Archives de catégorie : ACTIVITE

D’autres expériences esthétiques aux Rencontres d’Arles

Comme l’été dernier, nous avons arpenté le maillage arlésien dispersant les quelques quarante expositions qui alimentent les 49 èmes Rencontres de la photographie.  Leur intitulé est emprunté à la trilogie cinématographique Back to the future de Robert Zemeckis. Le programme de ce retour vers le futur invite « à une expérience spatio-temporelle, un voyage à travers les époques, sidéral et sidérant. Car la photographie est souvent le medium le mieux placé pour saisir toutes ces secousses qui nous rappellent que le monde change, parfois juste sous nos yeux. » Pas très originale au fond que cette invite qui eut tout à fait pu être … celle des rencontres précédentes. On assiste aujourd’hui et de plus en plus fréquemment à ce phénomène d’annonce thématique à l’occasion de la tenue de biennales ou autres grandes foires artistiques étalées dans le temps. C’est qu’il s’agit  d’une modalité communicationnelle relevant d’une stratégie de mercatique culturelle ciblant une masse de consommateurs potentiels. L’annonce doit accrocher, faire un effet immédiat et  parler au plus grand nombre ; tant pis si c’est un passe-partout et si sa teneur constitue un entonnoir qui banalise les singularités des oeuvres artistiques. Puisse le plus de publics possibles ne pas se laisser canaliser dans un consumérisme passif orchestré par tous les cadres sémantiques à l’instigation des systèmes  expographiques  et leurs procédés insidieux. C’est donc une démarche très concentrée de discernement qui nous anime pour mieux nous départir a priori de tout ce qui pourrait polluer la confrontation personnelle à une image artistique, et la réflexion intime qu’elle produit avec son lot d’émotions et d’interrogations.

  •  L’exposition White night propose des photographies de genres et cadrages très hétéroclites, qui semblent avoir été sélectionnées pour leur caractère insolite ou incongru. En effet, elles viennent documenter la réalité de la Chine actuelle que nous, français ou européens, avons tendance à réduire à des clichés et à ne pas prendre à sa juste mesure d’un pays-continent.  La plupart des images pourtant puisée dans ce qui semble être le quotidien, sont extraordinaires. Le mélange de personnages statiques avec d’autres pris dans leur élan, rend bien compte d’une réalité et d’une diversité sociologiques dynamiques et remplies d’expressions singulières. Ce qui aspire le regard, c’est la façon du photographe-anthropologue de saisir une multitude d’instantanéités aussi précieuses que si elles participaient d’un spectacle rare ou exceptionnel. Il s’adonne aussi au portrait psychologique, mais sans que le sujet semble avoir posé. Avec les situations saugrenues et inattendues qu’il a figé depuis 2005 à Chengdu, vraisemblablement sans en être tout à fait conscient, l’artiste Feng Li fabrique un exotisme. Celui de cultures chinoises très diverses et pleines de singularité,  à l’inverse des caricatures souvent péjoratives que déversent sempiternellement les médias de masse. Par contre, le photographe est parfaitement au faîte de l’art de la captation d’un sujet en mouvement, certainement grâce à un appareil motorisé, tant il parvient à des résultats surprenants. Certaines images ressemblent à de véritables compositions plastiques qui témoignent d’un oeil aiguisé.
Maison des Lices Maison des Lices,  2 juillet – 26 août / 10H00 – 19H30  / 8 euros
_______________________________________________________________________________
L’exposition Grozny, neuf villes réunit neuf thèmes d’un projet de quatre années, qui tel une odyssée, explore et révèle de nombreux aspects de la Tchétchénie actuelle où ses habitants tentent de panser leurs plaies et de sortir de l’enfer. La démarche des trois photographes Olga Kravets, Maria Morina et Oksana Yushko, démarrée à partir de 2009,   est inspirée du livre de Thornton Wilder, Theophilius North et se focalise sur l’idée que 9 facettes d’une ville, 9 cités, sont cachées dans une seule et même ville. Il y a moins de dix ans, le pays était en proie à une guerre de répression menée par la Russie, succédant à la précédente. Des tirs d’artillerie et des bombardements de l’aviation russe ont ravagé la capitale tchétchène, véritable ville martyre. Les photographies nous éclairent sur une étrange réalité sociale et culturelle où des signes extérieurs de richesse exacerbés côtoient les stigmates de la guerre,  la plus grande misère et la détresse d’un malheur qui semble irréparable. Le pays est la proie du tyran Ramzan Kadyrov, protégé de Vladimir Poutine. Des armes, du chagrin, une corruption galopante, des haines ravalées, un affichage insolent de  bling bling, alimentent aujourd’hui l’hallucinant spectacle de Grozny, au plus fort de l’isolement de la Tchétchénie complètement sous emprise et surveillance du maître du Kremlin.

 

 

Faux-semblants d’urbanité, aux Rencontres d’Arles

L’an dernier, nous avions remarqué aux Rencontres de la photographie d’Arles,  l’exposition « La vie dans les villes ». Le travail du photographe allemand Michael WOLF qui y était très originalement présenté se focalisait sur ce que nous avions appelé une « humanité mégapolitaine » capable d’adaptation partout sur la planète.  Cette année, c’est la production d’un autre artiste germanique, lui né au Tyrol, qui a retenu notre attention par le biais de l’exposition « Le Village Potemkine » visible au Cloitre Saint-Trophime. L’ensemble présenté en co-production avec le Centre de la photographie de Genève rassemble une sélection de photographies réalisées entre 2015 et 2017 de villes artificielles, complètement fausses.

Comme point de départ, Grégor Sailer a retenu de  l’histoire russe, un épisode qui met en lumière le prince Grigory Aleksandrovich Potemkine, maréchal russe et favori de l’impératrice Catherine II. Mais ce n’est pas pour le lien de son nom avec une mutinerie révolutionnaire qui lui a conféré sa célébrité internationale. En 1787,  afin d’épargner à sa souveraine devant se rendre en tournée, l’apparence misérable et sinistre de la Crimée récemment annexée,  il aurait ordonné de créer des villages entiers constitués de façades « aguichantes » à ériger en carton-pâte et à peindre tout au long du parcours. 

L’artiste autrichien s’est donc évertué à découvrir de  fausses villes ne reposant que sur une illusion. Des centres d’exercice militaire aux Etats-Unis et en Europe aux répliques de villes européennes en Chine, en passant par des pistes d’essais de véhicules en Suède ou encore des rues entières mises en scène pour la visite de personnalités politiques … Les étranges structures  architecturales présentées dans des images vidées de toute humanité,  réfèrent aux contraintes politiques, militaires et économiques qui en sont à l’origine. Le pays initiateur, la Russie, déguise encore des rues entières dès lors que des célébrités politiques, comme des personnages de haut rang venant de l’étranger doivent les emprunter. Ce dernier subterfuge a fait école dans tous les régimes autocrates. En 1993, nous en avions constaté de nos propres yeux la mise en oeuvre très bien organisée au Caire, tout le long du parcours de chaque sortie en ville du Président Moubarak.

Ici l’exposition documente un procédé architectural de falsification, de duperie tout en le dénonçant et en esthétisant les images qui en sont produites. A la fois en révélant une tromperie et en séduisant l’oeil esthète, la photographie apparaît ici dans une dualité inattendue, et noue jette à la figure l’ambiguïté de notre rapport au factice.

 

 

 

Conservation et conserverie d’art

INCCA-f et la Haute école Arc Conservation-restauration de Neuchâtel organisent deux journées d’études consacrées aux boîtes de conserve dans l’art contemporain, envisagées du point de vue de la conservation et de la restauration des oeuvres les 11 et 12 octobre 2018 à Paris et à Estrées-Mons (Picardie) – Pour s’inscrire: inccaf.11octobre2018@gmail.com

Now On View

The Conservation Center for Art & Historic Artifacts (CCAHA) is pleased to present Now On View: Preserving Modern and Contemporary Museum Collections on September 12-13, 2018 at The Broad in Los Angeles, California.
Caring for modern and contemporary collections is a continually evolving challenge. The 20th and 21st centuries presented a vast array of new materials that have left collections staff in uncharted territory as they address unprecedented preservation problems. Colors change and fade, structures lose their integrity, and material components become obsolete. Museums and other collecting institutions must understand the long-term needs of these items in order to determine appropriate priorities for conservation, storage, exhibition, documentation, and digitization. This two-day conference will explore ways to anticipate, plan for, and address preservation concerns in modern and contemporary collections.
Topics include:
–Exhibiting modern materials
–Preservation of time-based media
–Preservation within the balance of the law
–Artist/conservator relationship
–Considering what to save
This program is intended for collections care staff responsible for modern and contemporary materials in museums.
To register or view a pdf of the brochure, please visit https://bit.ly/2L27x0Y.
VoCA Partnership
On day two of the conference, a dynamic session presented in partnership with VoCA (Voices in Contemporary Art)  will focus on building relationships with artists. How might the artist’s voice become a key resource for the museum professionals who preserve their work? A keynote presentation by Chad Alligood, Independent Curator and Vice President of VoCA’s Board of Directors, will address the importance of engaging the artist in the stewardship of their work. Next, a case study discussion will explore an existing artist/conservator relationship: a conversation between Rachel Rivenc, Project Specialist in the Collections Department at the Getty Conservation Institute, and artist Larry Bell. A presentation by Lauryn Guttenplan, Associate General Counsel at the Smithsonian Institution, will shed light on the legal and ethical aspects of working with and interviewing artists.
These offerings will demonstrate how building strong, lasting relationships with artists preserving their words alongside their work is a vital aspect of contemporary collections care.
The Location
The Broad
221 S. Grand Avenue
Los Angeles, CA 90012
The Broad is a contemporary art museum founded by philanthropists Eli and Edythe Broad on Grand Avenue in downtown Los Angeles. Designed by Diller Scofidio + Renfro in collaboration with Gensler, the museum offers free general admission. The Broad is home to the 2,000 works of art in the Broad collection, which is among the most prominent holdings of postwar and contemporary art worldwide, and presents an active program of rotating temporary exhibitions and innovative audience engagement. The 120,000-square-foot building features two floors of gallery space and is the headquarters of The Broad Art Foundation?s worldwide lending library, which has actively loaned collection works to museums around the world since 1984. Since opening in September 2015, The Broad has welcomed more than 1.7 million visitors.

A la Collection Lambert

Ligne Forme Couleur
Ellsworth Kelly (1923-2015) dans les collections françaises

5 juillet – 4 novembre 2018Une exposition conçue par l’Institut national d’histoire de l’art.
La Collection Lambert accueille une grande exposition consacrée au peintre américain Ellsworth Kelly (1923-2015). Elle réunit autour d’une donation exceptionnelle de 54 estampes destinées à rejoindre les collections de la bibliothèque de l’Institut national d’histoire de l’art (INHA), des œuvres issues de Collections françaises, aussi bien publiques que privées. Le commissariat en est  assuré par Éric de Chassey, directeur de l’INHA et spécialiste de la peinture étatsunienne. Le titre de l’exposition est celui d’un livre d’artiste dont Kelly fit le projet pendant son séjour en France, en 1951 : Line Form Color.

Exposer ce grand maitre du XXe siècle à la Collection Lambert est essentiel à plus d’un titre : l’artiste a entretenu toute sa vie un rapport privilégié avec la France, et il annonçait les problématiques sensibles qui seront à l’œuvre chez les tenants de l’art minimal dont les noms ont participé au rayonnement de la Collection (Robert Ryman, Brice Marden, Robert Mangold, Sol LeWitt…) et que l’on retrouve en échos dans l’accrochage du fonds permanent.

Entre 1948 et 1954, Kelly s’installe en France, où il y rencontre Picasso, Calder, Brancusi, Arp, y découvre Matisse, Monet et les abstraits géométriques qui influenceront sa peinture. C’est là, à partir de 1949, qu’il met au point une méthode éloignée des paradigmes de l’abstraction lyrique et de l’expressionnisme abstrait.  Il duplique des formes trouvées dans la réalité ou produites par le hasard, développant un vocabulaire singulier où lignes, formes et couleurs entretiennent et produisent des liens inédits. Ses œuvres abstraites, envisagées comme autant de mises en volume de la peinture, induisent non seulement de nouvelles manières de peindre mais aussi de regarder et d’expérimenter l’œuvre.

Son lien avec la France vient d’être réaffirmé par le Studio Ellsworth Kelly qui a souhaité faire don de 54 estampes de l’artiste à la bibliothèque de l’Institut national d’histoire de l’art (INHA). Cet ensemble permet d’observer la manière dont Kelly a, tout au long de sa carrière, expérimenté les possibilités que peut offrir l’image imprimée. Cette donation exceptionnelle, dont ce sera la première présentation au public, sera accompagnée d’une sélection d’œuvres d’Ellsworth Kelly – tableaux, dessins, collages et estampes – qui se trouvent aujourd’hui dans les collections françaises, publiques et privées, dont de nombreuses œuvres inédites ou dont l’accès est ordinairement limité à quelques privilégiés.

Claire Tabouret
Les Veilleurs
A la Collection Lambert
5 juillet – 4 novembre 2018
L’Errante
Dans l’Eglise des Célestins
7 – 24 juillet 2018Expositions réalisées avec le Festival d’Avignon
Avec le soutien de la Fondation Emerige
Et la Galerie Almine Rech

Dans le cadre de sa 72ème édition, le Festival d’Avignon s’associe à la Collection Lambert pour organiser une double exposition de l’artiste française Claire Tabouret. Âgée de 35 ans et résidant en Californie, l’artiste peint entre recouvrements et dissimulations un ≪ ici et maintenant ≫ atemporel. Qu’il s’agisse de portraits d’enfants au regard fixe ou de groupes de tous âges, son œuvre nous regarde, interrogeant nos désirs par des tableaux aux couleurs profondes et travaillées.

A l’Eglise des Célestins, le sol en terre tendre, le silence et la lumière intime se mettent au diapason d’une peinture mondialement célébrée. Les êtres masqués de latex de la série Les Etreintes lui sont proches dans leur jeu fétichiste, au beau milieu de paysages touches également par l’indistinct et le trouble.

A la Collection Lambert, de grands portraits de groupes, comme autant de solitudes miraculeusement réunies en un comte onirique — veilleurs, camisole, carnaval — s’associent à une série de céramiques figurant d’étranges enfants et continuent ainsi de porter leur regard obstiné vers le spectateur, formulant un silencieux « Qui es-tu » qui, de Manet à aujourd’hui, continue d’incarner la peinture.

Grand Hôtel « Villa Castagnola », Lugano, Switzerland, Monday 26 April 2004, 12.15 pm
Christian Lutz
Anatomies du pouvoir
5 juillet – 4 novembre 2018En partenariat avec les Rencontres d’Arles
Avec le soutien de Pro Helvetia – Fondation suisse pour la culture
Et la collaboration de la Sélection suisse en Avignon
La Collection Lambert s’associe au Grand Arles Express pour la troisième année consécutive en présentant à Avignon le travail de l’artiste suisse Christian Lutz.

Qu’il s’intéresse aux coulisses de la politique internationale en photographiant les déplacements de délégations diplomatiques (Protokoll, 2007), aux conséquences néfastes du commerce du pétrole au Nigeria (Tropical Gift, 2012) ou qu’il s’immerge dans une communauté évangélique pour en photographier le quotidien (In Jesus’ Name, 2012), Christian Lutz agit en photographe embarqué au plus près des relations de pouvoir.

Dans une approche sensible qui mêle l’esthétique du documentaire à la contemplation, il représente les êtres vivants dans des dispositifs de pouvoir « à l’intérieur desquels ils ne cessent d’être saisis », pour reprendre les mots de Giorgio Agamben. Les dysfonctionnements du monde y sont pointés avec une distance singulière et poétique qui nous écarte des images de reportage traditionnelles pour convoquer les maîtres de la peinture classique.

Exposition organisée dans le cadre du Grand Arles Express, programme hors les murs des Rencontres de la Photographies, Arles

1. Rika Noguchi, A Prime #4, 1998, tirage argentique, Donation Yvon Lambert à l’État français / Centre national des arts plastiques / Dépôt à la Collection Lambert
2.Ellsworth Kelly, Rouge jaune bleu [Red Yellow Blue], 1999, lithographie sur papiers Rives BFK / litograph on Rives BFK paper, 19,1 x 19,1 cm, bibliothèque de l’Institut national d’histoire de l’art. ©Ellsworth Kelly Foundation.
3.Claire Tabouret, La Grande camisole, 2014 ©Claire Tabouret, photo Annik Wetter
4.Christian Lutz, série Protokoll, 2007 / LUTZ / MAPS
[Toutes ces informations sont relayées depuis le site de la collection Lambert.]
TARIFS
Plein : 10€ / Réduit : 8€ / 6 à 11 ans : 2€
Tarif spécial : 5€ sur présentation d’un billet du Festival d’Avignon ou de la carte du Festival OFF (en juillet)

Festival photo à Arles

Les Rencontres de la photographie 2018

Voilà que se profile le lancement  la 49e édition des Rencontres d’Arles. Cette année, le public est convié  à une expérience spatio-temporelle,  alimenté par  un parcours à travers les âges, sidéral et sidérant, tout au long des 36 expositions.

Grande nuit d’ouverture le lundi 02 Juillet à Trinquetaille !

Semaine d’ouverture : 2 < 8.07
Evénements, projections, littérature et concerts : 2 < 7.07

Expositions et stages : 02.07 < 23.09

>> En savoir plus

Journées d’étude à Marseille

Le CICRP, le MUCEM et le Musée de la Musique, avec le soutien du département du pilotage de la recherche et de la politique scientifique, direction générale des patrimoine, organisent deux journées « Atelier(s) d’artiste(s) – Lieux et processus de production – Matériaux pauvres, matériaux nobles ».

Atelier(s) d’artiste(s), Lieux et processus de production

Matériaux pauvres – Matériaux nobles

Marseille 4-5 octobre 2018

La diversification des champs patrimoniaux ces dernières décennies et celle –concomitante- des matériaux, des lieux et des processus de production incitent à porter un autre regard sur les biens culturels et leurs histoires matérielles.

Ces composantes originelles de la production d’un objet – artistique ou non – devenu ou à devenir patrimonial, apparaissent aujourd’hui comme des clefs de compréhension et de réflexion pour assurer une conservation-restauration adaptée.

La SFIIC en partenariat avec le MUCEM, le CICRP et le Musée de la Musique, Cité de la musique-Philharmonie de Paris souhaite ouvrir les portes de ces Atelier(s) d’artiste(s) et s’interroger sur ce qu’ils peuvent nous apporter comme information pour des interventions futures, ce qu’il faut conserver, transmettre, documenter et quelles connaissances sont nécessaires notamment face à des matériaux particuliers, hors des champs artistiques traditionnels pour assurer leur conservation et celle de leur mise en œuvre.

Lieux et processus de production aussi divers que l’espace public, l’atelier d’artiste ou d’artisans, les manufactures…, et les enjeux pour leur conservation….. Quels en sont aujourd’hui les implications et applications en conservation-restauration ?
Espace par excellence où l’on établit et perfectionne des matériaux dans des utilisations réfléchies et parfois inspirées, là où s’affirment et se transmettent des savoir-faire : autant qu’un conservatoire, il est un foyer de progrès, de rayonnement.

Lancement du site Mediakunst.net

Launch Mediakunst.net

Tuesday, June 19, 2018 – 15:00 to 17:00 | Stedelijk Museum Amsterdam

LIMA is proud to present Mediakunst.net, an online catalogue bringing together the media art collections of Frans Hals Museum, Stedelijk Museum Amsterdam, Van Abbemuseum, the Cultural Heritage Agency of the Netherlands and LIMA. These institutes joined forces and worked collectively on this project for three years. As a result, the complete media art collections of these institutes are accessible online. The media artworks hosted on Mediakunst.net are available for research, knowledge exchange, sustainable storage and presentation. The catalogue is now open for users worldwide.

Five decades of media art accessible online
With Mediakunst.net, five decades of media art can be discovered online. Amongst these works are single channel videos, installations and software-based and online artworks by early pioneers and emerging talents. Mediakunst.net can easily be used by both the staff and visitors of museums. Searching by artist, title, year, keyword and collection is possible. Of all works a still, description and excerpt are available. Full-length versions are available to users with a personal login, available on request.
The collaborative approach initiated and coordinated by LIMA  provides visibility for and access to media art. The Dutch collections of video, media and digital art are accessible for experts, students, artists, curators and researchers. Next to this, Mediakunst.net is a new, joined interface for our collaborative digital repository – LIMA’s digital depot that ensures sustainable storage of media art collections. Bringing together professionals, curators, artists and researchers during the development of the project provided greater insight into the challenges related to documentation and (re)presentation of media art online. Since the catalogue is open for new media art collections, Mediakunst.net will be an ever-growing collection of media art in The Netherlands.
Design and development
Mediakunst.net is designed by Pier Taylor and developed by Jaap van der Kreeft/TOXUS. The design underlines the goal of giving sustained access to media art. It is made to exude confidence and dedication and to provide subtle guidance where needed. Its minimal design also provides a suitable environment to fully focus on the artwork. Designer Pier Taylor about Mediakunst.net: “Mediakunst.net is a viewing environment. It should feel spacious and pleasantly arranged. I want the people who visit to feel that they treat themselves well. That there is something dignified about interacting with it that reflects back on the artworks. Then when people take an interest in a work the interface recedes presence so the art gets all the attention.”
Launch
On Tuesday, June 19, at 3 pm, Mediakunst.net will be launched and presented at Stedelijk Museum Amsterdam during a public event. During the launch artist Julika Rudelius, art critic Sasha Bronwasser and video artist and theoretician David Garcia will discuss online visibility and the history, future and position of media art within institutions and museums. What is it like for artists, institutes and curators to have media art available online? Is it a blessing or does it detract from exclusivity for example? The conversation is moderated by Katja Kwastek, professor of modern and contemporary art history at the Vrije Universiteit. Tickets for this event are €3,- (museum entrance excluded) and can be bought here.
Attend the Facebook event.
Mediakunst.net has been made possible with the expertise and support of the Mondriaan Fund, LIMA and the participating institutions. Special thanks to DEN and Museum Boijmans van Beuningen. (Diffusion: INCCA)

Dernière session 2017-18 du workshop « Muséoscopie »

MUSEOSCOPIE est un projet qui veut associer des étudiants des deux mentions CI et CR de l’ESAA avec des professionnels dans l’« arraisonnement » du Musée Jacques Doucet de la Fondation Angladon et dans la proposition d’intercalations visuelles in situ, deux actions à même de susciter la prise de conscience de l’instrumentalité de la muséographie dans un musée. C’est un projet expérimental et pluridisciplinaire qui s’est déroulé, dans sa première phase,  sur l’année scolaire 2018 en trois workshops : du 08 au 12.01 / du 03 au 06.04 / et enfin du 18 au 22.06. 2018.

Pour cette dernière réunion dédiée à la formulation écrite des projets d’intervention proposés au musée, les discussions ont porté, d’abord sur un aspect muséographique pointé du doigt, ensuite sur le détail et l’efficience des modalités de réalisation. L’objectif étant la remise d’un document de synthèse du travail accompli entre les mains de la directrice du Musée Jacques Doucet de la Fondation Angladon, en préalable d’une présentation orale par les étudiants.

Soutenances pour le DNSEP – CR 2018

Les soutenances de trois étudiantes de l’ESAA pour l’obtention du Diplôme National Supérieur d’Expression Plastique, option artmention conservation-restauration au grade de Master II, auront lieu

  • le 21 Juin 2018 (mémoire), à partir de 14h et à huis-clos devant un jury composé de Jean-Christophe Sevin, Maître de Conférences à l’IUT-UAPV  d’Avignon et Gaspard Salatko, enseignant en anthropologie à l’ESAA, co-coordinateur du second cycle CR (master),

  • le 27  Juin 2018 (projet), à partir de 14 h et en public restreint devant le jury complet composé de : Jean Paul Ponthot, Directeur honoraire de l’ESA d’Aix-en-Provence, (président du jury), Emilie Girard, Conservateur du patrimoine et Commissaire d’exposition au MUCEM (vice-présidente), Jean-Christophe Sevin, Maître de Conférences à l’IUT-UAPV d’Avignon, Ariel Bertrand, conservatrice-restauratrice de biens culturels (Master CRBC),  et Gaspard Salatko,  enseignant en anthropologie à l’ESAA.

Cette année l’École Supérieure d’Art d’Avignon présente trois candidates au DNSEP option art,  mention conservation-restauration : Sonja Petric dont le travail porte sur une œuvre participative quasi absente ; Juliette Serre qui a engagé une recherche à partir d’une œuvre peinte sur un support éphémère ; Camille Patey qui a déployé une réflexion au contact d’ un livre du XVIe siècle. 

In june 2018, the Avignon school of high level education in art presents three candidates for the DNSEP /  conservation-restoration option: Sonja Petric whose work focuses on a participative artwork that is almost absent; Juliette Serre who started a research based on a artwork painted on an ephemeral medium; Camille Patey who reflected on a 16th century book.

Considérés sous l’angle de leur situation actuelle de conservation, ces artefacts sont à penser comme autant d’objets en crise, les institutions qui en ont la charge n’étant pas en mesure d’en assurer la pérennité de manière satisfaisante. C’est précisément cet état de crise qui constitue l’amorce de la démarche du conservateur-restaurateur : pour proposer des solutions idoines de traitements relevant de de la conservation préventive, de la conservation curative et de la restauration proprement dite, celui-ci va entreprendre une enquête visant à identifier, les propriétés non seulement  matérielles mais aussi  relationnelles, caractéristiques de l’artefact culturel qui lui est confié afin d’en retracer la biographie.

Le mémoire de Sonja Petric concerne la conservation-restauration d’Autour d’un palmier de Jean-Luc Vilmouth, créée en 1989 pour le Centre National d’Art Contemporain de la Villa Arson. Située en extérieur, cette œuvre participative invitait le spectateur à emprunter un escalier qui s’enroulait en spirale autour du stipe d’un palmier et qui finissait son ascension au commencement de la floraison de ses palmes. Au terme de son ascension, le spectateur pouvait se tenir sur une plateforme offrant une vue panoramique et dégagée. Cette œuvre fut démantelée en 2006 pour des raisons de sécurité : l’escalier a été démonté tandis que le palmier est resté en place si bien qu’elle n’est plus exposée dans son intégralité. Pour arraisonner cette œuvre quasi absente, du point de vue de la conservation-restauration, l’analyse de Sonja Petric s’appuie sur l’examen d’un ensemble de traces (photographies, archives, témoignages) qui sont autant d’indices de ses activations passées et qui permettent d’envisager la perspective de sa réactualisation temporaire ou permanente en lien avec l’ensemble des acteurs qui furent naguère engagés dans sa conception.

RESUME Ce mémoire porte sur la conservation-restauration d’une oeuvre quasi absente : Autour d’un palmier de Jean-Luc Vilmouth, créée en 1989 pour le Centre national d’art contemporain de la Villa Arson. Commandée dans le cadre du quatrième volet de la manifestation, Sous le soleil intitulé Pas à coté, pas n’importe où, dont le commissaire d’exposition était Christian Besson. Il s’agit d’une oeuvre in situ exposée dans un environnement extérieur, mais aussi d’une oeuvre participative qui invitait le spectateur à emprunter un escalier s’enroulant autour du stipe d’un palmier et terminant son ascension à la base de l’inflorescence des palmes. Le public arrivait sur une plateforme qui offrait une vue panoramique et dégagée. L’escalier a été démantelé en 2006 pour des raisons de sécurité, le palmier, quant à lui, est toujours prèsent. Pour arraisonner cette oeuvre du point de vue de la conservation-restauration, l’analyse s’appuie sur l’examen d’un ensemble de traces (archives, photos…) qui sont autant d’indices de ses activations passées et qui permettent d’envisager la perspective du placement d’un pupitre pédagogique et d’une réactualisation temporaire ou permanente.

ABSTRACT This report concerns the conservation-restoration of an almost absent artwork Autour d’un palmier of Jean-Luc Vilmouth, created in 1989 for the National center of contemporary art of the Villa Arson. Ordered for the fourth edition of the demonstration Sous le soleil, Pas à côté pas n’importe où, of whom the commissioner of the exhibition was Christian Besson. It is a work about in situ exposed in an outside environment but also a work wich invited the spectator to use a staircase winding around the trunk starting from the feather-grass and ending it’s ascent at the base of the inflorescence of palms. The public could arrive on a plateform wich offered a panoramic and clear view. The starcase was dismantled in 2006 for safety reasons, the palm tree still present. To inspect this work from the point of view of the preservation-restoration, the analyses leans on the examination of a set of tracks (archives, photos…) wich are so many clues of it’s past activations and wich allows to approach the prospect of the investment of an educational writing desk and of temporary or permanent updating.

Le travail de Juliette Serre a été initié par la rencontre avec une œuvre de Patrick Neu intitulée Aile de papillon, encre de Chine, 2005-2006, d’après un Diable, XIIe siècle, (détail), musée de Saint-Rémi, Reims. Cette chose insolite requiert de se demander comment appliquer à un fragment d’insecte devenu objet d’art les principes fondamentaux de la conservation-restauration, sans trahir les souhaits d’un artiste dont le processus de création mobilise des matériaux éphémères. Juliette Serre avance que pour penser la pérennité d’un tel artefact, la conservation-restauration doit envisager aussi bien le point de vue de l’artiste, dont le témoignage apporte des indications précieuses concernant la conservation de l’œuvre, que le point de vue entomologique qui renseigne les valeurs liées aux spécimens exposés et prévient des facteurs qui les menacent. L’analyse comparée de ces points de vue, permet à Juliette Serre d’appliquer des principes de conservation préventive qui relèvent à la fois du conditionnement de l’œuvre, de sa manipulation, de sa présentation et de son exposition.

ABSTRACT The butterfly wing or the art of keeping alive an ephemeral insect for ever. Fragile, organic, frail, time-bound : this is the support wanted by the artist Patrick Neu for his work « Aile de papillon », Indian Inck, 2005-2006, inspired by a devil. How to apply to an insect that has become a work of art the fundamental principles of conservation-restoration, while remaining in agreement with an artist’s wishes whose process of creation mobilizes ephemeral materials ? To think about the durability of such an artefact, conservation-restoration must consider both the artist’s point of view, whose testimony provides valuable information concerning the conservation of the work, and the entomological point of view that informs values related to exposed specimens and prevents factors that put them at risk. The comparative analysis of these points of view, makes it possible to identify principles of preventive conservation applicable to the object ; those related to its conditioning, its manipulation, its presentation and its exposure.

L’entreprise de Camille Patey s’est attelée à la conservation-restauration de l’exemplaire des Décrétales de Grégoire IX de la Fondation Louis. Avant d’être patrimonialisé, cet ouvrage du XVIe siècle avait servi de support au travail du typographe Louis Jou. C’est ce constat qui conduit Camille Patey à considérer cet exemplaire, non seulement du point de vue de sa physicalité, mais aussi du point de vue de sa situation, en l’envisageant aussi comme une ressource – parmi d’autres – de ce qui fut le travail typographique de Loui Jou. Il s’ensuit un double questionnement : d’une part, comment penser les écarts observables entre la pratique de la conservation-restauration du livre et la pratique de la reliure ? Et d’autre part, comment envisager la conservation-restauration d’un ouvrage ancien, sans le dissocier du lieu et de la collection dont il est extrait ?

RESUME Ce mémoire de conservation-restauration porte sur un livre du XVIe siècle appartenant à la Fondation Louis Jou des Baux-de-Provence. Il s’agit des Décrétales de Grégoire IX. Cette information a permis de recueillir des renseignements plus précis sur le type de livre étudié, à savoir un ouvrage religieux. Les livres (exceptés les recueils manuscrits et les incunables) sont des objets utilitaires et multiples. Ce sont leurs histoires qui leur confèrent une singularité. C’est pour cela qu’il est également important d’étudier leur état constitutif à l’aune des techniques de fabrication des reliures en usage au XVIe siècle. Avec une visée de clarification et avant d’envisager une proposition de traitement, il a paru essentiel de réaliser un tableau comparatif des différentes étapes de la conservation-restauration et pratiques de la reliure. Car aujourd’hui la frontière entre ces deux disciplines reste encore floue. Cette étape constituait donc une base fondamentale sur laquelle repose une partie de l’argumentaire et de la démarche vers la proposition d’un traitement de conservation-restauration. Celui-ci est double puisqu’il prend en compte deux propriétés du livre: utilitaire et patrimoniale. Il était aussi crucial de s’intéresser au lieu d’origine de cet ouvrage, à savoir la collection privée du typographe Louis Jou, afin de concevoir des propositions de conservation préventive, de numérisation et d’exposition partielle de la collection du typographe. Eu égard à un tel lieu, il n’était pas anodin de s’interroger sur la présentation de ces ouvrages au public, et sur leur valorisation à l’avenir.

ABSTRACT This conservation-restoration these concerns a 16th century book belonging to the Louis Foundation Jou in Les Baux-de-Provence. These are the Decretals of Gregory IX. This identity yielded more specific information about the type of book being studied, namely a religious work. Books (except handwritten books and incunabula) are utilitarian and multiple objects. Their stories give to each object its own singularity. This is why it is also important to study their constitutive state in the light of the techniques of making bindings used in the sixteenth century. With a view to clarification and before considering a treatment proposal, it seemed essential to realize a comparative table of the different stages of conservation-restoration and bookbinding practices. For the reason that today, the border between these two disciplines remains unclear. This step was therefore a fundamental basis on which a part of the argument and the approach towards the proposal of a conservation-restoration treatment rests.This stage constitutes a fundamental base on which rests a party of the argument and the approach that guides me to propose a treatment of conservation-restoration of the object which takes into account two possibilities of treatment: utilitarian aspect and the patrimonial aspect. It’s important to interest in its origin: the Foundation Louis Jou. This allows me to restore this work in its current environment namely the private collection of the typographer Louis Jou.This allows me to make proposals of preventive preservation, of digitalization and of exhibition on the typographer’s XVI collection. For a place such as this one, it is important to wonder how in the future all his works will be presented to the public and how to value them.

Par-delà la diversité des objets étudiés, chacun de ces travaux montre en quoi le conservateur-restaurateur doit, pour penser un artefact culturel dans sa singularité, se donner les moyens d’entrer en dialogue avec des mondes professionnels (régie, entomologie, reliure) qui mobilisent des conceptions parfois très différentes de la pérennité. A ce titre le conservateur-restaurateur apparaît véritablement comme un passeur, un médiateur à même de mesurer les écarts observables entre la pluralité des points de vue qu’agrège l’activité patrimoniale.

Marc Maire & Gaspard Salatko, coordinateurs du second cycle (Master) en Conservation-Restauration. (Crédits photographiques, respectivement: S. Petric, J. Serre, C. Patey)

La restauration des oeuvres d’art et le droit

Résultat de recherche d'images pour "institut art et droit"David Aguilella-Cueco, membre de l’ARAAFU, nous a consciencieusement fait parvenir les actes du colloque  consacré  à « la restauration ( sic) des œuvres d’art et le droit » par l’Institut Art & Droit,   tenu l’après-midi du 09 Avril dernier dans l’Auditorium de l’Institut National d’Histoire de l’Art – INHA 2, rue Vivienne 75002 Paris, avec le commentaire  suivant. « Je crois que ces textes regorgent d’informations, que plusieurs collègues y ont pris la parole et que la FFCR y était aussi représentée. Comme il est indiqué ce document sera en accès libre sur le site de l’institut éponyme. Merci de diffuser aux personnes que cela intéressera. » Qu’il en soit remercié ici, beaucoup d’inscrits n’ayant pas pu s’y rendre à cause des perturbations à la SNCF.

Pour rappel, voici  quels en étaient les enjeux et le programme.

« La restauration des œuvres d’art est en elle-même un art et un art délicat, précis. Elle obéit à des principes rigoureux et est le fait de professionnels spécialisés, les conservateurs-restaurateurs. Mais cet art magique de la restauration qui guérit l’œuvre d’art grâce au geste salvateur d’un restaurateur médecin, n’échappe pas aux problématiques juridiques. Quels sont les droits du créateur quand l’œuvre est restaurée ? Les restaurateurs sont – ils titulaires de droits d’auteur sur l’œuvre restaurée ? La restauration doit-elle être portée à la connaissance de l’acheteur ? Quelle est la responsabilité du restaurateur quand il intervient sur une œuvre ? Quel lien juridique entre le restaurateur et son client : contrat de droit privé ou marché public ? Le restaurateur est -il soumis à un statut professionnel ? Au cours de plusieurs réunions de travail de l’Institut Art & Droit, juristes spécialisés, professionnels du marché de l’art, conservateurs – restaurateurs et représentants d’institutions culturelles ont abordé toutes ces questions. Ce colloque est la restitution publique de leurs échanges, réflexions et recherches. » (texte fourni par l’IA&D).

13h30 Enregistrement des participants

14h Accueil – Ouverture des travaux
Eric de Chassey, Directeur général de l’Institut National de l’Histoire de l’Art – INHA

14h15 Remerciements et présentation du colloque
Gérard Sousi, Président de l’Institut Art & Droit, Ancien Vice-président de l’Université Lyon 3
Emmanuel Pierrat, Avocat associé, Pierrat & de Seze, spécialiste en droit de la propriété intellectuelle

14h30 Droits de l’auteur de l’œuvre restaurée et de ses ayants droit
Tristan Azzi, Professeur à l’Ecole de droit de la Sorbonne, Université Paris 1 Panthéon -Sorbonne

14h45 Les restaurateurs ont-ils des droits sur les œuvres restaurées ?
Marie-Hélène Vignes, Avocate à la Cour

15h Table ronde 1 : la mention des restaurations
Présidence : Emmanuel Pierrat, Avocat associé, Pierrat & de Seze, spécialiste en droit de la propriété intellectuelle
Aurélia Chevalier, Restauratrice du patrimoine, spécialité Art contemporain et Recherche en Conservation-restauration
Pierre Taugourdeau, Directeur juridique du Conseil des ventes volontaires
Jean-Loup Nitot, Avocat à la Cour

15h45 La responsabilité du restaurateur et des autres intervenants
Claudia Andrieu, Responsable des Affaires juridiques de Picasso Administration
Marine Ranouil, Maître de conférences à l’Ecole de droit de la Sorbonne

16h15 Débats

16h30 Pause

16h45 Le contrat de restauration en droit privé
Alexis Fournol, Avocat à la Cour

17h La restauration et les marchés publics
Judith Kagan, Conservateur général du patrimoine, Cheffe du bureau de la conservation du patrimoine mobilier et instrumental, Ministère de la culture et de la communication
Elodie Tamburrini, Responsable du secteur des affaires juridiques et des marchés publics, musée d’Orsay et musée de l’Orangerie

17h30 Table ronde 2 : le statut du restaurateur
Présidence : Gérard Sousi, Président de l’Institut Art & Droit, Ancien Vice-président de l’université Lyon 3
David Cueco, Conservateur-restaurateur et Art contemporain, conseil en conservation préventive
Aude Mansouri, Présidente de la Fédération française des professionnels de la conservation-restauration
Jean-Baptiste Schroeder, Avocat à la Cour

18h15 Débats

Télécharger les actes du colloque « La restauration des oeuvres d’art et le droit »
Télécharger les actes du colloque « l’art contemporain confronté au droit »

 

 

Conférence des formations publiques à la CR

Vendredi 1er Juin, à l’invitation particulièrement généreuse de sa directrice, Marie-Haude Caraes, s’est réunie à l’ESBA de Tours la cinquième session de la Conférence des Formations Publiques à la CR, en présence  de Pascal Liéveaux, conservateur du patrimoine chargé par le MCC d’en piloter la tenue. Initialement composée exclusivement de représentants du Master CRBC de l’université Paris I / Sorbonne (Paris), de l’ESBA (Tours), de l’INP (Paris) et de l’ESAA (Avignon), la réunion comptait aussi et pour la première fois, des délégués d’associations étudiantes et professionnelles: FFCR, ARAAFU, ARSET,  et AEAE-INP Seule manquait Fil à Fil, sa délégation ayant été empêchée.

Les discussions ont porté sur l’adoption d’un nouveau titre pour celles et ceux qui exercent la conservation-restauration, puisque le syntagme conservateur-restaurateur fait l’objet d’un « blocage » depuis plus de 30 ans, aujourd’hui encore  indépassable  au Ministère de la Culture et de la Communication selon son représentant. L’ enjeu est aussi la protection de ce titre qui serait réservé aux seules personnes physiques titulaires d’un  des diplômes au grade de master stipulés par la loi, et dès lors inscrites sur une liste établie par décrets. L’assemblée s’est accordée de telle sorte que le MCC soit d’ores et déjà en mesure de mettre en branle une étude juridique visant cet objectif.

Elles ont aussi abordé la question de la VAE, assurée actuellement par trois des quatre formations publiques à la CR. L’enjeu du débat consiste en une harmonisation des procédures à l’échelle nationale, au moment ou la réglementation européenne enjoint à la révision de celle qui est appliquée en France.

 

 

Séminaire : Conservation et taxidermie

La dernière séance du séminaire « Ecologie des collections. Nouvelles perspectives sur les pratiques muséales » se tiendra jeudi 21 juin, 10h-13h, au musée du quai Branly – Jacques Chirac (en salle 1). Lors de cette séance, intitulée « Conserver le vivant: le cas de la taxidermie », nous aurons le plaisir d’écouter Pauline Bertrand, conservatrice-restauratrice diplômée de l’ESAA, spécialisée dans la conservation de spécimens naturalisés et la taxidermie, et Adrian Van Allen, anthropologue et artiste, qui travaille sur la conservation des collections naturelles. Leurs interventions seront discutées par Jacques Cuisin, restaurateur et taxidermiste au Museum national d’histoire naturelle.

Vous trouverez ci-dessous une présentation de la séance, des liens vers les sites des intervenantes et toutes les informations pratiques.

Séminaire 2018

« Écologie des collections.

Nouvelles perspectives sur les pratiques muséales »

musée du quai Branly-Jacques Chirac, 218 rue de l’Université, 75007 Paris

Organisation : Tiziana Beltrame, Frédéric Keck, Yaël Kreplak.

Contacts : belletrame[at]gmail.com, Frederic.KECK[at]quaibranly.frgmail.com

Séance 3. Conserver le vivant : le cas de la taxidermie

21 juin 2018, 10h-13h, salle 1

Intervenantes :

Pauline Bertrand (conservatrice-restauratrice), https://paulinebertrandcr.wixs

« Le statut des animaux naturalisés en muséum d’histoire naturelle : l’animal naturel et l’animal culturel. »

Adrian Van Allen (anthropologue, musée du quai Branly – Jacques Chirac), http://www.adrianv.com/index.h

« Marking Time in the Anthropocene: Taxidermy, Temporality and Practices of Care in the Museum »

Discutant :

Jacques Cuisin (restaurateur, taxidermiste, Museum national d’histoire naturelle)

Lors de cette séance, nous discuterons les diverses façons dont les animaux sont transformés en artefacts à la fois dans et hors des musées, les compétences mobilisées dans cette fabrication, les différentes façons d’exposer ces artefacts et les modes d’identification et de distanciation entre hommes et animaux qu’ils produisent.

Les racines poussent aussi dans le béton.

Résultat de recherche d'images pour "les racines poussent aussi dans le béton"Au MACVAL de Vitry-sur-Seine, Kader Attia a délimité un véritable parcours initiatique dont deux pierres angulaires constituent la structure : l’architecture et sa relation aux corps. En 2018, comment appréhender les grands projets urbains menés tambours battants dès la fin de la deuxième guerre mondiale et dont l’histoire n’est pas écrite ? Ceux-là mêmes qui ressortissaient d’une utopie du bien vivre-ensemble mais qu’on a affublé très vite du syntagme cité-dortoir ?  Comment les habitants des « grands ensembles » ont-ils malgré tout su tisser des relations dans leur milieu bétonné, garder un lien avec leur histoire et leur culture d’origine  ?

L’espace dans lequel on pénètre est sombre et tamisé, bien loin des grandes rétrospectives auxquelles nous a habitués un musée comme le Centre Pompidou.  La lumière de l’espace d’expositions est réduite. Les œuvres n’ont pas été disposées selon une progression chronologique qui viserait la perception d’une évolution artistique. On a plutôt affaire à un dédale insaisissable à l’instar d’un parcours équestre de sauts d’obstacles. La répartition des oeuvres toutes choisies ou produites pour l’occasion, les confine dans ce qui s’apparente à des caches qui s’atteignent après un cheminement labyrinthique. Le visiteur est attiré par de la lumière au bout de chaque couloir, mais aussi empreint d’odeurs diverses, l’anis, le clou de girofle, la menthe fraiche, … qui se diffusent tout au long du parcours comme pour le conforter dans une progression initiatique. Une manière pour l’artiste de mettre en forme et conditions une déambulation autant physique que spirituelle, autant sensorielle que mentale, nommée par l’artiste «introspective» plutôt que « rétrospective ». Kader Attia veut révéler et dénoncer des formes de violences symbolique et sociale. Les thèmes et problèmes  évoqués par les œuvres répondent de la même logique de domination et d’exclusion qui s’applique, insidieusement et immanquablement, à des parias en marge de la société.

 L’art à la fois poétique et politique de Kader Attia, fidèle à son entreprise de réparation,  utilise l’espace du musée au delà de la seule visée esthétique. Il veut focaliser le regard et  l’attention sur toute une histoire qui échappe au grand récit national. Certes les racines poussent aussi dans le béton, encore faut-il accepter de les compter parmi celles du champ républicain, quelles que soient leur provenance.

               Exposition 14 Avril – 16 Septembre 2018