Tous les articles par Marc MAIRE

Une Expérience saisissante proposée par Marjan Teeuwen aux Rencontres d’Arles.

Destroyed House intitule la saisissante installation immersive  que Marjan Teeuwen présente aux Rencontres d’Arles jusqu’au 22 Septembre. Aussi petite  néerlandaise sexagénaire que grande est sa ténacité, elle aura du batailler pendant près de neuf mois pour venir à bout des totalité et complexité de ce  projet mené et réalisé à bout de ses propres bras. Il lui aura fallu vaincre moult obstacles pour parvenir à ce cadeau pour le festival de la photo et ses visiteurs: les contraintes imposées par les commissions sécurité, archéologique et patrimoniale qui lui auront fait dire “c’est mon chantier le plus cauchemardesque ! Montré par ailleurs, une exposition photographique dans un espace scénographique connexe de la “maison détruite”,    son travail offre tour à tour deux expériences esthétiques de nature différente.

L’immersion physique consiste à pénétrer en très petit nombre pour des raisons de sécurité — six maximum — dans un antre sombre . Une guide du groupe appointée transmet les premières informations tout en permettant l’acclimatation de l”oeil à la pénombre que viennent interrompre des halos de lumières créés par de simples ampoules électriques pendant nues au bout d’un fil à diverses hauteurs.

Après n’avoir franchi que l’entrée d’une quelconque bâtisse, nous voilà sitôt la porte refermée, transportés comme dans une  fiction, dans un dédale de galeries souterraines étayées comme un  conduit minier jonché de gravas. La stratification penchée des éléments de construction oriente le sens du cheminement, la descente puis la montée, alors que le sol demeure horizontal. Très vite, le frôlement des parois, le décryptage d’une étrange variété de matériaux de construction formant une surface composite tantôt grossière, tantôt d’une extrême régularité, évoque l’art savant de la nidification, des animaux bâtisseurs ou encore de quelque créature imaginaire. 

Au détour d’un passage qui se transforme en corridor, survient une ouverture anormalement étroite et haute qui débouche dans une salle dont les parois forcent l’étonnement par la perfection de leur texture et de leur architecture. L’éclairage toujours d’une seule source lumineuse falote au ras d’un sol balayé circulairement de ses gravas comme pour ménager un foyer rituel, procure un sentiment comparable à celui éprouvé au tréfonds d’une chambre mortuaire de l”époque pharaonique, ou encore d’une grotte cérémonielle préhistorique …

La médiatrice explique que l’artiste qui a aussi travaillé dans une maison bombardée de Gaza, illustre ainsi le cycle perpétuel de la vie : construire, détruire, construire, détruire. De la naissance, la genèse et la mort. De la renaissance après la mort.

La série Destroyed House de Marjan Teeuwen met en scène des configurations architecturales, complexes, sophistiquées mais dépourvues d’utilité  spatiale,  dans des bâtiments en instance de démolition. Une métaphore de  la dualité du pouvoir à la fois de  construire et de détruire  propre à  la condition humaine et son conflit insurmontable. Comme pour conjurer son propre sort, Marjan Teeuwen, ses  65 ans cramponnés à sa canne , investit pour la 25ème fois à Arles une construction vouée à la destruction (on parle ici du futur projet de construction d’un cinéma) pour en faire apparaître une étrange forme de résilience dans un élan éphémère et saisissant d’harmonie inouïe,  miraculeuse, venue effacer telle une sublimation, la cruauté de la démolition en parvenant peut-être à susciter l’espoir après la destruction. 

[Crédits photos©Marc Maire avec l’aimable autorisation de l’artiste]

Destroyed House

1 juillet – 22 septembre

10H00 – 19H30

 

 

Des Orientations théoriques de la formation à la C-R de l’Esa d’Avignon

… dans le panorama français, …

La (conservation-) restauration est souvent conçue par les néophytes comme un champ d’activité homogène ayant pour objectif essentiel de prolonger l’existence des biens culturels dans le futur. En réalité et pour des raisons à la fois historiques et structurelles, il existe différentes démarches de conservation et de restauration qui sont à l’oeuvre en fonction de diverses  théories, catégories de biens culturels (mobiliers, immobiliers par exemple), situations et doctrines institutionnelles , cultures et conjectures qui les ont produites.  Or il existe en France seulement quatre formations publiques1 à la conservation-restauration de biens culturels qui relèvent de l’enseignement supérieur dont celle de l’Ecole supérieure d’art d’Avignon. Elles  délivrent pour l’une (CRBC Paris I-Sorbonne, Ministère de l’enseignement supérieur et de la recherche), un Master, et pour les autres (INP-Paris et Esad-Tours, Ministère de la culture) à l’instar de l’EsaA, un diplôme d’état au grade de Master. Ces diplômes de fin de second cycle (de Niveau I  à BAC + 5) sont assortis d’une habilitation inscrite dans le Code du Patrimoine français [Livre IV, titre 5, chapitre 2, section 3] qui autorise leurs titulaires à prendre en charge et traiter des biens culturels des collections publiques.. Par ailleurs, la profession de conservateur–restaurateur est désormais précisément définie par différentes chartes éthiques et codes déontologiques2 sur le plan national comme international depuis un peu plus de trente ans (cf. ICOM-CC 1984ECCO 2002, et ICOM-CC 2008).

Mémoire de diplôme de Lucille Gaydon, ESAA 2013

En tenant compte du  gabarit normatif d’une formation à la conservation-restauration préconisé par un consensus européen (cf. ENCoRE), chacune des formations publiques françaises a initié et développé son propre programme d’enseignement3 correspondant au contexte national et à son antériorité. Cette diversité est contingente de leur histoire, de leur implantation et des spécialités  respectivement enseignées par chacune (“œuvres sculptées”, “objets archéologiques”, “arts du feu”, “arts graphiques”, etc.). Mais  elle est aussi tributaire de conceptions théoriques et idéologiques coexistantes.

ses orientations théoriques

Ce qui distingue plus essentiellement ces cursus, relève de leur conception de la conservation-restauration, du conservateur-restaurateur et de leur rôle dans le processus patrimonial, des enjeux de leur action et des ressources mobilisées pour les réaliser. Partant d’une position historique d’activité subalterne, la conservation-restauration est aujourd’hui enseignée en école d’application (INP Paris), à l’université (CRBC Paris I – Sorbonne) et en écoles supérieures d’art  (Esa Avignon et Esad Tours). Elle a acquis dans bon nombre de pays membres de l’ICOM, le rang de discipline académique. En effet, cette dernière  est aujourd’hui dotée d’écoles doctorales de troisième cycle, d’un corpus de théories ou doctrines susceptibles d’amélioration permanente qui établit un langage spécifique avec ses règles de production discursive, et enfin, d’une communauté identifiée de chercheurs. Mais en France et contre toute attente, elle n’est toujours pas répertoriée en tant que discipline académique.

et son identité … 

L’évolution de la formation à la conservation-restauration de l’Esa d’Avignon et son ancrage dans un établissement d’enseignement supérieur artistique, en ont déterminé l’identité particulière d’aujourd’huiDepuis plus de quinze  ans et contrairement aux autres formations similaires, celle de l’EsaA a renoncé à dispenser un enseignement visant expressément une spécialisation fondée sur un genre artistique, un médium ou un matériau. “Spécialités” qui laissent supposer une compétence générique, une maîtrise ou expertise technique et technologique en la matière. Cet abandon trouve sa justification au contact de biens culturels qui comprennent à la fois les productions relevant, conventionnellement parlant, de l’art contemporain et des artefacts ethnographiques. En effet, leur étude enjoint à les considérer pour la plupart comme affranchies de l’aspiration à la forme préposée, du virtuosisme ou du technicisme, et souvent pourvues d’une nature hybride, composite et transgenre (ou intermédiale). Hormis leur appartenance catégorielle quelle qu’elle soit, la considération de ces objets ne peut pas s’affranchir de leur interdépendance avec des situations singulières passée()s et présente, et font émerger des questionnements en point de départ de l’enseignement et de la recherche. Concernant les oeuvres d’art, l’approche du sociologue et de l’historien viennent entamer inévitablement leur irréductibilité. En effet, ils mettent à jour, dans leur contenu même ou à l’examen de leur sens, ce que ces réalisations doivent à des conditions sociales ou historiques indissociables de leur contexte de productions et/ou de réception. Selon cette idée, il apparaît que la mesure des qualités ou propriétés esthétiques ne peut plus se soustraire à toute analyse des conditions historiques et sociales

à l’égard de productions de l’art contemporain et d’artefacts ethnographiques

A les comparer, un certain nombre de parallèles peut être établi entre des productions de l’art contemporain et des artefacts ethnographiques : leur caractère éphémère, un choix de matériaux ou matières très large et particulier, une dimension performative et/ou interactive, leur attachement à un in situ, un contexte de ritualisation hic et nunc, etc. Les méthodes de l’enquête de type pragmatique et documentaire de l’anthropologie telle que l’observation participante ou l’approche holistique en complément voire en remplacement  de l’ approche analytique, peuvent être mobilisées pour l’étude d’œuvres d’art contemporain. L’approche anthropologique au service de la conservation-restauration d’un bien culturel vise une compréhension qui repose sur la prise en compte des  conditions situées de fonctionnement ou d’usage de ce bien dans des temporalités et spatialités différentes. Elle enjoint à considérer aussi la teneur des relations sociales auxquelles il a contribué et qu’il a même parfois déterminées. L’objet n’est plus cantonné au statut de témoin ou de source car il est perçu, dans un enchevêtrement de relations sociales comme partie prenante  de leur organisation. L’instrument inerte, fabriqué et manipulé céderait donc la place aux choses animant le jeu social des actions humaines.

On doit aux anglais l’appellation material culture, reprise en Amérique du nord tantôt par material culture, material history, ou material life et traduite litéralement ici par culture matérielle. Or celle-ci est parfaitement à même d’être appropriée par tous les ressortissants des sciences humaines et sociales, sans oublier les les antiquaires et les collectionneurs. Devant  l’hésitation générale à déterminer la discipline la plus adéquate pour traiter de culture matérielle, l’équipe du University College of London parvint à réunir un certain nombre de chercheurs originaires de disciplines scientifiques distinctes autour de leur programme de material culture studies et du Journal of Material Culture qui, sitôt devenu l’organe de difffusion  du  Tournant matériel (Material turn ), fit  couler beaucoup d’encre. Celui-ci traduit  un courant qui s’est attelé à (re)penser la matérialité notamment des objets pour dépasser le déterminisme technologique ou matériel qui la fixe trop définitivement. Comment ne pas dissocier le physique de l’humain ? Comment dépasser la dichotomie entre physicalité et socialité ? La culture matérielle n’est-elle qu’une composante  de la culture ? Y-a-t’il une culture matérielle  à côté d’une culture immatérielle comme l’entend l’Unesco à propos de la matérialité du patrimoine mondial ?

C’est pourquoi la première nécessité du conservateur-restaurateur face à l’apparition d’un nouveau matérialisme est de savoir précisément se situer par rapport aux objets, faits et phénomènes sur lesquels il enquête.  A bonne distance qui lui permet de questionner et d’analyser les informations récoltées dans la perspective d’une proposition de son action future, il ne doit pas prendre pour acquis générique les idées et conclusions produites par des prédécesseurs, ni considérer les catégories ordinaires auxquelles les biens culturels sont rapportés comme prémisses, tout en étant capable de remettre en question ce qu’il croit savoir de son sujet. “L’objet ne se clôt pas sur lui-même à l’instant où on l’observe mais entre, dès sa fabrication, dans différents dispositifs d’usages et de sens, dans des histoires qui ne se superposent pas nécessairement. Marqué du sceau et de l’intention de son créateur plus que de ses détenteurs, qui s’en servent  pour se dire et dire les rapports sociaux où ils agissent, l’objet est le signe et le moyen d’une action. L’historicité des objets nous invite à les inscrire dans la succession des séquences de vie collective où ils ont travaillé. … / … La mise en situation historiée des oeuvres, loin de les placer sous le joug réducteur d’un déterminisme trivial, souligne à l’inverse le travail de création dont elles sont l’aboutissement. L’opposition convenue entre contextualisation et analyse formelle n’a plus raison d’être si l’on considère que toute oeuvre est la réalisation d’une transformation autant politique qu’esthétique, historique qu’artistique.” (Alban Bensa, La fin de l’exotisme. Essai d’anthropologie critique, Paris, Anarchasis, 2006, pp. 248,249)

… pour une ingénierie de la conservation-restauration

Toutes ces considérations progressivement établies ont amené la formation de l’Esa d’Avignon à programmer depuis plusieurs années, l’enseignement d’une ingénierie de la conservation-restauration4 de biens culturels, d’abord au croisement de sciences exactes et de sciences humaines et sociales, puis au delà même de leurs frontières de genre. Depuis la publication en 1958 Du mode d’existence des objets techniques, nous avons eu  l’opportunité de faire le constat avec Gilbert Simondon, de l’exclusion progressive de la technique hors de notre culture. C’est notamment par un design épuré d’abord de nos véhicules de transport puis aujourd’hui de nos smartphones, qu’on a visé la dissimulation de leur fonctionnement pour le rendre de plus en plus invisible,  et sa compréhension hors de portée.  Si bien que  la philosophie des techniques qualifie nos inséparables prothèses communicationnelles, de parfaites boîtes noires. Cette mise a l’écart de la technique a produit une triple conséquence : d’abord celle de la diaboliser en occultant son fonctionnement et sa compréhension. Puis celle de la « condenser » en un attachement paradoxal, à la fois inséparable de nous et déplorable parce qu’ imputé aux méfaits de la société moderne, mais pourtant exempt de tout intérêt par et pour la pensée. Enfin  celle de dédouaner l’homme de toute responsabilité.  Qu’il en soit du geek ou du réfractaire absolu, c’est l’ignorance qui crée l’aliénation relative aux techniques. A force d’opposer l’homme à la technique, on finit par oublier son indissociablité de l’humain et ne pas compter dans les sciences de l’homme, les procédés, les outils, les savoirs, savoir-faire et savoir-être.

La visée épistémologique et méthodologique dans l’enquête fait de la culture technique, encore trop cantonnée aux Tecnical studies d’une petite communauté élitaire, ou aux sciences de l’ingénieur en France, un objet d’étude à part entière comme les autres centres d’ intérêts des sciences humaines. Elle se trouve en bonne place avec l’histoire, l’histoire de l’art, la muséologie, la sociologie, et la philosophie pour constituer le socle d’une approche à caractère anthropologique à la fois empirique, scientifique et technique des biens culturels pour tenter d’en mieux comprendre le sens  indistinctement des situations avec lesquelles ils sont en prise.  Ne pas déprendre les techniques de leur humanisation, c’est renouer avec le temps où toute production humaine était pensée dans une continuité de la nature à la culture, sans dissociation. Considérer la technique comme une production culturelle humaine relevant pleinement des sciences humaines, c’est aussi reconsidérer la réflexion sur les rapports de l’homme à la nature au cours de l’histoire.

Cette ingénierie spécifique désigne un ensemble de fonctions qui comprend, dans un premier temps, la réalisation d’enquêtes pouvant conduire à  la production d’études préalables et de faisabilité, de diagnostics et de pronostics,  et la conception de projets globaux. Ensuite, elle inclut la mise en œuvre de traitements spécifiques, techniques ou esthétiques,  l’acquisition et la vérification d’équipement et fournitures adéquats pour leur réalisation en équipe, le contrôle de résultats, et enfin, la livraison de la réflexion et des résultats par la formulation d’un discours argumenté propre à cette ingénierie. Cette orientation singulière trouve aujourd’hui un écho favorable. Au constat de l’imbroglio sémantique qui sème la confusion entre restaurateur, conservateur et conservateur-restaurateur dans le champ du patrimoine depuis plus de trente ans en France, une conférence réunissant les directeurs et des représentants des quatre formations publiques à la conservation-restauration s’est constituée en 2016 afin notamment de réclamer auprès des pouvoirs publics pour leurs diplômé.e.s, le titre protégé d’ ingénieur.e en conservation-restauration de biens culturels. Cette démarche se place sous l’égide d’un coordinateur missionné par le Ministère de la Culture et de la Communication après la production du Rapport de l’Inspection Générale des Affaires Culturelles (IGAC) sur les répercussions causées par l’inscription des professionnels de la restauration du patrimoine sur la liste des métiers d’art.

Maquette de l’Universal Circus Pir’Ouet, créée par Georges Berger entre 1924 et 1971/crédits: MUCEM  Mémoire de diplôme de C. Douet, 2001

En toutes les occurrences, la prémisse de la conservation-restauration consistera  d’abord en une enquête rigoureuse à la fois matérielle et socio-historique, subordonnée à une réflexion critique susceptible de corréler ces dimensions plurielles de tout artefact culturel. Le questionnement et la proposition de réponse concernent essentiellement les enjeux, objectifs et moyens de la conservation-restauration, en fonction de la nature, du statut, de l’ontologie, et du régime des objets que celle-ci est appelée à prendre en charge pour sa part.

Dans un deuxième temps et toujours en vertu d’une déontologie, elle s’efforcera de conduire, voire d’assurer personnellement la réalisation de traitements appropriés à un ou des biens culturels dans une situation donnée, selon une démarche objectivable dont les principes sont éminemment logiques et ses référents d’ordre scientifique, technologique et technique.

Cette activité est appelée méthodologiquement à (re)considérer les biens culturels bien au delà d’une nature objectale: audelà d’un caractère accessoire et auxiliaire, comme de véritables protagonistes, voire parfois des sujets,  dans une complexité sociale et relationnelle située. Ce dessein implique de concevoir une matérialité qui ne sépare pas la prise en compte de la consistance physique5 de celle d’autres facteurs spécifiques tout aussi déterminants de leur identité et de leurs significations6. Cette manière de comprendre la matérialité d’une “matière informée et informative”, implique l’idée d’un pluralisme ontologique et de sa performativité. Puisqu’elle s’inscrit dans une démarche pragmatique, l’investigation est amenée à lier étroitement des dimensions transdisciplinaires — techniques, technologiques, sémiotiques, anthropologiques et sociologiques — d’une analyse des biens culturels en question. Car ceux-ci participent de cultures matérielles à la fois lointaines et proches en tant qu’ils sont indissociables des expériences et des usages qui s’y inscrivent 7.

…  relative à la contiguïté des deux orientations des “beaux-arts” d’Avignon” … une école-monde(s) !

La proximité et la fréquentation permanentes de créateurs — adeptes de la pensée critique comme du ressort subversif de l’art — et de théoriciens de tous horizons dans une école supérieure d’art, comptent certainement pour beaucoup dans le déclenchement et l’entretien d’une réflexion critique sur le sens, les formes et l’exercice de la conservation-restauration, en un mot, sa métacritique 8.

Cette perspective a conduit assez récemment par le biais de biens culturels et collections publiques, l’engagement d’ une réflexion sur la démarche anthropologique dont la mise à profit est décrite plus haut. En effet, et même si la discipline de l’anthropologie s’évertue encore à se débarrasser de son imprégnation coloniale, les études décoloniales (decolonial studies) qui datent de plusieurs décennies, ont tardé à émerger en France. Pourtant, par l’entremise d’un de leur champ secondaire, la pédagogie décolonisatrice (decolonizing pedagogy), elles témoignent de leur capacité critique et déconstructive de la production d’une connaissance hégémonique par une discipline s’étant fourvoyée dans une institutionnalisation au service de la colonisation. Or l’éthique de la conservation-restauration et de son enseignement, ne peut faire l’impasse d’un examen critique de tous ses outils et méthodes afin d’éviter ici l’écueil de la reconduction d’une hiérarchisation civilisationnelle ou  culturelle, d’un attrait exotisé, de présupposés ou clichés exotisants et d’un impérialisme épistémique occidental. Cette  entreprise est d’autant plus pertinente qu’elle agrège la contribution d’enseignant.e.s issu.e.s de diverses disciplines, d’aires culturelles et sociétés anciennement colonisées. toujours considérées comme périphériques ou subalternes par les nations politiquement et économiquement dominantes.

Selon une conception bien au fait des enjeux de la valorisation du patrimoine et de sa portée politique, les étudiants bénéficient de fait, d’un enseignement qui requiert le croisement des regards. Car le recensement des potentialités sémantiques et des propriétés ou valeurs d’un bien culturel est au prix de cette interdisciplinarité à même de discerner des identités plurielles, multiples et des significations qui se rapportent à une intrication de nombreux facteurs spécifiques dans plusieurs temporalités, contextes culturels, politiques et économiques,  histoires et  systèmes de conventions. Pour exemple et concernant l’Afrique — des Afriques devrait-on dire plus justement — le propos du philosophe, historien  et politologue camerounais Achille Mbembe corrobore magistralement cette idée: « [Le] temps de l’existence africaine n’est ni un temps linéaire, ni un simple rapport de succession où chaque moment efface, annule et remplace tous ceux qui l’ont précédé, au point qu’une seule époque existerait à la fois au sein de la société. Il n’est pas une série, mais un emboîtement de présents, de passés et de futurs, qui tiennent toujours leurs propres profondeurs d’autres présents, passés et futurs, chaque époque portant, altérant et maintenant toutes les précédentes. » 9

Département de conservation-restauration,© ABK Stuttgart

Département de conservation-restauration,© ABK Stuttgart A l’EsaA, la  conservation-restauration n’est pas conçue      selon une primauté accordée aux sciences exactes comme le laisse supposer  la figure  du (conservateur-) restaurateur en blouse blanche, les  yeux rivés sur une loupe binoculaire 10  ou  manipulant  un  instrument  technologique avec des gants blancs. Ce cliché est souvent véhiculé par les médias de masse ou  par  des  sites  internet  de  structures  dédiées  à  la conservation  de  biens  culturels  mobiliers  et  à  son enseignement, au  point  d’être  devenu  un poncif  très  réducteur. Il laisse supposer une prééminence des sciences dures quand elles ne sont qu’un outil parmi d’autres empruntés aussi aux science humaines et sociales. Méthodologiquement  parlant et  dès le premier  cycle,  c’est  lenquête   qui   est   la  pierre  angulaire   d’une   activité   en  faveur  d’objets sémiophores en dysfonctionnement ou “en crise”, dont l’usage patrimonial est compromis. 

Si l’on examine la conservation-restauration dans une perspective historique et épistémologique, il apparaît que la prévalence de l’attention accordée à la constitution physique des biens culturels est corrélative de la persistance de celle des sciences exactes. Or aujourd’hui, la conservation-restauration des productions de l’art contemporain et des artefacts ethnographiques réclame nécessairement, comme l’affirmait déjà avec insistance le juriste et historien d’art belge Paul Philippot il y a plus d’un demi siècle, une pratique fondée sur une approche critique recourant nécessairement à des outils des sciences humaines et sociales. Car ceux-ci permettent d’appréhender des objets et les réseaux de significations dans lesquels ils sont imbriqués et déterminés, pour comprendre leurs significations  en regard de l’ attachement d’une communauté diverse et transgénérationnelle à leur survivance culturelle.

La contiguïté et la congruence des deux mentions de l’EsaA, conservation-restauration et création, favorise la mutualisation d’enseignements fondamentaux et la fréquentation d’ ateliers de création par des étudiants qui se destinent pourtant à la conservation-restauration, dans une perspective praxéologique chère à la sociologue de l’art Yaël Kréplak11. Exonérés de l’ambition de devenir auteurs, ces étudiants tâtent néanmoins de la démarche créatrice — revendiquée par d’aucuns comme poïétique — pour, en quelque sorte, se regarder en train de créer,  davantage pour en expérimenter le régime, les modalités et les affres,  qu’ espérer en tirer le bénéfice dune évaluation ou reconnaissance de (pré)dispositions.

Cette corrélation a aussi concouru, pour une certaine  part, à la capacités du conservateur-restaurateur d’endosser la production d’un discours propre à la spécificité de son expérience  spécialisée et “intime” au contact rapproché et prolongé d’un bien culturel.  Cette ambition signifie en préalable de son intervention, le dépassement de la vénération fétichiste de la relique ou du chef d’oeuvre. Tout comme l’abandon du modèle de rapport tripartite de traitements, limité à trois volets successifs — arto-historique, constat d’état /diagnostic/proposition, compte-rendu technique de résultat —  dont le bien-fondé ou la légitimité serait établi principalement en vertu d’axiomes déontologiques qui en seraient à eux seuls les garants. Le recours à la puissance persuasive des moyens des sciences objectives pour justifier une proposition de traitement, ne peut plus donner le change d’un argumentaire dialectique et empreint d’une subjectivité assumée.

___Notes___

1Premières promotions : 1973 Université Paris I, 1978 IFROA (INP), 1981 Esa Avignon,1983 Esad Tours.

2Ils recourent notamment à un ensemble de dichotomies ou lignes de partage : main/esprit, théorie/pratique, tangible/intangible, matériel/immatériel, tradition/nouveauté, etc.

3La proportion et le contenu des enseignements ressortissant des sciences exactes, humaines et sociales, et le dosage théorie/pratique en fournissent une idée.

4 – L’ingénierie de la conservation-restauration, regroupe l’ensemble des actions qui conduisent, de l’examen, l’analyse et la conception, à la réalisation, son contrôle et à la (re)mise en fonctionnement patrimonial d’un bien culturel.

5 – Qui est du ressort des sciences de la matière.

6 – Qui est du ressort des sciences humaines et sociales.

7 -A ce propos, lire “La substance explicite: […]”

8 – Les étudiants ne sont pas formés pour acquérir une compétence qui se mesurerait seulement à la capacité d’excellence de réalisations par soi-même, de traitements devant répondre à une idéologie normative préétablie dans un contexte déterminé et invariable.

9 – Achille  Mbembe, De la postcolonie. Essai sur l’imagination politique dans l’Afrique contemporaine, Paris, Karthala, 2000, p. 36.

10– Voir l’illustration de la page des journées professionnelles 2017 sur le site du MCC

11La praxéologie qu’elle mobilise, vise la connaissance de toutes les activités spécialisées en institution muséale, incluant leur pratique par mimétisme et conscientisation de tous leurs ressorts. [Yaêl Kréplak, Whose black box is it? A praxiological perspective on contemporary art conservation, Article présenté au workshop international “Resetting the Black Box ? Beyond Art History and Science Studies”, organisé par Philippe Sormani, Istituto Svizzero, 22/09/17]. 

 

Publications ARAAFU


L’Association de restaurateurs d’art et d’archéologie de formation universitaire a le plaisir de vous annoncer la parution du Cahier technique N° 24, intitulé Biographie de l’objet, qui comprend les actes des Journées des restaurateurs en archéologie de 2016, organisées par le laboratoire Materia viva.
Ce numéro, ainsi que chacun des articles qui le composent, est téléchargeable gratuitement sur le site de l’ARAAFU où vous pouvez également consulter le sommaire de ce numéro.

Sur le site, à la page des publications, vous trouverez également d’autres publications numériques :
le Cahier technique N° 23 et le N° 35 de la revue CRBC.
 
Le prochain Cahier technique (N° 25) est consacré aux actes de la journée d’étude du 25 mai 2018 sur Le plomb dans les chantiers de conservation-restauration et paraîtra à l’automne.

Les actes des Journées des restaurateurs en archéologie qui ont eu lieu en 2017 à Nancy seront publiés dans le Cahier technique N°26, à la fin de l’année 2019, suivis des actes des Journées des restaurateurs en archéologie de Lyon (2018) dans le N° 27.
 
Bonne lecture !
 

Pour « une école-monde(s) »

Avertissement. En Juin dernier, des enseignants de l’ESAA ont participé à plusieurs rencontres informelles  réunissant son directeur et deux de ses homologues sous les auspices de la DGCA. Leur caractère prospectif était orienté en faveur de l’étoffement d’un argumentaire collectif du nouveau projet d’établissement porté par Alfredo Vega, directeur de l’EsaA, afin qu’il prenne au maximum en compte  les desideratas et velléités des acteurs de l’EsaA. Après moult mises au jour des voeux et désirs des uns et des autres, le nouveau titre-slogan “école-monde(s)” est né d’un concept  — “lieu-monde” faisant écho à la pensée d’Edouard Glissant —  lancé à l’entour par l’un des deux dirigeants d’école au cours d’une de ces réunions.  Son impact ayant visiblement  fait mouche et rapidement tâche d’huile non sans un affinage mû par une volonté d’amélioration identitaire autant que de pluralité référentielle et sémantique. Ceci étant, et après le second temps de l’appropriation, la tâche confiée à chacun.e des enseignants fut de faire état de son inscription dans cette école-monde(s) avec son identité propre ouverte sur le monde et des propositions d’enseignement orienté dans ce sens. Aussi, ce texte n’a d’autre valeur que celle d’un plaidoyer partisan et in progress d’ une “école-mondes”. Il est le fruit d’une recherche discutée,  alimentée par les critiques de plusieurs acteurs de l’EsaA, et libre d’appropriation ou de réfutation par tous les tenants de l’école monde(s).

Chacun de nous a déjà fait l’expérience de son entrée dans le monde au sortir du cercle familial,  par l’école. Ce lieu si crucial pour l’apprentissage d’une sociabilité prioritairement humaine et citoyenne, est à peu près partout sur la planète la première ouverture à la pluralité des paysages, cultures, langages terrestres et même au cosmos. Mais irrésistiblement, cette institution réduit sa capacité à rendre compte d’une diversité d’être-au-monde en circonscrivant la connaissance qu’elle transmet selon une perspective hégémonique au prisme d’une centralité subjective imposée au nom de l’universalisme, et notamment servie par un mode de pensée  qui s’est imposé en occident comme s’il était unique: la rationalité pratico-formelle. Celle-ci provient de la rationalisation technique des conduites propres à la civilisation capitaliste, selon l’analyse de Max Weber. Une rationalisation au service de l’action pratique et du rendement dont le capitalisme apparu à la fin du Moyen Age est au coeur, c’est-à-dire par une volonté de contrôle et de domination systématique de la nature et des hommes Pour Weber, cette conception affecte même les actions sociales élémentaires — leurs buts et moyens sont définis d’après leur seule efficacité et non leur bénéfice moral par exemple, au point de les infléchir pour les rendre instrumentales, utilitaires et impersonnelles. Ce type de rationalisation fait apparaître d’une part, que « nous ne cessons de constater — y compris pour des sphères de conduite de vie qui évoluent (apparemment) indépendamment les unes des autres — que c’est en Occident, et seulement en Occident, que se sont développés certains modes de rationalisation » (Weber, 2002, p. 67) et d’autre part, que « liée à la rationalisation de la technique et à celle du droit, l’émergence du rationalisme économique fut en effet également tributaire de la capacité et de la disposition des hommes à adopter des formes spécifiques de conduite de vie pratique et rationnelle » (Weber, 2002, p. 63). Or Il s’avère qu’ il existe bien d’autres formes de rationalité telles que le mythe ou l’éthique (ou rationalité substantielle chez Max Weber).

Aujourd’hui et après plusieurs siècles de dichotomie épistémologique entre pays du nord et du sud, voici que la fin du XXè a montré l’échec du modèle de la civilisation occidentale pour cause de sa faillite en regard de sa promesse de progrès et d’émancipation de tous les humains, au prix d’une destruction irrémédiable de son habitat naturel et de son climat. Les puissants auraient déjà entériné qu’il n’y aurait plus assez de place sur terre pour eux et le reste de ses habitants au point de céder à la panique du retour au protectionnisme de l’Etat-nation et de la construction de murs contre l’envahisseur. A l’encontre d’un tel dessein politique, comment se projeter sous l’emprise du rouleau compresseur de la globalisation dans cette nouvelle territorialité qui provoque une modification complète de notre rapport au monde ?

Fins du monde

Depuis plus d”un demi-siècle en Amérique latine et en Afriques tant noire que du nord, des pensées postcoloniales puis décoloniales ont émergé en exprimant à plusieurs voix une critique du récit occidento-centré de la Modernité. Sitôt après la fin de la deuxième Guerre mondiale, en 1955,  s’est tenue la fameuse conférence de Bandung, ne comprenant que des pays non alignés, d’où a émergé le paradigme postcolonial, un mouvement d’idées corollaires des luttes pour leur indépendance des pays du « Tiers Monde ». La critique de la domination impérialiste occidentale par différents courants postcolonialistes, dénonçait deux griefs les plus importants: la traite esclavagiste transatlantique et la colonisation. Mais progressivement et plus radicalement, c’est la « pensée décoloniale » qui fait de la découverte des Amériques en 1492, l’origine de la domination sociale et l’exploitation économique avec la mise en oeuvre de l’esclavage à grande échelle.

Le XXIè siècle voit apparaître une volonté et un processus de reconfiguration de l’«  ordre mondial ». Des pays émergents de la périphérie viennent en effet contester l’hégémonie de l’Occident et sa main mise en tant que matrice de pouvoir et de savoir par son économie capitaliste néolibérale et son euro-nord-américano-centrisme. Car le constat d’ échec de la rationalité occidentale, de la Théorie aussi bien critique que sociale, est flagrant. A bout de souffle elles se sont avérées incapables de fournir les gages de progrès et d’émancipation promis par la Modernité, qui avaient jusqu’ici légitimé la supériorité occidentale. Elles ne l’ont pas moins été de penser les conséquences «du basculement des mondes, de leurs oscillations, de leurs tremblements et de leurs déguisements.» Selon Achille Mbembe, la pensée occidentale a échoué à rendre compte d’un rapport au temps vécu qui « n’est pas une série ou une succession de moments, passés mais un emboîtement de présents, de passés et de futurs qui tiennent toujours leurs propres profondeurs d’autres présents, passés et futurs, chaque époque portant, altérant et maintenant toutes les précédentes. » (Mbembe, 2013). Aussi des penseurs issus des périphéries coloniales font état de nouvelles propositions d’être au monde. Ils ne se contentent pas de contester les effets dévastateurs de la globalisation néolibérale, de l’hégémonie culturelle de l’Occident ou du mythe de l’universalisme, mais ils élaborent et proposent de nouveaux projets d’être et de vivre-ensemble. Selon eux, il faut passer à une « transmodernité » émancipatrice en recourant aux potentialités alternatives des « Autres », éludées jusqu’à présent, et permettre ainsi à d’autres cultures assignées à cette extériorité caractétisée par Enrique Dussel, de s’asseoir à la table du dialogue avec la rationalité occidentale.

L’hégémonie occidentale sur la connaissance a aussi créé une injustice épistémologique au détriment des savoirs et visions du monde des peuples du Sud qui sont éludés et infériorisés. En rendant compte de leurs absences mais émergences aussi, le sociologue portugais Boaventura De Sousa Santos propose une alternative à la pensée unique et à l’uniformisation du monde. Il prône notamment l’approche d’une science du «sens commun » en vue d’élargir l’accès à la connaissance. Il se fait le chantre d’un dialogue pluriculturel adossé à des expériences et formes de connaissances diverses à même de renouveler les sciences sociales et repenser le projet d’émancipation promis par la Modernité, avec le dessein de bâtir une nouvelle humanité en harmonie avec un nouvel environnement.

Le XXIè siècle montre que l’Europe n’est plus au centre du monde et qu’on ne peut plus penser une histoire universelle seulement à partir de la sienne. Pourtant ses catégories de pensée et ses concepts politique persistent dans les sciences sociales, l’histoire et la science politique. Or la pensée européenne, aussi encore utile puisse-t-elle être, est inappropriée pour analyser et comprendre la modernité politique dans les nations de la périphérie.  Des travaux récents  de chercheurs attelés au rapport de la modernité à la colonialité, ont alimenté les questionnements de la théorie critique latino-américaine. Son apport essentiel est celui d’une déconstruction du récit ethnocentré et européen de la modernité. A l’aune de la colonisation ibérique du Nouveau Monde comme étant à l’origine de la formation du monde moderne et capitaliste, ces chercheurs à la fois sud-américains et caribéens ont démontré un caractère intrinsèquement colonial de la modernité occidentale : la violence impériale n’est pas entrevue comme un effet collatéral des différentes facettes d’une modernité généralement conçue comme étant émancipatrice, mais comme l’un des éléments fondateurs de pouvoir alliant paradoxalement un discours progressiste à des stratégies oppressives.

Du naître-aux-mondes au faire-monde

Il est grand temps de dépasser les apories de la modernité occidentale et d’en finir avec une  colonialité multiforme qui ne s’est pas éteinte avec les décolonisations. Sa nocivité ontologique et épistémique ont produit un système de pouvoir agissant au niveau planétaire. Celui-ci propage une vision récurrente qui réduit les nations du sud à des exemples d’indigence, de défaut et d’incomplétude. Malgré des avancées civilisationnelles indéniables en matière de santé, technologie, confort, et une mondialité communicationnelle qui rapprochent les humains, l’espace relationnel n’en est pas devenu plus égalitaire et pacifié pour autant. Au contraire, il est toujours l’enjeu de luttes pour la captation et la possession. Il y a plus de vingt ans déjà, Arjun Appadurai dessinait une une nouvelle “cartographie” de la scène mondiale où figuraient tour à tour les paysages économiques, médiatiques et “ethniques” formés par les flux humains qui bouleversent les sociétés, aussi bien à l’intérieur qu’à l’extérieur de leurs  frontières. Il n’est pas surprenant qu’il ait titré son livre Modernity at large (la modernité sans bornes, planétarisée) après qu’il ait montré comment ces paysages mouvants créent des “communautés imaginées” transnationales d’un genre nouveau, agglomérées  en “sphères publiques diasporiques”. Grâce à la révolution médiatique, l’ imaginaire a abandonné l’espace d’expression spécifique de l’art, du mythe et des rites pour faire désormais partie, dans de nombreuses sociétés, du travail mental quotidien des gens ordinaires”. (Appadurai, p. 31) Parmi ces “confréries” transnationales, l’anthropologue indien redoutait déjà les nationalismes ou confessionnalismes violents qui ont défrayé la chronique à l’échelle mondiale ces dernières années. Selon lui, les États-nations ont entamé leur “phase terminale”, incapables de maitriser les flux qui franchissent leurs frontières.

Le système qui régit les relations internationales, politiques, économiques et sociales, est fondé sur des « politique de l’inimitié » (A. Mbembe, 2017) adoptant jusqu’aux principes de la guerre pour le gain de bénéfices exclusifs. Or comme en réaction à ces rapports hostiles voire belliqueux, se multiplient particulièrement chez les jeunes, des liens qui veulent refaire société dans l’urgence en renouant et comptant avec la solidarité et la réciprocité. Face au sentiment grandissant d’impuissance répandu dans la population en défiance vis à vis de politiques dépourvus de capacité d’action et accusés de brader la puissance publique, des artistes ont déjà endossé la responsabilité de traduire la catastrophe annoncée par les scientifiques.

Au delà de nouvelles pratiques sociales, cette quête de pacification et d’harmonie se joue aussi dans l’imaginaire de la relation à ses semblables, à l’Autre, en somme à tout notre environnement vivant. Son enjeu et aussi celui d’une humanité qui se reconnaisse davantage dans sa diversité, sa richesse, sa multiplicité mais surtout dans son unicité fondamentale, capable de contrecarrer l’entrave à la circulation des personnes les plus pauvres, le repli sur soi et l’érection de murs et barbelés autour des lieux exclusifs des plus riches. Il y a exactement dix ans à la Chapelle du Verbe Incarné lors du Festival d’Avignon – le 13 juillet 2009 – Edouard Glissant disait « plus nous connaissons le monde et plus nous sommes ramenés à une espèce de nécessité qui est de décider par nous-mêmes, aux tréfonds de nous-mêmes, sans l’aide d’aucun système, religieux par exemple ; ça ne veut pas dire qu’on n’est pas religieux, ça veut dire que l’unanimité religieuse ne marche plus. Ce qui marche, c’est la foi personnelle et dans ce cas, il nous reste l’intuition et la divination de notre rapport à nous-mêmes, à l’autre, à autrui qui peut être notre voisin mais aussi à l’autre lointain, encore inconnu et que peut-être nous ne connaîtrons jamais mais qui est là, présent à nos consciences, à notre inconscient et au monde. »

La vision de la terre vue du ciel par les astronautes, provoque chez tous une même réaction psychique, le double sentiment d’un profond attachement et d’un manque à la fois comme s’il correspondait à une prise de conscience de l’isolement de la vie et de la fragilité de la planète bleue dans l’infini du cosmos. Ce dont ses habitants n’ont pas pris la mesure. Selon les calculs de l’ONG Global Footprint Network, dès le lundi 29 Juillet 2019, l’humanité vivra à crédit car elle aura déjà épuisé toutes les ressources naturelles procurées par la planète . Actuellement, la population terrestre utilise les ressources écologiques 1,75 fois plus vite que les capacités de régénération des écosystèmes. Les français utilisent les ressources de 2,7 planètes, les américains de 5. Et quand le Qatar a atteint son jour de dépassement le 11 Février, l’Indonésie ne le fera que le 8 décembre prochain. Alors, à l’ère de l’anthropocène, il ne s’agit plus d’investir le monde en partant à sa conquête, mais d’être à et avec lui pour édifier aujourd’hui une nouvelle société du vivant qui élargisse la communauté de ses ressortissants. Pour cette reconception, d’aucuns tels Philippe Descola, en appellent à une ouverture de ses frontières aux espèces animales et végétales et à ceux venus ou à venir d’un ailleurs géographique ou temporel. Il s’agit de repenser notre manière d’être au monde et d’y demeurer en se défaisant de la culture de notre expansion et de son exploitation.

L’art comme expériences

Comment une école d’art peut-elle contribuer particulièrement à l’établissement d’une nouvelle économie des relations au monde, nourricière et féconde pour tous ? Ce projet passe par un renouvellement des imaginaires de la relation humaine, socio-politique, économique, inter-culturelle (cf. la Relation de Glissant). Or l’imaginaire est une des manifestations essentielles de la psyché: fruit de l’imagination, il consiste en la capacité d’un groupe ou d’un individu à se représenter le monde à l’aide d’un réseau d’association d’images qui lui donnent un sens.

La création artistique est certainement la voie la plus accessible dès le plus jeune âge, qui fait appel à la mobilisation et l’entretien de l’imaginaire. L’imagination emprunte déjà sans hésitation aux images, représentations, récits et langages plastiques produits ailleurs, grâce aussi à des précurseurs d’une vision transnationale et même transfrontalière de l’art, même si c’est parfois encore sans reconnaissance de leurs auteurs. On peut parler aujourd’hui d’une communauté mondiale qui, après celles de genres artistiques, bouscule les catégories géographiques. L’artiste Pascal Lièvre est un représentant de ces artistes minoritaire, appropriationniste, hors norme et pratiquant de l’intersectionnalité.  (cf par https://www.arte.tv/fr/videos/074719-006-A/pascal-lievre/)

La fonction de l’école d’art se situe précisément là où elle peut servir à faire monde en de venant école-monde(s) pour tous ses usagers et ses acteurs, en les préparant à savoir séjourner ou habiter dans un nouveau monde. Celui-là pluriel et culturellement décloisonné pour permettre la circulation des personnes, des pensées et des imaginaires de leurs mondes.

Les « beaux-arts » d’Avignon pourraient devenir un poste avancé permanent de ce lieu-monde où peuvent s’imaginer, s’inventer et se façonner des nouvelles humanités qui acceptent de renoncer à une suprématie de la connaissance occidentale tout en faisant place aux cultures et pensées de l’ailleurs pour mieux être capable d’affronter les nouveaux défis mondialisés. Le projet d’établissement « Une école-monde(s) » engage tous ses acteurs dans une perspective d’urgence — à l’instar des moyens en faveur de l’enrayage du dérèglement climatique – qui vise à prendre la mesure d’un tournant civilisationnel sans précédent en train de s’opérer et à une transformation des imaginaires individuel et collectif.

Une école-monde(s) est un espace du discours et de la figuration qui doit jouer un rôle important précisément dans le renouveau de l’imaginaire occidental du monde. Un véritable changement ne se produira que si des structures psychiques de la communauté humaines le (trans)portent afin qu’il soit intériorisé et suscite une adhésion collective profonde jusqu’à implanter une psychologie collective. Il ne peut pas seulement provenir d’une incitation étatique par la loi ou l’éthique, mais nécessite de nouveaux comportements et attitudes, manières d’être ainsi que rapports à soi et au monde fortement structurés et ancrés par et dans la culture autant que l’imaginaire, en tant qu’espaces de production de sens et de signification.Seul le champ d’expression de l’art peut entamer un combat que celui du politique ou de l’économique ne permet plus. Car l’activité artistique, de l’imaginaire et de la pensée, agit au coeur de la psyché des êtres de toute cultures, genres, âges et croyances. Outre l’instruction acquise par la transmission, l’expérience de l’art offre en effet le moyen de développer la connaissance des êtres et des choses par leur pratique et par une confrontation de soi avec le monde.

Nous vivons déjà dans plusieurs mondes, mais le plus souvent à notre insu. La vitesse de transformation de la société et des rapports humains due notamment à l’expansion et la propagation accélérées du numérique en est certainement une des causes majeures. Bien avant l’usage frénétique des outils numériques comme du web, nous vivions sur plusieurs régimes de lieu : celui qu’on appelle le «réel », un autre bien différencié qui est l’ « onirique », d’autres encore distincts mais parfois confondus dans notre culture qu’on nomme le « fictionnel » relevant du « mémoriel « et de « l’imaginaire », le dernier apparu et omniprésent , le « virtuel », et que nous sommes censés emprunter tour à tour sur des régimes de pensée et d’affects essentiellement différents.

Une école-monde(s) s’attache à l’étude de ces régimes à l’aune de l’art comme certainement à d’autres conceptions relationnelles à l’espace et au temps, à condition d’accepter de se déprendre d’un modèle-monde qui serait unique et prédominant. Dans le sillage de Michel Foucault, on pourrait questionner le passage d’une hétérotopie à une utopie,  et dans celui de Marc Augé , d’une école comme non-lieu — non « habitée », non appropriée, non anthropologique — à une école-monde(s) , ou encore avec les penseurs de l’urbanité, la notion de tiers-lieu apprenant après celui d’habitation et de travail. Avec une vision transnationale et même transfrontalière de l’art, l’école-monde(s) est en mesure d’entamer un combat que celle du politique ou de l’économique ne permet plus. Car l’activité artistique, de l’imaginaire et de la pensée, agit au cœur de la psyché des êtres de toutes cultures et croyances, tous genres et âges.

À partir d’expériences et rencontres vécues sous diverses latitudes, lointaines et proches, une école-monde(s) est une espace de télescopages de langues et langages étrangers qui enjoint à renouer avec le détour par l’Autre, à remettre en question ses propres présupposés, comme les implicites de sa culture et sa conception universaliste. Un site exploratoire d’accès aux connaissances par l’art et ses acteurs et qui déploie une géographie de l’ailleurs ainsi que des possibles de la pensée en tant que résistance créatrice contre l’homogénéisation globalisatrice. Un lieu ancré sur son territoire d’où on osera toujours aller vers l’Autre non pas seulement en bonne posture, mais pour risquer la perte de la primauté de sa pensée, et à découvrir l’étoffe de celles venues d’autres mondes.

Une école-monde(s) forme à habiter un nouveau monde, requiert une disposition à la mue. Celle qui fait renoncer à sa vieille peau pour opérer une véritable mutation culturelle en contribuant au renouvellement des structures psychiques de la communauté humaine.

Une école-monde(s) comme lieu d’étude et de connaissance, de pensées et d’imaginaires par l’art, appelée à devenir un espace-temps mouvant où des identités hybrides se forgent à l’aune d’une mondialité loin de tous les universalisme et généralisation.

Une école-monde(s) comme espace de conception et créativité où chacun peut se donner à voir le monde et se mettre en prise avec lui, notamment pour en connaître, modifier et reconcevoir des représentations bien loin de nos poncifs, clichés et stéréotypes.

Une école-monde(s) occupe non seulement un morceau d’espace mais aussi un laps de temps. C’est aussi un segment de vie, puisque c’est le corps humain qui habite tout lieu et qui fait lien avec lui, son environnement.

Quand je suis à L’école-monde(s), je suis aussi là d’où je vois, à mon point de vue.

Lire et écrire « école-monde(s) »

Cette appellation évoque une topique spatio-temporelle capable de mobiliser un ensemble d’ interactions, de rapports symboliques et matériels, pour exprimer une concentration pluriculturelle à même de produire de nouveaux rapports à la connaissance et à terme, sociaux. L’usage de parenthèses d’alternatives veut dire ici qu’on peut choisir entre deux possibilités de compréhension : au singulier ou au pluriel.

« école-monde(s) » ne réfère pas seulement au Tout-monde d’Edouard Glissant appelant ainsi « notre univers tel qu’il change et perdure en échangeant et, en même temps, la “vision” que nous en avons. Interpénétration des cultures et des imaginaires,  le Tout-monde désigne ce faisant la coprésence nouvelle des êtres et des choses, l’état de mondialité dans lequel règne la Relation. Celle-ci étant quantité finie de toutes les particularités du monde sans en oubler aucune . La Relation, c’est notre universel aujourd’hui. Multiple, diffractée et imprévisible, cette mondialité est un espace labile — au propre comme au figuré — où les identités, les langues et les cultures se créolisent et disparaissent, où se forme une nouvelle humanité capable d’affronter l’imprévu.

« école-mondes » intègre aussi l’idée d’un monde pluriel au même titre que celle de la pluralité de mondes, « monde » étant pris dans son acception littérale, géographique, matérielle, mais aussi métaphorique : le monde comme point de vue, comme culture, comme trait collectif, mais aussi comme perception et position, comme repère et comme abîme. Le mot « « monde(s) » englobe dans ce contexte tant les peuples, leurs cultures, traditions, formes artistiques, esthétiques, savoirs, connaissances, et sciences que les individus ; leurs psyché, perception, créativité, engagements, rêves, doutes, monstruosités, etc.

Le projet pédagogique d’une école-monde(s) vise des transmissions (trans)formatrices qui tiennent compte de la pluralité culturelle et épistémologique en incitant tous ses acteurs à un engagement éthique, critique et créatif.

Une pluralité de mondes

Giordano Bruno avait en son temps énoncé une pluralité et même une infinité de mondes dans un vide infini, certes selon une perspective cosmogonique. Si son idée blasphématoire pour les théologiens convaincus de l’unicité de l’univers lui valut le bûcher, aujourd’hui elle interpelle par l’actualité de sa résonance avec la position centrale et prééminente de l’homme civilisé occidental. La pluralité de mondes à l’échelle terrestre apparaît aujourd’hui comme une idée de plus en plus partagée pour envisager un meilleur vivre ensemble planétaire à même de préserver son environnement. Comme l’ancien dominicain, une école-monde(s) initie l’idée que ce dernier puisse ne pas être stable ni unique et qu’il y ait une pluralité (infinie) de mondes autres. Notre monde des attachements et des racines cède la place à la conception de lieux plus événementiels que substantiels qui adviennent plus qu’ils ne sont. Aussi, ne devrions nous pas réexaminer ce que nous appelons «réalité » et «monde réel » à l’heure où se fait jour ce que nous ne pouvons pas mieux nommer que «monde possible», «monde des possibles», ou encore et de manière assez inattendue, « monde virtuel » ?

Fort d’une abondante production d’ouvrages à la fois philosophiques et anthropologiques tous azimuts pour interroger la Modernité dans ses aspects les plus divers – son « anthropologie des Modernes » dont sa sociologie des réseaux techniques et scientifiques auront marqué les esprits – , Bruno Latour développe aujourd’hui une pensée qui s’érige à partir de l’Enquête sur les modes d’existence. Il s’agit d’une investigation empirique à l’aune du pragmatisme doublée d’une négociation diplomatique. Au passage, elle mobilise des outils numériques venant accompagner une version papier de son projet. Celui-ci vise rien de moins qu’un universalisme, pratique celui-là pour être capable d’ affronter toutes les controverses locales, mais aussi écologique en étant susceptible de faire coexister sans certitude le plus de valeurs et de modes d’existence au sein de l’écosystème le plus varié.

Une pensée métisse au banc d’essai

Le mélange et l’hybridation ont toujours existé pour cause d’un phénomène universel d’adoption par un groupe d’éléments de culture(s) différente(s), .et constitutif des cultures par l’émulation et la créativité.

Même livrés à une critique sévère pour réexaminer les catégories canoniques – économie, politique, art, culture, etc. – qui cloisonnent, conditionnent et systématisent les recherches occidentales, leurs outils, à eux seuls, sont bel et bien devenus surannés. Car ce ne sont pas les insuffisances documentaires ou archivistiques qui suffisent à justifier les manques et défaillances de la production savante encore récemment, mais plutôt une volonté délibérée d’ignorance de certaines contrées pour n’en retenir qu’une information très parcellaire. Comment alors remédier à cet échec ?

Comme Serge Gruzinski, il faut peut-être s’en remettre aux méthodes de l’historien plutôt qu’à celles du sociologue, de l’ethnologue ou de l’anthropologue. Ces disciplines n’ont pas réussi à convaincre sur le long terme et demandent un dépassement de leurs thèses teintées d’archaïsme et d’exotisme nostalgique. Par exemple, beaucoup de traits caractéristiques des sociétés indiennes de l’Amérique  ne proviennent pas d’une origine préhispanique auquel l’ethnologue nostalgique  a eu tendance à les rattacher, mais  de la péninsule Ibérique. Autrement erronée, la méthode de l’anthropologie structuraliste a ainsi fait de l’Amazonie le conservatoire de “la pensée sauvage”. Pour ne pas emprunter ces démarches,  il reste des sources aujourd’hui encore accessibles mais inexploitées par les ethnologues. N’ayons pas la mémoire courte ni le regard myope ! 

Les expériences coloniales furent les premières manifestations de la mondialisation en ce qu’elles firent naître des lieux de métissages et des espaces hybrides. Serge Gruzinski précise « qu’il y avait déjà au XVIe siècle, (…) à cause de l’Espagne et du Portugal, un premier empire planétaire, qui fait le tour du monde ». Des européens rencontrent des africains, des indiens et, aux Philipines, à Nagasaki, et Macao, des asiatiques. Il ne s’agit certes pas du brassage avec l’ampleur que l’on connaît de nos jours, mais d’un processus qui se met en place et qui vaut la peine que l’on regarde ses effets de plus près. C’est ce qu’il fait dans une histoire de la pensée métisse qu’il propose par le biais de modèles historiques permettant d’ analyser la situation nouvelle créée par la mondialisation. La première rencontre au Mexique du XVIe siècle, entre espagnols et « indiens » a été le point de départ d’un entremêlement forcé de leurs cultures à travers des chants, fresques ou récits au point qu’elles deviennent indissociables. C’est ainsi que se tisse une « pensée métisse » dont Serge Gruzinski analyse les mécanismes de construction de cette forme de pensée métisse en passant des sierras du Mexique à la Florence des Médicis, et des films de Peter Greenaway au cinéma de Hong Kong. Ce processus ne fut pas exempt d’une réciprocité puisque sa manifestation peut se constater en Espagne, au Portugal comme dans la cité florentine. Cette manière d’investigation, tant en histoire qu’en anthropologie, montre bien comment on peut démêler l’entrelacement des brassages qui, au cours des XVIe et XVIIe siècles, se tissèrent non seulement au Mexique mais plus globalement dans toute la région amazonienne. 

Cette analyse s’entreprend en utilisant les vestiges encore accessibles des confrontations passées. Ce sont surtout les images et plus particulièrement celles fournies par la peinture et les lieux qu’elle dote, telles les fresques allégoriques des édifices religieux. Au Mexique, on peut relever sur des peintures de couvents, le témoignage  d’une assimilation et d’une appropriation des Métamorphoses d’Ovide. Pour autant de relations réciproques établies entre l’Occident et le monde amérindien aux xvie et xviie siècles, est-on en mesure d’élaborer une pensée du métissage ?  Quand Jean-Loup Amselle suggère la notion de « logique ». Or le concept de logiques mimétiques ou métisses suppose « un automatisme, une rationalité, voire une inéluctabilité que démentent les sources » répond Serge Gruzinski qui propose celle de « dynamique(s) » par lesquelles se sont propagés] « des effets de convergence, d’équilibre et d’inertie, qui ont produit à leur tour de nouvelles formes de vie et d’expression. Des traits de toutes provenances […] se sont alors agglutinés pour former des pôles stabilisateurs ». L’étude formelle des processus de métissage suppose l’acceptation d’une part non négligeable d’un caractère imprévisible dont témoigne la nouveauté et à l’invention.

L’ école-monde(s) face au réel

Après qu’il fut déjà celui de la chrétienté à l’aube de la Renaissance, Avignon est un lieu-monde affirmé comme tel aujourd’hui grâce au rayonnement international du festival de théâtre. Mais celui-ci n’étant encore que trop élitiste et juillettiste, la population de sa ville d’accueil n’en a pas été transformée pour autant si l’on en croit le très fort taux de l’électorat sensibles aux sirènes d’alarme xénophobes et d’invasion régulièrement déclenchées intempestivement par l’extrême droite.

Avec 40 % de la population de moins de 30 ans, au 3ème rang national pour les étudiants internationaux et des régions les plus attractives pour les implantations d’entreprises étrangères, Avignon est à sa manière une ville-monde jeune. Le territoire du Grand Avignon totalise environ 17 000 entreprises et 80 000 emplois pour une population d’environ 186 000 habitants répartis sur 15 communes. A ce panorama socio-économique enviable, il faut cependant ajouter l’identification de concentrations de pauvreté dans les quartiers d’habitat social de l’agglomération : Avignon apparaît comme le territoire figurant au premier rang régional du taux de pauvreté. Cette situation est source de fractures voire ruptures sociales mais aussi culturelles dans la population. La politique volontariste de la Ville parvient difficilement au comblement d’un fossé symbolique entre l’intra et l’extra muros. En tant qu’ école-monde(s) prônant l’ouverture à l’Autre, l’EsaA aurait un rôle à tenir de franchissement des frontières par l’art et la création pour un mieux vivre ensemble. Un des outils ciblés par la communauté d’agglomération regroupant pas moins de 15 communes, est la promotion et le développement de l’économie sociale et solidaire (ESS) encouragée par la loi du 31 juillet 2014 qui reconnaît l’intérêt public d’un mode d’entreprendre différent. On peut en effet gager que le développement économique sera réaffirmé comme l’une des priorités majeures de la Communauté d’agglomération et de son projet politique pour la période 2021-2027.

L’école supérieure d’art d’Avignon devrait être comptée parmi les instruments de formation par l’art et la créativité, à l’initiative entreprenariale et la conception de projets. (Cela suppose la réalisation d’une étude sur le devenir et l’insertion professionnelles des diplômés d’Avignon, aussi bien en conservation-restauration qu’en création.) Avec un projet d’école-monde(s), l’EsaA pourrait ambitionner de dépasser positivement les chiffres nationaux de 2003 indiquant que près de six diplômés sur dix (57,9 %) entraient en activité professionnelle dont 65,9% en emploi salarié et 34, 1% en emploi indépendant *. Cette étude concluait sur le regard porté par les diplômés sur leur parcours et la valeur exemplaire donnée à leur décision “de faire” une école d’Art. Quasiment aucun (1,5%) ne regrettait le bien-fondé de cette orientation et quatre diplômé.e.s sur cinq déclaraient que s’ils devaient choisir de nouveau, ils referaient la même formation et la même option à condition que la préparation à l’insertion professionnelle soit renforcée.

* Les Diplômés DNSEP 2003 . Enquête nationale sur le parcours d’insertion professionnelle, IREDU – CNRS – MCC – DGCA – 2003)


Biblio – sito- graphie de référence.

ABBAS A. Hong Kong. Culture and the Politics of Disappearance, NED / University of Minnesota, 1997

AMSELLE J.-L., J, Logiques métisses. Anthropologie de l’identité en Afrique et ailleurs, Paris, Payot, 1990

APPADURAI A., Après le colonialisme. Payot, 2001

AWAZI MBUMBA KUNGUA B. (dir.), Philosophies africaines, études postcoloniales et mondialisation néolibérale: Variations africaines et diasporiques, L’harmattan, 2018

BONI T., Penser l’Afrique. Des objets de pensées aux sujets pensants, Africultures n° 82 2010/3, https://www.cairn.info/revue-africultures-2010-3.htm

BANCEL N., BERNAULT F., BLANCHARD P., BOUBEKER A., MBEMBE A., VERGES F., (dir.), La fracture coloniale. Les nouveaux visages de la société française, , La découverte, 2010

BANCEL N., BLANCHARD P.,VERGES F., La République coloniale. Essai sur une utopie, Albin Michel, 2003

BLANCHARD P., LEMAIRE S. (dir.), Culture coloniale. La France conquise par son Empire : 1871-1931, , coll. Mémoires n° 86, 203

BOURGUIGNON ROUGIER C., COLIN P., GROSFOGUEL R. (dir.), Penser L’envers Obscur De La Modernité – Une anthologie de la pensée décoloniale latino-américain, Pulim / coll. “Espaces Humains”, 2014.

BRISSON Thomas, Décentrer l’Occident. Les intellectuels postcoloniaux, chinois, indiens et arabes, et la critique de la modernité, La découverte, 2018

CRELLER A. B. , Making space for knowing : a capacious approach to comparative epistemology, Lexington Books, 2017

CHAKRABARTY D., Provincialiser l’Europe: La pensée postcoloniale et la difference historique, Amsterdaml, 2000

CHAKRAVORTY S. G., Les subalternes peuvent-elles parler ?, Amsterdam, 2009

DESCOLA P., La composition des mondes , 2017

DE SOUZA SANTOS B., Epistémologies du sud,

DIAGNE S. B., AMSELLE J. L., En quête d’Afrique(s). Universalisme et pensée décoloniale, Albin Michel, 2018

DIAS PIRES A., Perspectiva decolonial da arte, Novas ediçoas academica. Por uma desobêdiencia epistêmica decolonial acerca da arte na educaçao escolar, Novas ediçoes academicas, 2018

ELAME E., La pédagogie postcoloniale, L’Harmattan Cameroun, 2017

ESCOBAR A., Sentir-penser avec la Terre. L’écologie au-delà de l’Occident, Seuil, 2018

DIAGNE M., De la philosophie et des philosophes en Afrique noire, Paris, Karthala, 2006

FREIRE P., Pédagogie de l’autonomie, Eres, 2013

GLISSANT E.,Traité du Tout-monde, Gallimard, 1993

GRUZINSKI S., La pensée métisse, Fayard / Pluriel, 1999

KALBERG S., La sociologie historique comparative de Max Weber, La découverte, 2002

LATOUR B., Enquête sur les modes d’existence. Une anthropologie des Modernes, La Découverte, coll. « Hors collection Sciences Humaines », 2012 https://journals.openedition.org/sociologie/1573

                   Face à Gaïa. Huit conférences sur le nouveau régime climatiqu, La découverte; 2015.

LEMAIRE J., Enjeux patrimoniaux en contexte postcolonial: Patrimoine Et Développement En République Démocratique Du Congo, 2017

MALCOLM F., Une écologie décoloniale. Penser l’écologie depuis le monde caribéen,Seuil, Oct. 2019

MBEMBE A., De la postcolonie,  Karthala, 2000 / https://journals.openedition.org/etudesafricaines/1504

                          Politiques de l’inimitié, La découverte, 2017

MIGNOLO W., ESCOBAR A., Globalization and the decolonial option,Routledge, 2013

MOURA J.-M., Littérature francophone et théorie postcoloniale, PUF, 2013

PALAÏ C ., D.(dir.), Postcolonie, postcolonialisme et études postcoloniales. Bilans et perspectives pluridisciplinaires, Panafrika / Silex / Nouvelles du Sud en coédition avec NENA, 2017

ORTIZ OCANA A., Configuralogía. Una epistemología para la investigación decolonial: Decolonizar las ciencias sociales, urgencia/emergencia de una epistemología “otra”, decolonialidad de la metodología, EAE, 2018

RAMOS Juan G., Sensing decolonial aesthetic in Latin Amrerican arts, University of Florida Press, 2018

RAMOS Juan G., DALY Tara, Decolonial Approaches to Latin American Literatures and Cultures, auths & eds., 2016

ROUEFF O.,  Kanaky Nouvelle-Calédonie : Situations Décoloniales, Mouvements N° 91, 2017

TEMPELS P. , La philosophie bantoue, Présence africaine, 1945

VERGES G., Un féminisme décolonial, La Fabrique, 2019

ZAHRA A. & DAYAN HERZBRUN S.(dir.), Pluriversalisme décolonial, Tumultes n°48, 2017

 

Gaspard SALATKO fausse compagnie à l’EsaA.

G. SalatkoPour des raisons non communiquées, Gaspard Salatko a brutalement fait savoir le 15 Juillet dernier par sa démission qu’il mettait un terme à ses  fonctions d’ enseignant en anthropologie sociale à l’Ecole supérieure d’art d’Avignon.

D’abord à mi-temps  après le départ de Jean-Pierre Cometti en Juin   2014, il a exercé ensuite à temps complet à partir de 2017. Dans le sillage du philosophe, en duo pluridisciplinaire avec Marc Maire,   il aura régulièrement contribué à la tenue des séminaires  de Master et, individuellement,  au suivi global de la rédaction des mémoires du diplôme de fin de second cycle avec un entretien de leur qualité certain. Néanmoins et très étonnamment, son “animation” pourtant déclarée du carnet de recherche Semin’R, n’aura donné lieu à aucune production du moindre billet ou article comme pour se garder de toute compromission dans un support de trop faible impact factor.  Cela dit et en fin de compte,  par son positionnement d’anthropologue pragmatiste, il aura contribué à assurer honorablement la continuité  du parti-pris méthodologique de la formation avignonnaise en conservation-restauration, partisane de son émancipation en tant que discipline à part entière. 

Alors comment expliquer un cheminement contrasté et  cette cessation inopinée ?

Dans une situation professionnelle  pérennisée et des conditions de réalisation confortables, Gaspard Salatko en était venu dernièrement et de son propre chef, à professer une “anthropologie appliquée à la conservation-restauration” avec une soudaine ambition d’autorité de surplomb, certainement  du haut de son  doctorat en anthropologie sociale et ethnologie. Ce dessein s’est traduit récemment par des initiatives empressées d’affranchissement sous couvert de sa charge de coordinateur de l’année M2. Pourtant celle-ci ne lui  avait été confiée que par commodité et répartition organisationnelle faute de direction pédagogique. Ces dispositions tant personnelle qu’administrative ne relevaient donc pas du choix concerté  de l’anthropologie sociale comme devant permettre à elle seule une démarche épistémologique et méthodologique en conservation-restauration de biens culturels, selon la formation  d’Avignon,

Aussi, avec une compétence hors-sol en sciences  sociales comme en conservation-restauration — mis à part  le champ du patrimoine catholique — et  trop peu pratique en réseau personnel confiné ,  il se pourrait que l’avenir de cette prétention lui soit apparu fortement  compromis peu après l’arrivée de son nouveau directeur,  Alfredo Vega – Cardenas.  En effet, artiste et conservateur-restaurateur que fut ce dernier et enseignant-chercheur qu’il est toujours,  il demeure réfractaire à  tout assujettissement disciplinaire de la conservation-restauration quand ce rang ne lui est pas encore acquis. Subitement à l’étroit, Gaspard Salatko se serait alors mis en quête d’un nouveau point de chute.

A lire son interminable CV de bénédictin en ligne non sans quelques appropriations léonines,  d’aucuns y avaient vu l’appel du pied permanent à quelque  recrutement académique plus prestigieux que celui de l’EsaA. Plus récemment des signes avant-coureurs  pouvaient présager d’un malaise irrésolu, mais certainement pas d’un litige sans autre issue qu’une dérobade mutique et indigne en de telles circonstances. Quoi qu’il en soit de ces hypothèses ou conjectures, dommage que la situation n’ait pas donné lieu à un souhait de dialogue de sa part avant l’annonce de  son échappatoire  sous le sceau d’un inconcevable catimini: une formule lapidaire de renoncement strictement de rigueur en guise d’une ultime apostrophe aphone.

Mais dans la mission qui est la nôtre, personne n’est irremplaçable afin qu’elle se poursuive toujours au meilleur bénéfice de ses destinataires. Comme après le départ de Jean-Pierre Cometti — annoncé lui en temps utile — la formation en conservation-restauration d’Avignon a sans doute l’occasion de renouveler le gabarit de son enseignement en second cycle,  certes au pied levé, mais déjà avec  la présence très impliquée de Salma Ghezal, docteure en chimie, celle plus ponctuelle d’Alfredo Vega-Cardenas, et des contributions multipliées de séminaristes en prévision.

Formation continue ARAAFU

ARAAFU FORMATION

L’Araafu propose les formations : 

Prélever des objets archéologiques fragiles :
principes, gestion et fouille


1 journée – Lundi 18 novembre 2019
Lieu : Centre Antoine Vivenel – 17 rue James de Rothschild – 60200 Compiègne

Date limite d’inscription : 3 novembre 2019
Télécharger plaquette et bulletin d’inscription Prélèvements

Apports de la radiographie X en archéologie :
principes, usage et lecture de clichés


2 journées – Mardi 19 et mercredi 20 novembre 2019
Lieu : Centre Antoine Vivenel – 17 rue James de Rothschild – 60200 Compiègne

Date limite d’inscription : 3 novembre 2019
Télécharger plaquette et bulletin d’inscription Radiographie X
IL RESTE DES PLACES !

Utilisation de FileMaker Pro

2 journées – Jeudi 7 et vendredi 8 novembre 2019
Lieu : AGECA, 177 rue de Charonne 75011 PARIS

Date limite d’inscription : 7 octobre 2019
 
Télécharger plaquette et bulletin d’inscription FileMaker Pro
 
VOUS POUVEZ RETROUVER TOUTES LES FORMATIONS ET LES BULLETINS D’INSCRIPTION SUR LE SITE
 
 
POUR VOUS INSCRIRE :

– imprimer la 2e page de la plaquette,
– remplir et signer le bulletin d’inscription,
– l’adresser au secrétariat : Araafu (Mme Blind) 21 rue d’Annam 75020 Paris
– accompagné de votre paiement
(sauf organismes de formation et institutions payant a posteriori : dans ce cas remplir le 2e volet du bulletin et joindre les modalités de paiement et facturation).

N.B. Les chèques servent de garantie à votre inscription mais ne seront encaissés qu’après la formation

Pour le FIF-PL, nouvelle procédure : nous transmettre avant le stage le document “attestation de présence” correspondant à votre code NAF que vous pouvez trouver sur le site du FIF-PL

Araafu
t. 06 95 129 222 – Site internet : http://araafu.com– secretariat@araafu.com

Conservation-restauration de productions dîtes “ethnographiques”.

Surtout depuis la Renaissance, des millions d’objets ont été rapportés par des chefs de corps expéditionnaires, missionnaires, marchands, explorateurs et accumulés tels des trophées dans leurs cabinets de curiosités pour constituer des collections savantes. Cette collectionnite s’est poursuivie avec les conquêtes coloniales, dès le XVe siècle en Amérique et au XIXe siècle avec un autre dessein: la domination de l’Europe pour prendre possession de territoires et de peuples « primitifs » considérés comme l’antériorité de la civilisation européenne. Pour légitimer l’entreprise d’enrichissement, de nouvelles sciences apportent leur caution: l’ethnologie et l’ethnographie. Même si ce sont les cabinets de curiosité qui sont à l’origine des musées d’ethnographie, de nouveaux lieux similaires sont bâtis pour abriter les artefacts de populations classées par ethnies et par tribus afin de les mettre à la disposition d’un public avide de curiosité et d’exotisme. Créés à l’apogée de la période coloniale ils sont devenus un sujet tabou après les indépendances africaines jusqu’à la polémique lors de la fermeture du Musée de l’Homme. Que faire d’ immenses collections jugées par d’aucuns inutiles et conservées à grand frais ? D’une vocation d’exhibition d’artefacts, us et coutumes ils ont muté avec l’objectif de montrer et transmettre un savoir plus anthropologique. Cette transformation est sans aucun doute liée à une évolution de la discipline après les indépendances africaines. Après une visée descriptive, l’ethnographie s’est réorientée vers un objectif d’analyse et d’explication correspondant plus à l’anthropologie culturelle. Cela étant, la monstration de connaissances anthropologiques relevant de la conceptualisation ne peut pas s’en tenir aux procédés mis en œuvre par l’ethnographie dans ses musées. Comment exposer des objets anthropologique,s qui dépassent une seule fonction ethnographique, pour en révéler les propriétés ou valeurs anthropologiques ?

La muséographie emprunte encore la mise en vitrine naturaliste en déployant ses indications sur des cartels parfois très approximatifs voire erronés. En quoi la reconception de la méthodologie de la conservation-restauration peut-elle elle contribuer à réparer la trahison d’une méconnaissance des modalités culturelles de perception et d’usage d’un objet ? Le remarquable musée laïque d’art sacré de Pont Saint-esprit, initié par son visionnaire conservateur Alain Girard dès 1996, offre dans une vitrine deux visions semblables: la statue foncée d’une maternité africaine dont la mère et l’enfant sont devenus anonymes, à côté d’une vierge à l’enfant polychrome qui nous est familière. Grâce à la présentation qui procède d’une démarche de désenclavement cultuel et d’égalitarisme culturel. La représentation de la mère du Christ, au-delà de sa valeur artistique et esthétique, est investie de sens pour le visiteur en ce qu’elle réfère à une épistémè judéo-chrétienne dont il peut de par sa culture tirer lui-même une explication face à la sculpture . Un ressortissant de la culture qui a produit la maternité africaine n’aurait pas davantage besoin d’explications pour comprendre la noirceur du bois imprégné d’une substance “mystérieuse” et “sale”. Les objets et le discours anthropologiques doivent produire une véritable expérience culturelle pour dépasser l’étiquetage ethnographique. Le Musée du Quai Branly n’a pas réussi en un seul parti pris muséographique, à concilier exigences scientifiques et esthétisation des objets. C’est que les systèmes classificatoires qui président à la mise en vitrine des autres cultures et à celles des oeuvres esthétiques sont incompatibles. La conservation-restauration n’a-t-elle pas un rôle déterminant à jouer dans l’entreprise de révision du système classificatoire et de l’utilité sociale du musée ou de l’exposition ? Il semble que la muséographie ait toujours à endosser le rôle de diffusion des connaissances anthropologiques et la sauvegarde du patrimoine culturel. Alors il faudrait que des enseignements artistiques, d’esthétique et de technologie intègrent les programme de formation à l’ethnologie et l’anthropologie. L’enjeu étant à l’ère de d’une homogénéisation culturelle forcée, une vision plus exacte et une meilleure connaissance des autres et de nous-mêmes.

A l’ESAA, un enseignement de la conservation-restauration de productions ethnographiques  et d’art contemporain, dont la simultanéité se justifie par un certain nombre de parallèles établis entre elles : leur caractère éphémère, un choix de matériaux ou matières très large et particulier, une dimension performative et/ou interactive, leur attachement à un in situ, un contexte de ritualisation hic et nunc, etc. . Il propose l’acquisition de connaissances élémentaires, à la fois par des notions et questions fondamentales évoquées à l’école mais aussi par une expérience intégrée à des collections publiques. Les enseignements tendent à une rupture de la logique binaire théorie / pratique. Ils sont répartis dans la semaine toujours en regard et complément d’une immersion dans un chantier prospectif dont le terrain est le musée et ses collections. Les sessions de travail comprennent aussi la fréquentation d’institutions différentes, musées de genres différents, archives, et celle de conservateurs /trices de musée, archivistes, commissaires d’exposition, artistes, et autres chercheurs. Ce qui pourrait s’apparenter à une investigation scientifique, historique, anthropologique et ethnologique de la collection et du musée, vise à en démêler, par l’enquête de terrain mais aussi sur des artefacts, et faire apparaître les multiples facettes épistémologiques qu’ils recouvrent, et au sein desquels ces biens culturels peuvent prendre des sens multiples.

Artefacts ethnographiques

La plupart des objets ethnographiques conservés dans les institutions publiques européennes ont été rapportés voire récoltés par des voyageurs, militaires, scientifiques et colons dès le début de la conquête de nouveaux territoires par des corps expéditionnaires venus d’Europe. Les informations que ces artefacts recèlent à propos de leur fabrication, usage, échange ou valeur, permettent à la fois de mieux les comprendre et de connaître les liens sociaux auxquels ils participent ou même qu’ils déterminent. Mais ils peuvent être aussi les pièces à conviction de nos propres fonctionnements et regards vis à vis de l’altérité, et peut-être même une nouvelle source de découvertes en faveur de la réparation et de la préservation de la planète.

La conservation-restauration des objets ethnographiques s’applique à des artefacts issus de cultures et d’époques, plus ou moins temporellement et spatialement, éloignées des nôtres. Celle-ci contribue à alimenter une sorte de miroir à multiples facettes qui reflète la dissémination et l’être-au-monde de groupes sociaux ou populations partout sur la planète. Son angle d’approche s’attache à faire état de caractères physiques, fonctionnels, symboliques et esthétiques de manière indissociable, avec le souci de l’évitement de tout européocentrisme. De sorte qu’elle peut contribuer à faire valoir une grande pluralité épistémique sans hiérarchie au lieu de perpétuer le soulignement latent d’une diversité implicitement infériorisée en référence à la norme. Au croisement de toutes les approches des objets ethnographiques, la conservation-restauration pourrait être une voie de rupture avec la seule visée d’une différenciation des cultures dont l’enjeu est une distinction qui s’oppose au même, à l’identique.

Outre un objectif de professionnalisation en réponse aux besoins actuels principalement des institutions publiques, la formation en conservation de l’ESAA propose un enseignement à caractère prospectif. La comparaison des cultures n’enjoint pas au déplacement de chez soi après qu’on a fait la différence et distingué le même de l’autre chez lui. Or, plutôt que de s’en tenir à la mesure de la différence, la confrontation aux artefacts venus d’ailleurs pourrait être un éveil à un autre possible, d’autres possibles de la pensée dont les témoins culturels ne seraient plus définitivement tenus à distance mais susceptibles de venir prendre place dans notre propre épistémè.

Objets techniques et scientifiques

Dans le domaine de la conservation-restauration, il  arrive que l’on rencontre une distinction séparative entre “objets techniques et scientifiques” et “objets ethnographiques” telle qu’ à la Hear de Neuchâtel (Suisse) qui propose les spécialités “Objets archéologiques et ethnographiques” et ” Objets scientifiques, techniques et horlogers”. Or un objet technique ou scientifique n’est il pas un objet ethnographique à part entière ? Pourquoi les objets ethnographiques ne comprendraient pas ceux qui sont “techniques” ou “scientifiques” ?  Comme le disait justement Rémy Geindreau (http.wordpress.com/2014/06/15/par-dela-objets-techniques-et-objets-ethnographiques/), ” qu’est-ce qui sépare le masque du chamane de celui du soudeur ?  Rien… Il n’y a pas tant de différence entre les artefacts du Musée J. Chirac – Quai Branly et ceux du Musée des Arts et Métiers.” Alors est-il pertinent de continuer à  réduire  Le mode d’existence des objets techniques à un utilitarisme, une efficacité seulement technique pour une production ou un service ? Pourquoi un objet technique  occidental échapperait-t-il au champ ethnographique ? Ce point encore récurrent sous nos latitudes vaut d’être relevé, et mériterait d’être abordé avec nos collègues neuchâtelois(es) qui avoisinent le prestigieux Musée d’ethnographie de Neuchâtel en ce qu’il fut un formidable pionner de nouvelles perspectives ethnographiques sous la direction de Marc-Olivier Gonseth.

Le conservation-restauration qui use de l’enquête de type anthropologique  permet d’aborder et  de comprendre un artefact quel qu’il soit au-delà de tout présupposé. L’accumulation d’ information ne doit pas se limiter à un cadre documentaire qui serait propre à une catégorie à laquelle  serait assigné implicitement ou délibérément cet artefact.  Sa compréhension enjoint à envisager l’objet technique bien au delà de sa fonction utilitaire initiale, en prenant en compte à d’autres modes de fonctionnement sociaux, tel que notamment, sa patrimonialisation et les valeurs qui l’ont motivée. En ayant recours notamment à  la biographie des objets il sera possible d’ interroger objet sur ce qu’il peut  révéler de sa vie et ses répercussion sociales outre sa stricte aire d’utilité ou de productivité.

Contentons-nous de remarquer qu’on ne peut guère, en réalité, appréhender un fait technique qui ne soit aussi, dans le même temps, un fait social, symbolique et économique et que l’effort de l’ethnographie consiste à mettre en lumière cette totalité dynamique.” (MAIROT Philippe, “Musée et technique”, dans la revue Terrain n°16, 1991) [cité par Rémy Geindreau, op.cit.]

Pour aller plus loin …

ROLLAND-VILLEMOT Bénédicte, “Les spécificités de la conservation-restauration des collections ethnographiques”, La lettre de l’OCIM n°56, 1998

Par-delà objets techniques et objets ethnographiques

https://ethnologie.unistra.fr/websites/ethnologie/Collection/Expositions/UDS/Regards/Aide.pdf

 

L’ingénierie de la conservation-restauration à l’EsaA

A les comparer, un certain nombre de parallèles peut être établi entre des productions de l’art contemporain et des artefacts ethnographiques : leur caractère éphémère, un choix de matériaux ou matières très large et particulier, une dimension performative et/ou interactive, leur attachement à un in situ, un contexte de ritualisation hic et nunc, etc. Les méthodes de l’enquête de type pragmatique et documentaire de l’anthropologie telle que l’observation participante ou l’approche holistique en complément voire en remplacement  de l’ approche analytique, peuvent être mobilisées pour l’étude d’œuvres d’art contemporain.

Une approche située

L’approche à caractère anthropologique au service de la conservation-restauration d’un bien culturel vise une compréhension qui repose sur la prise en compte des  conditions situées de fonctionnement ou d’usage de ce bien dans des temporalités et spatialités différentes. Elle enjoint à considérer aussi la teneur des relations sociales auxquelles il a contribué et qu’il a même parfois déterminées. C’est pourquoi la première nécessité du conservateur-restaurateur est de savoir précisément se situer par rapport aux objets, faits et phénomènes sur lesquels il enquête.  A bonne distance qui lui permet de questionner et d’analyser les informations récoltées dans la perspective d’une proposition de son action future, il ne doit pas prendre pour acquis les idées et conclusions produites par des prédécesseurs, ni considérer les catégories ordinaires auxquelles les biens culturels sont rapportés comme prémisses, tout en étant capable de remettre en question ce qu’il croit savoir de son sujet. « L’objet ne se clôt pas sur lui-même à l’instant où on l’observe mais entre, dès sa fabrication, dans différents dispositifs d’usages et de sens, dans des histoires qui ne se superposent pas nécessairement. Marqué du sceau et de l’intention de son créateur plus que de ses détenteurs, qui s’en servent  pour se dire et dire les rapports sociaux où ils agissent, l’objet est le signe et le moyen d’une action. L’historicité des objets nous invite à les inscrire dans la succession des séquences de vie collective où ils ont travaillé. … / … La mise en situation historiée des oeuvres, loin de les placer sous le joug réducteur d’un déterminisme trivial, souligne à l’inverse le travail de création dont elles sont l’aboutissement. L’opposition convenue entre contextualisation et analyse formelle n’a plus raison d’être si l’on considère que toute oeuvre est la réalisation d’une transformation autant politique qu’esthétique, historique qu’artistique. » (Alban Bensa, La fin de l’exotisme. Essai d’anthropologie critique, Paris, Anarchasis, 2006, pp. 248,249.

Occultation de la technique

Toutes ces considérations progressivement établies ont amené la formation de l’Esa d’Avignon à programmer depuis plusieurs années, l’enseignement d’une ingénierie de la conservation-restauration4 de biens culturels, d’abord au croisement de sciences exactes et de sciences humaines et sociales, puis au delà même de leurs frontières de genre. Depuis la publication en 1958 Du mode d’existence des objets techniques, nous avons eu  l’opportunité de faire le constat avec Gilbert Simondon, de l’exclusion progressive de la technique hors de notre culture. C’est notamment par un design épuré d’abord de nos véhicules de transport puis aujourd’hui de nos smartphones, qu’on a visé la dissimulation de leur fonctionnement pour le rendre de plus en plus incompréhensible et invisible. Si bien que  la philosophie des techniques qualifie nos inséparables prothèses communicationnelles, de parfaites boîtes noires. La culture refoule les objets techniques. Cette mise a l’écart de la technique stigmatisée par la théorie marxiste, a produit une triple conséquence : d’abord celle de la diaboliser en occultant son fonctionnement et sa compréhension. Puis celle de la « condenser » en un attachement paradoxal, à la fois inséparable de nous et déplorable parce que imputé aux méfaits de la société moderne, mais pourtant exempt de tout intérêt par et pour la pensée. Enfin  celle de dédouaner l’homme de toute responsabilité.  Qu’il en soit du geek ou du réfractaire absolu, c’est l’ignorance qui crée l’aliénation relative aux techniques. A force d’opposer l’homme à la technique, on finit par oublier son indissociablité de l’humain et ne pas compter dans les sciences de l’homme, les procédés, les outils, les savoirs, savoir-faire et savoir-être.

Une revalorisation de la culture technique

La visée épistémologique et méthodologique dans l’enquête, fait de la culture technique, encore trop cantonnée aux Tecnical studies d’une petite communauté élitaire ou en France aux sciences de l’ingénieur, un objet d’étude à part entière comme les autres centres d’ intérêts des sciences humaines. Elle se trouve en bonne place avec l’histoire, l’histoire de l’art, la muséologie, la sociologie, et la philosophie pour constituer le socle d’une approche à caractère anthropologique à la fois empirique, scientifique et technique des biens culturels pour tenter d’en mieux comprendre le sens  indistinctement des situations avec lesquelles ils sont en prise.  Ne pas déprendre les techniques de leur humanisation, c’est renouer avec le temps où toute production humaine était pensée dans une continuité de la nature à la culture, sans dissociation. Considérer la technique comme une production culturelle humaine relevant pleinement des sciences humaines, c’est aussi reconsidérer la réflexion sur les rapports de l’homme à la nature au cours de l’histoire.

Ingénierie de la conservation-restauration

Cette ingénierie spécifique désigne un ensemble de fonctions qui comprend, dans un premier temps, la réalisation d’enquêtes pouvant conduire à  la production d’études préalables et de faisabilité, de diagnostics et de pronostics,  et la conception de projets globaux. Ensuite, elle inclut la mise en œuvre de traitements spécifiques, techniques ou esthétiques,  l’acquisition et la vérification d’équipement et fournitures adéquats pour leur réalisation en équipe, le contrôle de résultats, et enfin, la livraison de la réflexion et des résultats par la formulation d’un discours argumenté propre à cette ingénierie.

Vers une nouvelle profession d’ingénieur ?

Cette orientation singulière trouve aujourd’hui un écho favorable. Au constat de l’imbroglio sémantique qui sème la confusion entre restaurateur, conservateur et conservateur-restaurateur dans le champ du patrimoine depuis plus de trente ans en France, une conférence réunissant les directeurs et des représentants des quatre formations publiques à la conservation-restauration s’est constituée en 2016 afin notamment de réclamer auprès des pouvoirs publics pour leurs diplômé.e.s, le titre protégé d’ ingénieur.e en conservation-restauration de biens culturels. Cette démarche se place sous l’égide d’un coordinateur missionné par le Ministère de la Culture et de la Communication après la production du Rapport de l’Inspection Générale des Affaires Culturelles (IGAC) sur les répercussions causées par l’inscription des professionnels de la restauration du patrimoine sur la liste des métiers d’art.

1 poste d’enseignante en C-R à pourvoir à l’ABK Stuttgart

À l’ Académie fédérale des beaux-arts (ABK) de Stuttgart, le département de la restauration artistique relève du programme universitaire fédéral et national qui vise la promotion, au sein des universités allemandes, de l'égalité entre hommes et femmes dans les sciences et la recherche (Professorinnenprogramm III) 
Un poste de professeur "avant-gardiste" chargé de la conservation et de la restauration des nouveaux médias et de l’information numériqe (GT3) est à pourvoir le plus tôt possible. La personnalité à représenter représente l’ensemble du domaine d’expertise, depuis les débuts des supports techniques analogiques jusqu’au numérique actuel. Outre une expérience confirmée à l’ Académie fédérale des arts de Stuttgart,
Le profil de compétence doit couvrir l’ensemble du domaine d’expertise, depuis les débuts analogiques des medias techniques jusqu'aux supports numériques actuels. En plus d'une expérience confirmée en théorie et pratique de la conservation et de la restauration des medias analogiques et numériques (informations photo / film / audiovisuels / numériques), une connaissance approfondie des interfaces entre l’histoire des medias et les technologies de l’information est nécessaire. Outre le développement ultérieur du programme d'études, le profil des tâches comprend également la supervision et l'exécution d'examens et de projets BA / MA avec le titulaire actuel du poste, ainsi que la participation à des projets et des conférences de recherche et développement, y compris le financement par des tiers. Au niveau institutionnel, il comprend également la participation aux organes d’administration autonome de l’université, à l’assurance qualité et au développement stratégique du domaine de la restauration de l’art en étroite collaboration avec les programmes d’études sur l'identité de l’œuvre. Les conditions d’admission sont les suivantes: aptitudes pédagogiques, • réalisations remarquables dans la préservation et la restauration d'objets médiatiques, • preuve d'une activité de recherche couronnée de succès, généralement par une promotion ou des services équivalents, par l’acquisition de fonds de tiers, par des activités de conférence nationales et internationales et par la production de publications. Si les conditions du droit du travail relatives à la nomination à un poste de fonctionnaire ne sont pas remplies, il peut également s’agir d’un contrat de travail contractuel.
L’Académie des beaux-arts de Stuttgart s’est engagée, dans le cadre de son plan pour l’égalité, à accroître la proportion de femmes dans les services artistiques et scientifiques. Les candidatures féminines sont donc expressément les bienvenues (premier rendez-vous). Les femmes bénéficient d'un traitement préférentiel avec les mêmes qualifications, aptitudes et réalisations professionnelles, à condition qu'aucune raison ne prévale en la personne d'un concurrent. Les personnes handicapées sont préférées si elles conviennent. Les candidatures électroniques (un total de PDF de 10 Mo maximum avec CV, curriculum vitae, certificats, liste concise de textes, projets et publications, ainsi qu'une sélection pertinente de textes) doivent être soumises à l'ABK au plus tard le 15 mai 2019. Veuillez adresser votre candidature à bewerbung@abk-stuttgart.de pour plus d'informations à l'adresse www.abk-stuttgart.de

An der Staatlichen Akademie der Bildenden Künste Stuttgart ist in der Fachgruppe Kunstwissenschaften-Restaurierung im Rahmen des Professorin-nenprogramms des Bundes und der Länder zur Förderung der Gleichstel-lung von Männern und Frauen in der Wissenschaft und Forschung an deutschen Hochschulen (Professorinnenprogramm III) zum nächstmöglichen Zeitpunkt eine Vorgriffsprofessur für Konservierung und Restaurierung Neuer Medien und Digitaler Information (Bes.-Gr. W 3) zu besetzen. Die zu berufende Persönlichkeit vertritt das Fachgebiet in der gesamten Breite von den analogen Anfängen technischer Medien bis in die digitale Gegenwart. Neben nachgewiesener Erfahrung in Theorie und Praxis der Konservierung und Restaurierung analoger und digitaler Medien (Foto/Film/AV/Digitale Information) werden fundierte Kenntnisse an der Schnittstelle von Mediengeschichte und Informationstechnologie vorausge-setzt. Zum Aufgabenprofil gehören auf fachlicher Ebene neben der inhaltlichen Weiterentwicklung des Studiengangs zusammen mit dem aktuellen Stellen-inhaber die Betreuung und Durchführung von BA-/MA-Prüfungen und Pro-motionen, sowie die initiative Mitwirkung an Forschungs- und Entwick-lungsprojekten und Tagungen, einschließlich Drittmitteleinwerbung. Auf institutioneller Ebene gehört die Mitarbeit in den Gremien der Selbst-ver-waltung der Hochschule, in der Qualitätssicherung und der strategischen Weiterentwicklung der Fachgruppe Kunstwissenschaften-Restaurierung in engem Austausch mit den Studiengängen zum Aufgabenprofil.Einstellungsvoraussetzungen sind: • ein abgeschlossenes Hochschulstudium, • die besondere pädagogische Eignung,• hervorragende Leistungen in der Konservierungs- und Restaurierungspra-xis von Medienobjekten,• sowie der Nachweis erfolgreicher Forschungstätigkeit, der i.d.R. durch eine Promotion oder äquivalente Leistungen, durch Drittmittelakquise, durch nationale und internationale Tagungsaktivitäten sowie Publikationen erbracht wird.Wenn die dienstrechtlichen Voraussetzungen für die Berufung in ein Beam-tenverhältnis nicht vorliegen, kann auch eine Einstellung in einem außerta-riflichen Beschäftigungsverhältnis erfolgen. Die Staatliche Akademie der Bildenden Künste Stuttgart hat sich in ihrem Gleichstellungsplan zur Erhöhung des Frauenanteils im künstlerischen und wissenschaftlichen Dienst verpflichtet. Bewerbungen von Frauen sind daher ausdrücklich erwünscht (Erstberufung). Frauen werden bei gleicher Eig-nung, Befähigung und fachlicher Leistung bevorzugt berücksichtig, sofern nicht in der Person eines Mitbewerbers liegende Gründe überwiegen. Schwerbehinderte werden bei entsprechender Eignung bevorzugt einge-stellt. Elektronische Bewerbungen (ein Gesamt-PDF von maximal 10 MB mit An-schreiben, Lebenslauf, Zeugnissen, einem übersichtlichen Lehr-, Projekt- und Schriftenverzeichnis sowie einer aussagekräftigen Auswahl von Schrif-ten) müssen der Akademie bis spätestens 15. Mai 2019 vorliegen. Richten Sie Ihre Bewerbung bitte an bewerbung@abk-stuttgart.de Informa-tionen unter www.abk-stuttgart.de

… Se déplacer en nous-même …

“… il faudrait d’abord changer notre regard sur l’Afrique et les africains. Se déplacer en nous même et cesser de considérer que nous sommes celles et ceux qui SAVENT, qui ONT et qui DONNENT l’exemple de ce qu’il faut faire ou ne pas faire. Et à mon avis, nous en sommes encore très loin …” (Slimane Raïs, artiste et enseignant à l’Esad – Grenoble.)

Oui Slimane Raïs, tout à fait d’accord !

Par la plume de ses représentants, l’ANdEA s’est fourvoyée dans l’allodoxia*, quand il faut en finir avec cette hégémonie implicite, exercée sur les pays et peuples africains. Une domination qui s’arroge le droit de juger erronément d’une seule culture, d’en faire une seule lecture et d’en diagnostiquer immanquablement son défaut de parallélisme avec la nôtre. Cette visée est non seulement nécessaire dans la sphère politique, mais aussi dans l’éducation, les sciences et … les arts ! Il ne s’agit pas seulement de combat contre les idées xénophobes et racistes, ou de réparation par l’action symbolique. Il est question de remettre en cause nos propres expédients épistémologiques dont les effets transpirent insidieusement, même involontairement, dans nos pratiques, productions, scénographies et restaurations artistiques. Ce travail personnel comme collectif qui nous incombe, en tant qu’enseignants, plus qu’à quiconque, passe par le dépistage d’idées reçues, de représentations très élémentaires et très sommaires fondées sur des préjugés, poncifs, et stéréotypes. Il consiste aussi en la déconstruction d’une matrice — nommée “colonialité” par d’aucuns — composée notamment de mythologies nationales, des attraits de l’exotisme, et du francocentrisme, tous hérités du colonialisme.

Et c’est précisément pour cette tâche ardue et de longue haleine qu’à l’occasion d’ « Africa 2020 », il serait bien plus judicieux de requérir l’assistance de nos invités africains. Nous avons bien plus besoin de leur aide, qu’ils n’ont besoin de la nôtre. Ce serait aussi la preuve d’une volonté de renoncer à un énième avatar du colonialisme.

Une initiative remarquable en ce qu’elle est bâtie sur la fonction éminemment émancipatrice de l’art, et qu’elle a été mûrie de longue date, mérite l’attention. Avec son Protocole des nouveaux commanditaires (2002) et ses trois derniers livres, L’art sans le capitalisme (2012), Lettre à un ami, corollaire de Faire Art comme on fait Société, (2013), tous édités aux Presses du Réel, l’artiste belge François Hers expose l’idée de l’avènement aujourd’hui d’une nouvelle ère de l’histoire de l’art. Celle d’un Art de la Démocratie émanant de la société elle-même qui s’inscrive à la suite de l’Art Moderne. Celui-ci fut le résultat d’une conquête de la Modernité depuis la Renaissance jusqu’aux années soixante qui virent son achèvement pour laisser la place à une parenthèse ou un intermède d’un demi-siècle au cours duquel s’est déployé l’Art Contemporain. Selon François Hers, ce sont les artistes qui, durant un peu plus de cinq siècles, furent les acteurs sociaux décisifs d’une dynamique fondatrice ayant conduit à l’établissement de la démocratie et au développement des sciences. Le principal moteur de la création fut l’invention de l’individualité et l’émancipation de toutes les conceptions du monde comme de toutes les formes d’expression individuelles. Avec l’Art de la Démocratie, l’art redeviendrait un moteur de l’Histoire. Puisque nous sommes en démocratie, ce nouveau chapitre doit être réalisé par la société elle-même en dialogue avec ses artistes de tous genres, étant donné l’achèvement de la libération des formes. L’art ne doit plus être le fait des seuls artistes, ni les commandes celui de quelques pouvoirs, qu’ils soient politiques, financiers ou même religieux.

Le dernier livre de François Hers retrace l’histoire du Protocole des Nouveaux Commanditaires conçu à partir 1991. Ce protocole prévoit que des citoyens extérieurs au monde de l’art deviennent les « commanditaires » d’une œuvre contemporaine, à la manière de ce qui se faisait avant l’apparition des avant-gardes et qu’elles ne s’en remettent au marché de l’art censé offrir plus de gages à la liberté de création artistique. Comme l’activisme des années soixante, le protocole représente un véritable tournant démocratique en ce qu’il est une critique à peine voilée des institutions françaises incapables de réduire le fossé existant entre une élite artiste et la majeure partie de la population. Pour remplacer une politique de l’offre exercée par les instances de pouvoir qui prétendent démocratiser la culture en l’imposant « par le haut », François Hers propose une politique de la demande émanant d’une’ initiative populaire qui responsabilise des acteurs sociaux. Contre la politique de patrimonialisation à tout va, il prône le développement d’une création vivante en phase avec une réalité vécue . Il voudrait notamment voir les musées mandatés en tant qu’intermédiaires locaux garants de l’intérêt général pour recueillir des dotations financières mixtes provenant d’organismes comme la Fondation de France .

La révolte des Gilets jaunes ne témoigne -t-elle pas pour une part, de l’actualité du protocole de François Hers pour affronter les enjeux du présent ? Les conditions ne sont-elles pas dorénavant réunies, comme il l’affirmait déjà au moment de la diffusion de son manifeste révolutionnaire pour l’écriture d’un chapitre qui pourrait être celui de cet art de la Démocratie qu’il appelle de ses voeux ? Depuis les années 1990, celui-ci a déjà permis l’émergence d’un art d’avant-garde à caractère démocratique dont les productions passent d’abord par l’expression des souhaits des citoyens et non plus seulement par les désirs des artistes. Et si l’une de ces attentes était celle d’une création artistique qui s’attaque à la colonialité chronique dont nous français, sommes les sujets et victimes ?

*allodoxia : terme bourdieusien faisant référence à des mécanismes par lesquels les agents d’un domaine s’auto-consacrent tout en faisant croire à une consécration par une instance légitime extérieure.

Pour un “centre archipélique” A l’horizon Africa 2020 ? Non merci.

Cher-e-s toutes et tous,
Comme annoncé et approuvé lors de l’assemblée générale de l’ANdEA du 25 mars à Nancy, nous mettons en place un groupe de travail « Africa 2020 ».
https://www.pro.institutfrancais.com/fr/offre/africa-2020

L’ANdEA souhaite être l’un des « centres » de la manifestation “Africa 2020”, un « centre archipélique » pour pouvoir accueillir des écoles supérieures d’art et design d’Afrique. Le réseau africain n’existe pas encore, parce que les 54 pays du continent n’ont pas tous des traditions artistiques liées entre elles, parce que leur réalité à cet endroit est très diverse, et parce que ce que signifie “école d’art” n’y est pas stabilisé comme en France : les académies (ou autres école institutionnelles) sont des héritages de la colonisation et sont de plus parfois dévitalisées pour l’art. Mais il existe en parallèle des structures parfois éphémères ou fragiles construites par des artistes, des curateurs, des designers… qui sont aujourd’hui les véritables foyers de formation à la création sur le continent, les lieux de l’émergence qui font école.

Le temps fort du projet ANdEA serait, en septembre 2020, le séminaire d’été annuel qui serait consacré aux écoles africaines. L’ANdEA inviterait les réseaux africains et également les “institutionnels” du continent pour échanger, débattre, inventer autour de nos points communs, nos connexions, nos différences, nos expériences… Cela pourrait être l’amorce d’une augmentation de l’ANdEA vers l’Afrique.

Pour mettre en œuvre ce séminaire sur ces questions complexes, nous avons pensé qu’il est nécessaire de faire un travail préparatoire qui associe toutes les écoles volontaires pour être un de ces centres de notre archipel. A partir de la carte des partenariats des écoles françaises en Afrique et celle que nous donnera la commissaire d’ “Africa 2020” N’Goné Fall, nous pourrions ensemble réfléchir à des invitations, résidences, réunions, journées d’études, textes, workshops avec des partenaires africains en France et en Afrique qui prépareraient le séminaire d’été dans une programmation partagée. 

Ce projet n’est pas contradictoire avec ceux que les écoles ont pu présenter dans le cadre d’ “Africa 2020” seules ou avec d’autres partenaires.

Nous invitons donc tous les acteurs des écoles que ce projet intéresse à nous rejoindre pour nous mettre au travail le jeudi 2 mai à 14h aux Beaux-arts de Paris, salle du conseil (face aux bureaux de la direction).
Comme d’habitude, l’ANdEA remboursera les frais des étudiant-e-s intéressé-e-s.
Si vous souhaitez participer à cette réunion, nous vous remercions d’en informer Maud Le Garzic à contact@andea.fr.
A très bientôt.

Muriel Lepage
Directrice de l’ESACM
Stéphane Sauzedde
Directeur de l’ESAAA
ANdEA – Association nationale des écoles supérieures d’art http://www.andea.fr

En réponse à cette invitation.

Marre de cette vision réductrice et parfaitement rétrograde de l’Afrique ! Celle qui donne lieu à une rhétorique d’où suintent les relents fétides de vieux procédés aujourd’hui sous la plume de deux directeurs d’écoles d’art représentant l’ANdEA. A moins d’entériner le rôle de cette dernière, de caisse de résonance voire d’exécuteur au service d’une perpétuation larvée de la politique françafricaine toujours sous couvert de bons sentiments. Non, impensable quand on sait combien ses tenants restent muets au su de régimes autocratiques, élections truquées, défaut de liberté d’expression, tous orchestrés par des despotes  adoubés  par la métropole et prêts à tous les tripatouillages pour se cramponner au pouvoir coûte que coûte.

Et pourtant, usant d’un procédé habituel de stigmatisation, le texte débute par l’énumération négative de défaillances ou d’insuffisances : défaut de réseau des écoles, de lien entre les traditions artistiques, et de stabilisation du sens d’ « école d’art ». Décidément les africains sont encore incapables de s’en sortir tout seuls, cette fois pour se conformer à l’orthodoxie française en matière d’enseignement artistique. Puis c’est au tour du bon vieux cliché d’une Afrique qui serait fossilisée depuis les indépendances : « les académies (ou autres écoles institutionnelles) sont des héritages de la colonisation ». De quelle autorité peuvent bien se prévaloir les deux signataires d’un diagnostic général aussi approximatif et truffé de telles balivernes, en omettant de dire que la principale difficulté de beaucoup de lieux d’enseignement supérieur en général, et de l’art en particulier, c’est l’indigence économique ! Or cette tare congénitale de la plupart des pays africains résulte bien, elle, de l’héritage de la colonisation, à savoir du pillage des ressources à huis clos par les grandes puissances économiques. Avec un paternalisme rance, le duo d’experts finit par se montrer magnanime grâce à sa reconnaissance « de(s) structures parfois éphémères ou fragiles construites par des artistes, des curateurs, des designers … » en tant que « véritables foyers de formation à la création sur le continent, les lieux de l’émergence qui font école.» Les africains devront se contenter de cette expertise. Merci l’ANdEA !

ll faut se résoudre à devoir marteler encore qu’il y a des Afriques diverses et différentes qui ont des trajectoires historiques et des cultures diverses et différentes, qui n’ont pas toutes forcément les mêmes difficultés. Bon nombre de chercheurs s’accordent aujourd’hui sur l’idée que le continent africain est en devenir imminent. Parmi eux, les économistes qui furent les premiers à considérer que certaines Afriques seront les prochains dragons économiques. Il y a déjà une activité artistique intense, des gens qui créent des vêtements, de la littérature et de la musique, des performers et des formes d’ « art contemporain » dont il faudra enfin accepter d’admettre qu’elles ont leurs propres dynamiques et n’ont pas besoin des recommandations de la « métropole » que la France n’est plus. Et si le « réseau » africain était bien plus tissé aujourd’hui de liens transcontinentaux par une diaspora mondialisée, et toujours migrante ?

Cela dit, en l’état de prolégomènes aussi crasseux, quand bien même sous couvert d’emprunt à la rhétorique d’Édouard Glissant pour l’ (énigmatique) « amorce d’une augmentation de l’ANdEA vers l’Afrique », participer au « centre archipélique » ? Non merci, sans façon.

De la définition de “conservateur-restaurateur” et de sa perception par le public

par Jerrod Seifert, conservateur-restaurateur d'objets archéologiques, scientifique spécialiste des matériaux du patrimoine et  doctorant à l'Université de Cardiff. Ses recherches sont variées, tant par sujet que par intérêt. 
(Ce billet traduit de l'anglais par M. Maire, a été initialement publié sur le SHARE ejournal de la Cardiff University)


Je suis un conservateur-restaurateur. Certes ma déclaration est vague, je le sais bien. En tant que vocation, la conservation-restauration reste mal définie, du moins pour celles et ceux qui ne s'y retrouvent pas.
La question de la terminologie a été traitée de manière exhaustive [1]. Bien que ceux qui ne sont pas impliqués dans une une profession particulière manquent souvent de compréhension des subtilités de cette profession, ils savent au moins de quoi il retourne. À titre d’exemple, la plupart des gens savent ce qu’on entend par quelqu'un qui se dit «archéologue». Les implicites connus (fouiller de vieilles choses, étudier ces choses), imaginés (Lara Croft ou Indiana Jones) et imprécis (… des dinosaures…) créent une image viscérale dans l'esprit de ceux qui ne sont pas des archéologues. Ceux-ci ramèneront souvent leur profession à ce qui est implicitement connu car, même si c'est trop simpliste, ce n’est pas inexact. Cependant, ils ne vont pas expliquer aux profanes les matrices de Harris, la géomorphologie ou le post-humanisme. Un exemple de ma propre expérience: ma sœur est en marketing. Elle dit que, bien que cela ne soit pas incorrect, elle travaille plus particulièrement dans l'édition de médias numériques. Je comprends le marketing, ou plutôt l’idée de ce qu’est le marketing. Je ne connais pas suffisamment les subtilités du marketing pour faire la différence entre ce que je comprends être le marketing et ce que ma sœur dit faire.

Lorsque je dis aux gens ce que je fais, beaucoup n’ont jamais entendu parler de la conservation-restauration ou n’ont pas une connaissance tacite de ce que cela implique. Les connaissances implicites («peintures» ou art) ne s’appliquent pas à beaucoup de personnes sur le terrain, y compris moi-même. Je suis presque toujours obligé d'expliquer mon métier. En fonction du public, cette profession change. Je suis un conservateur-restaurateur. Je suis un conservateur-restaurateur d'objets archéologiques. Je suis un archéologue. Je suis un scientifique des matériaux du patrimoine. Je suis un scientifique de la conservation-restauration. Je suis, en vérité, toutes ces choses. Cependant, aucun mot ne définit exactement ce que je fais. «Conservateur-restaurateur» devient un fourre-tout, terme nébuleux utilisé pour décrire tout professionnel qui conserve ou analyse tout matériau revêtu d’une valeur intrinsèque, qu’il soit monétaire, culturel ou sentimental. C'est une profession en réduction. Croyez-le ou non, cette définition est plus complète que celle de l'American Institute of Conservation [2], qui stipule qu'un conservateur-restaurateur est «un professionnel dont la principale occupation est la pratique de la conservation-restauration …». L'opacité de cette déclaration la rend vidée de son sens.

Cela ne veut pas dire que je m'oppose à ce que l'on m'appelle conservateur-restaurateur. Je ne suis pas contre le fait que je sois appelé écologiste, car je n'ai rien à faire avec l'environnement ou la biosphère. M'appeler conservateur-restaurateur montre au moins une prise de conscience de l'existence de mon domaine. C'est la perception de ce que je fais à la quelle je m'oppose. Les conservateurs-restaurateurs sont souvent considérés comme des techniciens, des bricoleurs appliquant des «colles de fantaisie», [i] qui prennent un temps interminable pour tout nettoyer soit en raison d’une prudence inutile, soit en raison d’un sens aigu de la sécurité au travail. Un de mes collègues depuis plusieurs années qui dirige ses propres fouilles, a été choqué de découvrir que je savais comment effectuer une fluorescence X pour analyser la composition des niveaux de plancher de sa colline et que je pouvais utiliser la spectroscopie RAMAN pour différencier les composés de biopolymorphes de coquille et de calcaire naturel. Ces anecdotes ne sont pas censées constituer une déclaration d'intention détaillée; je les utilise plutôt pour souligner l'un des nombreux rôles (scientifique des matériaux) que joue chaque conservateur-restaurateur. Besoin d'un spécialiste de la micro-excavation? Appelle le conservateur-restaurateur. Analyste d'échantillonnage et de matériel? Conservateur-restaurateur. Est-ce que le mur de briques de terre que vous creusez va s’effondrer sur la tête? Le conservateur-restaurateur vous le dira [3]. Vous voulez savoir s’il existe une peinture murale de 9 000 ans enfouie sous des couches de plâtre? Le conservateur-restaurateur va le découvrir et lui donnera une belle apparence (Figure 1). Vous avez des questions sur ce que mange votre collection de référence [4]? Examiner la détérioration de la combinaison spatiale de Neil Armstrong [5]? Imaginer la econstruction d'un temple grec [6]? Faire une cartographie thermique des maisons historiques [7]? Nettoyer un squelette de rorqual bleu [8]? Essayer de voir si la peinture de 8 millions de livres sterling que vous voulez acheter est un faux [9]? Installer une exposition comprenant une technologie dépassée [10]? Le conservateur-restaurateur est sur le coup.
Figure 1: Peinture murale néolithique de B.80 à Catalhoyuk, en Turquie. Les conservateurs ont exposé, préservé et élevé ce tableau vieux de 8 000 ans, car ils sont extrêmement talentueux. Photo de Jason Quinlan.
Les conservateurs-restaurateurs ont exposé, préservé et élevé ce tableau vieux de 8 000 ans, car ils sont extrêmement talentueux. Ces exemples ne représentent qu'un échantillon de ce que savent faire les conservateurs-restaurateurs. Et on s'attend à ce que la plupart d'entre eux les fassent tous. Le problème, comme dans toute profession, est que peu de personnes en dehors de la conservation-restauration connaissent les compétences du conservateur-restaurateur, leur étendue et leur spécificité. Je ne suis certainement pas le premier à le signaler (voir, par exemple, Corfield [11] ou tout ce que Jonathan Ashley-Smith a écrit [12]). Cela pourrait venir du nom: Conservateur-restaurateur parît simpliste et sans prétention, n’illustrant pas la complexité du travail. Le travail d'un conservateur-restaurateur est par nature destiné à être modeste. Si notre travail est un succès, seul un œil entraîné peut dire que tout a déjà été fait [13]. Il est difficile de souligner la nécessité du travail que l’on fait si le travail consiste à donner l’impression que rien n’est nécessaire. Je dirais que le public n'est conscient de la nécessité de la conservation-restauration que lorsqu'un amateur sans compétence "blasphème" un objet de grande valeur culturelle [14] [15] [16]. Dans le cas de l’Ecce Homo (Figure 2), la renommée de la «conservation-restauration» a été une aubaine pour l’Église et l’économie locales, réinventant l’original comme une sorte de chef-d’œuvre parmi les objets immindes [17]. Dire que c’est l’exemple le plus célèbre de la conservation-restauration de l’art de la dernière décennie ne serait pas exagéré. J'encourage toute personne qui lit ceci (intentionnellement ou par dépit) à rechercher sur Google les "pires restaurations d'art".
Figure 2: L’auteur effectue des traitements de conservation sur les murs nébrithiques en briques de boue. Photo de Jason Quinlan.
Vous avez le choix entre plusieurs lectures: «Ces restaurations sont-elles les pires de l’histoire ? 6 tentatives choquantes "[18]," Les pires erreurs de restauration d'art de tous les temps "[19]," 9 restaurations fatales échouent et ébranlent le monde "[20], et" Tant pis,  c'est tellement bon: 5 des pires restaurations d'œuvres d'art ! '[ii] [21]. Si l’on recherche les «meilleures restaurations d’art», les résultats sont presque identiques. Il n’existe aucune liste intitulée «Sont-elles les meilleures restaurations de l’histoire ? 6 exemples à couper le souffle ». Il y a deux raisons à cela, la première étant que les "Déraillements de train" recevra toujours plus d'attention que "Arrivées de trains à l'heure". Je parierais que personne ne peut identifier quand la conservation-restauratin est un succès. Conservateur-restaurateur devient synonyme d'échec de s profession. Vous pensez que je me trompe? La plus célèbre conservatrice-restauratrice du monde est ‘Femme espagnole’.
Figure 3: Ecce Homo avant et après le «traitement». La femme qui a procédé au traitement a signé un contrat de licence. Elle a maintenant gagné plus d’argent grâce à la conservation que je ne le ferai probablement jamais. Photo de change.org
Pour lutter contre cela, la conservation-restauration est devenue une partie plus visible parmi les opérations du musée, littéralement. De nombreuses institutions placent désormais les conservateurs-restaurateurs en plein travail  sous les yeux public, soit temporairement [22] [23], soit de façon permanente [24] [25]. Cet auteur (figure 3) a personnellement fait prendre sa photo quelque part dans les quatre figures supérieures tout en effectuant des traitements de conservation-restauration, grâce aux bus remplis de touristes qui défilent à travers les sites archéologiques où j'ai travaillé. Il y a clairement un public pour la conservation-restauration, de ceux qui ont une curiosité dans le processus ou de ceux qui sont plus profondément liés à la préservation du patrimoine. 
Figure 4: Philip Mould traitant une peinture jacobine. Remarquez la vieille laque qui coule sur le tableau? NE FAITES JAMAIS CELA! Photo de My Modern Met.
Mon frère est comptable. Les visiteurs ne disposent d'aucune fenêtre d'observation pour le consulter lors du traitement des feuilles de calcul. Cela ne veut pas dire que la comptabilité n'est pas importante. Je dis que les musées n’ont pas de fenêtre d’observation dans leur service de comptabilité pour une raison quelconque et que mon frère ne lira pas ceci [iii]. Ce que mon frère pourrait faire, c'est regarder des vidéos accélérées produites par ceux qui prétendent être des professionnels conservant des œuvres d'art, dont certaines sont devenues virales et ont reçu des millions de vues (Figure 4) [26]. Les dommages causés par ces vidéos au secteur sont incalculables [27]. Les méthodes sont souvent très suspectes et l'édition est presque toujours effectuée pour un impact maximum, ne laissant aucune place à la nuance, à la subtilité ou au processus. Cela crée une fausse narration pour le spectateur, une où le conservateur-restaurateur est assimilé à un artisan. On laisse croire au public qu’il a vu un traitement correct. Malheureusement, ce public est bien plus important que la fréquentation d’un musée en particulier.
La perception du public est difficile à corriger, surtout si cette perception a été façonnée par les pires éléments du domaine. J'ai déjà essayé de surmonter cet obstacle en reformulant mon choix de carrière avec un nouveau titre. Le meilleur que j’ai trouvé est ‘Archéo -conservato-mètre’, ou un praticien de l' ‘Archéo-conservato-métrie’, un porte-voix très intelligent et très précis à la fois de l’archéologie, de l’archéométrie et de la conservation-restauration. Elle répondait à tous les critères: elle était spécifique, sa complexité correspondait à celle du domaine qu’elle décrivait et, surtout, elle était distincte et totalement dissociée de l’optique problématique du «conservateur-restaurateur». Ça… n'a pas fait mouche. Neuf syllabes font que les gens l'oublient assez facilement. J’ai malheureusement découvert que le mot «conservateur-restaurateur» ne changerait pas. Le seul espoir que j’ai maintenant de changer la perception de ce qu’est un «conservateur-restaurateur» est d’ajouter ma voix à ceux qui crie: "Oui, c'est un tout petit peu ça, mais non, ce n'est pas ce que je fais et vous devriez le savoir !"
_______________________________________________

[i] C’était un commentaire fait par un conservateur-restaurateur de musée local lors d’une conférence à laquelle j’assistais, dans une salle remplie de conservateurs-restaurateurs de céramique et verre. C'était censé être péjoratif.  [ii] Conservateur et restaurateur sont souvent utilisés de manière interchangeable ou sont nettement distincts les uns des autres, en fonction du lieu où l’on exerce. C’est un long argument qui ne relève pas du cadre de cette discussion. Je suis aussi très très fatigué.  [iii] Mise à jour: En fait, mon frère a lu ceci. Il aimerait souligner qu'il est un spécialiste des comptes de direction et de la paie. Je suis sûr qu’il y a une leçon à apprendre ici, mais elle m’échappe.
REFERENCES
[1] Ward, P., The nature of conservation: a race against time. 1990: Getty Publications.
[2] Conservation, A.I.f., Defining the Conservator: Essential Competences. 2003, AIC Williamsburg, VA.
[3] Pye, E., Archaeological conservation: scientific practice or social process? 2009, Butterworth-Heinemann.
[4] Elkhial, M.M. and H.M. Kamal, A New Approach for Detecting Active Insect Infestation in Museum Objects Using Non-dispersive Infrared Spectroscopy. Studies in Conservation, 2018. 63(sup1): p. 345-347.
[5] Lim, X. 2018. These Cultural Treasures Are Made of Plastic. Now They’re Falling Apart. Available: https://www.nytimes.com/2018/08/28/science/plastics-preservation-getty.html [Accessed 19 September 2018].
[6] Lambrinou, L., Preserving a Monument: The Example of the Parthenon. Conservation and Management of Archaeological Sites, 2010. 12(1): p. 60-74.
[7] Johnson, S., Personal communication. 2017.
[8] Amos, J. 2017. Blue whale takes centre-stage at Natural History Museum. Available: https://www.bbc.co.uk/news/science-environment-40582046 [Accessed 19 September 2018].
[9] Subramanian, S. 2018. How to spot a perfect fake: the world’s top art forgery detective. Available: https://www.theguardian.com/news/2018/jun/15/how-to-spot-a-perfect-fake-the-worlds-top-art-forgery-detective [Accessed 19 September 2018].
[10] Joyce, J. 2016. When Art Conservation Means Repairing TVs, Not Canvases. Available: https://www.nytimes.com/2016/12/22/nyregion/video-art-conservation-ctl-electronics.html [Accessed 26 September 2018].
[11] Corfield, M. Towards a conservation profession. in Conservation Today: Papers presented at the UKIC 30th Anniversary Conference (1988), pp4-7. London: United Kingdom Institute for the Conservation of Historic and Artistic Works (UKIC). 1988.
[12] Ashley-Smith, J., The basis of conservation ethics. Conservation: Principles, Dilemmas and Uncomfortable Truths. London: Butterworth-Heinemann in association with the Victoria and Albert Museum, 2009: p. 6-24.
[13] Kemp, J., Practical Ethics v2. 0. Conservation. Principles, Dilemmas and Uncomfortable Truths, Butterworth-Heinemann, London, Amsterdam, Boston, Heidelberg et al, 2009: p. 60-72.
[14] Jones, J. 2012. Great art needs a few restoration disasters. Available: https://www.theguardian.com/commentisfree/2012/aug/23/great-art-restoration-disasters [Accessed 19 September 2018].
[15] Mezzoflore, G. 2018. ‘Navarre’s Ecce Homo’: Another church in Spain falls victim to a well-intentioned restorer. Available: https://edition.cnn.com/style/article/spanish-church-restorer-st-george-intl-trnd/index.html [Accessed 19 September 2018].
[16] Minder, R. 2018. Virgin Mary With Turquoise Hair? Church Statues Get an Eye-Popping Paint Job. Available: https://www.nytimes.com/2018/09/08/world/europe/spain-church-statues-botched-restoration.html [Accessed 19 September 2018].
[17] Wolinski, C. 2018. How Spain’s ‘Potato Jesus’ inspired an award-winning wine. Online [Online]. Available: https://vinepair.com/articles/how-spains-potato-jesus-inspired-an-award-winning-wine/ [Accessed 19 September 2018].
[18] Molloy, M. 2016. Are these the worst restorations in history? 6 shocking attempts. Available: https://www.telegraph.co.uk/art/artists/are-these-the-worst-restorations-in-history-5-shocking-attempts/ [Accessed 25 September 2018].
[19] Inglis-Arkell, E. 2012. The worst art restoration mistakes of all time. Available: https://io9.gizmodo.com/5938377/the-worst-art-restoration-mistakes-of-all-time [Accessed 26 September 2018].
[20] Brightside. 2013. 9 Fatal Restoration Fails Which Shook the World. Available: https://brightside.me/creativity-art/9-fatal-errors-of-restorers-which-shook-the-world-354560/ [Accessed 26 September 2018].
[21] Ferreira, R. 2018. So bad that it’s good: 5 of the worst artworks restorations! Available: http://www.dailyartmagazine.com/worst-artworks-restorations/ [Accessed 26 September 2018].
[22] Thomassen-Krauss, S., Conservation in the public eye: musings from the other side of the glass, in The public face of conservation, E. Williams, Editor. 2013, Archetype Publications Ltd.: London, United Kingdom. p. 143-148.
[23] Huntington, T., Project Blue Boy. 2018, The Huntington Art Gallery: Online.
[24] Lochhead, V. and L.C. Tonkin, Preserving ideas that are worth fighting for: textile conservation in the public eye at the People’s History Museum, Manchester, UK, in The public face of conservation, E. Williams, Editor. 2013, Archetype Publications Ltd.: London, United Kingdom. p. 201-204.
[25] Arista, J. and T. Drayman-Weisser, The conservation window at the Walters Art Museum: building conservation support by creating public value, in The public face of conservation, E. Williams, Editor. 2013, Archetype Publications Ltd.: London, United Kingdom. p. 198-200.
[26] Molloy, M. 2017. Incredible restoration removes 200 years of grime from oil painting in seconds Available: https://www.telegraph.co.uk/news/2017/11/07/incredible-restoration-removes-200-years-grime-oil-painting/ [Accessed 26 September 2018].
[27] Ghose, T. 2017. Why this viral painting-restoration video gives experts the chills. Available: https://www.livescience.com/60957-dramatic-video-restoration-all-wrong.html [Accessed 26 September 2018].



Déprendre l’histoire coloniale et la décolonialité de tout manichéisme.

“Le rapport “Restituer le patrimoine africain : vers une nouvelle éthique relationnelle” appelé aussi « Savoy-Sarr », remis au président Macron et diffusé en Décembre 2017, a fait couler beaucoup d’encre et fait grincer des dents les marchands d’art. Il prévoit un plan en troisphases pour la restitution de 90.000 objets africains présents dans les musées français. A peu près en même temps, début décembre 2018 en Belgique, a eu lieu la réouverture de ce qui était encore considéré par beaucoup comme le « dernier musée de colonie » au monde, l’Africa Museum de Tervuren.

A force d’arguments sur la colonisation et le colonialisme souvent partiels et partiaux, hélas les discussions à leur propos tendent trop souvent à afficher une vision manichéenne. Or il faut bien admettre que la question coloniale ne peut pas être traitée de manière simplificatrice, sans toutes les nuances et gradations d’une complexité. Ne pas en prendre conscience, c’est s’exposer à des erreurs, des incompréhensions et du ressentiment. Le rapport cité plus haut, souffrant de réduction et raccourci historiques, est lui-même sujet à cette critique. Par exemple, l’avant-dernier roi du Dahomey Behanzin et son royaume très ancien détruits par le colonisateur, y apparaissent comme des victimes martyrisées. Contre cette vision l’avocat belge spécialisé dans le commerce de l’art,Yves-Bernard Debie , argue que Behanzin était un esclavagiste et que, grâce au général Dodds, la plupart des objets royaux ont survécu à l’incendie du palais propagé par le roi avant sa fuite. Selon cette version, la France peut alors légitimement revendiquer la propriété des objets sauvés du feu. Or ce sont les mêmes arguments en faveur du colonialisme au XIXe siècle, difficilement tenables aujourd’hui sans qu’ils soient qualifiés de néo-colonialistes. La position de Julien Volper, conservateur au Musée d’art africain de Tervuren en périphérie de Bruxelles, n’y fera rien :”ça a été pillé ? Oui et alors ? En Europe aussi, il y a eu des objets qui ont été pillés”. Pas plus celle de la galeriste Judith Schoffel de Fabry, selon qui le président français a ouvert “une boîte de Pandore” au risque de “conséquences graves”. “Chaque pays sera en droit de réclamer son dû : les frises du Parthénon, la Joconde, l’obélisque de la Concorde…”, s’alarme-t-elle dans Le Journal de la Compagnie nationale des experts. “Une des conséquences immédiates des restitutions sera de vider le fonds de tous les musées”. “Mais les musées européens sont pleins” alors que “l’Afrique est amputée de son patrimoine”. “Ni les Africains ni personne n’ont envie de voir les musées vidés de leurs oeuvres”, réplique le galeriste bruxellois Didier Claes, métis de père belge et de mère congolaise. “Il faut au moins accepter de débattre ” des restitutions, plaide-t-il.

Il a raison : le musée de Tervuren compte plus de 180 000 objets ethnographiques, le British Museum 69 000, le Weltmuseum de Vienne 37 000, le futur Humboldt Forum de Berlin 75 000, le Weltmuseum de Vienne 37 000, le Musée du Quai Branly- Jacques Chirac, plus de 70 000 dont 46 000 “acquises” durant la période 1885-1960, donc susceptibles selon le rapport Savoy-Sarr d’être restitués. Selon le rapport, les collections dans les musées nationaux africains excèdent rarement 3.000 oeuvres, souvent de peu de valeur artistique. Au Musée du Quai Branly, les pièces originaires du Tchad sont les plus nombreuses (9 296), car son territoire est à la croisée de l’Afrique du nord et de l’Afrique sub-saharienne. Viennent ensuite Madagascar (7 590), Mali (6 910), Côte d’Ivoire (3 951), Bénin (3 157), Congo (2 593), Gabon (2 448), Sénégal (2 281), Guinée (1 997). Et la majorité est mise en réserves. Il faudra bien s’y résoudre: nombre de biens culturels africains doivent retourner chez eux et tout citoyen a le devoir de reconnaître qu’ils n’ont plus rien à faire dans les musées occidentaux. Cette prise de conscience repose sur l’éthique de responsabilité et la pensée décoloniale qui s’est développée depuis près d’un demi siècle outre atlantique et plus récemment en Europe. Toutes légitimes soient-elles, celles-ci drainent cependant des arguments et raisonnements spécieux.

Il faut s’en persuader, la réalité historique est bien plus complexe que la dualité simpliste qui oppose les deux récits mentionnés ci-dessuss. Selon une tradition déjà bien ancrée par ses prédécesseurs et poursuivie par son successeur Agoli Agbo, Behanzin avait bien recours à la servitude, une forme d’esclavagisme. Ce n’est pas pour autant que l’on peut se permettre d’emboîter le pas aux chantres du mythe colonial anti-esclavagiste par la conquête, à moins d’une duperie intellectuelle. Dès 1892 soit deux ans avant les opérations militaires françaises aux Dahomey , la France et l’Allemagne sont en concurrence dans le découpage colonial et pour le partage de territoires. Les Allemands vendent des armes au roi contre des esclaves destinés au Congo belge qui a grand besoin de main d’œuvre. L’histoire de la colonisation du Dahomey est bien plus alambiquée que celle racontée de manière réduite dans la presse. Elle révèle des protagonistes exerçant une prédation triangulaire. Le Congo Belge, propriété exclusive du roi Léopold II, requiert de la main-d’œuvre à bon marché auprès de marchands allemands. Ces derniers se fournissent en esclaves par l’entremise d’un roi africain qui se fait payer et s’équipe en armes pour étendre son royaume et lutter contre les intentions de la France apparues depuis le protectorat exercé sur Porto Novo. Celle-ci justifiant son attaque du Dahomey avec l’alibi de la lutte contre l’esclavage alors qu’elle en embrasse les pratiques. On est très loin du simplisme de l’histoire des colonisations africaines qu’on peut lire encore trop souvent.

On le comprendra. Il n’est pas question d’exonérer les puissances européennes de la violence colonisatrice et du rapport de domination brutale qu’elles ont instaurées, ni de nier que les états actuels tirent encore profit d’avantages hérités du colonialisme. L’entreprise coloniale n’a pas pu se développer sans la corruption des élites africaines ni sans l’aide de clercs locaux qui tiraient de leur zèle une meilleure condition d’existence. Faire état de ces réalités ne vise pas à déresponsabiliser en partie le colonisateur, pas plus qu’expliquer le processus de nazification ne veut dédouaner nombre de criminels. Bien au contraire. Mettre à jour la part qui incombe à des africains dans le processus de colonisation, c’est montrer leur pouvoir d’infléchir et de déterminer les soubresauts de l’histoire. Affirmer le rôle d’africains dans ces processus de conquête et de colonisation, c’est leur reconnaître un pouvoir d’agir sur les événements de l’histoire et venir s’inscrire en faux contre le discours d’un président de la République française qui prétendait, il n’y a pas si longtemps encore, que « les africains n’avaient pas su entrer suffisamment dans l’Histoire ». C’est rompre avec l’accusation de passivité ou de soumission des africains en proie à la colonisation, tout en discréditant les récits et mythes d’une résistance héroïque par des hommes exceptionnels. Faire de la sorte, c’est éviter de se fourvoyer dans le piège d’un dualisme de la colonisation qui renvoie dos à dos un misérabilisme doublé d’un héroïsme tous deux victimaires, et une domination violente du colonisateur. D’un côté tous les africains opprimés, de l’autre tous les blancs dominateurs se seraient fait face dans une relation permanente seulement régie par l’hostilité. L’autre écueil qui guette l’analyse postcoloniale, est le réductionnisme historique des populations au moment de la colonisation. Celle-ci éteindrait tout dynamisme social et historique. Elle serait une aubaine pour l’indigénisme et l’afrocentrisme, pendant inversé du nationalisme occidental qui tous deux, donnent dans le révisionnisme et la pure invention historiques. Un certain militantisme revendiquant une pensée décoloniale, finit par adopter les arguments coloniaux, en les recyclant à l’inverse. Pour ses adeptes, la diversité de caractéristiques est réduite à des types, comme les particularismes (musicaux, culinaires, vestimentaires, etc.) du continent et de ses ressortissants, à l’Afrique et aux Noirs dans une conception essentialiste. Tel Michel Leiris qui prétendait sa démarche salvatrice, d’aucuns avancent en vertu du mythe colonial, que si la majorité du patrimoine africain se trouve en Europe, c’est que les objets ont été sauvés du pillage. Les « post-coloniaux » dont l’économiste, écrivain et poète Felwine Sarr fait partie dénoncent toute la colonialité qui demeure dans les mentalités européennes, et notamment dans l’enseignement encore victime d’une véritable tâche aveugle.

Le défi est double aujourd’hui et particulièrement en France. Il s’agit de décoloniser les esprits mais aussi la pensée décoloniale qui pour l’instant faillit à son autocritique.