Archives de catégorie : ACTIVITE

Les arts coloniaux

CIRCULATION D’ARTISTES ET D’ARTEFACTS ENTRE LA FRANCE ET SES COLONIES

À l’occasion de l’exposition Peintures des lointains, la collection du musée du quai Branly-Jacques Chirac (30 janvier 2018 – 3 février 2019), le musée du quai Branly-Jacques Chirac et le Palais de la Porte Dorée s’associent pour organiser, en partenariat avec le centre François-Georges Paris et – Université Bordeaux-Montaigne, un colloque sur la notion d’« arts coloniaux ». Ce colloque pluridisciplinaire, au croisement de l’histoire de l’art, de la sociologie des institutions et des études postcoloniales, se propose d’interroger la circulation des artistes et des artefacts entre la France et les territoires de son Empire, comme support pour une réflexion sur la relation coloniale. L’objectif est de mieux cerner la production artistique et artisanale en situation coloniale et cela dans une acceptation large, qu’il s’agisse d’artefacts produits par des artistes issus des populations colonisées ou par des artistes originaires de métropole. Pour ce faire, plusieurs axes ont été retenus, afin d’interroger les catégories d’artefacts et les paradigmes qui sous-tendent leur production, leurs auteurs et leur statut, leurs promoteurs et leurs modes de diffusion, ainsi que les phénomènes de domination et d’appropriation qui ont pu s’exercer dans le domaine artistique et culturel. Tous ces aspects sont envisagés sous l’angle des réseaux de circulation de personnes, d’artefacts et de concepts, dans une pluralité de mouvements qui ne répondent pas à un schéma univoque.

PROGRAMME

MERCREDI 10 OCTOBRE 2018, AUDITORIUM DU PALAIS DE LA PORTE DORÉE

Résultat de recherche d'images pour "logo palais de la porte dorée"

9h Accueil

9h15 – 9h45,  Introduction par Hélène Orain, directrice générale du Palais de la Porte Dorée. Introduction du colloque par le comité scientifique.

DÉFINIR ET IMPOSER DES MODÈLES : FORMES ET DÉCLINAISONS

L’histoire coloniale débute par une phase expansionniste à laquelle succède l’assimilation des territoires conquis, ce qu’Ashis Nandy nomme la « seconde colonisation » (L’Ennemi intime, 1983-2007), celle des esprits ; or il rappelle aussi que les esprits des colonisés ont été transformés à leur tour… Le colonisateur assoit son emprise sur ses nouvelles possessions par une série de mesures destinées à renforcer son pouvoir et à transformer les sociétés sous son ascendant selon un argument civilisateur. Ainsi se produisent dans les sociétés colonisées une série de bouleversements dans les domaines religieux, politique, économique, social, culturel. Identifier les formes de continuités comme de mutations dans le champ de la création artistique amène à questionner les modèles qui les guident, particulièrement en termes de circulation des images. Afin de saisir quelques aspects du recours aux images par le colonisateur pour tenter d’imposer son hégémonie, il sera ici question des acteurs tout comme des lieux d’élaboration de nouvelles formes d’artefacts à l’époque coloniale dans le domaine de l’art et de l’artisanat, mais aussi des supports qui permettent l’extension de ces modèles à plus vaste échelle, voire leur assimilation dans la société colonisatrice.

Modérateur : Dominique Jarrassé, Université Bordeaux Montaigne, Centre F.-G. Pariset (EA 538)

9h45 – 10h15,  Objets africains et collections missionnaires, échanges matériels et immatériels, Gwenaël Ben Aissa, Citadelles & Mazenod

10h15– 10h45, Éduquer et séduire. Les arts coloniaux dans les images scolaires des colonies des années 1880 aux années 1940, Sophie Leclercq, Réseau Canopé et Sciences Po

10h45 – 11h, Pause-café

11h00– 11h30, Dessins d’écoliers des colonies françaises conservés au musée du quai Branly-Jacques Chirac, Mathilde Allard, ACHAC

11h30– 12h,  L’École des Beaux-Arts de l’Indochine : Projet artistique et reconnaissance de l’établissement de Victor Tardieu (1925-1937), Chloé Soliot, École du Louvre

12h – 12h30,  Discussion avec le public

12h30 – 14h30,  Pause

CONSTRUCTION DE LA FIGURE DE L’ « ARTISTE INDIGÈNE »
Au cours de la seconde moitié du XIX e siècle, puis de la première moitié du XX e siècle, la circulation des productions matérielles des sociétés colonisées par la France s’intensifie à l’échelle internationale. La présence de ces artefacts se renforce notamment dans les expositions universelles et coloniales organisées par les principaux empires, qui ne se contentent pas d’exposer mais composent aussi le discours sur ces productions pour une large part présentées comme anonymes et évaluées à l’aune du modèle artistique occidental. Le dessein colonialiste, se déploie dès lors sur deux plans, une politique active qui vise la « stimulation » ou la « rénovation » des arts dits « indigènes » ou encore leur « encouragement », et la mise en place de structures imposant de nouveaux modèles. Émergent alors des artistes qui mêlent à l’expression de leur propre culture la référence à des techniques et à une esthétique exogènes. Il convient de revenir ici sur les lieux et modes de construction en métropole et dans les colonies de cette figure de l’ « artiste indigène » ainsi que sur ses multiples incarnations. Modérateur : Sarah Ligner, musée du quai Branly –Jacques Chirac.
14h30 – 15h Alexandre Girard-Muscagorry, Institut national du patrimoine
« Y a-t-il un art à Madagascar ? » : circulation et réception
de la création malgache en France durant la période coloniale
15h – 15h30 Giulia Golla Tunno, Université Bordeaux Montaigne
IMT Scuola Alti Studi Lucca
Un ordre colonial des arts : la place de l’« artiste indigène »au Musée de la France d’Outre-Mer
15h30 -15h45 Pause-café
15h45 – 16h15 Christelle Lozère, Université des Antilles
1943, La création de l’école des arts appliqués de Fort-de-France.
Les graines de la rébellion esthétique
16h15 – 16h45 Discussion avec le public
17h – 18h30
Cocktail

JEUDI 11 OCTOBRE 2018, SALLE DE CINÉMA DU MUSÉE DU QUAI BRANLY-JACQUES CHIRAC

Résultat de recherche d'images pour "logo musée du quai branly"

9h15 Accueil
9h30 Mot de bienvenue par Stéphane Martin, président du musée du quai Branly-Jacques Chirac

STRUCTURATION ET PROPAGATION DES ARTEFACTS ET DISCOURS À L’ÉCHELLE DE L’EMPIRE
Les modes de promotion des arts coloniaux relèvent non seulement d’enjeux artistiques, mais aussi économiques et politiques. De multiples initiatives résultant d’une volonté de l’État ou d’acteurs privés voient le jour pour exposer et diffuser les arts coloniaux en métropole et dans les possessions françaises outre-mer : sociétés d’artistes et leurs salons, foires, expositions et autres manifestations. Quelle est leur finalité et quel est leur impact auprès du public ? Quelles images de la France et de ses colonies s’élaborent à travers ces manifestations ? Plusieurs cas d’étude précis interrogent les fondements d’un système colonial de l’art qui crée des institutions spécifiques de propagande pour diffuser productions et représentations.
Modérateur : Hélène Bocard, Palais de la Porte Dorée
9h40 – 10h10, Construire « un lien d’intellectualité » : l’exposition artistique de l’Afrique française (1928-1939, )Marion Lagrange, Université Bordeaux Montaigne, Centre F.-G. Pariset (EA 538)

10h10 – 10h40,  Empire et prospérité : la promotion des arts coloniaux aux Salons de la France d’Outre-Mer, Laurent Houssais, Université Bordeaux Montaigne, Centre F.-G. Pariset (EA 538)

10h40 – 10h55 Pause-café

11h – 11h30, Graver et dessiner les colonies pendant l’entre-deux-guerres: l’image du Cameroun dans l’œuvre de Suzanne Truitard et de Christian Couillaud, Isidore Pascal Ndjock Nyobe, université de Douala, Cameroun

11h30 – 12h30 Discussion avec le public
12h30 – 14h30 Pause

FORMES DE DOMINATION ET D’APPROPRIATION
Des formes multiples de pouvoir sous-tendent la circulation des artistes et des artefacts entre la France et ses colonies. La construction d’une conscience coloniale, accompagnée des formes d’appropriation des arts «indigènes», a engendré une relation coloniale qui, dans le cadre spécifique des arts et des représentations qu’il diffuse, a longtemps tendu à justifier la domination. Sa remise en cause a provoqué des dénis dont les disciplines et les musées qui ont en charge ces domaines et les collections d’artefacts qui ont été produits, demeurent marqués.
Modérateur : Frédéric Keck, musée du quai Branly –Jacques Chirac
14h30 – 15h Carlo A. Célius, CNRS
Situation coloniale et hégémonie des beaux-arts
15h – 15h30, Fondre ou conserver ? Collecte et premières circulations métropolitaines du trésor de Ségou (1890-début du XX ème siècle), Daniel Foliard, Paris Ouest Nanterre/ UMR Sirice – Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne

15h30 – 16h, Partage d’un « butin de guerre » ? Retours et répartition de la collection du musée des Beaux-Arts d’Alger (1962-1969),    Émilie Goudal, Centre Norbert Elias (CNRS/EHESS)

16h – 16h30,  Des regards sur les œuvres produites en Algérie à l’époque coloniale, Florence Hudowicz, musée Fabre, musée des Beaux-Arts de Montpellier

16h30 – 17h Discussion avec le public
17h – 17h15 Pause
17h15 – 18h30
TABLE-RONDE « PERSPECTIVES DE LA RECHERCHE »
Interrogation sur les sources disponibles pour le chercheur dans le domaine des arts coloniaux, cette table-ronde est l’occasion de revenir sur des travaux pionniers et de mettre en exergue certains fonds patrimoniaux qui permettent d’envisager de nouveaux sujets de recherche.
Modérateur : Laurent Houssais, université de Bordeaux Montaigne
Clothilde Roullier et Pascal Riviale, Archives nationales
Xavier-Philippe Guiochon, Centre national des arts plastiques

19h – 21h En clôture du colloque :
PROJECTION-DÉBAT EN PRÉSENCE DES RÉALISATEURS
Projection du film (docu-fiction) Eugène Delacroix. D’Orient et d’Occident, par les auteurs-réalisateurs Arnaud Xainte et Jean-Frédéric Thibault, produit par Illégitime Défense et diffusé sur Arte le 1 er avril 2018.

Informations pratiques :
Colloque gratuit dans la limite des places disponibles.
Inscription sur : https://colloque-les-arts-coloniaux.eventbrite.fr
Palais de la Porte Dorée
293, avenue Daumesnil – 75012 Paris
Métro – Tramway – Bus – Porte Dorée
Les personnes à mobilité réduite accèdent au Palais
par le 293, avenue Daumesnil, 75012 Paris.
Renseignements :
Laetitia Ferreira – Tél  01 53 59 1591
E laetitia.ferreira@palais-portedoree.fr
Coordination : helene.bocard@palais-portedoree.fr
www.palais-portedoree.fr
Musée du quai Branly – Jacques Chirac
37, quai Branly
218, rue de l’Université – 75007 Paris
Accès piétons : 218, rue de l’Université ou 37, quai Branly 75007 Paris
Visiteurs handicapés : 222, rue de l’Université 75007 Paris
Métro : 6 Bir Hakeim – Ecole militaire
9 Alma-Marceau ou Iéna
Renseignements :
Tél 01 56 61 70 00 E contact@quaibranly.fr
Coordination : anna.laban@quaibranly.fr
www.quaibranly.fr

CONSERVATION ET CONSERVERIE

PARIS & ESTRÉES-MONS
11- 12 OCTOBRE 2018

Journées d’étude organisées par INCCA-f avec la Haute École Arc
de Neuchâtel et le soutien du C2RMF et de l’UPPIA

ART CONTEMPORAIN,
CONSERVATION ET CONSERVERIE

En 1795 Nicolas Appert met au point un procédé de conservation associant un traitement thermique des aliments sous haute température et leur conditionnement dans un récipient étanche – initialement des bocaux en verre. À partir de 1810, le procédé de la boîte métallique sertie, breveté en Angleterre, connaît un vif succès et son usage tend à supplanter celui des bocaux.
Depuis les années 1970, le champ de ce qui est considéré comme patrimoine ou comme art ne cesse de s’étendre conduisant les institutions œuvrant à sa protection à lui conférer une acception toujours moins restrictive et plus large. Artefact ordinaire mais objet emblématique du XXè siècle, la boîte de conserve accède ainsi naturellement au rang d’objet patrimonial et figure en bonne place dans les collections des musées ethnographiques ou d’art contemporain.

En septembre 2014,  la  Haute  Ecole Arc  Conservation – restauration
(HE-Arc CR)  située  à  Neuchâtel  en   Suisse  a  initié  le  projet   CANS
(Conservation of cans in collections), financé pour une durée de trois ans par le Fonds national suisse pour la recherche scientifique (FNS) avec, pour objectif, de recenser des collections détentrices, d’identifier les principales altérations et processus de dégradation et d’envisager des solutions de traitement. Au terme de la première phase du projet, un workshop a été organisé à Neuchâtel en février 2017.
INCCA-f (International network for the conservation of contemporary art – branche francophone) a souhaité organiser, en collaboration avec l’équipedu projet CANS, des journées d’étude consacrées à la problématique de la conservation-restauration des boîtes de conserve métalliques pleines dans les collections patrimoniales et plus spécifiquement dans le contexte de l’art contemporain. Au centre du propos, l’interaction entre un contenu
organique et un contenant métallique supposément hermétique, dans une perspective temporelle non bornée – les collections muséales françaises étant inaliénables.

PROGRAMME
11 OCTOBRE : CONFÉRENCES
Paris, C2RMF (8h45-18h30)
Conservation des aliments, conservation du patrimoine et art contemporain
Cécile Dazord, conservatrice chargée de l’art contemporain au C2RMF / INCCA-f
Du projet CANS à l’organisation d’une journée INCCA-f
Laura Brambilla, docteure en chimie, responsable du projet CANS
Michaela Florescu, restauratrice métal et art contemporain / INCCA-f
PERSPECTIVES HISTORIQUE ET TECHNIQUE
SUR LA CONSERVERIE APPERTISÉE EN BOÎTE METALLIQUE
Genèse et usages
(intervenant à confirmer)
Histoire et évolution de la technique de fabrication
(intervenant à confirmer)
DES BOÎTES DE CONSERVE DANS DES COLLECTIONS D’ART
CONTEMPORAIN
Conservé au naturel : conserves alimentaires dans l’art contemporain
Camille Paulhan, docteure en histoire de l’art, enseignante à l’Ecole supérieure d’art du Pays Basque
Wharol’s Campbell Soup
Aude Bodet, directrice du pôle collection du Centre national des arts plastiques – CNAP
Philippe Bettinelli, conservateur, responsable de la collection art public du CNAP
Bernard Bazile, Boîte ouverte de Piero Manzoni, 1989 (dépôt de Rudy Ricciotti)
Jeanne Rivoire, régisseure administrative et documentaire / collection,
Institut d’art contemporain de Villeurbanne – IAC
Ben, In the Spirit of Fluxus
Lucille Royan, restauratrice au Centre Pompidou
LE PROJET CANS, BILAN ET PERSPECTIVES
Laura Brambilla
Discussion
Atelier : sertissage d’une boîte de conserve
Déjeuner au C2RMF (compris dans l’inscription aux journées d’études)12 OCTOBRE : VISITE D’UNE CONSERVERIE
Estrées-Mons, 10h30-12h30
DE LA RÉCOLTE À LA MISE EN BOÎTE
Visite de la conserverie Bonduelle
Départ et retour collectifs en transports en commun depuis Paris Gare du nord
(se reporter à la rubrique Informations pratiques pour plus de précisons)
Billet réservé par les organisateurs et déjeuner sur place
(compris dans l’inscription aux journées d’étude)

INFORMATIONS PRATIQUES
Journées d’étude organisées par l’International Network for the
Conservation of Contemporary Art-branche francophone (INCCA-f) avec la Haute Ecole Arc conservation-restauration de Neuchâtel (HE-Arc) et le soutien du Centre de recherche et de restauration des Musées de France (C2RMF) et de l’Union syndicale inter-professionnelle pour la promotion des industries de l’appertisé en boîte métallique (UPPIA)
Dates & lieux
11 octobre : C2RMF à Paris 1 er arrondissement (plan d’accès fourni ultérieurement)
12 octobre : Conserverie Bonduelle à Estrées-Mons (Aisne)
Départ prévu de Paris Gare du nord vers 8h le matin, durée du trajet (train & bus) : 1h30 environ, retour vers 15h (horaires et point de rendez-vous précisés ultérieurement)
Participation aux frais : 35 € (25 € pour les étudiants)
Ce tarif inclut la participation aux conférences et un déjeuner au C2RMF le 11 octobre ;
le trajet A/R Paris Gare du Nord-Estrées-Mons et la visite de la conserverie suivie d’un déjeuner sur place le 12 octobre.
Inscription en 2 temps
Inscription préalable obligatoire auprès de inccaf.11octobre2018@gmail.com (dans la limite des places disponibles)
Inscription effective après règlement des droits d’inscription à l’UPPIA (modalités de paiement transmises par retour de courrier)

Rencontres de la SFIIC à Marseille

Résultat de recherche d'images pour "sfiic"                  La Section Française du Comité International de Conservation (SFIIC) organise le 4 et 5 octobre 2018 à Marseille avec le CICRP, le MUCEM et la Cité de la Musique des rencontres intitulées :

  • Atelier(s) d’artiste(s)
  • Lieux et processus de production
  • Matériaux pauvres – Matériaux noblesImage associéeRésultat de recherche d'images pour "logo cité de la musique"

NB : L’accès aux communications (auditorium du MUCEM) est libre.

Programme des rencontres

MUCEM, 4 octobre 2018

10h00 Accueil

10h30 Ouverture des Journées

11h00 Le Monstre de Raymond Moretti à la Défense : adapter une conservation in situ ou ex-situ à la valorisation d’une œuvre-atelier monumentale, Edouard Zeitoun, chargé du développement culturel de Paris La Défense, Clémentine Romeo, chef de projets à la direction des opérations, responsable du programme de valorisation et de conservation des œuvres de la collection Paris La Défense, Sylvie Ramel Rouzet : consultante en conservation préventive, conservatrice-restauratrice en matériaux modernes, matériaux plastiques

11h30 L’atelier de Tal Coat à Dormont : le laboratoire du peintre ou les recettes de la chartreuse, Jean Fouace, responsable du pôle scientifique CICRP, Alain Colombini, ingénieur d’études, CICRP

12h00 Pause déjeuner (sur place)

13h30 Dans quelle mesure des productions en série sont-elles des œuvres dans la Florence de la Renaissance ? Le cas des reliefs en terre cuite et en stuc polychromé, Marc Bormand, conservateur en chef, département des sculptures, Musée du Louvre

14h00 La chimie à la manufacture nationale de porcelaines de Sèvres : évolution de la création et patrimonialisation de la création, Olivier Dargaud, Manufacture-cité de la céramique de Sèvres

14h30 L’atelier sans murs : les conditions de création du graffiti dans la rue, Claire Calogirou, chercheuse honoraire au CNRS/MUCEM, Jean-Roch Bouiller, conservateur au Mucem, Alain Colombini, ingénieur au CICRP

15h00 Visite du Centre International de Recherche sur le Verre et les Arts plastiques (CIRVA) et du quartier du Panier sous la conduite de graffeurs.
Ces visites sont réservées aux seuls adhérents de la SFIIC et aux personnes ayant acquitté les droits d’inscription

MUCEM, 5 octobre 2018

9h30 Présence et exposition de l’atelier, l’atelier dans le musée, Dominique de-Font-Reaulx, conservatrice générale du patrimoine, directrice du musée Delacroix

10h00 L’appartement-atelier de Le Corbusier, Bénédicte Gandini, architecte, Fondation Le Corbusier

10h30 Le projet de conservation et de restauration du jardin de Gabriel : l’atelier d’Albert Gabriel, Fabrice Bonnifait, chef du service patrimoine, Yann Ourry, chargé de mission médiation du patrimoine, Service Patrimoine et Inventaire, Direction Culture et Patrimoine Région Nouvelle-Aquitaine, Manuel Lalanne, conservateur des monuments historiques, CRMH, DRAC Nouvelle-Aquitaine

11h00 Pause café

11h30 Une histoire à portée de main. Des composants du second œuvre dans l’architecture des Trente Glorieuses, Eric Monin, professeur en Histoire et Culture architecturale, ENSAP de Lille

12h00 L’économie patrimoniale comme une mise en œuvre matérielle et sémantique au sein de l’atelier médiéval : le cas de remplois de la Grande châsse de saint Maurice, Pierre Alain Mariaux – Romain Jeanneret – Denise Ritschard, restaurateurs

12h30 Pause déjeuner (sur place)

14h00 Matériaux nobles, matériaux pauvres dans la création artistique, XVe-XVIIIe siècles, Romain Thomas, maître de conférence en histoire de l’art moderne, Université Paris-Nanterre

14h45 Pierres dures et pierres tendres en commesso fiorentino : les matériaux comme source de rivalité entre secteurs public et privé à Florence, Cindric Lola, restauratrice

15h15 L’instrument de musique ses matériaux : un ennoblissement de fait ?, Stéphane Vaïdelich, ingénieur, Cité de la Musique, Paris

15h45 Conclusion

16h15 Clôture des Rencontres

https://sfiic.com/index.php/rencontres-2018/

Un droit d’inscription de 80 euros est demandé aux personnes (non adhérentes de la SFIIC) qui souhaiteraient visiter le CIRVA et le Street art dans le quartier du Panier à Marseille le 4 octobre après-midi. Ces droits comprennent aussi les buffets/café et la publication des actes (inscription : https://sfiic.com/index.php/rencontres-2018/#1526999182760-01ac8b3e-9446)

Mémoires de la restauration

Colloque : Les mémoires de la restauration

Les 15 et 16 novembre 2018, le Musée d’arts de Nantes accueille le Centre de recherche et de restauration des musées de France (C2RMF) à l’occasion de journées d’étude sur la conservation-restauration des œuvres d’art.

Le thème de ces journées est dédié aux « mémoires de la restauration » : l’étude de l’histoire des œuvres, l’histoire matérielle, les usages, la compréhension des restaurations antérieures … Dans tous les domaines du patrimoine culturel, l’importance de la mémoire des interventions de conservation-restauration est un phénomène lié à la professionnalisation des métiers de restaurateur, comme de conservateur.

Les retours d’expérience s’intéressent à des œuvres majoritairement conservées dans les collections publiques de l’Ouest de la France, de l’archéologie à l’art contemporain.

Découvrez le programme (lancer le téléchargement du fichier)

Ces journées sont destinées en priorité aux professionnels des musées (conservateurs, attachés de conservation, régisseurs, restaurateurs, etc.) et des Monuments Historiques. Elles bénéficient cette année du label « Année européenne du patrimoine culturel 2018», ainsi que du soutien de la DRAC des Pays de la Loire (Ministère de la Culture), de Nantes Métropole et de la collaboration de l’Association Générale des Conservateurs des Collections publiques de France (AGCCPF) et sa section régionale.

Deux autres expériences esthétiques aux Rencontres d’Arles

Comme l’été dernier, nous avons arpenté le maillage arlésien dispersant les quelques quarante expositions qui alimentent les 49 èmes Rencontres de la photographie.  Leur intitulé est emprunté à la trilogie cinématographique Back to the future de Robert Zemeckis. Le programme de ce retour vers le futur invite « à une expérience spatio-temporelle, un voyage à travers les époques, sidéral et sidérant. Car la photographie est souvent le medium le mieux placé pour saisir toutes ces secousses qui nous rappellent que le monde change, parfois juste sous nos yeux. » Pas très originale au fond que cette invite qui eut tout à fait pu être … celle des rencontres précédentes. On assiste aujourd’hui et de plus en plus fréquemment à ce phénomène d’annonce thématique à large couverture lors  de la tenue de biennales ou autres grandes foires artistiques étalées dans le temps. C’est qu’il s’agit  d’une modalité communicationnelle relevant d’une stratégie de mercatique culturelle ciblant le plus largement possible une masse de consommateurs potentiels. L’annonce doit accrocher, faire un effet immédiat et  parler au plus grand nombre ; tant pis si c’est un passe-partout et si sa teneur constitue un entonnoir qui lisse  et banalise les singularités des oeuvres artistiques. Alors, puisse le plus de publics possibles ne pas se laisser canaliser dans un consumérisme passif orchestré par tous les cadres sémantiques à l’instigation des systèmes  expographiques  et leurs procédés insidieux. Quant à nous, c’est une démarche très concentrée de discernement qui nous anime  pour mieux nous départir a priori de tout ce qui pourrait polluer la confrontation personnelle à une image artistique, et la réflexion intime qu’elle produit avec son lot d’émotions et d’interrogations.

  •  L’exposition White night propose des photographies de genres et cadrages très hétéroclites, qui semblent avoir été sélectionnées pour leur caractère insolite ou incongru. En effet, elles viennent documenter une réalité surréaliste de la Chine actuelle que nous, français ou européens, avons souvent tendance à réduire à des clichés et à ne pas prendre à sa juste mesure d’un pays-continent.  La plupart des images pourtant puisées dans ce qui semble être un quotidien, sont extraordinaires. Le mélange de personnages statiques avec d’autres pris dans leur élan, rend bien compte d’une réalité et d’une diversité sociologiques dynamiques et remplies d’expressions singulières. Ce qui aspire le regard, c’est la façon du photographe-anthropologue de saisir dans sa « nuit blanche », une multitude d’instantanéités aussi précieuses que si elles participaient d’un spectacle rare ou exceptionnel. Il s’adonne aussi au portrait psychologique, sans que le sujet semble avoir posé. Avec les situations saugrenues et inattendues qu’il a figées depuis 2005 à Chengdu, vraisemblablement sans en être tout à fait conscient, l’artiste Feng Li fabrique un exotisme  non dénué d’humour. Celui de cultures chinoises très diverses remplies de particularités,  à contre-pied  des caricatures stéréotypées et souvent péjoratives que déversent sempiternellement les médias de masse. Par contre, le photographe est parfaitement au faîte de l’art de la captation d’un sujet en mouvement, certainement grâce à un appareil motorisé, tant il parvient à des résultats surprenants. Certaines images ressemblent à de véritables compositions plastiques qui témoignent d’un oeil aiguisé et savant.
Maison des Lices Maison des Lices,  2 juillet – 26 août / 10H00 – 19H30  / 8 euros
_______________________________________________________________________________
L’exposition Grozny, neuf villes réunit neuf thèmes d’un projet de quatre années, qui tel une odyssée, explore et révèle de nombreux aspects de la Tchétchénie actuelle où ses habitants tentent de panser leurs plaies et de sortir de l’enfer. La force de proposition des trois photographes Olga Kravets, Maria Morina et Oksana Yushko, démarrée à partir de 2009,   est inspirée du livre de Thornton Wilder, Theophilius North et se focalise sur l’idée que 9 facettes d’une ville, 9 cités, sont cachées dans une seule et même cité. Il y a moins de dix ans, le pays était en proie à une guerre de répression menée par la Russie, succédant à la précédente. Des tirs d’artillerie et des bombardements de l’aviation russe ont ravagé la capitale tchétchène, véritable ville martyre. Les photographies nous éclairent sur une étrange réalité sociale et culturelle où des signes extérieurs de richesse exacerbés côtoient les stigmates de la guerre,  la plus grande misère et la détresse d’un malheur qui semble irréparable. Le pays est la proie du tyran mythomane Ramzan Kadyrov, protégé et marionette de Vladimir Poutine, qui n’est hélas pas seulement le héros d’un très mauvais film de série B. Des armes, du chagrin, une corruption galopante, des haines ravalées, les effets d’une politique gouvernementale complètement cynique, un affichage insolent de  bling bling, alimentent aujourd’hui l’hallucinant spectacle de Grozny, au plus fort de l’isolement de la Tchétchénie complètement sous emprise et surveillance du maître du Kremlin.

______________________________________

Sciences du patrimoine et recherche

E RHIS.fr est heureux de vous convier à la Journée nationale de l’infrastructure de recherche en sciences du patrimoine E-RIHS France. Elle se tiendra le 4 octobre 2018 à Paris dans le cadre exceptionnel de l’Auditorium Claude Lévi-Strauss du Musée du Quai Branly – Jacques Chirac.

L’inscription est gratuite mais obligatoire : s’inscrire ici.

L’infrastructure E-RIHS cherche à répondre aux problèmes expérimentaux que posent la connaissance et la conservation des matériaux du patrimoine. Elle soutient l’étude scientifique avancée du patrimoine culturel et naturel en déployant des moyens d’étude pour l’histoire matérielle, l’interprétation, le diagnostic et la préservation des objets, monuments et sites patrimoniaux.

À travers une procédure concertée, E-RIHS fournira un accès intégré à des instruments et des technologies de pointe sur grands instruments et plateformes mobiles, à des infrastructures de données et à des archives matérielles, et aux compétences qui leur sont associées.

À l’occasion de cette Journée nationale, les partenaires français du projet feront le point sur le développement d’E-RIHS. Lors de différentes tables rondes, ils consolideront les réponses proposées par la communauté scientifique française aux questions essentielles du projet scientifique de l’infrastructure, de ses politiques d’accès, de gestion et d’exploitation des données et de ses actions de formation, tant au niveau national qu’aux niveaux européen et international.

La journée s’adresse aux personnels des laboratoires étudiant des matériaux de l’archéologie, de l’histoire de l’art, des sciences de la conservation et de la paléontologie, aux fournisseurs d’accès aux instruments et données, ainsi qu’aux acteurs institutionnels et politiques.

La journée est labellisée « Année européenne du patrimoine culturel 2018 »

Pour plus d’informations sur l’infrastructure, visitez le site d’E-RIHS France.

Faux-semblants d’urbanité, aux Rencontres d’Arles

L’an dernier, nous avions remarqué aux Rencontres de la photographie d’Arles,  l’exposition « La vie dans les villes ». Le travail du photographe allemand Michael WOLF qui y était très originalement présenté dans une église désaffectée se focalisait sur ce que nous avions appelé une « humanité mégapolitaine » capable d’adaptation partout sur la planète.  Cette année, c’est la production d’un autre artiste germanique, lui né au Tyrol, qui a retenu notre attention par le biais de l’exposition « Le Village Potemkine » visible au Cloitre Saint-Trophime. L’ensemble présenté en co-production avec le Centre de la photographie de Genève rassemble une sélection de photographies réalisées entre 2015 et 2017 de villes artificielles, complètement fausses.

Comme point de départ, Grégor Sailer a retenu de  l’histoire russe, un épisode qui met en lumière le prince Grigory Aleksandrovich Potemkine, maréchal russe et favori de l’impératrice Catherine II. Mais ce n’est pas pour le lien de son nom avec une mutinerie révolutionnaire qui lui a conféré sa célébrité internationale. En 1787,  afin d’épargner à sa souveraine devant se rendre en tournée, l’apparence misérable et sinistre de la Crimée récemment annexée,  il aurait ordonné de créer des villages entiers constitués de façades « aguichantes » à ériger en carton-pâte et à peindre tout au long du parcours. 

L’artiste autrichien s’est donc évertué à découvrir de  fausses villes ne reposant que sur une illusion. Des centres d’exercice militaire aux Etats-Unis et en Europe aux répliques de villes européennes en Chine, en passant par des pistes d’essais de véhicules en Suède ou encore des rues entières mises en scène pour la visite de personnalités politiques … Les étranges structures  architecturales présentées dans des images vidées de toute humanité,  réfèrent aux contraintes politiques, militaires et économiques qui en sont à l’origine. Le pays initiateur, la Russie, déguise encore des rues entières dès lors que des célébrités politiques, comme des personnages de haut rang venant de l’étranger doivent les emprunter. Ce dernier subterfuge a fait école dans tous les régimes autocrates. En 1993, nous en avions constaté de nos propres yeux la mise en oeuvre très bien organisée au Caire, tout le long du parcours de chaque sortie en ville du Président Moubarak.

Ici l’exposition documente un procédé architectural de falsification, de duperie tout en le dénonçant et en esthétisant les images qui en sont produites. A la fois en révélant une tromperie et en séduisant l’oeil esthète, la photographie apparaît ici dans une dualité inattendue, et nous jette à la figure l’ambiguïté de notre rapport au factice.

 

 

 

Tristes trophées au musée

Tristes trophées / Sad trophies

S’approprier, exposer et restituer objets et restes humains des conquêtes coloniales (de la du fin du XIXe siècle à nos jours) / Appropriating, exhibiting, and reconstituting objects and human remains from colonial conquests (late 19th century-present day)

Wednesday, September 05, 2018 / Bâtiment Max Weber – 200 avenue de la République , Nanterre, France (92)

Contact

  • Daniel Foliard
    courriel : daniel [dot] foliard [at] gmail [dot] com

Sommaire / Summary

Les grands musées européens conservent pour la plupart des traces de pratiques de collecte de restes humains et de trophées de tous ordres opérée durant la période coloniale. Le phénomène, très répandu lors des guerres de conquête coloniale et des pacifications, de constitution de butins d’objets à forte portée symbolique pour les populations locales, voire de prélèvement de têtes humaines à des fins de recherche anthropologique ou de profanation, a suscité le développement de recherches de plus en plus dynamiques. La collecte de ces objets et de ces trophées n’a pas obéi aux mêmes logiques. Certains furent avant tout des trophées de guerre, enlevés dans la violence du combat, d’autres furent négociés dans un processus moins unilatéral. Les interventions mettront en valeur cette diversité des pratiques.

Most major ethnographic museums in Europe hold objects that can be traced back to the wars of conquest and “pacification” of the late 19th and early 20th centuries, during what was one of the most violent phases of European colonial expansion. The appropriation of ethnographic artifacts and human remains for the purpose of collection or desecration was a feature of colonial expansion. It has become the focus of a growing field of research. Collecting and accumulating objects took various shapes. Some were looted as war trophies in the violence of combat; others were negotiated in complicated and often uneven hierarchical fashion. This one-day conference will underline the diversity of these processes.

Argumentaire

Les grands musées européens conservent pour la plupart des traces de pratiques de collecte de restes humains et de trophées de tous ordres opérée durant la période coloniale. Le phénomène, très répandu lors des guerres de conquête coloniale et des pacifications , de constitution de butins d’objets à forte portée symbolique pour les populations locales, voire de prélèvement de têtes humaines à des fins de recherche anthropologique ou de profanation, a suscité le développement de recherches de plus en plus dynamiques. La collecte de ces objets et de ces trophées n’a pas obéi aux mêmes logiques. Certains furent avant tout des trophées de guerre, enlevés dans la violence du combat, d’autres furent négociés dans un processus moins unilatéral. Les interventions mettront en valeur cette diversité des pratiques. C’est aussi le lien entre chasse et violence coloniale, qui explique en partie certaines de ces pratiques, qui a lui aussi attiré l’attention des historiens et qui sera examiné. Cette journée d’études analysera ces collectes telles qu’elles furent pratiquées par les Empires coloniaux dans la phase la plus rapide et la plus violente de leur expansion, de la fin du XIXème siècle à la Première Guerre mondiale, en Afrique, en Asie et en Océanie. Elle mettra en valeur non seulement la prise puis la circulation de ces prises de guerre et de ces objets négociés mais aussi leur vie sociale en métropole. La question des objets ethnographiques se pose d’ailleurs de façon plus vive à mesure que certains États demandent de plus en plus distinctement le retour de certaines œuvres prises par les Européens à l’occasion d’expéditions. Les trophées coloniaux sont un héritage lourd d’enjeux de mémoire, et parfois d’oubli, comme le démontre parfois leur traitement muséologique dans les grandes institutions européennes. Cette journée vise à analyser la diversité de ces rituels au cœur de la période d’expansion de l’influence européenne et de comparer les expériences de différents Empires. Elle entamera par ailleurs une réflexion sur la question des restitutions et les enjeux liés à la mise en relief de ces formes de violence coloniale à travers le regard de spécialistes venus de différents horizons.

Programme

  • 9H – Accueil et introduction – Lancelot Arzel, Daniel Foliard

9h30-11h- Trophées ou spécimens ?

  • Kim Wagner (Queen Mary University of London) « But from the Skulls of the Slain » : empire, violence et collecte de restes Humains dans les Indes britanniques [NB: communication en anglais]

En 1963, un crâne humain fut découvert sous de vieilles caisses dans un pub du Kent, dans l’Est de l’Angleterre. On trouva une brève histoire de son parcours sur un papier glissé à l’intérieur. C’était le crâne d’Alum Bheg, un Cipaye – un soldat indien de l’armée britannique des Indes – exécuté durant la répression de la mutinerie de 1857 dans les Indes britanniques. Ligoté à la bouche d’un canon, Alum Bheg avait été pulvérisé. On l’accusait d’avoir horriblement tué plusieurs civils d’origine européenne, dont des femmes et des enfants, durant les troubles survenus dans une ville de garnison, Sialkot, dans l’actuel Pakistan. Les exemples de trophées de ce type, que ce soit des crânes ou d’autres parties du corps, sont nombreux, mais le cas d’Alum Bheg est exceptionnel.  C’est le seul exemple connu de crâne resté en-dehors des processus de collecte muséale et anthropologique classiques et qui n’ait en outre pas été restitué. Cette intervention vise à replacer l’histoire d’Alum Bheg et de son crâne dans un contexte plus général de violence coloniale, qu’il faut considérer en lien, en particulier, avec les rituels d’exécutions publiques et les pratiques contemporaines de collectes de restes humains. La brutalité qui fut à l’origine de la circulation du crâne d’Alum Bheg, et qui était explicitement décrite dans la courte histoire jointe au reste humain, est révélatrice de la violence implicitement liée aux pratiques phrénologiques et anthropométriques du 19ème siècle. Le cas d’Alum Bheg – la collecte de sa tête et la conservation de son crâne – n’est pas isolé. Il est plus qu’un corps ennemi singulier. La « construction » du crâne d’Alum Bheg fut d’une certaine manière la continuation de la punition et de l’exécution qu’on lui appliqua. En ce sens, son histoire s’entremêle inexorablement avec les formes et les objectifs de la violence coloniale pratiquée dans l’empire britannique.

  • Leonor Faber-Jonker (African Studies Centre Leiden) Spécimens anthropologiques ou trophées de guerre ? La collecte de crânes pendant le génocide Herero et Nama (1904-1908) [NB: communication en anglais]

En septembre 2011, vingt crânes originaires de Namibie furent rapatriés par l’Hôpital universitaire de la Charité de Berlin. Ces restes humains étaient restés plus d’un siècle en Allemagne. Ils avaient été prélevés sur des victimes de la guerre menées par les troupes allemandes contre les Herero et les Nama. Ce génocide coûta la vie à près de quatre-vingt pour cent de la population Herero et à la moitié de la population Nama. La majorité de ces crânes arrivèrent à Berlin sous la forme de têtes préservées chimiquement. Toutes servirent à des fins scientifiques dans les premières décennies du vingtième siècle.

Cette intervention démontre que ces restes humains furent collectés à la fois comme des trophées et des spécimens anthropologiques. Elle débute par l’analyse d’une carte postale qui montre des soldats en train d’emballer des crânes. Cette image constitue un point d’entrée dans l’étude du rapport que les troupes impliquées dans la collecte entretenaient avec ces restes humains. Hantés par les rumeurs des traitements atroces supposément infligés par les Herero (on disait qu’ils mutilaient les soldats allemands) et plongés dans une guérilla confuse avec les Nama, ces militaires étaient habités d’un intense esprit de revanche. Cette intervention explore les parallèles entre ces pratiques et la collecte des « trophées cafres » par les Britanniques pendant les guerres xhosa. Dans les deux conflits, la conduite des troupes semble avoir été déterminée par des sentiments similaires de peur face à un terrain ennemi des adversaires inconnus.

Les conceptions de l’ennemi développées sur place par les troupes allemandes influencèrent les travaux des scientifiques qui travaillèrent sur ces restes humains. Ces têtes/crânes restèrent, inéluctablement, des trophées. Le statut qui fut le leur dans le passé a d’ailleurs des conséquences très actuelles. Ce travail montre dans un deuxième temps comment le fait que ces restes aient été des trophées a pu jouer un rôle dans le processus de rapatriement en 2011. Car c’est aussi parce que ces crânes ont été des trophées qu’ils constituent des preuves éminentes du génocide.

Cette intervention examine les archives de l’Hôpital universitaire de la Charité de Berlin de manière critique, en particulier les rapports de recherche. Elle s’appuie aussi sur d’autres documents qui traitent des restes Herero et Nama, plus récents et conservés dans d’autres fonds en Allemagne. La perspective raciste ouvertement exprimée par les scientifiques de l’époque face à des têtes qui sont, en partie, des spécimens anthropologiques, a été bien documentée et analysée par la recherche récente. Reste à trouver des voies d’analyse pour comprendre le pendant émotionnel de cette relation à des crânes qui sont aussi perçus comme des trophées, par des vainqueurs.

  • Gidena Mesfin Kebede (Université technique de Berlin, départment d’histoire de l’art, Translocations Project) Les restes d’un jeune prince éthiopien kidnappé et la question de leur rapatriement [NB: communication en anglais]

En 1868, un conflit diplomatique entre la Grande-Bretagne victorienne et l’empereur Tewodros II (1855-1868) d’Éthiopie, alors appelée Abyssinie, dégénère en une expédition punitive. Une armée venue des Indes britanniques atteint Aroge, non loin de la capitale de Tewodros II, le 10 avril 1868. L‘infanterie britannique y affronte avec des armes modernes des troupes abyssiniennes équipées  d‘armes traditionnelles: machettes, lances et boucliers. L’asymétrie du combat est telle que cet événement tient plus du massacre que de la bataille pour les historiens de cette campagne. Trois jours plus tard, l’armée britannique se met en marche contre Magdala, où se trouvent la forteresse et le palais impérial. Tewodros II se suicide pour éviter l’humiliation de la capture. La chute de la place forte est suivie d’une phase de pillage. Le butin accumulé est tel que deux cent mules et quinze éléphants  sont nécessaires pour le transporter vers la côte.  Ces prises de guerre comprennent plus de mille livres manuscrits dont de nombreux ouvrages enluminés, une couronne et un calice en or, de nombreux objets en argent et en bronze ainsi que des reliques sacrées. Après avoir libéré les otages européens qui avaient été le prétexte de l’expédition, les troupes britanniques emmènent avec eux la veuve de Tewodros II, la Princesse Terunesh, et son fils de sept ans, le Prince Alemayehu. Commence alors un long voyage vers l’Angleterre. La princesse meurt en route à Tigray, dans le nord de l’Éthiopie. L’enfant, une fois à Londres, devient le protégé de la Reine Victoria. Il décède tragiquement à dix-huit ans. Il est enterré dans la chapelle Saint-Georges du château de Windsor. Dès 1871, des demandes de restitutions des objets pillés se font jour. Elles vont se multiplier au fil des décennies. L’Éthiopie réclame en outre le retour de la dépouille d’Alemayehu. La dernière demande officielle date de 2007. Girma Woldegiorgis, le président de l’Éthiopie à l’époque, rédige alors une lettre officielle à cette fin. Dans cette intervention, j’examinerai le contexte historique de ces circulations, les demandes de restitution et les débats actuels sur le retour des restes du Prince Alemayehu.

11h-11h30 Pause

11h30-12h30 – Médiatisations et controverses

  • Paul Bijl (Utrecht University) La photographie d’atrocités coloniales dans les Indes néerlandaises: du trophée à l’oubli de réserve [NB: communication en anglais]

Cette intervention revient sur la biographie sociale d’un type de trophée collecté durant les guerres coloniales au tournant du vingtième siècle : les photographies célébrant la prise de villages indonésiens où l’armée hollandaise venait de commettre des atrocités de masse. Prises dans le but de montrer que les troupes avaient fait leur travail, ces clichés furent immédiatement matière à une polémique aux Pays-Bas où ils devinrent des objets très problématiques, aux yeux d’une partie de la population tout du moins. De nouvelles grilles d’interprétation étaient alors en train d’émerger, en particulier en ce qui concernait la nature de la mission civilisatrice européenne. Au long des vingtième et vingt-et-unième siècles, ces photographies ont régulièrement refait surface, d’une part comme bases d’une critique du passé colonial des Pays-Bas et, d’autre part, à l’instar d’autres reflets des atrocités coloniales pris comme des traces d’une histoire oubliée, comme les illustrations paradoxales d’un récit promouvant une forme d’innocence.

  • Daniel Foliard (Paris Ouest Nanterre), La tête de Rabah et le crâne du Mahdi: histoires croisées de trophées coloniaux français et britanniques  

Rabah, l’une des figures de la résistance militaire à l’expansion française en Afrique est battu à la bataille de Kousséri en avril 1900. Sa tête décapitée est exposée pendant plusieurs jours aux abords du campement français après avoir été photographiée. Elle est ramenée par la suite à Paris où sa trace s’est perdue aujourd’hui mais qui fut étudiée au début du vingtième siècle comme spécimen anthropologique. Un an et demi plus tôt, ce sont les Britanniques qui défont leurs principaux ennemis dans la région du Nil, les Mahdistes, à la bataille d’Omdurman en septembre 1898. La tombe de Muhammad Ahmad est détruite par les troupes britanniques après la victoire, les ossements du fondateur de l’État mahdiste sont jetés dans le fleuve et son crâne, que Kitchener pense un temps envoyer à Londres, est finalement enterré dans une oasis égyptienne sous la pression de l’opinion publique naissante en métropole. La controverse agite en effet jusqu’au Parlement et le projet de donner le crâne du Mahdi au Royal College of Surgeons est abandonné. Durant la campagne militaire, la collecte de restes humains et d’artefacts s’inscrit dans une dynamique unique. Elle participe de rituels de victoire qui n’ont rien d’exceptionnel aux yeux des soldats français et britanniques engagés dans les combats sur place.

Puis, dans les deux cas, les vainqueurs rapportent sabres, drapeaux et objets pris à l’ennemi. Ce déplacement favorise les réinterprétations de la raison d’être de ces objets. Parfois même, comme le montre le destin du crâne du Mahdi, ce qui paraissait jusque-là acceptable cesse de l’être. Une fois déplacés dans les métropoles, un autre sens est en effet donné à certains de ces trophées. Ils deviennent des objets ethnographiques ou des spécimens anthropologiques. La part de violence guerrière qui les produit est en partie effacée. D’autres, au contraire, sont utilisés dans des mises en scène qui célèbrent les victoires britanniques et françaises dans ces guerres au loin. Cette intervention examinera les croisements entre les utilisations sélectives des trophées collectés pendant la campagne du Soudan (1898) et la fin de la campagne française contre Rabah (1900). La grande proximité entre les deux processus, et leurs différences, sera au cœur d’une analyse qui mettra en valeur le fonctionnement du co-impérialisme franco-britannique en matière de propagande, ainsi que les circulations entre les deux Empires en matière de pratiques guerrières.

12h30-14h00 –Pause

14h-15h – L’exemple du Congo

  • Maarten Couttenier – Royal Museum for Central Africa, De deux trophées du Congo en Belgique: objectifications craniologiques et ethnographiques

A travers l’étude de deux « objets » conservés au Musée royal de l’Afrique centrale (MRAC) et l’Université libre de Bruxelles (ULB), cette intervention explorera les thématiques croisées des butins réalisés au cours d’opérations militaires, de la mise en place du pouvoir colonial, des représentations, de l’expertise locale et des restitutions. Le premier objet est aujourd’hui conservé au sein du fonds ethnographique du MRAC sous la cote EO.0.0.7943. Il s’agit statue composite qui fut « collectée » par Alexandre Delcommune après une campagne dans la région de Boma en 1878, quelques mois après la naissance du Comité d’Etudes du Haut-Congo. Alors que les demandes de restitutions furent immédiates, Delcommune refusa de rendre l’objet sous prétexte qu’il faisait partie d’un « butin » légitime. Ce Nkisi –un type d’objet magique- fut envoyé en Belgique par bateau et montré dans des expositions en Europe et aux Etats-Unis. Le détail de l’histoire de ses déplacements révèle la permanence des demandes de restitution comme l’auteur a pu le constater lors d’une visite à Boma en 2016. Le deuxième « objet » est un crâne conservé à la Faculté de Médecine de l’ULB. L’auteur a localisé ce crâne il y a quinze ans et s’est rapidement rendu compte qu’il avait fait partie de la collection de la Société d’Anthropologie de Bruxelles créée en 1882. L’examen des papiers de Charles Lemaire des années plus tard a permis d’établir les circonstances troubles qui entourent l’acquisition de ce crâne. A travers l’histoire de ces deux objets, cette intervention explorera ainsi la question de la restitution des artefacts et des restes humains, un sujet encore largement ignoré en Belgique.

  • Lancelot Arzel (Centre d’Histoire de Sciences Po) Les trophées humains de la conquête. Découpe des corps, mise en trophée et guerres coloniales dans l’État indépendant du Congo (fin XIXe siècle-début XXe siècle)

À la fin du XIXe siècle, les « mains coupées » par les soldats de l’armée de conquête du roi Léopold II, au Congo, créent une onde de choc dans les imaginaires européens : jamais ramenées en métropole, elles illustrent à distance et aux yeux de nombreux observateurs, l’intensité des violences pratiquées contre les populations civiles de la région de l’Équateur par les hommes de la conquête – militaires européens et warlords africains. Cette communication examine de plus près la découpe des corps lors des très longues guerres de conquête coloniale qui marquèrent cet État indépendant du Congo (ÉIC) des années 1880 aux années 1910. Car il ne s’agissait pas que de mains : la découpe des corps concerna aussi bien les têtes, les parties sexuelles que d’autres éléments des corps morts.

Dans un premier temps, nous éclairerons les modalités de ces découpes, aussi bien les contextes guerriers, les acteurs que les phases de la conquête. Puis, nous analyserons la mise en trophée de ces restes humains dans les postes coloniaux ou auprès des populations civiles. Il s’agira de mettre en évidence les multiples logiques à l’œuvre, qu’elles relèvent de facteurs logistiques et militaires ou de raisons sociopolitiques et anthropologiques. Dans cette « rencontre » que constitue la conquête, nous verrons ainsi à quel point les pratiques combattantes des soldats coloniaux s’appuient puis modifient les pratiques autochtones. Dans un dernier point, tel un angle mort de la découpe des corps, nous verrons que ces trophées humains ont finalement peu circulé entre le Congo et le reste du monde, à la différence d’autres colonies : la grande campagne anticongolaise menée dès le début du XXe siècle contre l’administration de Léopold II mais aussi les écarts de sensibilités existant entre les hommes de la conquête et les sociétés européennes expliquent, en partie, cette absence de circulation des trophées vers les métropoles. Leur seule présence sera iconographique.

Pour mener à bien cette communication, nous nous appuierons sur les témoignages rapportés par les militaires européens en charge de la conquête comme par des observateurs civils, sur les archives de la Commission d’Enquête de 1904-1905 mais aussi sur les photographies en circulation de ces « atrocités » comme sur les sources orales locales collectées une fois la conquête terminée.

15h-15h30 – Pause

15h00-16h30 – Le sens des « objets » : Regards croisés sur les circulations

  • Christelle Patin (Centre Alexandre-Koyré) Le traitement ordinaire ou extraordinaire des restes humains patrimonialisés – Le cas des têtes de chefs kanak.

A partir de la reconstitution précise du traitement post-mortem des têtes de chefs kanak de l’insurrection de 1878, de leur récolte, étude, exposition à leur patrimonialisation actuelle, nous tenterons de cerner les éventuelles spécificités de leur parcours et mise en récit au sein de la destinée ordinaire des autres spécimens anthropologiques. Finalement, le musée parvient-il à transformer le trophée de guerre en un objet d’étude ordinaire ?

  • Felicity Bodenstein, Technische Universität, Berlin Où est Idia? La reine-mère comme « personne distribuée » ou le destin des masques en ivoire de Benin City pillés en 1897

Les cinq masques en ivoire de la reine-mère Idia (16e siècle) sont sans doute les objets les plus iconiques du butin de plus de 3000 pièces emportés par les troupes de la « mission punitive » britannique qui envahit le royaume de Benin (dans le sud-ouest du Nigéria actuel) en février 1897. Cette présentation met en regard les trajectoires de ces objets dispersés avec les images de la reine-mère Idia qui prolifèrent à Benin City en tant que « substituts » des objets perdus. Il s’agit de faire dialoguer deux manières de percevoir « Idia », grande figure historique de la protection du royaume. L’une se fixe sur les objets matériels singuliers, les artefacts « historiques » ou « authentiques » conservés dans les musées d’Europe et d’Amérique du nord. Elle s’est formée au fil des accumulations successives des significations données à ces objets au gré de leurs déplacements depuis 1897. L’autre est constituée des perceptions locales, régionales et nationales construites autour de la tension entre l’absence de ces pièces et la possibilité de retrouver « Idia » dans la production d’objets et d’images nouvelles.

  • Marie Cornu Directrice de recherches CNRS à l’Institut des Sciences sociales du Politique (ISP, UMR 7220, ENS Paris Saclay, Université Paris Nanterre, CNRS) Le droit et la restitution des restes humains

Dans l’univers du droit, les restes humains ont un statut particulier. Juridiquement devenus « choses » à la disparition de la personne, ils n’en sont pas moins des choses particulières en ce qu’ils sont revêtus d’une dimension sacrée. En règle générale, les biens sacrés ne sont pas une catégorie juridique du droit contemporain du moins dans un certain nombre de systèmes dont le droit français et contrairement à ce que connaissait le droit romain. Ils sont, en principe librement dans le commerce, ce qu’ont pu confirmer les juges saisis de plusieurs demandes de restitution de ce type de biens (à propos notamment de masques Hopis, propriété collective d’une tribu amérindienne). Les restes humains font cependant exception. Ils doivent être, au sens du Code civil traités avec respect et ne peuvent faire l’objet d’un droit patrimonial (art. 16-1 et suivants du Code civil). Ils sont pourtant intégrés dans nos collections publiques. En réalité, la question de la place des restes humains au musée n’a guère soulevé de questions jusqu’à une époque assez récente. Les demandes contemporaines de retour ou de restitutions ont nourri un débat sur leur singularité au sein des collections et sur la possibilité même de leur appropriation. Le plus souvent, ces demandes concernant des collectes anciennes se heurtent en France au statut des collections publiques (inaliénabilité, imprescriptibilité). La discussion s’est notamment nouée autour d’une initiative de restitution d’une tête de guerrier maori présente dans un musée de France. La ville de Rouen avait pris la décision de la restituer à sa communauté d’origine, se fondant sur le principe de dignité et le respect dû aux morts. Les juges ont censuré cette décision en invoquant précisément le régime de domanialité publique. Le droit civil ne fait pas obstacle à leur situation d’éléments de collection publique soumis au dispositif du Code du patrimoine. Ces biens seraient finalement des biens culturels comme tout autre sous le rapport de leur régime propriétaire, solution critiquée par la société civile et par un certain nombre de parlementaires. Cette forme de déni a conduit à une intervention législative (comme en l’occurrence dix ans plus tôt, dans le cas de la Vénus hottentote). D’autres exemples contemporains questionnent le statut de ces biens et, dans l’espace international, la façon dont peuvent être appréciées des revendications de retour, restitution, rapatriement. Les questions juridiques ne sont, en l’occurrence, pas seules mobilisées dans la réflexion sur la condition des restes humains et leur traitement institutionnel et patrimonial. Fortement déterminées par une dimension éthique, elles doivent aussi être mises en relation avec le ressort de la déontologie.

16h30-17h00 – Conclusion Sébastian Minchin,  Directeur-Conservateur du Muséum d’histoire naturelle de Bourges

Lieu

  • Bâtiment Max Weber – 200 avenue de la République
    Nanterre, France (92)

Date

  • Wednesday, September 05, 2018

Contact

  • Daniel Foliard
    courriel : daniel [dot] foliard [at] gmail [dot] com

Source de l’information

  • Daniel Foliard
    courriel : daniel [dot] foliard [at] gmail [dot] com

Annonce

« Sad trophies », Study days, Calenda, Published on Friday, June 29, 2018, https://calenda.org/446237

Conservation et conserverie d’art

INCCA-f et la Haute école Arc Conservation-restauration de Neuchâtel organisent deux journées d’études consacrées aux boîtes de conserve dans l’art contemporain, envisagées du point de vue de la conservation et de la restauration des oeuvres les 11 et 12 octobre 2018 à Paris et à Estrées-Mons (Picardie) – Pour s’inscrire: inccaf.11octobre2018@gmail.com

Now On View

The Conservation Center for Art & Historic Artifacts (CCAHA) is pleased to present Now On View: Preserving Modern and Contemporary Museum Collections on September 12-13, 2018 at The Broad in Los Angeles, California.
Caring for modern and contemporary collections is a continually evolving challenge. The 20th and 21st centuries presented a vast array of new materials that have left collections staff in uncharted territory as they address unprecedented preservation problems. Colors change and fade, structures lose their integrity, and material components become obsolete. Museums and other collecting institutions must understand the long-term needs of these items in order to determine appropriate priorities for conservation, storage, exhibition, documentation, and digitization. This two-day conference will explore ways to anticipate, plan for, and address preservation concerns in modern and contemporary collections.
Topics include:
–Exhibiting modern materials
–Preservation of time-based media
–Preservation within the balance of the law
–Artist/conservator relationship
–Considering what to save
This program is intended for collections care staff responsible for modern and contemporary materials in museums.
To register or view a pdf of the brochure, please visit https://bit.ly/2L27x0Y.
VoCA Partnership
On day two of the conference, a dynamic session presented in partnership with VoCA (Voices in Contemporary Art)  will focus on building relationships with artists. How might the artist’s voice become a key resource for the museum professionals who preserve their work? A keynote presentation by Chad Alligood, Independent Curator and Vice President of VoCA’s Board of Directors, will address the importance of engaging the artist in the stewardship of their work. Next, a case study discussion will explore an existing artist/conservator relationship: a conversation between Rachel Rivenc, Project Specialist in the Collections Department at the Getty Conservation Institute, and artist Larry Bell. A presentation by Lauryn Guttenplan, Associate General Counsel at the Smithsonian Institution, will shed light on the legal and ethical aspects of working with and interviewing artists.
These offerings will demonstrate how building strong, lasting relationships with artists preserving their words alongside their work is a vital aspect of contemporary collections care.
The Location
The Broad
221 S. Grand Avenue
Los Angeles, CA 90012
The Broad is a contemporary art museum founded by philanthropists Eli and Edythe Broad on Grand Avenue in downtown Los Angeles. Designed by Diller Scofidio + Renfro in collaboration with Gensler, the museum offers free general admission. The Broad is home to the 2,000 works of art in the Broad collection, which is among the most prominent holdings of postwar and contemporary art worldwide, and presents an active program of rotating temporary exhibitions and innovative audience engagement. The 120,000-square-foot building features two floors of gallery space and is the headquarters of The Broad Art Foundation?s worldwide lending library, which has actively loaned collection works to museums around the world since 1984. Since opening in September 2015, The Broad has welcomed more than 1.7 million visitors.

A la Collection Lambert

Ligne Forme Couleur
Ellsworth Kelly (1923-2015) dans les collections françaises

5 juillet – 4 novembre 2018Une exposition conçue par l’Institut national d’histoire de l’art.
La Collection Lambert accueille une grande exposition consacrée au peintre américain Ellsworth Kelly (1923-2015). Elle réunit autour d’une donation exceptionnelle de 54 estampes destinées à rejoindre les collections de la bibliothèque de l’Institut national d’histoire de l’art (INHA), des œuvres issues de Collections françaises, aussi bien publiques que privées. Le commissariat en est  assuré par Éric de Chassey, directeur de l’INHA et spécialiste de la peinture étatsunienne. Le titre de l’exposition est celui d’un livre d’artiste dont Kelly fit le projet pendant son séjour en France, en 1951 : Line Form Color.

Exposer ce grand maitre du XXe siècle à la Collection Lambert est essentiel à plus d’un titre : l’artiste a entretenu toute sa vie un rapport privilégié avec la France, et il annonçait les problématiques sensibles qui seront à l’œuvre chez les tenants de l’art minimal dont les noms ont participé au rayonnement de la Collection (Robert Ryman, Brice Marden, Robert Mangold, Sol LeWitt…) et que l’on retrouve en échos dans l’accrochage du fonds permanent.

Entre 1948 et 1954, Kelly s’installe en France, où il y rencontre Picasso, Calder, Brancusi, Arp, y découvre Matisse, Monet et les abstraits géométriques qui influenceront sa peinture. C’est là, à partir de 1949, qu’il met au point une méthode éloignée des paradigmes de l’abstraction lyrique et de l’expressionnisme abstrait.  Il duplique des formes trouvées dans la réalité ou produites par le hasard, développant un vocabulaire singulier où lignes, formes et couleurs entretiennent et produisent des liens inédits. Ses œuvres abstraites, envisagées comme autant de mises en volume de la peinture, induisent non seulement de nouvelles manières de peindre mais aussi de regarder et d’expérimenter l’œuvre.

Son lien avec la France vient d’être réaffirmé par le Studio Ellsworth Kelly qui a souhaité faire don de 54 estampes de l’artiste à la bibliothèque de l’Institut national d’histoire de l’art (INHA). Cet ensemble permet d’observer la manière dont Kelly a, tout au long de sa carrière, expérimenté les possibilités que peut offrir l’image imprimée. Cette donation exceptionnelle, dont ce sera la première présentation au public, sera accompagnée d’une sélection d’œuvres d’Ellsworth Kelly – tableaux, dessins, collages et estampes – qui se trouvent aujourd’hui dans les collections françaises, publiques et privées, dont de nombreuses œuvres inédites ou dont l’accès est ordinairement limité à quelques privilégiés.

Claire Tabouret
Les Veilleurs
A la Collection Lambert
5 juillet – 4 novembre 2018
L’Errante
Dans l’Eglise des Célestins
7 – 24 juillet 2018Expositions réalisées avec le Festival d’Avignon
Avec le soutien de la Fondation Emerige
Et la Galerie Almine Rech

Dans le cadre de sa 72ème édition, le Festival d’Avignon s’associe à la Collection Lambert pour organiser une double exposition de l’artiste française Claire Tabouret. Âgée de 35 ans et résidant en Californie, l’artiste peint entre recouvrements et dissimulations un ≪ ici et maintenant ≫ atemporel. Qu’il s’agisse de portraits d’enfants au regard fixe ou de groupes de tous âges, son œuvre nous regarde, interrogeant nos désirs par des tableaux aux couleurs profondes et travaillées.

A l’Eglise des Célestins, le sol en terre tendre, le silence et la lumière intime se mettent au diapason d’une peinture mondialement célébrée. Les êtres masqués de latex de la série Les Etreintes lui sont proches dans leur jeu fétichiste, au beau milieu de paysages touches également par l’indistinct et le trouble.

A la Collection Lambert, de grands portraits de groupes, comme autant de solitudes miraculeusement réunies en un comte onirique — veilleurs, camisole, carnaval — s’associent à une série de céramiques figurant d’étranges enfants et continuent ainsi de porter leur regard obstiné vers le spectateur, formulant un silencieux « Qui es-tu » qui, de Manet à aujourd’hui, continue d’incarner la peinture.

Grand Hôtel « Villa Castagnola », Lugano, Switzerland, Monday 26 April 2004, 12.15 pm
Christian Lutz
Anatomies du pouvoir
5 juillet – 4 novembre 2018En partenariat avec les Rencontres d’Arles
Avec le soutien de Pro Helvetia – Fondation suisse pour la culture
Et la collaboration de la Sélection suisse en Avignon
La Collection Lambert s’associe au Grand Arles Express pour la troisième année consécutive en présentant à Avignon le travail de l’artiste suisse Christian Lutz.

Qu’il s’intéresse aux coulisses de la politique internationale en photographiant les déplacements de délégations diplomatiques (Protokoll, 2007), aux conséquences néfastes du commerce du pétrole au Nigeria (Tropical Gift, 2012) ou qu’il s’immerge dans une communauté évangélique pour en photographier le quotidien (In Jesus’ Name, 2012), Christian Lutz agit en photographe embarqué au plus près des relations de pouvoir.

Dans une approche sensible qui mêle l’esthétique du documentaire à la contemplation, il représente les êtres vivants dans des dispositifs de pouvoir « à l’intérieur desquels ils ne cessent d’être saisis », pour reprendre les mots de Giorgio Agamben. Les dysfonctionnements du monde y sont pointés avec une distance singulière et poétique qui nous écarte des images de reportage traditionnelles pour convoquer les maîtres de la peinture classique.

Exposition organisée dans le cadre du Grand Arles Express, programme hors les murs des Rencontres de la Photographies, Arles

1. Rika Noguchi, A Prime #4, 1998, tirage argentique, Donation Yvon Lambert à l’État français / Centre national des arts plastiques / Dépôt à la Collection Lambert
2.Ellsworth Kelly, Rouge jaune bleu [Red Yellow Blue], 1999, lithographie sur papiers Rives BFK / litograph on Rives BFK paper, 19,1 x 19,1 cm, bibliothèque de l’Institut national d’histoire de l’art. ©Ellsworth Kelly Foundation.
3.Claire Tabouret, La Grande camisole, 2014 ©Claire Tabouret, photo Annik Wetter
4.Christian Lutz, série Protokoll, 2007 / LUTZ / MAPS
[Toutes ces informations sont relayées depuis le site de la collection Lambert.]
TARIFS
Plein : 10€ / Réduit : 8€ / 6 à 11 ans : 2€
Tarif spécial : 5€ sur présentation d’un billet du Festival d’Avignon ou de la carte du Festival OFF (en juillet)

Festival photo à Arles

Les Rencontres de la photographie 2018

Voilà que se profile le lancement  la 49e édition des Rencontres d’Arles. Cette année, le public est convié  à une expérience spatio-temporelle,  alimenté par  un parcours à travers les âges, sidéral et sidérant, tout au long des 36 expositions.

Grande nuit d’ouverture le lundi 02 Juillet à Trinquetaille !

Semaine d’ouverture : 2 < 8.07
Evénements, projections, littérature et concerts : 2 < 7.07

Expositions et stages : 02.07 < 23.09

>> En savoir plus

Journées d’étude à Marseille

Le CICRP, le MUCEM et le Musée de la Musique, avec le soutien du département du pilotage de la recherche et de la politique scientifique, direction générale des patrimoine, organisent deux journées « Atelier(s) d’artiste(s) – Lieux et processus de production – Matériaux pauvres, matériaux nobles ».

Atelier(s) d’artiste(s), Lieux et processus de production

Matériaux pauvres – Matériaux nobles

Marseille 4-5 octobre 2018

La diversification des champs patrimoniaux ces dernières décennies et celle –concomitante- des matériaux, des lieux et des processus de production incitent à porter un autre regard sur les biens culturels et leurs histoires matérielles.

Ces composantes originelles de la production d’un objet – artistique ou non – devenu ou à devenir patrimonial, apparaissent aujourd’hui comme des clefs de compréhension et de réflexion pour assurer une conservation-restauration adaptée.

La SFIIC en partenariat avec le MUCEM, le CICRP et le Musée de la Musique, Cité de la musique-Philharmonie de Paris souhaite ouvrir les portes de ces Atelier(s) d’artiste(s) et s’interroger sur ce qu’ils peuvent nous apporter comme information pour des interventions futures, ce qu’il faut conserver, transmettre, documenter et quelles connaissances sont nécessaires notamment face à des matériaux particuliers, hors des champs artistiques traditionnels pour assurer leur conservation et celle de leur mise en œuvre.

Lieux et processus de production aussi divers que l’espace public, l’atelier d’artiste ou d’artisans, les manufactures…, et les enjeux pour leur conservation….. Quels en sont aujourd’hui les implications et applications en conservation-restauration ?
Espace par excellence où l’on établit et perfectionne des matériaux dans des utilisations réfléchies et parfois inspirées, là où s’affirment et se transmettent des savoir-faire : autant qu’un conservatoire, il est un foyer de progrès, de rayonnement.

Lancement du site Mediakunst.net

Launch Mediakunst.net

Tuesday, June 19, 2018 – 15:00 to 17:00 | Stedelijk Museum Amsterdam

LIMA is proud to present Mediakunst.net, an online catalogue bringing together the media art collections of Frans Hals Museum, Stedelijk Museum Amsterdam, Van Abbemuseum, the Cultural Heritage Agency of the Netherlands and LIMA. These institutes joined forces and worked collectively on this project for three years. As a result, the complete media art collections of these institutes are accessible online. The media artworks hosted on Mediakunst.net are available for research, knowledge exchange, sustainable storage and presentation. The catalogue is now open for users worldwide.

Five decades of media art accessible online
With Mediakunst.net, five decades of media art can be discovered online. Amongst these works are single channel videos, installations and software-based and online artworks by early pioneers and emerging talents. Mediakunst.net can easily be used by both the staff and visitors of museums. Searching by artist, title, year, keyword and collection is possible. Of all works a still, description and excerpt are available. Full-length versions are available to users with a personal login, available on request.
The collaborative approach initiated and coordinated by LIMA  provides visibility for and access to media art. The Dutch collections of video, media and digital art are accessible for experts, students, artists, curators and researchers. Next to this, Mediakunst.net is a new, joined interface for our collaborative digital repository – LIMA’s digital depot that ensures sustainable storage of media art collections. Bringing together professionals, curators, artists and researchers during the development of the project provided greater insight into the challenges related to documentation and (re)presentation of media art online. Since the catalogue is open for new media art collections, Mediakunst.net will be an ever-growing collection of media art in The Netherlands.
Design and development
Mediakunst.net is designed by Pier Taylor and developed by Jaap van der Kreeft/TOXUS. The design underlines the goal of giving sustained access to media art. It is made to exude confidence and dedication and to provide subtle guidance where needed. Its minimal design also provides a suitable environment to fully focus on the artwork. Designer Pier Taylor about Mediakunst.net: “Mediakunst.net is a viewing environment. It should feel spacious and pleasantly arranged. I want the people who visit to feel that they treat themselves well. That there is something dignified about interacting with it that reflects back on the artworks. Then when people take an interest in a work the interface recedes presence so the art gets all the attention.”
Launch
On Tuesday, June 19, at 3 pm, Mediakunst.net will be launched and presented at Stedelijk Museum Amsterdam during a public event. During the launch artist Julika Rudelius, art critic Sasha Bronwasser and video artist and theoretician David Garcia will discuss online visibility and the history, future and position of media art within institutions and museums. What is it like for artists, institutes and curators to have media art available online? Is it a blessing or does it detract from exclusivity for example? The conversation is moderated by Katja Kwastek, professor of modern and contemporary art history at the Vrije Universiteit. Tickets for this event are €3,- (museum entrance excluded) and can be bought here.
Attend the Facebook event.
Mediakunst.net has been made possible with the expertise and support of the Mondriaan Fund, LIMA and the participating institutions. Special thanks to DEN and Museum Boijmans van Beuningen. (Diffusion: INCCA)