accord du président du Mali pour un éventuel retour  des restes d’Aline Sitoé Diatta – , avait  indiqué que  » le Sénégal demanderait alors au Mali une concession afin d’ y édifier un symbole digne du rang de notre héroïne nationale’’. Tout en prétendant « avoir déjà entrepris des démarches en ce sens avec les plus hautes autorités françaises’’, le président Wade avait sollicité la mise en place d’une deuxième commission chargée d’obtenir le retour en provenance du Musée de l’Homme à Paris, du corps du roi casamançais Sihalébé Diatta déporté par les colons à Sédhiou où il mourut par inanition. Aujourd’hui l’initiative de la réclamation de restitution émanant d’un responsable politique casamançais anti-indépendantiste et chantre de la paix, pourrait bien forcer la main au chef de l’Etat Macky Sall.

Peu auparavant en Octobre 2011, enfin et déjà,  plusieurs milliers de namibiens dont le Premier ministre avaient accueilli très émus à l’aéroport de Windhoek, les crânes de guerriers hereros et namas massacrés en 1904 (Collectif, 2017), rapatriés d’Allemagne après plus d’un siècle. Leurs cercueils furent exposés dans les jardins du parlement pour un dernier hommage de la population avant leur transfert au Carré des héros pour une cérémonie officielle en présence du président namibien Hifikepunye Pohamba. Ces crânes font partie de quelque 300 têtes exportées à des fins « scientifiques » (Maire, pp. 611-612)  par l’Allemagne après l’extermination d’indigènes namibiens soulevés en 1904 contre les colons allemands en Afrique du Sud-Ouest contrôlée par Berlin de 1884 à 1915.

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Survivants hereros, autour de 1907.

En 2004, lors d’une commémoration en Namibie du centenaire, la ministre allemande de la Coopération Heidemarie Wieczorek-Zeul n’avait pas hésité à déclarer que les atrocités commises « seraient désormais appelées génocide ». Cette abomination est effectivement considérée par beaucoup d’historiens comme le premier génocide du XXe siècle, estimant que  sur 80.000 hereros vivant alors dans la région,  seulement 15.000 survécurent (Gewald, 2004). Ces exactions ne sont pas isolées au tournant du XIXe siècle où les colonisateurs font toujours preuve de violences exacerbées. Des répressions sanglantes sont encore menées par les Français à Madagascar,  par les Belges au Congo, et par les Britanniques à l’encontre des Zoulous en Afrique du Sud .

Toujours en 2011, l’anthropologue et historien Farid Belkadi avait retrouvé la trace des crânes des insurgés algériens, massacrés par l’armée française en 1849 à l’issue de la célèbre bataille de l’oasis de Zaatcha. Le combat opposa ses habitants à un corps expéditionnaire aux ordres du général Herbillon. Il se solda par une extermination et d’insoutenables atrocités notamment sur les femmes et les enfants. Condamnés à mort, les chefs de la résistance, furent décapités et  leurs têtes exhibées à titre d’exemple :  « … pour qu’il ne restât aucun doute aux Arabes sur le sort justement mérité des principaux fauteurs de l’insurrection, leurs têtes furent exposées dans le camp de M. le général Herbillon » (Le Moniteur algérien, édition du 30 novembre 1849). Les têtes furent collectionnées d’abord par des « amateurs »,  avant de rejoindre les réserves du Musée de l’Homme à Paris. Les crânes y sont encore conservés aujourd’hui, eux-aussi, rangés à l’intérieur de boîtes numérotées. Farid Belkadi avait  décidé à l’époque d’alerter les pouvoirs publics algériens et de lancer une pétition demandant la restitution de ces têtes , dont celles des chefs de l’insurrection des Zibans inventoriées dans les registres du musée : Bou Amar Ben Kedida, crâne n° 5943  Boubaghla, crâne n° 5940. Mokhtar Al Titraoui, crâne n° 5944. Cheikh Bouziane, crâne n° 5941. Si Moussa Al Darkaoui, crâne n° 5942. Aïssa Al Hamadi, lieutenant de Boubaghla, tête momifiée n° 5939. Ses deux démarches avaient finalement fait chou blanc, la pétition étant restée lettre morte  et les autorités algériennes, muettes.

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Masque mortuaire du chef Ataï exposition « Kanak, l’art est une parole » du Musée du Quai Branly ,14 .10.13 – 26.01.14 © Cécile Baquey

Les accords dits de Matignon du 26 juin 1988 signés par les représentants Kanak et caldoche, stipulaient dans leur préambule, que la tête du grand chef Ataï devait être restituée aux Kanaks.Tranchée à coups de hache, puis volée  et vendue, cette tête fantomatique hante les relations entre Paris et Nouméa depuis plus d’un siècle. Ataï avait fomenté l’insurrection kanak de 1878, où des dizaines de colons et de Mélanésiens trouvèrent la mort. Le premier ministre, Michel Rocard, l’a fait rechercher, vainement. Depuis que son masque mortuaire fut exhibé lors de l’Exposition universelle de Paris en 1889, plus de trace. pourtant l’image d’Ataï reste vivace dans les esprits et constitue depuis 1968, un symbole de l’indépendance et de la résistance kanak. De nombreuses pétitions demandant le rapatriement sur sa terre natale de la tête du héros néo-calédonien,  n’y suffiront pas non plus. Jusqu’à ce jour de 2011, où un anthropologue confie discrètement à l’écrivain Didier Daeninckx, auteur du roman d’anticipation Le Retour d’Ataï, la présence du crâne d’Ataï officiellement égaré, dans les réserves du Musée de l’Homme, mais transférées au jardin des Plantes pendant ses travaux de rénovation,  « sans jamais avoir été exposé au public ni perdu. En fait, explique Didier Daeninckx, on a cherché  au mauvais endroit; il s’agissait du crâne décharné d’Ataï, pas de sa tête« . En réalité, les autorités se sont longtemps retranchée derrière le fait qu’elle n’avaient pas reçu de demande officielle, en bonne et due forme. En outre le crâne n’était pas précisément inventorié au Musée de l’Homme. Il appartenait à un ensemble de pièces kanakes non répertoriées de la collection de l’océaniste Paul Broca, laquelle avait été versée impudemment au musée Dupuytren, dédié aux pathologies anatomiques et relevant de l’Université Pierre et Marie Curie.

Chronique de demandes de restitution – épisode 2

Le chef Mindia © DR

Même après que le Musée du quai Branly eut organisé en 2008 un colloque sur les « restes humains » qui conclut à ce qu’ils devaient être considérés comme appartenant aux descendants des disparus, les restes ne furent pas rendus en 2011. La confidence de Michel Van Praët, le directeur du Musée de l’Homme à un journaliste du Monde, est éloquente : « Au départ, les responsables du patrimoine craignaient que la France soit contrainte de restituer toutes les reliques détenues dans ses musées. » Finalement, le 28 août 2014 à Paris, après quelques atermoiements, le Muséum National d’Histoire Naturelle a restitué à leurs descendants, les crânes du chef de guerre Ataï et de son guérisseur, le « Méche », tous deux tués lors de l’insurrection indigène de 1878.

Le 18 mai 2016, pour conjurer l’oubli de la période de la oonquête coloniale – un refoulement partagé sur les deux rives de la Méditerranée -, le journaliste,  écrivain et maître de conférence à l’Université de Cergy-Pontoise  Brahim Senouci, algérien résident en France a lancé  une pétition qui réunit aujourd’hui plus de vingt-cinq mille signataires. Elle réclame à l’État français le rapatriement en Algérie des crânes des résistants algériens,  « afin qu’ils y reçoivent une digne sépulture ! ». Selon une déclaration en Septembre 2016 du porte-parole de  son  ministère  des affaires étrangères, « la France attend la demande officielle de l’Algérie sur ce sujet, qui permet de déclencher ensuite la procédure législative » faisant  référence à la loi n° 2010-501  du 18 mai 2010, visant à autoriser la restitution par la France  des têtes  maories  à la Nouvelle-Zélande et relative à la gestion des collections. Elle stipule la  restitution des  biens culturels à l’étranger, après  que   la commission scientifique  nationale (française) des collections  » 1 ait du  » remettre au Parlement un rapport sur ses orientations en matière de déclassement ou de cession des biens » .

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Le 15 Avril 2017 à la Maison de la Culture Douta Seck, dans le quartier de la Medina à Dakar, l’historien et conseiller technique du Médiateur de la République, Ibrahima Ama Diémé, a tenu une conférence en souvenir de Kuhito, « de son vrai nom Igna – Silholo Diatta » . Le récit a évoqué  le parcours de l’enfant, de l’adolescente, de la jeune femme , de l’épouse, puis  de la mère et enfin de la reine qu’elle fut jusqu’à sa mort en 1968, à Tendouck, chef-lieu de son royaume. En guise de commentaire, le Secrétaire Général du Mouvement des Forces Démocratiques de la Casamance (MFDC), Abdou Elinkine Diatta, a considéré à l’instar du conférencier que « Kuhito appartenait non seulement à Tendouck, mais aussi au Blouf, à Bignona, à la Casamance, au Sénégal, à l’Afrique. Exactement comme la reine Aline Sitowé Diatta de Cabrousse et le roi Sihalébé Diatta d’Oussouye, entre autres figures de la résistance en Casamance ». « Or, qu’est-ce que c’est qu’honorer nos héroïnes et nos héros, sinon les réclamer ? N’est-ce pas, en l’occurrence, les honorer que de réclamer la restitution à la Casamance – et donc au Sénégal – des restes de la reine Aline Sitowé Diatta portée disparue à Tombouctou, et de ceux du roi Sihalébé Diatta qui trônent en  « bonne place » ( ou plutôt mauvaise) au Musée de l’Homme à Paris sous le numéro 19822 (la reine Kuhito ayant été inhumée à Tendouck avec tous les honneurs qui lui étaient dus) », a renchéri Jean-Marie François Biagui, l’un des leaders historiques de la cause casamançaise et président-fondateur du Mouvement pour le Fédéralisme et la Démocratie Constitutionnels (MFDC-fédéraliste).

Le feuilleton de la réparation sénégalaise bégaie ses équivalents algérien et kanak, tous trois concourant à la restitution d’ossements mortuaires et de leur mémoire coloniale. En exprimant ses regrets à l’égard du peuple namibien et en reconnaissant comme tel le génocide des Namas et des Hereros, l’Allemagne semble s’inscrire dans une continuité de refus de l’élision de sa mémoire et de son histoire les plus sordides. Elle en est d’autant plus capable qu’elle fut déjà contrainte par les Alliés de se confronter à son passé au lendemain de la deuxième guerre mondiale.  En instaurant un « devoir de mémoire » et un sens de la responsabilité politique  tel que l’a défini Karl Jaspers 2(1990), ce pays  est l’un des rares au monde à avoir véritablement accompli un «travail» sur son passé pour mettre un terme à une période de mutisme,  de refoulement, de mauvaise conscience, de frustration et à un processus collectif décrit comme une « incapacité de porter le deuil » (Mitscherlisch, 1972) . En France, ni les plus hautes autorités, ni aucune intelligentsia n’ont  fait une priorité, loin de là, de la sortie de l’impasse où conduit la persistance du hiatus irréductible entre le discours émancipateur universaliste le plus vertueux, clamé à la planète entière, et la barbarie la plus extrême dont on voudrait encore laisser croire qu’elle n’a jamais eu lieu, et qu’on évite de purger en fustigeant la repentance dans le déni d’une certaine part de responsabilité 3; la raison en étant que  les  abominations commises sont incompatibles avec l’image et les valeurs supérieurement « civilisées » de l’homme blanc  ainsi qu’avec le rapport de domination qu’il  persiste à vouloir imposer symboliquement au monde globalisé, et qui justifierait encore une « présence conseillère » ou une « influence bienveillante » française dans son ancien pré-carré colonial 4. Hélas, même s’il va dans le bon sens, on peut néanmoins douter que l’événement officiel qui suit, représente une étape liminaire dans la mise en oeuvre d’une véritable politique réparatrice.

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De g. à d., Ousmane Badji et son petit frère Daouda Faye Badji qui ont combattu cinq ans ensemble pour la France en Algérie © Christophe Petit Tesson, AFP

De tous les « tirailleurs sénégalais » 5 qui furent plus de deux cent mille lors de la première guerre mondiale, cent cinquante mille pour la seconde, soixante mille en Algérie et Indochine, seuls vingt-huit nés entre 1927 et 1939 et restés vivre en France pour pouvoir faire vivre leur famille, seuls vingt huit ont très récemment recouvré  la nationalité français 6, perdue en 1960 à l’indépendance des colonies . Après qu’une pétition ait abouti en recueillant quelques soixante trois mille signatures, ils sont redevenus français avant quelques dizaines de bénéficiaires potentiels encore « en reconnaissance de l’engagement et du courage des tirailleurs sénégalais issus de l’Afrique subsaharienne, qui ont combattu pour la France dans les différentes opérations militaires entre 1857 et 1960 ».

Sous une pression multiple exponentielle, et enjoint par l’exemple de son voisin et partenaire européen privilégié, on voit mal comment l’Etat français pourrait se soustraire à son devoir de réparation et ne pas mettre fin au séquestre de ces reliquats mortuaires au Musée [des restes] de l’Homme. Il semble que les derniers présidents de la république française, mieux que la restitution  à la requête d’un homologue, pratiquent la transmission de la patate chaude à leur successeur. Tandis qu’une bonne part de la classe politique française, très exhortative ces temps-ci à la recouvrance d’une fierté nationale et d’une grandeur française perdues, est moins prompte à vouloir exhumer les pages noires de son histoire mises sous le boisseau, qu’à ergoter sur la qualification de « crime contre l’humanité » à propos  de la colonisation.

______________Notes__________________________________________________________

1 Article L115-2, créé par LOI n°2010-501 du 18 mai 2010 – art. 2 La commission scientifique nationale des collections comprend un député et un sénateur nommés par  leur  assemblée  respective,  des  représentants  de l’Etat  et  des collectivités territoriales,  des professionnels  de  la  conservation  des  biens concernés et des personnalités qualifiées. Un décret en Conseil d’Etat précise sa composition et fixe ses modalités de fonctionnement.

2 En 1946, Karl Jaspers a distingué quatre modalités de la culpabilité. La culpabilité criminelle ou juridique, la culpabilité morale, la culpabilité métaphysique et la culpabilité politique. Dans ce dernier type, le citoyen appartenant à un Etat doit assumer les actes accomplis par cet Etat. Selon le philosophe, chaque individu porte une part de responsabilité dans la manière dont l’Etat est gouverné.

3 Pour preuve, et après les conclusions de la mission d’information parlementaire (Enquête sur la tragédie rwandaise (1990-1994), Rapport d’information n°1271, 1998) sur le Rwanda chargée d’évaluer l’implication de l’Etat français, son incapacité  à assumer au moins une part de responsabilité malgré les nombreux faits et témoignages récoltés. (cf.bibliographie et  http://www.liberation.fr/planete/2012/01/11/les-dix-huit-ans-d-intoxication-d-une-enquete-a-sens-unique_787472)

4 Souvenons nous du discours de Dakar du président Sarkozy prononcé le 26 Juillet 2007, dont l’indignité restera dans les annales .

5 La dénomination « tirailleurs sénégalais » correspond aux premiers régiments d’incorporés au Sénégal, mais les militaires portant  le célèbre chéchia rouge étaient en fait originaires de toutes les colonies françaises, de l’Afrique occidentale et centrale jusqu’à Madagascar.

6 La cérémonie de naturalisation présidée par François Hollande, s’est déroulée le 15 Avril au palais de l’Elysée.

______________Bibliographie__________________________________________________

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Sessions du séminaire à venir

G. SalatkoLes deux prochaines séances de séminaire se dérouleront le mardi 25 avril et le mardi 02 mai. Elles concluront le cycle de séminaire initié cette année sur les relations que la conservation-restauration et les sciences sociales nouent dans l’enquête. Depuis plus de trente ans, les sciences sociales se livrent à un examen attentif de la place que les sociétés humaines assignent aux objets. En rupture avec la tradition structuraliste, qui assignait aux artefacts un rôle relativement contingent, le « tournant matériel »​ (material turn) nous engage à saisir les artefacts à travers leur propriétés sensibles aussi bien qu’au prisme des usages, des théories et des systèmes de représentation qui leur sont associés. Dans un premier temps (session du 25 avril), nous verrons comment l’histoire des techniques, la psychologie sociale, la sociologie des sciences, de l’anthropologie des religions, de l’art et du patrimoine ont contribué à stabiliser et à mettre en usage un ensemble de notions (affordance *, images, médiation, trajectoire et biographie d’objet) qui permettent de penser les propriétés relationnelles des objets. Dans un second temps, (session du 02 mai), nous tenterons de mesurer les apports possibles de ces approches à la conservation-restauration en envisageant les façons dont les régimes d’arte​factualité introduits par les sciences sociales sont à même de redéfinir les routines descriptives du conservateur-restaurateur, et par là même de réévaluer la portée du constat d’état. Pour conclure, nous questionnerons en retour l’intérêt heuristique de la conservation-restauration pour les sciences sociales. 

PS. Une séance supplémentaire est prévue le mardi 6 juin. Elle sera consacrée à la question des soutenances de leur déroulement, de leurs enjeux, et de leur préparation.

___Note_________________________________________________________

*  Deux grandes voies de définition d’  » affordance  » ont cours aujourd’hui :

  1. en psychologie, elle désigne la propriété d’un objet ou la caractéristique de son environnement immédiat à indiquer l’utilisation de l’objet.
  2. en ergonomie, elle se réfère aux capacités d’un objet à suggérer sa propre utilisation.

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Gaspard Salatko, 14.04.17

Thème de la 7ème session de séminaire

Marco03 ter_2015Le séminaire art et artefactualité  initié avec Jean-Pierre Cometti pour explorer la piste d’un « nouveau matérialisme », qui envisage une ontologie des œuvres d’art et autres biens culturels à l’aune du pragmatisme assorti aux enjeux de la conservation-restauration, s’attache aujourd’hui avec Gaspard Salatko aux bénéfices des croisements de la conversation-restauration avec les sciences sociales. Il s’agit toujours, comme le revendique la profession de foi du séminaire, de cerner « les questionnements et propositions de réponses qui concernent principalement les moyens, enjeux et objectifs de la conservation-restauration en fonction de la nature, du statut, de l’ontologie, et du régime des objets que celle-ci est appelée à prendre en charge pour sa part ».

« The ‘material turn’ of the past decades, which designated a deep preoccupation with materiality, reinforced interests in conservation’s scholarship across a range of disciplines within the humanities. Most importantly, however, conservation has begun emancipating itself from its somewhat subordinate role in relation to other disciplines by contributing to greater knowledge about both objects and the cultures that produced them. » (Hölling, 2016) Outre son objectif immédiat et personnalisé de fournir des réponses aux problèmes posés et des ressources à l’élaboration du mémoire, le séminaire voudrait servir à l’affranchissement de la conservation-restauration envers son rôle d’activité auxiliaire, par la reconnaissance de son apport notamment au courant du « tournant matériel » évoqué par Hanna Hölling et Gaspard Salatko. Les investigations menées depuis plusieurs années dans le cadre du programme de recherche en et pour la conservation-restauration dont le séminaire « art et artefactualité » se veut le ralliement, s’inscrivent dans une démarche de prospection heuristique1 visant à corréler l’approche critique des biens culturels prônée à l’école, avec des ressources méthodologiques des sciences sociales. L’idée force étant d’identifier des outils et méthodes très concrets, susceptibles d’être mis à profit pratiquement par les étudiants du second cycle de l’ESAA.

Ma contribution prochaine portera particulièrement sur l’examen de ressorts – de la sociologie, l’ anthropologie et l’ethnologie – appropriés à l’enquête en conservation – restauration: les notions de « vie sociale » et de « biographie culturelle » telles que Arjun Appadurai et Igor Kopytoff les ont significativement définies, développées et différenciées dans un ouvrage clé sous la direction du socio-anthropologue indien (1986).

L’ethnologue Thierry Bonnot s’est inscrit dans leur sillage en publiant deux livres (2002 et 2014) qui font l’apologie de la notion de biographie en ce qu’elle « permet d’isoler les différentes étapes de la vie des objets en les dépouillant de toute catégorie préalable 2marchandise, ustensile, produit ou collection. » Une manière de renier la vision strictement positiviste et univoque des objets telle qu’elle est encore trop réduite dans les rapports d’activité de beaucoup de conservateurs-restaurateurs. C’est sans doute  sa double formation d’archéologue et d’anthropologue qui a influencé auparavant Daniel Miller dans un ouvrage remarqué  (1987) qui appelle à l’ analyse, non pas de l’ objet matériel en soi, ni des relations sociales en elles-même, mais à celle de l’articulation entre eux; l’objectif étant de  repenser la société de consommation de masse en tant que « contexte dominant dans lequel sont noués les rapports avec les objets ». (trad. Miller, 1987, p.4). Dans son premier ouvrage (1968) non moins marquant, soutenant que les objets en particulier n’épuisent pas leur sens seulement dans leur « physicalité » et leur fonction pratique, Jean Baudrillard proposait déjà une analyse « relationnelle », mais de nature sémiologique et phénoménologique, cherchant à comprendre comment les objets fabriqués par l’homme avaient progressivement conquis leur autonomie,  « les objets [étant] devenus aujourd’hui  plus complexes que les comportements de l’homme relatifs à ces objets … […] leur finalité poussée en fai[san]t presque aujourd’hui les acteurs d’un processus global dont l’homme n’est plus que le rôle, ou le spectateur » (1968, p.79).

L’approche biographique, à la fois synchronique et diachronique, consiste à réfuter la perception prioritairement ou exclusivement formelle et matérielle des objets. Elle veut prendre aussi en compte la variété de leurs statuts, des rapports noués avec eux, des goûts esthétiques, des techniques, des valeurs et des changements de perception « vécus » par eux dans des situations données au cours de leur existence. Cette méthode permet l’examen d’une artefactualité des objets à l’évidence de leurs trajectoires physiques et légales, jalonnées par des changements de possesseurs et de contextes, chaque étape constituant une strate de son histoire et de sa valeur. Ces variations multiples à considérer comme de véritables faits sociaux dans le continuum d’un parcours parfois sinueux, renseignent d’une part sur les rapports des hommes avec leur environnement matériel, d’autre part sur la relation des groupes à leur passé et sur leur gestion de la mémoire. L’histoire de la « vie » d’un bien culturel permet de mettre en lumière, non seulement l’entremêlement de ses relations avec les hommes en un réseau d’ « attachements » autant particuliers que collectifs, mais aussi son implication dans celles que nouent les hommes entre eux.

Des emprunts aux travaux de recherche de récents diplômés (Gaydon, 2013  et  Maire, 2009) viendront alimenter le propos.

_____________________

Bibliographie de référence

APPADURAI, A. (éd.), The Social Life of Things. Commodities in Cultural perspective, London-New York, Cambridge University press,1986, 329 p.

                             « Les marchandises et les politiques de la valeur », (trad. J.-P. Warnier), Sociétés politiques comparées, n°11, Janvier 2009, pp.1-70

BAUDRILLARD, J., Le système des objets, Paris, Gallimard, 1968, 294 p.

BONNOT, T., La vie des objets, Paris, Editions de la maison des sciences de l’homme, 2002, 246 p.

                     L’attachement aux choses, Paris, CNRS éditions, 2014, 239 p.

BROMBERGER, C., Carrières d’objets. Innovations et relances, Paris, coll. Ethnologie de la France n°13, Mission du patrimoine, ethnologique de la France-Maison des sciences de l’homme, 2000, 224 p.

GAYDON, L., Pour réitérer La Vieille neuve sans la travestir. Conservation- restauration d’une installation de Pascale Marthine Tayou, (dir. Marc Maire), Avignon / ESAA, 2013,

GELL, A., L’art et ses agents. Une théorie anthropologique, (trad. O. et S. Renaut),  Presses du réel, Dijon, 2009 [1998], 356 p.,

GELLEREAU, M., « Le récit de témoignage sur les usages comme reconstruction du sens des objets », Culture & Musée, n°18, 2011, pp.75-97

HEINICH, N., « Les objets-personnes : fétiches, reliques et œuvres d’art », Sociologie de l’art, n°6,1993, p. 25-55

HÖLLING, H., « The Explicit Material: On the Intersections of Conservation, Art History and Human Sciences », Simulacrum, Stichting Simulacrum, Kunsthistorisch Instituut, University of Amsterdam, 2014, N°1 / p. 22-27   

KOPYTOFF , I. « The cultural biography of things : commoditization as process, » in APPADURAI , A. (ed.), The Social Life of Things : Commodities in Cultural Perspective, London-New York, Cambridge University Press,1986, pp. 64-91

MAIRE, A., De la réparation à la restauration d’un masque Mossi, pour sa survivance, (dir. Marc Maire), Avignon / ESAA, 2009

MILLER, D., Material Culture and Mass Consumption, Oxford-NewYork, Basil Blackwell, 1987, 240 p.

PRADO, P., Territoire de l’objet, Paris, Editions des archives contemporaines, 2003, 149 p.

ROITMAN J. & WARNIER J.-P., « La politique de la valeur », Journal des Africanistes, 76-1, 2006, pp. 205-216

_________Notes  _____________________________________________

2  C’est ce que les travaux du séminaire « art et artefactualité » ont déjà conclu, en affirmant que toute catégorie qu’elle soit artistique, de genre, d’espèce, etc., ne constitue un prérequis, ni descriptif, ni identitaire.

Pourquoi nous vivons un tournant historique

L'âge de la régression - Pourquoi nous vivons un tournant historique - APPADURAI ARJUNEditeur: Premier parallèle      Date de sortie : 13/04/2017

Nous vivons un tournant historique. Non, nous n’avons pas assisté à « la fin de l’Histoire ». Loin de marquer le début du règne d’une démocratie universelle et d’un capitalisme heureux, la chute du mur de Berlin a inauguré une période de tourments politiques. Ascension de partis nationalistes (pensons par exemple au Front national), démagogie (telle que l’incarne Donald Trump), souverainisme (Brexit), tendances autoritaristes d’Europe centrale et d’Europe de l’Est (Hongrie et Pologne), appels à la « grandeur » et à la « pureté » nationale (Narendra Modi en Inde, Vladimir Poutine en Russie), vague générale de xénophobie et de crimes haineux, brutalisation des discours politiques, complotisme, « ère post-vérité », appels à l’érection de murs toujours plus nombreux, toujours plus hauts… Tout se passe comme si nous assistions à un grand retour en arrière. Comme si la peur, la violence et le repli sur soi l’emportaient sur les espoirs jadis nourris par la mondialisation. Quinze intellectuels, chercheurs et universitaires de renommée internationale explorent les racines profondes de la situation qui est la nôtre aujourd’hui, et qu’il est permis d’appeler une « grande régression ». Ils la replacent dans son contexte historique, s’attachent à élaborer des scénarios possibles pour les années à venir, et débattent des stratégies susceptibles de la contrecarrer. Arjun Appadurai, Zygmunt Bauman, Nancy Fraser, Bruno Latour, Eva Illouz, Ivan Krastev, Paul Mason, Pankaj Mishra, Robert Misik, Oliver Nachtwey, Donatella della Porta, César Rendueles, Wolfgang Streeck, David van Reybrouck, Slavoj Žižek. Préface de Heinrich Geiselberger. (Desription de l’éditeur).

Appel à parrainage / Call for sponsorship

Le parrainage dont il est question ici, est un soutien financier à fournir à quelques étudiant(e)s, en vue d’en retirer un bénéfice direct, selon la définition prévue par l’arrêté du 6 janvier 1989 relatif à la terminologie économique et financière *.

Cette année aura lieu  le  18 ème congrès triennal de l’ICOM-CC  à Copenhague au Danemark, du 4 au 8 Septembre inclus.  La contribution demandée pour financer  la participation de ces étudiant(e)s à cet événement, s’élève en tout ou partie à la somme forfaitaire de Mille (1.000,-) Euros par personne. Elle doit servir à couvrir les frais d’inscription au congrès, des voyages AR, d’hébergement, et de per diem.

Merci de partager ce message et de faire offre en prenant contact avec la rédaction, impérativement avant le 10 May 2017 : 
seminart.esaa @ gmail.com
The sponsorship which is referred,  is financial support for a few students with a view to obtaining a direct benefit as defined by the French legal  decret of the 6th  January 1989 on economic terminology and Financial system *. This year will be the 18th ICOM-CC Triennial Congress in Copenhagen, Denmark. The contribution requested to finance the participation of these students in this event amounts, in whole or in part, to a thousand (1.000,-) Euros per person. It is intended to cover conference registration, AR travel, accommodation, and per diem expenses.
Thank you for sharing this message et making your offer by contacting the chief-editor, imperatively before 10 May 2017: 
seminart.esaa @ gmail.com

The 18th Triennial Conference /   will be held in Copenhagen, Denmark from  4-8 September 2017.

The Conference theme is « Linking Past and Future« . In close collaboration with the ICOM-CC Directory Board, the Danish National Organizing Committee and its Danish partners will develop an appealing plenary programme as well as a full social programme.

The Conference will also mark and celebrate ICOM-CC’s 50th Anniversary.

* L’article 39-1-7° du CGI prévoit que les dépenses engagées par les entreprises dans le cadre de manifestations notamment de caractère culturel ou concourant à la mise en valeur du patrimoine artistique ou à la diffusion de la culture, de la langue et des connaissances scientifiques françaises, sont déductibles du revenu imposable de l’entreprise lorsqu’elles sont engagées dans l’intérêt direct de l’exploitation.

Intérêt de dépenses de parrainage:

Les dépenses engagées pour un  parrainage sont destinées à promouvoir l’image de marque de l’entreprise. Celui-ci répond donc à une démarche commerciale explicitement  raisonnée, quant à sa retombée.

Condition de déduction

Les dépenses de parrainage sont déductibles des résultats de l’entreprise soumis à l’impôt sur les sociétés, qui les engage lorsqu’elles sont exposées dans l’intérêt direct de l’exploitation. Cette condition est considérée comme remplie lorsque :

  • l’identification de l’entreprise qui entend promouvoir son image de marque est assurée quelque soit le support utilisé (affiches, annonces de presse, effets médiatiques, etc…) ;

  • les dépenses engagées sont en rapport avec l’avantage attendu par l’entreprise. Celle-ci doit être en mesure de justifier que les charges supportées à l’occasion d’une action de parrainage ne sont pas excessives eu égard à l’importance de la contrepartie attendue.

Les dépenses engagées doivent satisfaire les conditions générales des charges au même titre que les autres frais généraux. En raison de son caractère commercial, la dépense de parrainage doit faire l’objet d’une facturation assujettie à la TVA.

Accès à la déontologie : bilan et perspective des formations en France

Mercredi 17 mai 2017
Auditorium Colbert – 18h/21h

Le Comité national français de l’ICOM, acteur majeur de la réflexion sur la déontologie des musées, initie un cycle de débats méthodologiques sur l’accès à la déontologie.

Dans un cadre professionnel en perpétuelle évolution, de nombreuses questions émergent : ces formations sont-elles suffisantes ? Sont-elles adaptées à la diversité des profils ? Aux besoins des institutions ? Dans sa vie professionnelle, comment mettre en pratique au quotidien un enseignement académique ? Comment formaliser nos besoins en formation sur la déontologie afin d’y intéresser et de toucher le panel élargi des compétences nécessaires au fonctionnement d’une institution ?

Ces débats auront lieu en fin de journée, pour permettre aux professionnels en activité et aux étudiants d’y participer librement.

La première « Soirée déontologie », organisée en partenariat avec l’Institut national du patrimoine, se tiendra le 17 mai 2017 de 18h à 21h, dans l’auditorium Colbert, galerie Colbert, 2 rue Vivienne – 75002 Paris. Elle portera sur l’état des lieux des formations existantes en déontologie, forces et faiblesses du dispositif français.

Programme : bientôt disponible

Lieu de la rencontre ICI

Inscription avant le 15 Mai  ICI

Patrimoines en mouvement : entre préservation et dévotion

Bruxelles, 27-28 avril 2017

Ce n’est que dans les dernières années du XXe siècle que, sous l’impulsion de l’UNESCO, le patrimoine immatériel a été reconnu comme une fraction essentielle du patrimoine culturel de l’humanité. Les traditions orales, les savoir-faire, les pratiques sociales, les rituels et les événements festifs sont aujourd’hui reconnus comme des composantes fondamentales de la diversité culturelle. À ce titre, l’autorité publique doit veiller à en assurer la préservation pour les générations futures.

Diverses manifestations reconnues du patrimoine culturel immatériel impliquent d’autres enjeux patrimoniaux. C’est le cas de certaines pratiques rituelles et festives centrées sur des objets faisant figure d’écrins véhiculant des valeurs mémorielles ou religieuses. Souvent, les processions en tous genres, religieuses ou non, assurent des déplacements d’objets mobiliers qui peuvent être eux-mêmes de haute valeur patrimoniale et qui sont à leur tour l’expression de la communauté qui les a engendrés. On songe par exemple aux antiques statues ou reliquaires en tous genres qui sortent périodiquement dans des conditions parfois susceptibles de mettre leur conservation en péril. Il y a donc un conflit de valeurs entre les manifestations relevant du patrimoine immatériel et les objets précieux qui les soutiennent. On reconnaîtra aussi un conflit de valeurs pour un même objet, qui peut être reconnu d’un côté comme objet de dévotion et de l’autre comme objet patrimonial.

À l’occasion des quinze ans du décret de la Fédération Wallonie-Bruxelles (FWB) relatif aux biens culturels mobiliers et au patrimoine oral et immatériel, la Direction du Patrimoine culturel de la FWB et l’Institut royal du Patrimoine artistique (IRPA) se sont associés pour mener une réflexion sur la manière de concilier les valeurs opposées présidant à la préservation tant des manifestations immatérielles que du patrimoine mobilier qui en constitue le ressort matériel. Il s’agira moins de se focaliser sur de multiples études de cas que de dégager des mécanismes susceptibles d’assurer de façon harmonieuse la pérennisation tant des pièces processionnées que des manifestations qu’elles rehaussent. L’objectif est d’aboutir à des solutions concrètes permettant d’améliorer l’analyse des risques et les conditions de déplacement, de sécurité et de manipulation de biens processionnés.

Ce colloque se tiendra dans l’auditorium de l’Institut royal du Patrimoine artistique (1, parc du Cinquantenaire B-1000 Bruxelles) les jeudi 27 et vendredi 28 avril 2017.

 

 

Inscription en ligne avant le 18 Avril  ICI

 Les actes seront publiés par la FWB.

Comité organisateur :

Marjolijn Debulpaep (IRPA-KIK)

Mallorie Duplouy (FWB)

Géraldine Jaffré (FWB)

Pierre-Yves Kairis (IRPA-KIK)

Caroline Marchant (FWB)

Emmanuelle Mercier (IRPA-KIK)

Ieva Mikutavičiūté (FWB)

Nathalie Nyst (FWB)

Fanny Van Cleven (IRPA-KIK)

Claude Vandewattyne (FWB)

Référentiel de la formation à la c-r de l’ESAA, en 10 points

Référentiel 2017 de formation à la conservation-restauration de l’ ESA d’Avignon en 10 points

1 ● Sciences humaines

– Histoire des arts visuels et des médias

– Socio-anthropologie de la culture

– Philosophie de l’art / esthétique

– Muséologie / expologie

2 ● Enquête documentaire

– Collecte de sources

– Rédaction de notes de lecture

– Exploitation des sources

3 ● Pratique artistique et technique

– Approche théorique et pratique de médiums (Dessin, photo, vidéo, numérique, …)

– Pratique de la création et de l’exposition

– Pratique de l’écriture rédactionnelle

4 ● Pratique de l’anglais

Compétence pour accéder à la littérature internationale et communiquer à l’étranger, le français n’étant lu et parlé que par moins de 1 % de la communauté mondiale.

5 ● Sciences et technologie matérielles

– Techniques historiques de transformation et de fabrication des matériaux naturels, artificiels et synthétiques

– Documents historiques et modernes et leur utilisation

– Vieillissement des matériaux organiques, minéraux et des matières plastiques

– Matières et matériaux utilisables, utilisés et prohibés en conservation-restauration et leurs applications

– Sciences de la matière (chimie, physique, biologie)

– Examens et analyses scientifiques : instruments, techniques, formulation de la demande et interprétation

6 ● Conservation – restauration

▪ Histoire et herméneutique

Théories et définitions normatives de l’activité et de la profession en France, en Europe et dans les pays industrialisés

Éthique et déontologie

Éthique de la préservation des biens culturels et de la profession (déontologie), responsabilité pour l’art et le patrimoine culturel en tant que source historique, responsabilité politique, sociale et culturelle envers la société

– Autres cultures

– Institutions nationales et internationales

▪ Méthodologie

– Exploitation de documents connexes à un artefact

– Étude des techniques historiques et matériaux utilisés

– Approche logique (déductive, inductive et abductive) pour l’objectivation de l’argumentation

▪ Pratique empirique et scientifique

– Approche sensitive des artefacts culturels : distances du regard, touchabilité et manipulation, rôle des autres sens, posture corporelle dans l’espace

– Examen visuel de détection des altérations, et utilisation d’instruments complémentaires

– Appréhension, acquisition et entretien de machines, instruments et outils

– Conservation préventive : considération du contexte environnemental ( climat, lumière, pollution) en exposition, stockage, transport et maintenance

– Conservation curative : approche technique mimétique, élaboration d’une proposition de traitements, organisation d’un projet de conservation-restauration

– Restauration : visibilité, lisibilité, intelligibilité, appréciabilité, ré-actualisation, réactivation, …

▪ Documentation

– De l’étude, des examens, du diagnostic et du pronostic, de la démarche critique en vue d’une proposition de traitement, des traitements, de leur mises en œuvre et des sources mobilisées

– Informations iconiques et graphiques

– Bilan des résultats

7 ● Législation

▪ Sécurité des biens, des personnes et de l’environnement

▪ Public : institutions et collectivités

▪ Travail : statuts professionnels

▪ Marchés publics : appels d’offre, devis, facturation

8 ●  Professionnalisation

–  Chantiers-école collectifs permanents inclus dans les programmes scolaires du I° et II° cycles, en partenariats avec des institutions publiques pour des interventions sur leur collection.

– Stage individuel  d’immersion en milieu professionnel pendant le premier cycle (2 à 3 semaines à partir du semestre 3 jusqu’au semestre 5, pendant les congés scolaires)

– Stage individuel d’intégration d’une ou plusieurs institutions publiques ou privées, de préférence à l’étranger, en lien avec le projet de recherche de II° cycle =3 à 4 mois (voire plus) au semestre 8

9 ●  Recherche

– Conception d’un projet de recherche et communication de ses résultats

– Méthodologie de la recherche : démarche analytique, critique, comparatiste, …

– Séminaires méthodologiques et thématiques

– Rhétorique du mémoire et de l’exposé : convenance de l’expression et de la formulation écrite comme orale à un argumentaire

10 ● Diplômes (en fin de L, M et D)

– DNAP, Diplôme National d’Arts Plastiques, option art, mention conservation-restauration, au grade de la Licence,

– DNSEP, Diplôme National Supérieur d’Expression Plastique, option art, mention conservation-restauration, au grade du Master II

– DSRA, Diplôme Supérieur de Recherche en Art, mention conservation-restauration, au niveau du doctorat de III° cycle

Deux journées de formation ARAAFU

L’Araafu propose la formation : Prévention des risques d’infestation au sein des établissements patrimoniaux

Date : 2 journées, jeudi 12 et vendredi 13 octobre 2017

Horaires : 9h30-13h et 14h-18h

Lieu : AGECA 177 rue de Charonne, 75011 Paris.

Vous trouverez, en fichier attaché, la plaquette de présentation du stage et le formulaire d’inscription

vous pouvez bien entendu confirmer avant le 20 septembre (date de clôture des inscriptions), puisque la

Date limite d’inscription = 20 septembre 2017
………………………..
Nous attirons votre attention sur le fait qu’il y a peu de places. Celles-ci seront attribuées par ordre de réception. Pensez à pré-réserver dès à présent par courriel ou téléphone !
 
vous pouvez pré-réserver immédiatement par retour de courriel puis confirmer avant le 29 mars par courrier traditionnel en envoyant les éléments détaillés ci-dessous.
 
POUR VOUS INSCRIRE :
– imprimer la plaquette,
– détacher le bulletin d’inscription, le remplir, le signer,
– et l’adresser au secrétariat :
– accompagné de votre paiement (sauf organismes de formation et institutions payant a posteriori).
 
N.B. Les chèques servent de garantie à votre inscription mais ne seront encaissés qu’après la formation
Si vous souhaitez faire prendre en charge cette formation par un organisme de formation professionnelle, adressez-vous au secrétariat munis de la liste des pièces demandées (devis, convention, autre) avant le stage.
 
Pour le FIF-PL, nouvelle procédure, il faut me transmettre avant le stage le document « attestation de présence » correspondant à votre code NAF que vous pouvez trouver sur le site du FIF-PL.

Un entretien de Jean-Pierre Cometti avec Eric Mangion.

Cet entretien date de 2011.

EM. Vous êtes un des rares philosophes à fréquenter régulièrement des artistes contemporains, et même à enseigner dans une école d’art, comme à traduire de nombreux textes théoriques sur l’art, et pourtant vous estimez que ce n’est pas à la philosophie de légiférer sur l’interprétation et l’identification de l’art, pas même sous la forme d’une métacritique. J’y vois là un grand paradoxe. D’autres s’en chargent, non ?

JPC. La position des philosophes est ambiguë. L’intérêt qu’ils portent à l’art est toujours plus ou moins empreint de leurs démangeaisons propres, à quoi il faut ajouter leur propension à se donner l’avantage d’un accès privilégié à ce qui retient leur attention. Comme si toute chose recelait un sens qu’il s’agissait de déceler, de recueillir, et comme si la philosophie en était spécifiquement chargée. Mes intérêts, si j’en ai, ne sont pas de cette nature. Ce qui m’intrigue, c’est la manière dont les pratiques artistiques, et toutes sortes d’autres pratiques, sont investies d’un sens, identifiées et légitimées au regard de nos croyances et des institutions qui les orchestrent. En un sens, il n’y a pas d’art ; ce qu’il y a, ce sont des pratiques qui répondent à des conditions données et se voient accorder un sens et un statut particulier, distinct, même si elles communiquent, bien entendu, avec une multitude d’autres pratiques autrement cataloguées. L’ontologie, de ce point de vue, est toujours de trop. Ces conditions sont sociales ; en ce qui nous concerne, elles vont de pair avec le statut d’autonomie que l’art a acquis dans nos sociétés. Pour moi, la question est donc plus de savoir ce qui fait l’art et en même temps ce qu’il fait, plutôt que ce qu’il est. Il se peut que la philosophie y contribue, au même titre que d’autres facteurs culturels ; quant à statuer sur l’art, je ne crois pas que cela ait beaucoup de sens pour la philosophie, De quoi pourrait-elle se recommander ? Mais puisque vous parlez de « métacritique », je dirais que le type de réflexion que je crois praticable doit s’appliquer à la critique – la critique d’art, dans ce cas – en ce qu’elle participe de ce que j’appelle les « facteurs d’art »1 . La critique se situe au point d’insertion des pratiques artistiques dans l’espace public, c’est-à-dire de leur identification et de leur reconnaissance. Mais elle entre en relation, pour ne pas dire en concurrence, avec d’autres instances, ce qui devrait l’obliger à en prendre la mesure et à en tirer les conséquences. Le type d’analyse que cette situation permet d’entrevoir est d’ordre métacritique. Il relève des perspectives que j’ai évoquées il y a quelques instants, mais il concerne tout autant la critique elle-même que la philosophie. Une chose me paraît sûre : il existe une priorité de la critique sur la philosophie. Quelles que soient les options de cette dernière, elle ne peut pas faire l’économie d’une réflexion sur ce que la critique met en jeu, c’est-à-dire sur ce qui fait l’art, dans des conditions dont la critique patentée est partie prenante.

EM. Dans votre prochain ouvrage Art et facteurs d’art, vous évoquez justement l’évolution de ces « facteurs d’art ». En quoi ont-ils évolué et en quoi réduisent-ils l’autonomie ontologique de l’art ? Je pense notamment à ces « modalités pragmatiques et performatives impliquées dans l’identification et la reconnaissance auxquelles les oeuvres doivent leur statut » que vous évoquez.

JPC. L’autonomie artistique est un produit contingent de l’histoire. Elle coïncide avec l’émergence de ce que Peter Bürger appelle l’ « institution art », dans sa Théorie de l’avant-garde.2 Elle relève, en un sens, d’une manière d’être, indissociable de ces « facteurs d’art » auxquels j’ai fait allusion. Mais pas seulement de ces institutions que sont le musée, l’exposition, etc., comme on pourrait trop aisément le croire. Il y va des dispositions et des standards mobilisés sur le plan de la perception, des représentations et des croyances auxquelles elles se conjuguent, et bien entendu des dispositifs techniques qui y entrent selon des modalités diverses. C’est l’une des raisons pour lesquelles l’art et notre rapport à l’art ne jouissent qu’en apparence d’un statut autonome. Les croyances – et les théories – qui créditent l’art d’un tel statut (ces croyances sont présentes au sein des mouvements artistiques eux-mêmes depuis le romantisme notamment) reposent sur la transposition, à l’échelle des œuvres et des pratiques – et bien entendu de l’expérience esthétique – des conditions constitutives (d’un point de vue historique et social) d’un art séparé, c’est-à-dire de la constitution, dans le champ social, d’un domaine séparé d’activités, de productions et de comportements crédités de fins et d’une valeur propres. John Dewey, dans son livre de 1932, L’art comme expérience, en a établi le diagnostic. Sa notion d’expérience permet non seulement de comprendre en quoi l’art, que ce soit sur le plan de la production ou de la réception, s’inscrit dans un champ de dispositions et d’activités beaucoup plus large que ce que recouvre ordinairement le concept d’ « expérience esthétique », mais elle possède aussi cette vertu de placer sous un autre éclairage l’art et les pratiques artistiques comme telles, y compris là où elles se voient attribuer une signification autonome. Grosso modo, elle consiste notamment à réinscrire l’art et notre rapport à l’art dans le temps et dans le contexte plus large de nos interactions avec notre milieu, naturel, culturel et social. Ce rapport au temps ou à l’événement dont l’expérience est indissociable s’oublie dans la tendance à fixer dans des propriétés attribuables à des objets les caractéristiques qui en émergent ou en font partie. À cela tient le privilège des objets, et à cet égard il en va de l’art comme de tout le reste, bien que le paradigme de l’œuvre en illustre le parachèvement. Si vous substituez au concept d’art ou au concept d’œuvre celui d’expérience, vous changez complètement de sujet. Vous ne vous posez plus les questions irritantes et inutiles de ce qu’est une « œuvre », de ce qui la qualifie comme telle du point de vue de ses propriétés ou de ce qui en fait la valeur intrinsèque. Vous prenez davantage en considération ce qui a lieu, dans les conditions où cela se produit, et en pensant que vous n’avez aucune raison, hormis nos habitudes, d’en dissocier les objets qui semblent en recueillir toutes les vertus. Bien entendu, ce que je suggère ici pose toutes sortes de problèmes sur lesquels je ne m’attarderai pas, mais je ferai une dernière remarque en pensant à l’intérêt que vous portez vous-même à la performance. L’expérience, au sens de Dewey — c’est-à-dire de ce qui entre à un moment donné dans un champ d’interactions — correspond exactement à ce que nous appelons une performance en art. Mais nous aurions tort de faire de la performance un genre ou quelque chose comme cela. La performance ou l’expérience sont la dimension sous laquelle il y a ou peut y avoir « œuvre », selon l’usage ordinaire de ce mot. C’est à cela que renvoient les « modalités pragmatiques et performatives » auxquelles vous faisiez allusion.

1 Art et facteurs d’art, Rennes, Presses Universitaires de Rennes, 2012 (à paraître). 

2 Peter Bürger, Théorie de l’avant-garde, trad., Paris, éd. Questions théoriques, 2012 (à paraître).

Réaction au programme de la journée d’étude sur la profession de conservateur-restaurateur.

Le 07 Avril prochain, la section fédérée PACA de l’Association Générale des Conservateurs des Collections Publiques Françaises (AGCCPF) et la Fédération Française des professionnels de la Conservation-Restauration (FFCR), organisent une journée d’étude ayant pour intitulé, « Conservateur-restaurateur : une profession en questions »  (voir ici), consacrée « aux enjeux de la reconnaissance de la profession de conservateur-restaurateur ».

A la lecture du pré-programme, il y a de quoi être extrêmement déçu et même exaspéré en voyant à quel point la parole est accaparée par les tenants de ce qui apparaît comme une véritable coterie largement parisienne et institutionnelle. Or ce n’est ni dans la capitale ou en région parisienne,  ni sous statut public, ni encore en situation économiquement convenable qu’exerce aujourd’hui la grande majorité des conservateurs-restaurateurs habilités dont il doit être question lors de cette journée. Ceux-là même pour qui une note interne du Ministère de la Culture du 22 février 2016 appelle à « un plan d’action indispensable à la survie » de la profession.

Alors que cette rencontre se déroule à Marseille avec le soutien financier de la Région PACA, le département de conservation-restauration de l’Ecole Supérieure  d’Art d’Avignon (ESAA), l’une des quatre formations publiques françaises à un exercice professionnel habilité au sein des musées de France et la seule implantée en PACA, n’a même pas été sollicitée pour y contribuer ! Certains de ses représentants et diplômés étaient pourtant susceptibles de fédérer et faire entendre des voix diverses et rares,  concernant par exemple ,

  • la reconnaissance  de la conservation-restauration en tant que véritable discipline, en remplacement d’une activité seulement auxiliaire de l’histoire, de l’histoire de l’art ou de l’archéologie à laquelle elle est encore confinée en France,
  • l’absence d’école doctorale en conservation-restauration quand toutes les vieilles nations d’Europe occidentale en sont dotées,

  • la spécificité de la formation à la discipline en école supérieure d’art,

  • son orientation à Avignon vers un modèle d’ingénierie de la conservation-restauration et ses perspectives en considération des nouveaux usages du patrimoine qui ont  déjà cours,

  • les effets des restrictions budgétaires subies récemment avec grand bruit, ayant conduit à la fragilisation extrême de la formation avignonnaise,

  • ou  dans un registre plus revendicatif, les difficultés d’insertion professionnelle des jeunes diplômés dans le marché, 

  • et la mesure rapide de la baisse de la TVA pour relancer la commande.

Au lieu de cela, il est prévu une prestation de la responsable de la formation initiale du département des restaurateurs de l’Institut National du Patrimoine (INP) qui se place ainsi en position hégémonique avec, apparemment, la bénédiction de la section fédérée PACA de l’AGCCPF et de la FFCR. Son sujet  fort peu à propos de surcroît,  traite de « la pédagogie  à l’INP, comme outil pour la reconnaissance des domaines d’expertise du conservateur-restaurateur ». Or personne* n’oserait se permettre aujourd’hui une remise en question des domaines d’expertise du conservateur-restaurateur.  C’est le manque de sa reconnaissance statutaire qui pose problème à la profession, et qui n’est pas sans conséquences néfastes pour le patrimoine !

* Excepté le rapport « Musées du XXIème siècle » coordonné par la conservatrice générale du patrimoine, Jacqueline Eidelman, dont il sera question plus loin.

La présidente de la FFCR  jouit, elle, du privilège de deux temps de parole dans la journée, – on se demande bien pourquoi -, tandis qu’un membre de son conseil d’administration propose de questionner la solution d’« une liste des métiers du patrimoine », laquelle a déjà été émise et argumentée il y a un an dans une colonne  de Semin’R : « La meilleure solution serait certainement de créer une liste de métiers et professions dédiés à la sauvegarde des objets d’art et du patrimoine, où artisans des métiers d’art, artisans et professions libérales  pourraient parfaitement être définis et cohabiter en bonne intelligence et en mutualisation d’expériences ». (voir ici)

Si ce n’est pas une volonté délibérée de monopole du discours, alors c’est un flagrant délit de cynisme et  de manquement à un devoir de responsabilité autant que de solidarité les plus élémentaires de la part des organisateurs, dont la FFCR / Paris & PACA. Bien qu’elle compte encore parmi ses adhérents des étudiants de l’ESAA, elle donne hélas raison pour le coup à ses détracteurs qui l’accusent de centralisme voire de parisianisme.

Incapable de se déprendre d’une subordination tutélaire, elle était déjà taxée d’un manque patent de vigueur et de fermeté dans la revendication publique. Ce défaut sapant la crédibilité d’une volonté de rupture radicale avec le régime inique auquel sont réduits les conservateurs-restaurateurs,  et avec le système des marchés publics qui les précarisent toujours un peu plus.

Afin d’espérer une meilleure représentativité quantitative de la profession, peut-être la FFCR devrait-elle commencer par une mesure « restauratrice » tout à fait dans ses cordes: celle à la fois historique et symbolique de rétablir dans l’intitulé de son objet, l’appellation normative « conservateur-restaurateur » qui fut inconsidérément escamotée dans le courant des années  2000  pour des raisons peu avouables  et qui  ont  porté préjudice à la reconnaissance de la profession.

Et suite à une actualité très récente, sans doute le rapport de la mission « Musées du XXIe siècle » remis il y peu à la Ministre de la Culture et de la Communication devrait-il a minima donner lieu à un courrier public de protestation, au vu du passage affligeant évoquant les (conservateurs-) restaurateurs. Car outre son indigence pathétique en comparaison des précédents rapports, celui-ci constitue une véritable avanie pour les conservateurs-restaurateurs  et  tous ceux qui réclamaient dans une lettre ouverte il y a tout juste un an pour la profession, « que lui soit donnée toute la dignité nécessaire au sein des institutions culturelles publiques. »

La rencontre du 07 Avril, n’était-elle pas une bonne opportunité  de discuter de l’extrait du rapport ministériel: « Mais sans aller jusqu’à la fonctionnarisation, les grands musées gagneraient à créer des services de restauration internes. Certains conservateurs pensent toutefois que cette solution n’est pas sans danger (cf. système anglo-saxon) » ?

Du reste, il est très peu probable au vu de la suite du contenu de la journée, qu’assez de temps puisse être consacré aux difficultés statutaires et économiques du plus grand nombre des conservateurs-restaurateurs  professionnels. « La profession de restaurateur du patrimoine est en grande souffrance. Au  bord du gouffre. De plus en plus nombreux sont ceux qui abandonnent le métier, les commandes publiques se raréfient, les revenus sont en chute libre », clamait publiquement en Mars 2016 une cohorte de conservateurs, artistes, conservateurs-restaurateurs, et acteurs institutionnels de renom  pour alerter les pouvoirs et l’opinion publics. Hélas, tout juste un an après, cette réunion s’apparente au modèle de la journée auto-promotionnelle en vase clos. Car elle s’annonce surtout comme une sempiternelle présentation de vitrines de structures publiques ou privées, très peu représentatives du cadre professionnel de la grande majorité des conservateurs-restaurateurs, où chaque laudateur s’efforcera d’y vanter et proclamer le haut niveau de compétence et de capacité de complémentarité du conservateur-restaurateur dans le meilleur des mondes « de la chaîne patrimoniale; ».

Très joli tout cela et suffisamment varié sur le papier, dispensé par des personnes certainement pleines de bonne volonté, mais qui vont meubler un temps de parole qui aurait pu être employé  pour aborder de front les problèmes graves rencontrés par les conservateurs-restaurateurs professionnels, entrepreneurs privés  livrés à la dureté impitoyable des marchés publics dans la situation d’austérité économique actuelle. Car personne ne peut être sans savoir qu’il n’est pas courant pour eux de pouvoir bénéficier d’un soutien des pouvoirs publics leur permettant de débattre ne serait-ce qu’une journée avec leurs partenaires privilégiés, les conservateurs du patrimoine, de leurs problèmes et d’envisager solidairement des solutions ainsi que des perspectives d’amélioration de leurs conditions d’exercice.

De la lecture de ce pré-programme, il ressort un arrière goût de déjà-vu et l’amère impression que sa teneur a été conçue dans un entre-soi en dépit de la gravité de la situation et de son urgence à l’infléchir. Combien de conservateurs-restaurateurs libéraux ou entrepreneurs individuels seront enclins et en capacité économique de sacrifier une journée pour assister à cette rencontre où si peu de temps sera consacré à leurs préoccupations les plus cruciales ?

S’agissait-il d’apaiser une mauvaise conscience et/ou d’oeuvrer pour la postérité après les remous causés par la pétition en ligne de Mars 2016 « Alerte, les restaurateurs français du patrimoine sont en danger. Les oeuvres d’art sont en danger » signée par près de sept mille individus ? Car on pourra toujours retenir que l’AGCCPF/PACA et la FFCR auront organisé de concert une journée dédiée au questionnement sur les conditions statutaires et d’exercice de la profession de conservateur-restaurateur. Mais en réalité, les organisateurs auront donné le change en évitant délibérément d’aborder les véritables problèmes et enjeux, l’exclusivité de l’expression ayant été réservée à des conservateurs-restaurateurs en situation professionnelle privilégiée et en relative sécurité économique, soit  au sein d’institutions publiques, soit en bonne santé professionnelle.

C’est à prédire finalement, que la journée d’étude prévue cette année, risque fort de rester sans effet et de ne pas parvenir à prolonger ni même à bégayer celle, fameuse, organisée en Octobre 2009 sous la houlette de Thierry Martel, qui avait pour thème, « Actualités des pratiques de la restauration en France et en Europe », et dont la grande qualité des interventions de locuteurs peu habituels est entrée dans les annales.

Pourquoi ne pas avoir convié au moins quelques orateurs représentatifs des conservateurs-restaurateurs en grande précarité statutaire et économique, à même d’énoncer eux-mêmes et mieux que quiconque leur situation calamiteuse et les effets répercutés sur le patrimoine ?

Ecole Supérieure d'Art d'Avignon [ ESAA-cr ], Département de conservation-restauration