Tous les articles par M. Maire

Stratégie pluriannuelle en faveur du patrimoine

Le 17 novembre, Françoise Nyssen a présenté sa stratégie pluriannuelle en faveur du patrimoine.

http://dai.ly/x69n215

Extrait

1er défi : restaurer le patrimoine

> Le budget dédié à l’entretien et à la restauration du patrimoine augmentera de 5% l’an prochain pour être porté à 326 millions d’euros ;

> Il sera sanctuarisé pendant la durée du quinquennat ;

> Un fonds spécifique de 15 M€ sera créé dès 2018 pour les petites communes, pour les aider à restaurer le patrimoine fragilisé qu’elles abritent ;

> Lancement dès aujourd’hui d’une plateforme participative pour permettre aux citoyens de signaler des monuments en péril. Cette plateforme accompagnera la mission que le président de la République a confié à Stéphane Bern ;

> Création d’un tirage spécial du Loto pour le patrimoine proposé par dans le cadre du projet de loi de finances rectificative pour 2017 ;

> Simplification des démarches des propriétaires de patrimoine protégé.

Assises des métiers des musées

Assises des métiers des musées

18, 19 et 20 décembre 2017, à l’auditorium de l’INHA,

Les professionnels des musées, des administrations culturelles et les élus s’interrogeront sur l’évolution  des  pratiques, des formations et des carrières dans les musées d’aujourd’hui et de demain.

Illustration Assises des métiers des musées
Musée des Beaux-Arts de Lyon

Kit de Survie (KEME)

Chacun d’entre nous a déjà entendu parler  d’ ethnocentrisme, ou d’européocentrisme constituant des écueils dans l’approche critique des biens culturels, et dont il faut tenter de se départir. Jean-Pierre Cometti n’avait pas manqué pas de relever le risque d’ethnocentrisme inhérent aux pratiques, non seulement de la conservation-restauration, mais aussi de la muséographie (Conserver / restaurer. L’oeuvre d’art à l’époque de sa préservation technique, 2016, Paris, nrf Gallimard, p. 116).

Même si ces notions ne présentent pas de grande difficulté de compréhension intellectuelle, il n’est pas toujours aisé depuis notre situation, d’en mesurer la gravité des effets. A contrario, les ressortissants des cultures mal traitées, victimes collatérales de ce travers, sont mieux à même de le faire. Sans être tenu d’aller s’immerger dans un groupe social pour en connaître le plus justement la culture , il est possible d’entamer un travail d’examen et de déconstruction de cette vision faussée.

Aussi il est proposé ci-dessous un Kit Elémentaire de Mesure de l’Ehtnocentrisme (KEME) en 5 étapes, (à titre d’exemple  vis à vis de l’Afrique Noire), pour tous ceux qui admettent son caractère embarrassant voire intolérable.

1. Entretenir des relations étroites et soutenues,  avec des ressortissants de pays et cultures africains vivant à proximité de nous mais trop peu visibles et audibles à nos yeux et entendement.

2. Lire  de la littérature négro-africaine produite exclusivement par des auteurs africains francophones ou autres (dans un premier temps, surtout pas par les « spécialistes de l’Afrique » occidentaux). fichier .pdf pour un premier repérage géographique et thématique

Investir et commencer par l’achat du Dictionnaire de la négritude, par Mongo Beti et Odile Tobner, Paris, L’Harmattan, réédit. 2000,

Poursuivre par des ouvrages capables de faire  apparaître les comportements, stéréotypes et clichés qui constituent la vision étriquée et erronée de l’Afrique qui nous est inculquée en France notamment. (cf. p.75). Poursuivre encore par exemple avec ce lien

3. Consulter des sites web africains

Think tank, Télévision , …

4. Ecouter de la musique venue du continent africain pour  en mesurer l’influence sur d’autres cultures : L’Afrique enchantée

 5. Aller quelque part en Afrique, le plus souvent possible  (pas dans un club Med ou autre lieu de cet acabit) pour y rencontrer des cultures et « être au monde » différents.

Bon voyage avec le KEME, quelque soit votre étape sans jamais vous démunir d’une carte du contient africain

Décès d’Alexandra Eveillard-Montsaingeon

C’est avec une vive émotion que Semin’R a appris aujourd’hui le décès d’Alexandra Eveillard-Montsaingeon et s’est douloureusement résigné à en faire part dans ses colonnes. Enseignante on ne peut plus scrupuleuse   depuis plus de dix ans à l’ESAA, elle s’attelait à la transmission des fondements de la conservation préventive en L2 et L3 . Très prochainement, elle aurait du reprendre ses cours toujours  attendus pour leur qualité de synthèse exhaustive et leur volet dédié à l’ immersion en situation réelle dans les réserves des musées de Marseille. Très engagée dans sa mission à l’ESAA malgré d’autres contraintes professionnelles et privées prenantes, Alexandra faisait l’unanimité chez ses collègues comme auprès de ses  étudiants. Plus  discrètement elle produisait et diffusait sur internet des  oeuvres poétiques sous forme de pépites intimistes.  Tous ceux qui appréciaient beaucoup sa présence furtive mais attachante, compatissent  à la détresse  et au deuil de ses proches à qui ils veulent transmettre leur condoléances.

A venir au Carré d’art / Nîmes

A l’occasion de l’exposition dossier sur les restaurations d’œuvres de la collection, Carré d’Art-Musée organise une journée d’étude sur la « Conservation et restauration de l’art contemporain ». Plusieurs conservateurs-restaurateurs agréés par l’Etat, interviendront sur les problématiques que posent les œuvres d’art contemporain en matière de conservation préventive et de restauration dans différentes spécialités : textiles, papiers, matériaux modernes et plastiques, supports numériques …

9h30  – introduction et présentation des intervenants


9h45 –  Le métier de Conservateur-restaurateur spécialisé « peintures ». Par Solenne Gout, Conservatrice-restauratrice du patrimoine, spécialisé en peinture

 

10h45 – Conservateur-restaurateur : présentation d’un poste pluridisciplinaire en institution muséale. Par Zoé Renaudie, Conservatrice-restauratrice des biens culturels, responsable de la conservation à la Collection Lambert en Avignon.


 11h45 – « La conservation-restauration à l‘épreuve de l’art contemporain : reconceptions et méthodologie ». Par Marc Maire, conservateur – restaurateur de biens culturels, coordinateur de l’Unité de Recherche Interdisciplinaire (URI-CR) Ecole Supérieure d’Art d’Avignon (ESAA) et Gaspard Salatko, enseignant en ethno – anthropologie (ESAA)


12h45 PAUSE DEJEUNER


14h15 – La conservation-restauration des œuvres photographiques
Par Estelle Rebourt,
conservateur-restaurateur du patrimoine spécialité « Photographies »


15h15 –  Gérer et conserver un Fonds d’art vidéo, Frac Occitanie Montpellier. Par Laetitia Thevenot-Piris, consultante indépendante en matière de gestion et conservation d’œuvre d’art vidéo ; chargée de production, collections et expositions au Frac Occitanie Montpellier.

16h15 – Conserver restaurer à l’ère de l’obsolescence technologique
Par Cécile Dazord, conservatrice du patrimoine, responsable du groupe Recherche – Art contemporain au C2RMF (Centre de Recherche et de Restauration des Musées de France), spécialisée dans la problématique de l’obsolescence dans la conservation de l’art contemporain.


17h15-18h00 : suite et fin des questions

Salle de conférences. Niveau -1. Entrée libre dans la mesure des places disponibles

Muséoscopie, ou l’arraisonnement d’un musée et son public.

Résumé « Les musées sont des cimetières !» avaient proclamé les futuristes au début du XXème siècle. Dans leur sillage, les avant-garde ont fustigé l’institution muséale qui a pourtant absorbé leurs œuvres. A l’invitation de leurs responsables, les artistes deviennent à la fin des années 60, les curateurs éphémères de collections muséales. Puis à partir des années 90, ils acceptent d’intégrer les musées pour s’immiscer à plus ou moins long terme dans leurs collections avec des propositions plus ou moins caustiques. Par ailleurs, la grande diversité transgenre des productions de l’art contemporain et le rejet d’une anthropologie ethnocentrée ont enjoint la restauration proprement dite1 à une reconception méthodologique. Celle-ci envisage des interventions, non plus exclusivement sur le corps des objets, mais autour d’eux. Le projet « Muséoscopie » a prévu de convoquer dans un musée avignonnais ces démarches a priori différentes, mais qui pourraient bien révéler l’intérêt de leur congruence.


Cet article voudrait rendre compte d’un projet initié cette année dans le cadre des programmes d’enseignement de l’ESAA, et dans la continuité d’une démarche prospective déjà entamée. L’intitulé du projet stipule un arraisonnement qui s’avère chronologiquement double. Dans un premier temps, il est proposé d’investir un musée avignonnais, d’en questionner la mission et la muséographie, et d’enquêter sur ses collections et leur relation à ses publics. Dans un second temps il s’agira d’envisager et implanter des ajouts qui suscitent chez le visiteur une réflexion sur sa relation aux modalités  de monstration d’une certaine façon, de réception, et qui puissent revêtir un caractère événementiel pour le musée. Pour l’ESAA, l’enjeu de ce projet est multiple. D’un point de vue didactique, il est une occasion de rendre plus concrètement effective la relation dialogique et dialectique entre les étudiants des mentions création-instauration et conservation-restauration. Les diverses propositions pourront témoigner à la fois d’une tendance à l’utilisation du musée traditionnel comme site d’interventions artistiques, et de propositions expérimentales qui excèdent la conception de la restauration conventionnelle. Plus prosaïquement aussi, il permet de concrétiser un rôle utilitaire et partenaire de ses services pour son principal bailleur, la Ville d’Avignon, sur son territoire. En outre, les budgets affectés à la conception et l’organisation d’expositions ayant été fortement réduits pour raison d’austérité économique, le projet propose d’initier une dynamique à long terme avec une économie de moyens dans les musées d’Avignon. L’un des principaux intérêts du workshop étant de favoriser une relation de travail extrascolaire avec des professionnels sur leurs lieux d’activité, il est prévu des rencontres avec un panel composé d’ artistes, de conservateurs, de professionnels des sciences humaines sociales et objectives, de régisseurs, de gardiens, etc.

Le musée mis à l’index

Avec le marché, la critique, la pratique, les collectionneurs et l’histoire de l’art, le musée fait partie des « mondes de l’art » dépeints par Howard Becker et arpentés par bon nombre de sociologues de l’art. Depuis les années 1970, le modèle du musée s’est émancipé de sa conformité traditionnelle prévoyant qu’il « incarne l’accord entre les pouvoirs et l’art, au nom d’une conception selon laquelle l’art est indispensable à la grandeur des États, voire à la paix sociale et à la prospérité des manufactures, tandis que, inversement, le génie requiert la reconnaissance publique. » Les stratégies des musées se sont orientées prioritairement vers les attentes des publics et se traduisent par l’idée partout essaimée d’un autre type de lieu : le musée-forum. Après qu’on lui ait assigné de nouvelles fonctions, faisant place aux spectacles vivants comme aux débats de société, il est appelé à endosser des tâches qui outrepassent les missions établies par l’instance normative suprême que représente l’ICOM : l’acquisition, la préservation, l’exposition, la promotion du patrimoine culturel et des connaissances. Mais, malgré ses tentatives de reconfiguration et d’adaptation particulièrement en regard de l’art contemporain, il subit toujours une crise de confiance. Même à considérer qu’il fut toujours une source continuelle d’inspiration et d’alimentation de la création, et qu’il fonde la légitimité de la discipline de l’histoire de l’art en ce qu’il offre une manière de voir unique, le pouvoir du musée est mis question quand ce n’est pas en accusation pour ses liens avec les puissances publique, industrielle et financière. « Les musées sont des cimetières! » s’étaient déjà exclamés les futuristes au début du siècle dernier. Leur protestation venait s’inscrire dans le prolongement de celle du mouvement Dada, précurseur de la critique institutionnelle qui n’a pas empêché leurs œuvres d’intégrer le musée. Ce n’est que depuis les années 60 que des discours et projets interactifs ont investi les musées : Fluxus, les happenings, l’art-performance, et des installations spécifiques hic et nunc ont permis aux artistes de critiquer directement le musée de l’intérieur. Mais comme pour leurs prédécesseurs, les vestiges de ces actions artistiques ont finalement atterri dans les collections de nombreux musées. Malgré les nouveaux moyens de communication actuels, la parole critique de l’artiste autrefois vindicative semble s’être atténuée, voire éteinte.  Même si  on a pu relever ces derniers temps ici et là des coups de neuf correspondant à une injonction économique et visant à redynamiser la fréquentation des musées, le public local traîne encore des pieds. L’un des changements notoires est le retour de la collection au choeur du programme d’exposition qui implique un facteur de spécificité du site et reflète l’origine du musée. Cependant, même si on a déployé de la créativité pour souligner la variété de la collection et agrémenté le parcours muséographique d’outils numériques, le public préfère le caractère événementiel des expositions qui font valoir des célébrités. En pariant sur des noms familiers, les visiteurs misent sur la garantie de ne pas être déçus. Outre leur stratégie d’acquisition de conservation et d’exposition, les musées visent la démocratisation des connaissances liées à leurs collections et on initié différentes méthodes d’implication ainsi que de nouveaux concepts curatoriaux tels que montrer la collection sous un jour ou un angle différent et faire dialoguer l’historique avec le contemporain.

« Section des Figures » © Marcel Broodthaers
« Raid the Icebox with Andy Warhol » © Museum  of Art, Rhode Island School of Design, 1969-70

C’est sans doute Le Musée d’art moderne, Département des Aigles 2 de Marcel Broodthaers qui demeure l’expérience la plus emblématique et absolue d’un projet mené sur plusieurs années à partir de 1968, dont la démarche critique fut concentrée sur le musée et l’ensemble de ses pratiques muséales : le transport, la conservation, l’exposition, la collection, la taxonomie, l’arhivage. Un an plus tard, Andy Warhol fut invité par le Rhode Island School of Design à Providence pour organiser une exposition « Raid theIcebox 1»3 (1969-70) à partir des œuvres de la collection du musée. Malgré les  recommandations du conservateur, l’artiste montrait la collection complète de chaussures sous forme d’une installation absolument non conventionnelle qui ressemblait à une garde-robe personnelle. Ces projets constitue des cas d’espèce, précurseurs de la coutume ultérieure d’inviter des artistes en tant que curateurs éphémères. Aujourd’hui, difficile d’imaginer un responsable de musée qui ne reconnaîtrait pas aux artistes contemporains une sensibilité particulière à la perception et à la présentation des collections muséales.

Modes of transport 1770-1910

Au point  que  depuis  au moins les années 90, ils sont invités régulièrement à venir endosser le rôle de véritable curateur ou commissaire d’exposition pour jeter leur dévolu sur des biens culturels issus de collections publiques et les reconsidérer à leur guise. Les interventions de l’artiste afro-américain Fred Wilson interagissent fortement avec les collections.

Detail of Ku Ku Klan hood © Fred Wilson

Par le biais de «Mining the Museum»4 (1992-93) dans la Maryland Historical Society de Baltimore, il a été invité à agir en tant que commissaire de l’exposition et créateur d’une installation spécifique au lieu, les deux référant à l’histoire de la collection et de l’esclavage.

Le musée arraisonné

  Mais en deça du modèle de l’exposition intégrale, ils ont notamment l’opportunité de proposer une réinterprétation,une intrusion, un aménagement, un dispositif, une installation supplémentaires, plus ou moins ponctuels dans le parcours muséographique qui produisent une alternative à sa fixité habituelle. Leur dévolu correspond à des critères qui leur sont propres, émanant d’un choix idiosyncrasique elliptique des systèmes classificatoires conventionnels et contre l’idée prévalente du musée fondée sur le temple ou le mausolée évoquant le pouvoir, la religion, et la permanence. Les artistes peuvent parfois même être autorisés à puiser dans les réserves et dans le corpus des items dépréciés par la hiérarchie décrétée, afin de proposer des combinaisons, des rapprochements, des télescopages, des usages insolites, etc. Les insertions d’œuvres d’art contemporain dans des collections historiques, qui peuvent consister en des objets de collection eux-mêmes, sont souvent permanentes ; tandis que les interventions d’artistes dans des collections sont généralement éphémères. Toutes provoquent des relations inattendues entre passé et présent, en insufflant de nouvelles interprétations. Le musée, ses collections et son mobilier, en tout ou partie, deviennent ainsi à la fois médium et matériau d’un processus de sélection, d’accommodement, de disposition, de signalétique, tous personnels et ayant pour effet d’excéder les frontières  qui séparent  la muséographie de l’installation artistique. Par extrapolation et en miniature, cette démarche est véritablement une pierre de touche de l’art contemporain quant à sa capacité à transformer le monde. Tout près de nous, au Musée Angladon et après y avoir été accueillie en résidence, Suzanne Hetzel 1 a voulu « s’inspirer  de l’esprit profondément studieux des fondateurs du musée » pour distribuer « Au premier, au deuxième » ses créations au sein de la muséographie « en écho » aux objets de la collection. Comme elle, d’autres artistes ont relevé tout l’intérêt de la photographie  comme un  excellent biais pour  étudier la relation entre le musée et ses publics : Dario Lanzardo, Zoë Leonard, Louise Lawler, etc. Dans une autre perspective, plus critique celle-là, certains plasticiens se sont attachés à examiner les systèmes et parti-pris hiérarchiques, catégoriels, muséographiques des institutions. Ils s’intéressent tous et à leur manière, aux formes de présentations qui sont autant de cadres normatifs instillant un certain type type de considération et de réception des biens culturels. Leur but est de susciter chez le public  une  prise  de  conscience  des  limites exclusives du modèle d’interprétation décrété par le musée et de renoncer à une passivité trop souvent infligée par celui-ci.

Theatrum Mundi: Armadium © Guggenheim Bilbao
Research Building © Wesley Meuris

Parmi eux, Mark Dion qui se passionne pour le modèle du cabinet de curiosités. Dans Theatrum Mundi: Armarium 6 (2001), basée sur une collaboration avec des professeurs de l’Université de Cambridge, il a rempli avec son collègue deux vitrines quasiment identiques avec des objets illustratifs des systèmes de croyances de deux cosmologues, Ramon Llull (Palma de Majorque, 1232-Palma  de Majorque,1315), et Robert Fludd (Kent, 1574 – Londres, 1637). Wesley Meuris poursuit un travail au croisement de l’architecture et des systèmes scientifiques de recollements et de classifications. Il est tout à la fois sculpteur, dessinateur, graphiste, éditeur, mais sa ligne inspiratrice principale est « l’exposition, ses formats, ses savoirs et ses institutions». Le début de sa  carrière consiste en une production de sculptures en série  renvoyant  toutes  à  leur  manière  au  contrôle  du corps, à l’enfermement, à l’hygiénisme, et à la classification des savoirs. Puis l’artiste donne un autre cap à son travail qui prend une dimension fictionnelle et passe au crible les modalités matérielles et conceptuelles de l’exposition. Ainsi en 2010 et à partir de la collection privée d’artefacts originaires d’Afrique centrale (aire congolaise) appartenant à Joseph Schelfhout, il réalise « Research Building »7 une organisation spatiale monumentale qui recouvre quasiment toute la superficie du Centre Culturel de Knokke-le-Zoute. C’est une architecture fictionnelle de musée qu’il nomme Research Building et qui distribue tous les espaces dédiés à l’information du public, aux réunions, aux réserves, aux ateliers de conservation-restauration, aux examens scientifiques comme la radiographie, à la documentation, etc. A première vue, il s’agit d’une muséographie très élégante et attentionnée par la caution d’un artiste en vue pour magnifier le caractère esthétique des pièces montrées. Mais en filigrane, on peut y voir la critique acerbe d’une stratégie surannée d’escamotage au prix d’une esthétisation exagérée à la fois de la primitivité et de la modernité. Les dispositifs de présentation au design épuré, baignés d’un éclairage à la fois tamisé et puissamment focalisé dans une ambiance feutrée et cosy – en vigueur par exemple dans l’exposition permanente du Musée du Quai Branly – donnent le change à un public distrait de la nécessité pour lui d’être informé de l’usage, des relations contextuelles, des origines culturelles, et des conditions politiques troubles d’objets récoltés notamment dans une ancienne colonie propriété du seul roi des belges.

Beau doublé Mr le marquis ! © Sophie Call

En 2017 le musée de la Chasse et de la Nature a proposé à Sophie Calle et son invitée, Serena Carone avec « Beau doublé Monsieur le marquis ! »8  d’ investir ses salles pour en faire son « territoire ». Elle y a inséré ses propres travaux et propose au visiteur une nouvelle appréhension, l’incite à traquer dans la profusion décorative des salles ce qui relève de son expérience intime. Construites à cheval sur les limites entre autobiographie et récit fictionnel, les œuvres de Sophie Calle abordent notamment la question existentielle du regard et l’exposition. Bien d’autres exemples existent et le workshop voudrait en déployer l’éventail en recensant des œuvres et initiant des propositions par les étudiants.

Le musée et la restauration périphérique

D’un autre côté et dans le cadre réglementaire du droit du patrimoine, la plupart des musées, du moins en France, doit faire appel à des conservateurs-restaurateurs privés dès lors qu’au moins un bien de leurs collections est en « dérangement ». Autrement dit, ces professionnels très spécialisés sont à même de permettre le rétablissement de la « fonction muséale » des objets conservés. Depuis plus de dix ans aujourd’hui, les recherches menées en second cycle par des étudiants de la formation en conservation-restauration de l’ESAA, ont notamment exploré l’idée d’une restauration périphérique. Plutôt que de se résoudre à concevoir un traitement de modification à même la matière, le « corps » des œuvres, cette démarche visant à assurer leur plus grande intelligibilité ou à l’améliorer, envisage et met en oeuvre des modalités, non plus dans ou sur, mais autour des artefacts. Cet idée se fonde aussi sur le fait que certains d’entre eux, ne concentrant pas la totalité de leur artisticité dans le strict périmètre de leur consistance physique, ne sont pas considérés comme étant à eux seuls des œuvres d’art à part entière. Dans le sillage de Marcel Duchamp, d’aucuns tels que des artistes regroupés au sein de l’art conceptuel, établissent une dichotomie entre conception et réalisation, et estiment même que la dimension artistique réside entièrement dans la conception. Pour John Dewey, l’art se manifeste par l’expérience de l’oeuvre, dans un entre-deux9 objet/spectateur. Si l’on en croît Alfred Gell10 , l’art relèverait plus d’une relation sociale qui passe par l’entremise d’un artefact, indice de l’agentivité des personnes, de leur capacité à agir et réagir. Ainsi, de même que des traitements de conservation curative ont pu être évités grâce à des mesures de conservation  préventive autour d’un bien culturel en étant en étant prises  à temps,  des  interventions  de restauration proprement dites pourraient ne pas s’effectuer exclusivement à même un bien, mais agir dans sa périphérie immédiate sur l’entremise ou l’agentivité.

Le Heidentor à Petronell-Carnuntum (Autriche) Gryffindor

Plusieurs exemples lllustrent cette voie. En architecture, c’est le cas du Heidentor 11 , un arc de triomphe romain du IVème siècle en ruine, appartenant au complexe antique du Carnuntum, situé près de la ville autrichienne de Bad Deutsch-Altenburg. L’aménagement du site propose une solution très simple – et très économique de surcroît –: il s’agit d’un panneau vertical  en matière plastique transparente sur lequel est dessinée au trait l’architecture complète du monument.  Le   dessin est  fixé  au  sommet d’un poteau métallique, l’ensemble s’apparentant à un panneau indicateur. Ce moyen permet au visiteur de « restaurer » lui-même la construction antique, en alignant le panneau transparent  sur le restant de la construction selon un certain angle de vue. La restauration a lieu lorsqu’il y a superposition du dessin sur l’image de l’arc de triomphe.

Portrait of Dorian Gray by Ivan Albright , 215,9 x 106,7 cm © The Art Institute of Chicago.

 En peinture, le portrait de Dorian Gray  peint par Ivan Albright en 1943-44, réalisé pour le film éponyme réalisé par Albert Lewin en 1945 et conservé aujourd’hui à l’Art Institute de Chicago, à fait l’objet pour sa restauration, d’une proposition 12 d’aménagement particulier. Afin que l’oeil du spectateur se trouve à même hauteur que celui du personnage peint, un rehausseur réglable de niveau de vision, disposé à une distance déterminée du mur, a été préconisé. La restauration périphérique repose donc sur l’aménagement de conditions de regard et de perception du regardeur, plutôt que sur une transformation matérielle de l’objet regardé.

Le musée au croisement de la création et de la restauration

L’artiste en train d’installer ses pans de papier © Sonia Boyce 1995

Dans la perspective de ce projet, une œuvre a particulièrement retenu l’attention. Son auteure Sonia Boyce d’origine jamaïcaine et recommandée par l’ Institute of International Visual Arts, a travaillé sur la collection d’art et d’ethnographie non-occidentale du musée de Brighton en 1995. Explorant les thèmes de l’observation, de l’interprétation et de l’identification avec un passé ancestral, l’artiste a produit une installation intitulée « Peep »13 . Elle avait d’abord soigneusement tracé sur une large bande de papier calque épais, le contour de l’ombre portée de chaque sculpture ethnographique montrée derrière une vitrine du musée. Puis elle en avait découpé la forme, ajourant ainsi la bande de papier avant de la placer contre la vitrine, masquant ainsi partiellement chaque artefact exposé. Le regard du visiteur n’étant plus permis que par l’ajour créé dans le papier opaque qui habillait toutes les vitres selon le même principe. Ce dispositif de masquage des objets exposés obligeait le visiteur à s’approcher très près des vitres, comme un voyeur, s’il voulait distinguer les objets à travers la silhouette de leur ombre découpée dans le papier. L’artiste voulait provoquer de la sorte une prise de conscience d’un certain voyeurisme sous couvert d’exotisme, de l’occident vis à vis des cultures non occidentales, tout en faisant allusion à la « part d’ombre », à son histoire non dite, de chaque objet. On voit bien ici, que le dispositif artistique pourrait parfaitement relever d’une démarche de restauration périphérique de ces objets, en ce qu’ils possédèrent pour beaucoup une dimension sacrée et ne peuvent pas être « exhibés » ostensiblement en vitrines.

      Comme on le sait, les profils de créateurs et conservateurs-restaurateurs, tous deux acteurs dans le musée à divers titres et moments, correspondent à des finalités professionnelles des mentions création-instauration et conservation-restauration qui coexistent à l’ESAA depuis plus de trente ans. Or, la démarche qui est proposée ici aux uns et aux autres selon leur approche respective, poïétique et subjectivée pour les uns, méthodologique et objectivée pour les autres, devrait conduire à des propositions qu’il sera très intéressant de comparer. Cet examen devrait permettre d’en tirer des éléments susceptibles de mesurer effectivement l’intérêt d’une contiguïté des deux mentions en vigueur à l’ESAA

______________Notes_________________________________________________

1 Restauration – L’ensemble des actions directement entreprises sur un bien culturel, singulier et en état stable, ayant pour objectif d’en améliorer l’appréciation, la compréhension et l’usage. Ces actions ne sont mises en oeuvre que lorsque le bien a perdu une part de sa signification ou de sa fonction du fait de détériorations ou de remaniements passés. Elles se fondent sur le respect des matériaux originaux. Le plus souvent, de telles actions modifient l’apparence du bien. (ICOM Shangaï 2010)

2 « Musée d’art moderne, Département des Aigles » (1968-72), Marcel Broodthaers

3 « Raid theIcebox 1 » (1969-70), Andy Warhol

4 « Mining the Museum » (1992), Fred Wilson

5 « Au premier, au deuxième », (2017), Suzanne Hetzel

6 « Theatrum Mundi: Armadium », (2001), Mark Dion,

 7 « Research building », (2010-11), Wesley Meuris

8 « Beau doublé Monsieur le marquis ! » (2017), Sophie Calle et son invitée Serena Carone

9 Dewey, John, L’art comme expérience, Farrago, Pau, 2006 [Art as experience, 1934]

10 Gell, Alfred, L’art et ses agents, Les pressses du Réel, Dijon, 2009 [Art and Agency. An Anthropological Theory, Oxford University Press, 1998].

11 Heidentor (1998-2001),

12 Setton, Jeremy, Le portrait de Dorian Gray, Mémoire de diplôme (4 cahiers et un hors champ), bibliothèque de l’ ESAA, Avignon, 2004

13 « Peep », Sonia Boyce (1995)

 

Une archive

Restoring Old Paintings (1958) – Hospital For Old Masters (1968)

Kültürümüzde usta-çırak ilişkisinin önemi çokça atasözüyle vurgulanmıştır. Videoda eski ustaları izlerken bu atasözlerini de hatırlamakta fayda olabilir.."Bakmakla usta olunsaydı kediler kasap olurdu" denir. Çünkü yapılmadan, yalnızca nasıl yapıldığı görülerek belki bilgi edinilebilir ama o iş öğrenilemez. "İşi ustasından öğrenmek gerekir" çünkü "Ustanın çekici bin altındır" denir. Alanında uzman olan bir kişi, bir sorunu kolayca çözümleyebilme becerisi gösteriyorsa bu, aynı işe yıllarca verilmiş emeklerin karşılığı olarak değerlendirilmelidir. Eğer ki çırak yetenekliyse, ustasından daha usta olur anlamında "Kabiliyetli çırak ustayı geçer" denir. Gerçek ustada olmaz, ama usta gibi görünenin egosu hep çırak görmek istediğinin kendisini geçmesini istemeyebilir. Herkesin kendi alanında hatırlaması gereken bir söz olarak da, "Usta yanında perende atılmaz" denir. Yani, bir konuda tam beceri kazanmamış olan kişi, o işin uzmanıyla kalkışacağı üstünlük yarışında yenilgiye uğrar..Bu sözler, yılların deneyimiyle boşa söylenmemiştir, ustalara saygı.. 🙂

Publié par Uğur Genç sur dimanche 30 avril 2017

Acting in Contemporary Art Conservation

Call for Papers: SBMK Summit 2018

The Dutch Foundation for the Conservation of Contemporary Art (SBMK) has announced an international event to take place on the 15th and 16th of November 2018 in the Netherlands: the SBMK summit on (inter)national collaboration ‘Acting in Contemporary Art Conservation’. SBMK invites scholars, researchers, artists and educators to submit papers for this international symposium.

The aim is to create a lively event to meet peers, to share experiences and current research, and to get inspired to initiate new projects and collaborations. Several timely topics have been selected for this symposium and applicants are invited to present a proposal that either fits these topics or to suggest an additional theme, as the programme is open to include one more. The themes selected are: decision making, artist participation and oral history in conservation.

The SBMK summit is being organised in collaboration with the Cultural Heritage Agency of the Netherlands and the University of Amsterdam.

Deadline of the Call for Papers: 31 December 2017.

Published by  Amsterdam School for Heritage, Memory and Material Culture Copyright UvA 2017

Le prix du musée européen de l’année EMYA

Le Prix du Musée Européen de l’Année (EMYA) a été fondé en 1977 sous les auspices du Conseil de l’Europe, dans le but de reconnaître l’excellence de la scène muséale européenne et d’encourager les processus innovants dans le monde muséal. L’EMYA exerce une influence positive sur la vie de nombreux professionnels des musées et permet de faire apparaître au premier plan de petits musées aux contenus hautement innovants, qui autrement n’auraient pas été reconnus au niveau européen. L’EMYA permet aussi d’attirer l’attention des autorités publiques sur des initiatives émanant de leurs propres pays. Tous les musées concourent à égalité, qu’ils soient publics ou privés, petits ou grands. Quel que soit leur sujet ou leur nationalité, ils sont évalués sur la base de ce qui est considéré comme une qualité publique exceptionnelle. Seuls quatre établissements muséaux français ont été lauréats : Le Musée de la Camargue d’Arles en 1979, le Musée d’art et d’histoire de Saint-Denis en 1982, l’écomusée de Fourmies-Tréflon en 1990 et le Musée Français de la carte à jouer d’Issy-les-Moulineaux en 1999. Depuis, plus rien. Le Musée du quai Branly de Paris et le Musée des Confluences de Lyon, nominés respectivement en 2016 et 2017, ont finalement tous deux échoué. Le prix est revenu cette année au magnifique Musée d’ethnographie de Genève dont le nouveau bâtiment a été inauguré en 2014. Cette distinction vient s’ajouter à celle obtenue en 2015. En effet, le MEG avait  été alors  récompensé d’un Red Dot Award par le Design Zentrum Nordrhein Westfalen en raison de la qualité et de l’originalité de la muséographie de son exposition permanente.

Photo: MEG, B. Glauser

 

 

H/F Régisseur des expositions à METZ


Régisseur des expositions H/F METZ



Sous l’autorité de la responsable du pôle Production, et en collaboration étroite avec le (la) commissaire d’exposition et le (la) chargé(e) de recherches, le (la) chef de projet a pour mission de coordonner l’ensemble des opérations nécessaires à la production du ou des projets qui lui sont confiés. Le cas échéant, le (la) chef de projet pourra participer au développement des outils et des moyens de production du pôle Production. Vos missions seront les suivantes :

– Assurer la coordination des projets d’expositions confiés en étroite collaboration avec le (la) chargé(e) de recherches désigné(e) au sein du pôle Programmation,  dans le cadre d’un binôme ;

– Assurer les missions relatives à la production et la mise en ?uvre des projets en lien étroit avec les équipes du Centre Pompidou-Metz et les partenaires externes :

  • Administration des prêts, des commandes et productions spécifiques,
  • Gestion des budgets des projets; Assurer les missions relatives à la régie des oeuvres
1 poste CDD  / Durée du contrat : 6 Mois
Expérience minimum : 2 à 5 ans
Précision sur la rémunération : selon grille et expérience
1ère langue : Anglais             2ème langue : Allemand

Divers Services, Gestion de patrimoine culturel, Régisseur / Régisseuse des expositions

METZ, 57 Moselle ,  Lorraine

Poste de régisseur au Musée Calvet

Régisseur des œuvres Musée Calvet h/f

VILLE D’AVIGNON
Référence : Recruteur :
VILLE   D’AVIGNON
Localisation : Vaucluse
Annonce du : 24/10/2017
Description :
La ville d’Avignon recrute pour son Pôle Vivre Ensemble
Département Culture
Musée Calvet
Cadre d’emploi :
– Filière culturelle
– Catégorie A / B
– Cadre d’emploi : Attaché de Conservation / Assistant de conservation
– Temps complet
– recrutement statutaire, contractuel à défaut
– Direction des musées AVIGNON MUSEES
Positionnement hiérarchique :
– Conservateur directeur Avignon Musées et musée Calvet
– Encadrement : 1 agentMISSION :
– Gestion des collections présentées au public.
– Gestion des réserves.
– Gestion des demandes de prêt et des dépôts.
– Gestion plan de récolement et du récolement
– Gestion des restaurations
ACTIVITÉS :
– Gestion des collections présentées au public du Musée Calvet et au Musée Lapidaire, Galerie des Antiquités du musée Calvet. En salles : suivi et exécution de l’accrochage sous la direction des conservateurs (gestion des cimaises, socles et vitrines, matériels de présentation dont petit matériel de vitrine).

Mouvement d’œuvres : gestion des mouvements d’œuvres en interne et externe (prêts, dépôts, études, restauration…). Mise à disposition des œuvres pour les chercheurs ou pour les prises de photographies. Rédaction des constats d’état avant départ et au retour. Gestion des relations avec les transporteurs d’art spécialisés. Inventaire et récolement : Tenue d’outils informatiques permettant la gestion des localisations et de l’état des œuvres. Identification, marquage des œuvres. Alimentation des dossiers d’œuvres papiers (restauration, prêts), en lien avec le documentaliste.
Conservation : tenue des dossiers de conservation restauration, accueil des restaurateurs. Réalisation de traitements insecticides simples (anoxies statiques). Mise en place des directives du Ministère de la Culture quant aux normes de conservation préventive (surveillance des conditions climatiques et d’éclairage, de la propreté et de la salubrité de l’environnement des œuvres). Préparation des dossiers de restauration présentés par les Conservateurs lors de commissions de restauration.
Accueil de chercheurs, de photographes.

– Gestion des prêts aux expositions à l’extérieur, des emprunts pour les expositions organisées par le musée et des dépôts : Tenue des listes, pointage et classement des demandes de prêt. Préparation des demandes de prêts à l’intention du conservateur, chef d’établissement et du conservateur-adjoint, ainsi que des membres du conseil d’administration de la Fondation Calvet. Correspondance avec les prêteurs et les emprunteurs. Gestion des dossiers d’assurances (contact et correspondance avec les assureurs, transmission des contrats et des factures au service administratif et financier du musée). Gestion des dossiers de transport avec les entreprises spécialisées (définition des conditions d’emballage et de manipulation, plannings d’intervention…). Accrochage et installation des œuvres réalisés en interne (réunit la régie des œuvres et l’atelier du musée) et supervision /organisation des opérations réalisées en sous-traitance par les entreprises spécialisées. Convoiement en France et à l’étranger sur décision du conservateur, afin de s’assurer respect des conditions de transport et de présentation exigées par le musée Calvet. Suivi des dossiers d’assurances des œuvres. Gestion des dossiers de dépôts (courriers, récolement tous les trois ans).

– Gestion des réserves du musée Calvet : Responsabilité du suivi des 50 000 œuvres stockées dans les réserves externalisées ainsi qu’au musée Calvet (aile est) et au musée Lapidaire (escaliers et tribunes). Chantier des collections : travail en lien avec les restaurateurs en vue du récolement décennal.
Choix d’équipements, demandes en lien avec les prestataires pour assurer la bonne conservation des œuvres en réserves. Organisation des plannings d’intervention en réserves. Supervision des opérations d’emballage, transport, déballage, installation des œuvres. Supervision du bon fonctionnement des équipes. Mise en place d’outils de gestion informatique des mouvements d’œuvres entre les lieux de départ et de rangement des œuvres.

Localisation :
Vaucluse

Description du candidat :
COMPETENCES :
– Bonne pratique de l’informatique.
– Anglais : lu, parlé, écrit.
– Permis de conduire.
– Bonne formation en Histoire de l’art.

SAVOIR-ETRE – SAVOIR-FAIRE :
– Aptitude rédactionnelle.
– Capacité à gérer une équipe.
– Aptitude à travailler en équipe.
– Avoir le sens des relations humaines.
– Bonne capacité d’organisation et la prise de décision.
– Sens de la méthode et de la rigueur.
– Respecter un devoir de réserve et les obligations de discrétion et de confidentialité.

RELATIONS FONCTIONNELLES :
Internes : Contacts réguliers avec les Conservateurs, les techniciens, le secrétariat, la Fondation Calvet, l’équipe de conservation des musées municipaux et privés, les services techniques de la Ville, le service juridique (Assurance des œuvres).

Externes : Contacts réguliers avec les restaurateurs, les transporteurs d’œuvres d’art, l’équipe de conservation des musées emprunteurs en France et à l’étranger.

CONDITIONS D‘EXERCICE DU POSTE :
– Musée Calvet : 63, rue Joseph Vernet
– Travail à temps complet du lundi au vendredi avec 6 jours d’ARTT.
– Rémunération statutaire + régime indemnitaire + prime de fin d’année

Les candidatures doivent être adressées avant le 17 novembre 2017 à l’attention de :

Description du recruteur :
Ville d’Avignon

POUR RÉPONDRE À CETTE OFFRE

Pour postuler par courrier, merci de répondre à l’adresse suivante sous la référence :

Madame Bérangère VEDEL, Cheffe du Département des Ressources humaines
VILLE D’AVIGNON
Département des Ressources Humaines
1 rue Racine
84045 – AVIGNON Cedex 9
FRANCE
mobilite.recrutement@mairie-avignon.com
Pour répondre immédiatement à cette annonce cliquez ici

Comblement de lacunes murales par le Lego

L’artiste allemand Jan Vormann qui vit à Berlin et travaille au célèbre  T10 Studios, fait l’objet de plus en plus d’articles ici et là (en France récemment encore dans  Télérama,  et cette semaine dans Le Monde en ligne). Né en 1983 à Bamberg, il entame d’abord en 2003 et 2004) des études d’histoire de l’art et de conservation des monuments à l’université de sa ville natale. Puis il se réoriente vers la création des arts visuels et notamment la sculpture en intégrant la Kunsthochschule de Berlin-Weißensee de 2004 à 2011, sous les auspices des professeurs Karin Sander, Inge Mahn and Berndt Wilde. Depuis 2013 il enseigne au New Media/Interaction Design department de la Berliner Technische Kunsthochschule (BTK).

En 2011, il décide de « réparer » des villes avec des Duplos. Dans le cadre de son projet Dispatchwork , au cours de ses voyages, il veut remédier aux blessures des murs avec des pansements multicolores. D’abord focalisé sur des métropoles touchées par la guerre, il a ensuite élargi le spectre de  ses réparations colorées à toute la planète. En France, c’est sur Toulouse qu’il s’est penché: on peut voir le résultat de son intervention  sur le site de l’’hôpital La Grave, place Lange, dans des lacunes de murs de brique rouge.

Son  site  ICI

Il répare des murs du monde entier avec des Lego colorés

En près de dix ans, à l'aide de Lego colorés, Jan Vormann a déjà comblé des fissures dans plusieurs dizaines de pays. Et il encourage les gens à l’imiter.

Publié par Le Monde sur lundi 23 octobre 2017

 

 

Sa démarche a fait des émules dans le monde entier, comme à Central Park, ou encore plus récemment à Beyrouth par exemple.

Depuis, cette initiative en a déclenché d’autres, comme celles qui nécessitent le recours à la technologie 3 D. L’artiste Greg Petchkovsky cherche à obtenir  des impressions aussi illusionnistes que possibles afin  qu’elles s’intègrentent parfaitement dans leur décor. Dans la vidéo ci-dessous, on peut voir  comment à partir d’une roche lacunaire, prise en photo sous plusieurs angles selon la technique de scan en 3D,  il reconstitue la forme manquante non sans y apporter une touche humoristique en « greffant »  quelques briques de Lego. Ailleurs, il a réalisé une fausse brique imprimée en 3D avec un effet de coulures  en « réparation » d’un mur effrité.

De la pratique de l’enquête

Howard Becker

Conférence

III. Art et sociologie : partager des pratiques d’enquête

25 octobre, 19h –21h 

Conférence Tout se transforme

Cycle « des œuvres enquêtes » proposé par Franck Leibovici

Dans son livre Comment parler de la société ?, Howard Becker estime que l’art et la recherche scientifique sont deux activités qui produisent des représentations de notre société. Quelles sont les pratiques mobilisées pour y arriver ? Où les choses divergent-elles ? La conversation cherchera à repérer les « astuces » et « ficelles » inventées de part et d’autre pendant les processus d’enquête.

Cycle « des œuvres enquêtes » proposé par Franck Leibovici

ADRESSE

Fondation Calouste Gulbenkian – Délégation en France

39 Boulevard de la Tour-Maubourg

75007 Paris

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Journée d’étude sur la C-R de l’art contemporain: programme

CARRE D’ART / NIMES – Jeudi 23 Novembre 2017 à partir de 9 h30.

JOURNEE D’ETUDE « CONSERVATION  ET RESTAURATION DE L’ART CONTEMPORAIN »

A l’occasion de l’exposition concernant la conservation-restauration d’ œuvres du Carré d’art , celui-ci organise une journée d’étude consacrée à la « conservation et restauration de l’art contemporain ».


9h30 – 9h45 : ouverture et introduction du colloque

9h45 – 10h45 : Solenne Gout,   présentation de la profession de conservateur-restaurateur et la spécialité « peinture ».

10h45 – 11h45 : Zoë Renaudie, Collection Lambert, Particularité de la profession dans une institution et lien avec les métiers de cette même institution (commissaire, régie…).

11h45 – 12h45 : Marc Maire et Gaspard Salatko,  Ecole Supérieure d’Art d’Avignon, Conservation-restauration de l’art contemporain: méthodologie et recherche.

12h45 – 14h15 : pause.

14h15 – 15h15 : Estelle Rebourt, thématique sur la spécialité photographie.

15h15 – 16h15 : Laetitia Thévenot – Piris, thématique sur la spécialité vidéo et gestion du fonds video du FRAC Occitanie.

16h15-17h15 : Cécile Dazord, C2RMF, thématique sur la conservation préventive et l’obsolescence dans la conservation de l’art contemporain.

Ecole Supérieure d'Art d'Avignon [ ESAA-cr ], Département de conservation-restauration