Archives de catégorie : Exposition

D’autres expériences esthétiques aux Rencontres d’Arles

Comme l’été dernier, nous avons arpenté le maillage arlésien dispersant les quelques quarante expositions qui alimentent les 49 èmes Rencontres de la photographie.  Leur intitulé est emprunté à la trilogie cinématographique Back to the future de Robert Zemeckis. Le programme de ce retour vers le futur invite « à une expérience spatio-temporelle, un voyage à travers les époques, sidéral et sidérant. Car la photographie est souvent le medium le mieux placé pour saisir toutes ces secousses qui nous rappellent que le monde change, parfois juste sous nos yeux. » Pas très originale au fond que cette invite qui eut tout à fait pu être … celle des rencontres précédentes. On assiste aujourd’hui et de plus en plus fréquemment à ce phénomène d’annonce thématique à l’occasion de la tenue de biennales ou autres grandes foires artistiques étalées dans le temps. C’est qu’il s’agit  d’une modalité communicationnelle relevant d’une stratégie de mercatique culturelle ciblant une masse de consommateurs potentiels. L’annonce doit accrocher, faire un effet immédiat et  parler au plus grand nombre ; tant pis si c’est un passe-partout et si sa teneur constitue un entonnoir qui banalise les singularités des oeuvres artistiques. Puisse le plus de publics possibles ne pas se laisser canaliser dans un consumérisme passif orchestré par tous les cadres sémantiques à l’instigation des systèmes  expographiques  et leurs procédés insidieux. C’est donc une démarche très concentrée de discernement qui nous anime pour mieux nous départir a priori de tout ce qui pourrait polluer la confrontation personnelle à une image artistique, et la réflexion intime qu’elle produit avec son lot d’émotions et d’interrogations.

  •  L’exposition White night propose des photographies de genres et cadrages très hétéroclites, qui semblent avoir été sélectionnées pour leur caractère insolite ou incongru. En effet, elles viennent documenter la réalité de la Chine actuelle que nous, français ou européens, avons tendance à réduire à des clichés et à ne pas prendre à sa juste mesure d’un pays-continent.  La plupart des images pourtant puisée dans ce qui semble être le quotidien, sont extraordinaires. Le mélange de personnages statiques avec d’autres pris dans leur élan, rend bien compte d’une réalité et d’une diversité sociologiques dynamiques et remplies d’expressions singulières. Ce qui aspire le regard, c’est la façon du photographe-anthropologue de saisir une multitude d’instantanéités aussi précieuses que si elles participaient d’un spectacle rare ou exceptionnel. Il s’adonne aussi au portrait psychologique, mais sans que le sujet semble avoir posé. Avec les situations saugrenues et inattendues qu’il a figé depuis 2005 à Chengdu, vraisemblablement sans en être tout à fait conscient, l’artiste Feng Li fabrique un exotisme. Celui de cultures chinoises très diverses et pleines de singularité,  à l’inverse des caricatures souvent péjoratives que déversent sempiternellement les médias de masse. Par contre, le photographe est parfaitement au faîte de l’art de la captation d’un sujet en mouvement, certainement grâce à un appareil motorisé, tant il parvient à des résultats surprenants. Certaines images ressemblent à de véritables compositions plastiques qui témoignent d’un oeil aiguisé.
Maison des Lices Maison des Lices,  2 juillet – 26 août / 10H00 – 19H30  / 8 euros
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L’exposition Grozny, neuf villes réunit neuf thèmes d’un projet de quatre années, qui tel une odyssée, explore et révèle de nombreux aspects de la Tchétchénie actuelle où ses habitants tentent de panser leurs plaies et de sortir de l’enfer. La démarche des trois photographes Olga Kravets, Maria Morina et Oksana Yushko, démarrée à partir de 2009,   est inspirée du livre de Thornton Wilder, Theophilius North et se focalise sur l’idée que 9 facettes d’une ville, 9 cités, sont cachées dans une seule et même ville. Il y a moins de dix ans, le pays était en proie à une guerre de répression menée par la Russie, succédant à la précédente. Des tirs d’artillerie et des bombardements de l’aviation russe ont ravagé la capitale tchétchène, véritable ville martyre. Les photographies nous éclairent sur une étrange réalité sociale et culturelle où des signes extérieurs de richesse exacerbés côtoient les stigmates de la guerre,  la plus grande misère et la détresse d’un malheur qui semble irréparable. Le pays est la proie du tyran Ramzan Kadyrov, protégé de Vladimir Poutine. Des armes, du chagrin, une corruption galopante, des haines ravalées, un affichage insolent de  bling bling, alimentent aujourd’hui l’hallucinant spectacle de Grozny, au plus fort de l’isolement de la Tchétchénie complètement sous emprise et surveillance du maître du Kremlin.

 

 

Faux-semblants d’urbanité, aux Rencontres d’Arles

L’an dernier, nous avions remarqué aux Rencontres de la photographie d’Arles,  l’exposition « La vie dans les villes ». Le travail du photographe allemand Michael WOLF qui y était très originalement présenté se focalisait sur ce que nous avions appelé une « humanité mégapolitaine » capable d’adaptation partout sur la planète.  Cette année, c’est la production d’un autre artiste germanique, lui né au Tyrol, qui a retenu notre attention par le biais de l’exposition « Le Village Potemkine » visible au Cloitre Saint-Trophime. L’ensemble présenté en co-production avec le Centre de la photographie de Genève rassemble une sélection de photographies réalisées entre 2015 et 2017 de villes artificielles, complètement fausses.

Comme point de départ, Grégor Sailer a retenu de  l’histoire russe, un épisode qui met en lumière le prince Grigory Aleksandrovich Potemkine, maréchal russe et favori de l’impératrice Catherine II. Mais ce n’est pas pour le lien de son nom avec une mutinerie révolutionnaire qui lui a conféré sa célébrité internationale. En 1787,  afin d’épargner à sa souveraine devant se rendre en tournée, l’apparence misérable et sinistre de la Crimée récemment annexée,  il aurait ordonné de créer des villages entiers constitués de façades « aguichantes » à ériger en carton-pâte et à peindre tout au long du parcours. 

L’artiste autrichien s’est donc évertué à découvrir de  fausses villes ne reposant que sur une illusion. Des centres d’exercice militaire aux Etats-Unis et en Europe aux répliques de villes européennes en Chine, en passant par des pistes d’essais de véhicules en Suède ou encore des rues entières mises en scène pour la visite de personnalités politiques … Les étranges structures  architecturales présentées dans des images vidées de toute humanité,  réfèrent aux contraintes politiques, militaires et économiques qui en sont à l’origine. Le pays initiateur, la Russie, déguise encore des rues entières dès lors que des célébrités politiques, comme des personnages de haut rang venant de l’étranger doivent les emprunter. Ce dernier subterfuge a fait école dans tous les régimes autocrates. En 1993, nous en avions constaté de nos propres yeux la mise en oeuvre très bien organisée au Caire, tout le long du parcours de chaque sortie en ville du Président Moubarak.

Ici l’exposition documente un procédé architectural de falsification, de duperie tout en le dénonçant et en esthétisant les images qui en sont produites. A la fois en révélant une tromperie et en séduisant l’oeil esthète, la photographie apparaît ici dans une dualité inattendue, et noue jette à la figure l’ambiguïté de notre rapport au factice.

 

 

 

A la Collection Lambert

Ligne Forme Couleur
Ellsworth Kelly (1923-2015) dans les collections françaises

5 juillet – 4 novembre 2018Une exposition conçue par l’Institut national d’histoire de l’art.
La Collection Lambert accueille une grande exposition consacrée au peintre américain Ellsworth Kelly (1923-2015). Elle réunit autour d’une donation exceptionnelle de 54 estampes destinées à rejoindre les collections de la bibliothèque de l’Institut national d’histoire de l’art (INHA), des œuvres issues de Collections françaises, aussi bien publiques que privées. Le commissariat en est  assuré par Éric de Chassey, directeur de l’INHA et spécialiste de la peinture étatsunienne. Le titre de l’exposition est celui d’un livre d’artiste dont Kelly fit le projet pendant son séjour en France, en 1951 : Line Form Color.

Exposer ce grand maitre du XXe siècle à la Collection Lambert est essentiel à plus d’un titre : l’artiste a entretenu toute sa vie un rapport privilégié avec la France, et il annonçait les problématiques sensibles qui seront à l’œuvre chez les tenants de l’art minimal dont les noms ont participé au rayonnement de la Collection (Robert Ryman, Brice Marden, Robert Mangold, Sol LeWitt…) et que l’on retrouve en échos dans l’accrochage du fonds permanent.

Entre 1948 et 1954, Kelly s’installe en France, où il y rencontre Picasso, Calder, Brancusi, Arp, y découvre Matisse, Monet et les abstraits géométriques qui influenceront sa peinture. C’est là, à partir de 1949, qu’il met au point une méthode éloignée des paradigmes de l’abstraction lyrique et de l’expressionnisme abstrait.  Il duplique des formes trouvées dans la réalité ou produites par le hasard, développant un vocabulaire singulier où lignes, formes et couleurs entretiennent et produisent des liens inédits. Ses œuvres abstraites, envisagées comme autant de mises en volume de la peinture, induisent non seulement de nouvelles manières de peindre mais aussi de regarder et d’expérimenter l’œuvre.

Son lien avec la France vient d’être réaffirmé par le Studio Ellsworth Kelly qui a souhaité faire don de 54 estampes de l’artiste à la bibliothèque de l’Institut national d’histoire de l’art (INHA). Cet ensemble permet d’observer la manière dont Kelly a, tout au long de sa carrière, expérimenté les possibilités que peut offrir l’image imprimée. Cette donation exceptionnelle, dont ce sera la première présentation au public, sera accompagnée d’une sélection d’œuvres d’Ellsworth Kelly – tableaux, dessins, collages et estampes – qui se trouvent aujourd’hui dans les collections françaises, publiques et privées, dont de nombreuses œuvres inédites ou dont l’accès est ordinairement limité à quelques privilégiés.

Claire Tabouret
Les Veilleurs
A la Collection Lambert
5 juillet – 4 novembre 2018
L’Errante
Dans l’Eglise des Célestins
7 – 24 juillet 2018Expositions réalisées avec le Festival d’Avignon
Avec le soutien de la Fondation Emerige
Et la Galerie Almine Rech

Dans le cadre de sa 72ème édition, le Festival d’Avignon s’associe à la Collection Lambert pour organiser une double exposition de l’artiste française Claire Tabouret. Âgée de 35 ans et résidant en Californie, l’artiste peint entre recouvrements et dissimulations un ≪ ici et maintenant ≫ atemporel. Qu’il s’agisse de portraits d’enfants au regard fixe ou de groupes de tous âges, son œuvre nous regarde, interrogeant nos désirs par des tableaux aux couleurs profondes et travaillées.

A l’Eglise des Célestins, le sol en terre tendre, le silence et la lumière intime se mettent au diapason d’une peinture mondialement célébrée. Les êtres masqués de latex de la série Les Etreintes lui sont proches dans leur jeu fétichiste, au beau milieu de paysages touches également par l’indistinct et le trouble.

A la Collection Lambert, de grands portraits de groupes, comme autant de solitudes miraculeusement réunies en un comte onirique — veilleurs, camisole, carnaval — s’associent à une série de céramiques figurant d’étranges enfants et continuent ainsi de porter leur regard obstiné vers le spectateur, formulant un silencieux « Qui es-tu » qui, de Manet à aujourd’hui, continue d’incarner la peinture.

Grand Hôtel « Villa Castagnola », Lugano, Switzerland, Monday 26 April 2004, 12.15 pm
Christian Lutz
Anatomies du pouvoir
5 juillet – 4 novembre 2018En partenariat avec les Rencontres d’Arles
Avec le soutien de Pro Helvetia – Fondation suisse pour la culture
Et la collaboration de la Sélection suisse en Avignon
La Collection Lambert s’associe au Grand Arles Express pour la troisième année consécutive en présentant à Avignon le travail de l’artiste suisse Christian Lutz.

Qu’il s’intéresse aux coulisses de la politique internationale en photographiant les déplacements de délégations diplomatiques (Protokoll, 2007), aux conséquences néfastes du commerce du pétrole au Nigeria (Tropical Gift, 2012) ou qu’il s’immerge dans une communauté évangélique pour en photographier le quotidien (In Jesus’ Name, 2012), Christian Lutz agit en photographe embarqué au plus près des relations de pouvoir.

Dans une approche sensible qui mêle l’esthétique du documentaire à la contemplation, il représente les êtres vivants dans des dispositifs de pouvoir « à l’intérieur desquels ils ne cessent d’être saisis », pour reprendre les mots de Giorgio Agamben. Les dysfonctionnements du monde y sont pointés avec une distance singulière et poétique qui nous écarte des images de reportage traditionnelles pour convoquer les maîtres de la peinture classique.

Exposition organisée dans le cadre du Grand Arles Express, programme hors les murs des Rencontres de la Photographies, Arles

1. Rika Noguchi, A Prime #4, 1998, tirage argentique, Donation Yvon Lambert à l’État français / Centre national des arts plastiques / Dépôt à la Collection Lambert
2.Ellsworth Kelly, Rouge jaune bleu [Red Yellow Blue], 1999, lithographie sur papiers Rives BFK / litograph on Rives BFK paper, 19,1 x 19,1 cm, bibliothèque de l’Institut national d’histoire de l’art. ©Ellsworth Kelly Foundation.
3.Claire Tabouret, La Grande camisole, 2014 ©Claire Tabouret, photo Annik Wetter
4.Christian Lutz, série Protokoll, 2007 / LUTZ / MAPS
[Toutes ces informations sont relayées depuis le site de la collection Lambert.]
TARIFS
Plein : 10€ / Réduit : 8€ / 6 à 11 ans : 2€
Tarif spécial : 5€ sur présentation d’un billet du Festival d’Avignon ou de la carte du Festival OFF (en juillet)

Les racines poussent aussi dans le béton.

Résultat de recherche d'images pour "les racines poussent aussi dans le béton"Au MACVAL de Vitry-sur-Seine, Kader Attia a délimité un véritable parcours initiatique dont deux pierres angulaires constituent la structure : l’architecture et sa relation aux corps. En 2018, comment appréhender les grands projets urbains menés tambours battants dès la fin de la deuxième guerre mondiale et dont l’histoire n’est pas écrite ? Ceux-là mêmes qui ressortissaient d’une utopie du bien vivre-ensemble mais qu’on a affublé très vite du syntagme cité-dortoir ?  Comment les habitants des « grands ensembles » ont-ils malgré tout su tisser des relations dans leur milieu bétonné, garder un lien avec leur histoire et leur culture d’origine  ?

L’espace dans lequel on pénètre est sombre et tamisé, bien loin des grandes rétrospectives auxquelles nous a habitués un musée comme le Centre Pompidou.  La lumière de l’espace d’expositions est réduite. Les œuvres n’ont pas été disposées selon une progression chronologique qui viserait la perception d’une évolution artistique. On a plutôt affaire à un dédale insaisissable à l’instar d’un parcours équestre de sauts d’obstacles. La répartition des oeuvres toutes choisies ou produites pour l’occasion, les confine dans ce qui s’apparente à des caches qui s’atteignent après un cheminement labyrinthique. Le visiteur est attiré par de la lumière au bout de chaque couloir, mais aussi empreint d’odeurs diverses, l’anis, le clou de girofle, la menthe fraiche, … qui se diffusent tout au long du parcours comme pour le conforter dans une progression initiatique. Une manière pour l’artiste de mettre en forme et conditions une déambulation autant physique que spirituelle, autant sensorielle que mentale, nommée par l’artiste «introspective» plutôt que « rétrospective ». Kader Attia veut révéler et dénoncer des formes de violences symbolique et sociale. Les thèmes et problèmes  évoqués par les œuvres répondent de la même logique de domination et d’exclusion qui s’applique, insidieusement et immanquablement, à des parias en marge de la société.

 L’art à la fois poétique et politique de Kader Attia, fidèle à son entreprise de réparation,  utilise l’espace du musée au delà de la seule visée esthétique. Il veut focaliser le regard et  l’attention sur toute une histoire qui échappe au grand récit national. Certes les racines poussent aussi dans le béton, encore faut-il accepter de les compter parmi celles du champ républicain, quelles que soient leur provenance.

               Exposition 14 Avril – 16 Septembre 2018

La conservation-restauration exposée par le Musée Fabre

Danièle Amoroso, diplômée de l’ESAA, à l’oeuvre © Frédéric  Jaulmes – Musée Fabre

EXPOSITION :   DANS LE SECRET DES ŒUVRES D’ART

Les cinq années du chantier de rénovation du musée Fabre, suivies de
dix années d’ouverture au public, ont nécessité d’intenses campagnes
de conservation-restauration des œuvres présentées aux visiteurs. Un travail long, attentif et minutieux mais en même temps discret, qui se joue dans les coulisses du musée : ateliers et réserves.
Des Œuvres « vivantes »
Le musée propose une plongée Dans le Secret des œuvres d’art. Nous percevons généralement les tableaux, encadrés et présentés contre les cimaises du musée, comme des images figées illustrant des sujets, racontant des histoires, exaltant des formes et des couleurs. Pourtant, les œuvres d’art sont également des assemblages hétéroclites, faits de toile ou de planches de bois, de châssis ou de parquetage, d’une couche de préparation et d’une couche picturale comprenant des pigments. Composées notamment de matériaux organiques, les œuvres réagissent à leur milieu et, comme des êtres vivants, se contractent ou se rétractent, et parfois se détériorent.
Les Secrets de la physicalité des œuvres
L’exposition présentera cinq focus sur six œuvres: peinture  sur bois, sur toile, dessins, sculpture en bronze et toile en matériaux contemporains, dont l’étude et la restauration se sont avérées complexes et passionnantes. Les propriétés physico-chimiques des matériaux, les techniques de création, les besoins en termes de conservation et de restauration, tous ces aspects fascinants seront révélés au public, proposant un discours à la croisée de l’histoire, de la science, de l’artisanat et de l’art. Le visiteur sera convié à pénétrer les secrets de la matérialité des œuvres et le processus de leurs restaurations. Cette exposition sera accompagnée d’un colloque scientifique, d’une série de conférences et de visites guidées qui permettront à tous d’approfondir l’univers de la conservation-restauration des œuvres d’art et ses méthodes, telles que

  • l’humidification des dessins sous gore-tex, un  matériau qui permet le passage de l’eau à l’état gazeux et non liquide, favorisant ainsi une humidification uniforme et progressive grâce à une mise sous poids pendant un mois,
  • la vision des effets  d’une chambre climatique contrôlée sur une oeuvre et du milieu d’observation grâce à des caméras,
  • la mise au point  d’un système de pesée d’un panneau pour connaître l’eau qu’il est capable d’absorber durant l’essai,
  • la réalisation d’examens radiographiques,
  • l’utilisation de solvants adaptés et compatibles avec la conservation des patines.

A lire en préparation de sa visite, et pour entrevoir à quoi s’expose la conservation-restauration mise en spectacle.

Musée Fabre

Du 23 Mars au 02 Septembre 2018

3, boulevard Bonne Nouvelle, 34000 Montpellier

Tramway lignes 1 et 2 station Comédie / lignes 1, 2 et 4 station Corum.

Horaires

Ouvert

  • Du mardi au dimanche de 10:00 à 18:00

Fermé

  • Le lundi

Tarifs

Billets combinés

Plein : 10 €
Réduit : 8 €
  • – de 18 ans
  • Etudiants de – de 26 ans
Gratuit :
  • 1er dimanche du mois
  • Demandeurs d’emploi

« 23 tonnes » à la Biennale de Lyon: ce qu’en disent les médias

Des sons et des rythmes

A la Sucrière, […]. C’est la vidéo inhumaine qu’Hamid Maghraoui obtient en plaçant sa caméra sur une grue qui décrit un cercle : elle enregistre automatiquement un paysage ravagé par l’industrie.

Extrait de « 14e Biennale de Lyon : des songes et des sons branchés sur l’Univers », article paru dans Le Monde numérique le 19.09.2017.

L’art émancipateur

Moins dramatique, la vidéo de Hamid Maghraoui a un format vertical inhabituel. Les images ont été prises avec une GoPro posée sur le porte-à-faux d’une grue. Depuis ce nid de béton et de métal, à hauteur de nuages, on aperçoit au loin Avignon et ses abords, version contemporaine d’une peinture de paysage.

Extrait de « La Biennale de Lyon, une leçon d’évasion » , article paru dans LE TEMPS  le 29.09.2017.

« L’ Afrique des routes », à la croisée des chemins

« L’ Afrique des routes »             31 Janv. – 12 Nov. 2017              Musée du Quai Branly – J.Chirac  /  Lire ici

A vrai dire, « L’Afrique des routes » n’est plus à la croisée des chemins de l’histoire du continent africain. Elle a fait son choix en souhaitant résolument rompre avec une kyrielle de clichés et poncifs répandus à  propos de l’Afrique, qui en faussent la perception et la connaissance.  D’entrée  de  jeu, le visiteur est prévenu par  un avertissement   sans  frais  de  la  fausseté  de  nombreuses idées reçues et de l’obsolescence d’une terminologie encore en vigueur. Comme par exemple celles qui alimentent les notions de  primitivisme, d’ethnicité, de primarité et de l’isolement de l’Afrique. Du reste, il est recommandé de ne plus parler de l’Afrique, mais plutôt des Afriques.

L’exposition (dé)montre que depuis l’époque la plus reculée connue — environ 5000 avant JC — jusqu’à aujourd’hui, le continent africain n’a jamais été la contrée isolée et sauvage  si souvent stigmatisée comme telle. Les populations autochtones ont parfaitement su nouer des relations d’échanges – religieux, de savoir-faire, commerciaux, artistiques, stylistiques —  avec des voisins parfois même lointains, bien avant que les conquérants portugais ne débarquent sur les côtes africaines au milieu du XV ème siècle. Une quantité de documents très divers (cartes, écrits, photographie, dessins, etc.) témoignent de la création de voies de communication terrestres, fluviales, ou maritimes qui ont permis la circulation des biens et des personnes, de gré mais aussi de force.

L’un des grands mérites du parti-pris de l’exposition est d’y révéler une « agentivité »1 d’objets trop longtemps confinés à la représentation de la primitivité. Trop habituellement montrés ou perçus, plus ou moins consciemment, d’abord en tant qu’éléments significatifs de cultures sous développées ou curiosités pourvoyeuses d’exotisme, ils apparaissent ici sous un autre jour. Celui qui éclaire et met en exergue des faisceaux de relations auxquels ces artefacts participent et parfois dont ils occupent le coeur. De la sorte, ils échappent au sort et au dénuement de ces naufragés et épaves paraissant échoués sur des plages feutrées sans ressac, derrière les vitrines rutilantes aux lumières tamisées des temples de la diversité culturelle qui les détiennent comme otages du regard ethnocentré, seulement ethnoesthétique, doublé d’un fétichisme inculte et marchand, mais aussi comme apostrophes mutiques.

Le visiteur n’est plus convié seulement ou expressément à l’émoi de la fascination pour leur esthétique moderniste, leur étrangeté mystérieuse ou encore, pour un témoignage de notre antériorité civilisationnelle. Ce sont d’autres propriétés et valeurs – de fonctionnement, d’usage – de ces objets contributeurs d’un raffinement et une sophistication culturelles qui jurent avec les stéréotypes et les clichés encombrant encore beaucoup trop d’ imaginaires.

Le parti-pris est si efficace qu’on a le sentiment que tous les objets issus des cultures des autres autre-part ou disparues ne devraient plus être montrés autrement, dans la mesure où l’on possède suffisamment d’informations pour ce faire.

Sans détour et courageusement même, l’enjeu de l’exposition est aussi de pallier le manque cruel de visibilité de la part d’ombre de l’histoire coloniale, si peu glorieuse et parfois tellement sordide. La chronologie très succincte de la colonisation n’élude pas le trop longtemps occulté massacre de Thiaroye pendant le sommeil de tirailleurs sénégalais démobilisés, attendant la solde qui leur avait été promise dans un camp militaire non loin de Dakar, et qui fit 70 morts in fine selon le rapport du 5 décembre 1944 par le général Dagnan. En des temps de crise et de confrontation culturelle, identitaire, religieuse, martelées par les médias de masse, il n’est pas aisé d’ouvrir au grand jour des pages sombres de l’histoire nationale. C’est que les méfaits sanglants et d’une violence inouïe à l’égard de populations colonisées dont elles attestent, ne sont pas moins pires que ceux perpétrés par des terroristes se réclamant d’un Islam intégriste, extrémiste ou véritable.

La commissaire Gaêlle Baujean a truffé avec parcimonie le parcours d’oeuvres d’art moderne et contemporain afin qu’elles supportent la comparaison ou la confrontation avec les objets de l’autre, autre-part. Outre une résonance artistique,  elles peuvent être perçues aussi comme participant à la crédibilité d’une re-considération d’objets qui ont pu être infériorisés par la taxonomie muséale empreinte de la traditionnelle hiérarchie des productions artistiques. La plus remarquable d’entre elles – qui a suscité le plus de réactions d’incrédulité quand ce n’est pas de rejet catégorique si l’on en croît le livre d’or – est La réparation (The repair) de Kader Attia, appartenant aux collections du Centre Pompidou / Musée National d’Art Moderne. C’est un diptyque de 80 diapositives couleurs qui conclut l’exposition en montrant  de plein fouet sur un énorme  écran, des visages de gueules cassées par la Grande Guerre, juxtaposés à des ustensiles divers, tous ostensiblement et grossièrement recousus. La vision des têtes de ces « pauvres bougres » réchappés de la grande boucherie, véritablement scarifiés  et vilainement balafrés, est d’une brutalité telle qu’elle peut faire oublier la proposition de leur parallèle avec des objets exotiques réparés, voire même le sentiment de plénitude procuré par l’exposition. La radicalité choquante de l’oeuvre a peut-être été choisie à dessein, pour exhorter le visiteur à une vigilance au récit historique de la colonisation, et peut-être encore dans la perspective d’une réparation au moins symbolique de ses méfaits, dont l’ ostracisme  qui frappe encore la plupart des pays d’Afrique noire longtemps considérés comme dénués d’une histoire.

1 Le terme fait référence à l’agentivité d’Alfred Gell,  L’art et ses agents [Art and agency], Les Presses du Réel, 1998.

Suzanne Hetzel expose au Musée Angladon

Le Musée Angladon, ancien Hôtel de Massilian datant du XVIII ème siècle et ayant appartenu à des amateurs d’art, propose l’exposition permanente d’une collection mise à disposition par les héritiers de Jacques Doucet. Outre les œuvres originales de très grands artistes des XIX ème et XX ème siècles rassemblées par le grand couturier parisien, la directrice du lieu, Lauren Laz, a laissé les coudées franches à l’artiste plasticienne Suzanne Hetzel pour investir le musée du 16 Septembre au 31 Décembre 2017. Artiste invitée en résidence  de Septembre 2016 à Septembre 2017, celle-ci « s’est inspirée de l’esprit profondément studieux des fondateurs du musée Jean et Paulette Angladon, artistes et collectionneurs»,(extrait du texte de présentation du musée). En témoigne son parti-pris d’intégrer ses productions (photographies, objets, installations) au coeur même de la muséographie pérenne: l’exposition s’intitule « Au premier, Au deuxième … (Installations de Suzanne Hetzel). »

S. Hetzel en travail de construction. © 2017 Artothèque Antonin Artaud / Marseille.

L’oeuvre de Suzanne Hetzel se compose principalement de photographies, de vidéos et d’autres objets divers. Ses travaux la conduisent à explorer les manières qu’a l’homme d’investir des lieux et à relever l’empreinte que ceux-ci  laissent sur lui, ses relations, sa langue, sa culture. Dans les images pourtant fixes qu’elle dévoile, apparaissent en filigrane des éléments mouvants, dynamiques, tels que des liaisons interpersonnelles et des connexions entre les choses sous l’emprise du temps, de la mémoire et de l’oubli. L’exposition se veut un tableau de chasse. Suzanne Hetzel montre ses captures d’un mobilisme que vanta déjà Héraclite en son temps. Il fut le chantre d’une représentation du monde où toutes choses changent et se meuvent perpétuellement, ces changements relatifs s’inscrivant dans l’unité de toutes choses.

Rappelons que Suzanne Hetzel vit à Arles et travaille à Marseille depuis qu’elle est diplômée de l’ École supérieure d’art et de design de la capitale phocéenne. Un certain nombre d’étudiants des deux mentions de l’ESAA n’ont certainement pas oublié sa prestation en tant que présidente du remarquable jury du Diplôme National d’Arts Plastiques de Juin 2016, composé aussi de la philosophe & artiste, Marjorie Caveribère, et du vénérable Hervé Giocanti. Celles et ceux qui sont encore  à l’ESAA, et les autres qui y sont entrés postérieurement, ne manqueront pas de courir au Musée Angladon pour y voir son travail plastique, et peut-être, revoir ou découvrir l’artiste en chair et en os lors de ses venues les 28 Septembre et 21 Décembre prochains.

Ouverture : du Mardi au Dimanche de 13 h à 18 h.

Visites commentées de l’exposition : Samedi 16 et Dimanche 17 Septembre à 15h.

Rencontres et discussions avec l’artiste : les 28 Septembre et 21 Décembre 2017 à 18 h 30.

Tarif unique 3€ – Gratuit – 25 ans

Accessibilité handicapés moteurs

Adresse : 5 rue Laboureur

Tél. public : 04.90.82.29.03 Site internet

Hamid Maghraoui présent à la Biennale de Lyon 2017

Nous nous réjouissons de la sélection  d’une oeuvre récente de notre collègue enseignant et ami Hamid Maghraoui, 23 tonnes, par les commissaires de la 14ème Biennale de Lyon de 2017 qui a pour thème « les mondes flottants ». Montrée pour la première fois au FRAC Occitanie lors d’une exposition monographique en 2016, elle sera exposée à partir du 20 Septembre 2017 jusqu’au 07Janvier 2018 à la Sucrière, entourée d’oeuvres des trois artistes, Lara Almarcegui, Hans Harp et Hans Haacke.

Né en 1973 à Nîmes, vivant et travaillant entre Nîmes, Avignon et Paris, l’artiste plasticien Hamid Maghraoui est un observateur sagace de la quotidienneté et de la domesticité impliquant des objets banals en prise avec l’univers collectif. Il parvient à discerner des fragments de l’ordinaire pour les transcender en usant de l’insolite comme du paradoxe. Après avoir décortiqué et trituré subtilement  la trivialité du visible, il en extrait l’oracle d’un  insoupçonnable insu révélé par des figurations relevant toujours de la litote, parfois de la boutade ou encore de l’allégorie. Doté de cette clairvoyance déjà briguée par d’illustres précurseurs du surréalisme pour percevoir la face cachée des choses, Hamid Maghraoui lui, pourvoit une véritable anthropologie plastique de l’aliénation. En singularisant et fictionnalisant certaines formes audiovisuelles dans des configurations inaccoutumées, il s’est fait remarquer notamment par sa mise à l’index de comportements consuméristes et mécanisés, conditionnés par la toute puissance des médias de masse.

23 tonnes, Hamid Maghraoui, vidéo perpétuelle, Biennale de Lyon 2017,  Photo © M.Maire

La vidéo perpétuelle et muette 23 tonnes (2016) présentée à la Sucrière pourrait référer au genre de la veduta en ce qu’elle recourt à des lignes perspectives marquées.  Mais de fait, elle en prend le contre-pied avec la verticalité de son cadre et la focalisation d’une portion étriquée de paysage lointain, ciblée par un curieux ajour statique. Dans ce viseur au premier plan,  la toute petite part bucolique sous un immense ciel cotonneux toujours changeant, semble mise en joue : elle défile au second plan par à-coups dans un sens puis dans l’autre en s’immobilisant parfois quelques secondes. Ce dispositif de visée indéterminé est un couloir en béton jalonné d’armatures métalliques qui jure avec l’organique et l’atmosphérique.  Le cartel informe que l’œil d’une caméra fixe et autonome a été placé au creux du contrepoids de 23 tonnes attenant à la flèche d’une grue de chantier. Sa mobilité axiale n’est concevable qu’après sa visualisation mentale, car ici, c’est le paysage qui va et vient. Au gré des allers-retours pilotés par le grutier au travail, tel un balayage de scanner, une ligne de mire menaçante  insinue à 37 mètres de hauteur, l’inexorable emprise de l’urbanisation sur l’espace vital.

[ …] A la Sucrière, c’est le lac souterrain que l’on croirait, d’après sa couleur opalescente, né de la fonte d’un glacier, dans lequel Doug Aitken fait tomber du plafond des filets d’eau chantants. C’est la vidéo inhumaine qu’Hamid Maghraoui obtient en plaçant sa caméra sur une grue qui décrit un cercle : elle enregistre automatiquement un paysage ravagé par l’industrie. [ …] (extrait de l’ article du Monde du 19.09 par Emmanuelle LEQUEUXHarry BELLET et Philippe DAGEN).

Avec ses instruments de capture, Hamid Maghraoui ose investir des perspectives et points de vue saugrenus pour en extorquer des visions qui brouillent les codes de détermination. Outre leur esthétique visuelle, les expédients et objets qu’ il  mobilise interloquent à  propos de la  perception de l’environnement spatial et social. Son travail recèle des rapprochements avec d’autres genres artistiques dont le regardeur peut prendre acte pour entrevoir et méditer une réalité qui n’est jamais restreinte ni astreinte,  mais multiple et transformable.

« .

Journées européennes du patrimoine

Avignon 2017

le 14 Septembre

à la Salle des Fêtes de l’Hôtel de Ville de 9h à 17h30, : 3e Forum du Patrimoine – « Avignon, Jeunesse et Patrimoine ».

9h30 : ouverture du Forum par Mme le Maire..

Matinée : présentation des questions de liens entre les jeunes et les patrimoines, et exposés d’exemples réussis à Avignon et ailleurs.. Après-midi : deux ateliers participatifs. Atelier 1 : Pédagogie et médiations du patrimoine, présidé par Mme L. Abel Robert, Ajointe au Maire, Déléguée à la jeunesse, à l’Ecole et à l’Université. Atelier 2 : Les économies du patrimoine et la formation professionnelle, présidé par Mme I. Portefaix, Adjointe au Maire, Déléguée à la création d’emploi et d’activités économiques, à l’Economie sociale et solidaire, à la formation professionnelle.

les 16 & 17 septembre

Parmi les très nombreux lieux proposés à la visite, 5 suggestions de Semin’R :

L’Atelier Jean-Loup Bouvier, 9, rue du Ponant – 30133 Les Angles, 04 90 25 32 90 : Atelier de restauration de Monuments Historiques, sculpture statuaire et ornementale. Les 16 et 17/09 de 9h30 à 12h30 et de 14h à 18h30 : Visite libre ou guidée, l’Atelier Jean-Loup Bouvier excelle dans différentes techniques de restauration, de sculpture, de gypserie et de moulage, touchant toutes les époques de notre patrimoine. Gratuit.

Le Musée Vouland, 17 rue Victor Hugo, 04 90 86 03 79, www.vouland.com : Collection d’arts décoratifs (XVII e -XVIII e s.) et de peinture provençale. Jardin traversé par le Canal de Vaucluse. Les 16 et 17/09 :  de 14h à 19h : visite de l’exposition Hortus 2.0, art des nouveaux média. Une trentaine d’installations contemporaines, matérielles ou immatérielles, interactives ou génératives sur le thème du jardin, des relations entre l’homme et la nature (jusqu’au 1er/10 2017).- à 14 h 30 : Nature ?,  visite ludique en famille pour tous à partir de 7 ans (musée, exposition et jardin).- à 16 h 30 : Imagine un jardin, atelier pour tous à partir de 7 ans. Visite ludique  et atelier sur réservation.Tarif unique 2€ / Gratuit – de 25 ans

Le Palais du Roure réouvre ses portes, 3 rue Collège du Roure, 04 13 60 50 01 :  Ancien hôtel des Baroncelli de Javon (XVe-XXe s). Musée d’arts et traditions populaires et Centre de documentation ethnographique, provençale et arhcéologique.
– de 10h à 18h : Visites des expositions « Le Palais des Baroncelli – entre Provence et Toscane », travaux périscolaires de 2014 à 2017 ; et visite libre du 1er étage du musée.– 16/09 :. à 10h30 et 11h45 : visite guidée pour les enfants, du 2e étage du musée, par S. Dublange. Sans inscription, nombre limité à 15 enfants/visite. . à 11h30 : conférence Les travaux des restaurations du Palais du Roure de 2013 à 2017. Orientations, choix, difficultés, découvertes, par D. Repellin ou T. Bricheux, architectes des Monuments Historiques. Lancement du livret d’accompagnement des visites pour les 5-9 ans.. à 16h : inauguration des expositions.. à 16h45 : concert surprise dans la cour.– 16 et 17/09 : . à 10h30 et 11h45 : visite guidée pour les enfants, du 2e étage du musée, par S. Dublange.Sans inscription, nombre limité à 15 enfants/visite.. à 11h30 : conférence L’histoire du Palais du Roure à travers son architecture, par la Conservation.. après-midi : jeu de l’oie sur le Palais ouvert aux enfants. Sans inscription. Gratuit.

© Monuments Historiques / Martine Audibert

Les Bains Pommer, 25 rue du Four de la Terre : Etablissement de bains publics au style art-déo, véritable institution avignonnaise du début du XXe s racheté récemment par la Ville. Fermé depuis 1972, ce centre d’hydrothérapie avait été créé en 1892 par Auguste Pommer qui y recevait la bourgeoisie avignonnaise. Son établissement fut même fréquenté par Frédéric Mistral. Il a été classé monument historique en 1992. Gratuit.

L’École d’Avignon, 6 rue Grivolas, 04 90 85 59 82, www.ecole-avignon.com : Centre de ressources sur le bâti ancien, installé depuis 1983 dans l’hôtel du Roi René , né d’une ambition de caractérisation des compétences pour intervenir sur le patrimoine architectural. Se reporter à son site internet pour plus d’informations. Gratuit.

Pulsions urbaines aux Rencontres d’Arles

« Pulsions urbaines »
Photographie latino-américaine, 1960-2016
Rencontres d’Arles, 3 juillet – 24 septembre, 10H00 – 19H30, 12 euros (sans pass) , tarif réduit pour les étudiants.

L’exposition Pulsions urbaines, est l’un des événements phares de l’édition 2017 des rencontres d’Arles. Très dense en termes d’items et d’occupation des objets sur les murs blancs, elle se déploie dans  trois grandes salles  sur deux niveaux de l’Espace Van Gogh. A partir de plusieurs centaines d’images prélevées dans la collection constituée par le célèbre couple Leticia Carcano et Stanislas Poniatowski, elle a pour ambition d’embrasser un peu plus d’un demi-siècle de photographie latino-américaine.

Prisonero encadenado (1979) 375 x 597, par Jorge Brantmayer (1954).

L’expographie égrène plusieurs thématiques qui se succèdent comme les chapitres d’un essai à la fois historique et anthropologique mais  ici visuel. Plus ou moins en filigrane, le parti-pris de l’exposition, dont un découpage typologique n’est heureusement  qu’optionnel à la faveur d’ un bornage signalétique discret, est clairement celui de l’homme latino-américain dans sa quête d’une nouvelle identité, hybride, métisse, qui doit conjuguer la mémoire populaire rurale avec l’attractivité métropolitaine et ses avatars. Tout porte à croire que les points de vues des photographes se sont attachés à fixer des singularités humaines dans la ville. Les uns et les unes sont pris en étau, tantôt entre leur double antériorité culturelle préhispanique et coloniale, tantôt entre les dualités et antagonismes nés d’une vie sociale diurne et de son pendant nocturne.  La collision s’aggrave de l’émergence des nouvelles identités sexuelles et sociales permises ou imposées,  et des incompatibilités entre ruralité et urbanité. Toute cette coercition n’est pas moins  violente mais peut-être plus pernicieuse que celle induite par l’alternance des régimes autoritaire et démocratique qui s’y rajoute et contribue à produire  des mutants en proie à une globalisation culturelle et économique galopante.

La surabondance et la succession brutale d’ images de nature et intentions différentes concourent certainement à faire ressortir et ressentir une sorte de tension permanente propre à un monde dystopique. On peut en percevoir des ressorts qui marquent beaucoup de regards hallucinés d’un mélange d’inquiétude, d’hébétude et de gravité.   De ce monde citadin sud-américain, il émane une impression de  violence chaotique, d’ explosivité latente même, telles que les médias occidentaux en relatent inexorablement les affres. Malgré son intention indéniablement louable, l’exposition pourra provoquer une impression de remplissage inconsidéré où l’on passe sans transition ni vergogne de la lutte syndicale et politique à la condition interlope principalement noctambule des transsexuels, puis d’une  une esthétique « musicale » liée à de vieux couples danseurs de tango argentin — qui soit dit en passant, ne parvient pas à s’exonérer d’un galvaudage exotique qui a sévi en Europe –, à encore d’autres thématiques ou esthétismes plastiques tout aussi contrastés. Au point de procurer un sentiment oppressant de trop plein émotif, voire de saturation.

« La vie dans les villes » selon Michael Wolf,

Rencontres d’Arles, Eglise des Frères prêcheurs

3 juillet – 24 septembre, 10H00 – 19H30,

10 euros (sans pass) , tarif réduit pour les étudiants.

Logée dans l‘espace architectural gothique de l’église désaffectée des frères-prêcheurs dominicains, cette exposition est produite en collaboration avec le musée de la photographie de La Haye. Elle a pour ambition de présenter une vue générale du travail de création de Michael Wolf. Depuis son origine, la démarche artistique et véritablement socio-anthropologique de cet artiste allemand passé par les Etats-Unis et émigré à Hong kong où il a travaillé pendant huit ans pour le magazine Stern, s’est focalisée sur la condition humaine, d’abord à la campagne, puis à la ville. Il sait si bien adopter des points de vue différents qu’il est en mesure de faire ressortir de ses clichés, des dualités déconcertantes de  l’aliénation métropolitaine, entre opacité et transparence,  macroscopie et microscopie, hideur et esthétique, vernaculaire et globalisé, rebut et fétiche,  utilitaire et artistique, fascination et répulsion.

Dès l’accès à la nef,  un parti-pris scénographique bien agencé tout en accordant une déambulation aléatoire, se fait sentir. On a pensé et su mettre à profit toute l’ordonnance architecturale pour concevoir dans l’espace, une cohérence d’ensemble, chronologique et à plusieurs facettes. Le choeur, les chapelles latérales, la nef et même le contraste à échelles comparables du style gothique avec la rectitude des tours et barres de béton, concourent à la mise en lumière du cheminement artistique de Michael Wolf comme  de la variété des perspectives et des effets qu’offre le genre de la photographie attelé au sujet somme toute banal de La vie dans les villes.

À droite de l’entrée, une petite chapelle isolée expose la série Bottrop-Ebel , une suite de photographies en noir et blanc réalisées dans un petit village minier de la Ruhr. Michael Wolf est encore à l’université et travaille alors sous l’égide de son mentor Otto Steinert.

Installée verticalement en un en arc de cercle panoramique contre le mur du coeur de l’église, l’oeuvre phare de l’exposition et qui aspire le regard dès l’entrée, est l’installation The Real Toy Story (2004). Elle a mobilisé et  aggloméré une myriade de plus de 20 000 jouets et figurines en plastiques produits en masse par la Chine, et que l’artiste a glanés dans différents lieux de second hand aux États-Unis. Insérés comme les lucarnes d’un calendrier de l’avent aléatoirement au milieu de cette débauche hallucinante de jouets d’enfants, le visiteur découvre des portraits solitaires ou en groupe d’ouvriers chinois livides, au regard las, asservis aux chaînes d’assemblage de ces biens de grande consommation.

Dans la nef de l’église, un accrochage de grands tirages en couleur rendent compte du projet Architecture of Density mené entre 2003 et 2014.  Celui-ci a pour cible  des façades de gratte-ciels prolétariens qui concentrent des cages à poules et  occultent tout horizon en saturant le cadre. Vues de loin elles n’apparaissent plus qu’en verticales  et horizontales colorées plus ou moins larges et contrastées au point de créer l’illusion de tableaux géométriques de l’art moderne. Mais dès que l’on se rapproche, l’oeil distingue de plus en plus une condition humaine de séjour compressé en cage à poule. Une structure cubique rapportée abrite une oeuvre tridimensionnelle , 100 x 100 (2006) qui au visiteur permet d’intégrer l’un des 100 appartements de Skep Kip Mei Estate. Celui-ci fait partie des plus anciens complexes d’habitat social de Hong Kong et compte des logis mesurant chacun exactement 10 X 10 pieds, soit à peu près 3 X 3 mètres. La visite permet d’expérimenter la promiscuité dont l’impression est augmentée par un tapissage à l’intérieur du cube, d’images de ces appartements habités et de leurs occupants qui fixent l’objectif de l’appareil photographique.

Les images de la série Transparent City (2006) contrastent avex celles des barres de béton. Ici Michael Wolf met en exergue la transparence de l’architecture de la ville de Chicago. Après un long séjour en Asie, Chicago lui apparaît comme une opportunité contextuelle contrastée dans la poursuite de son étude documentaire de l’humanité citadine .  La ville est bien moins dense, et offre une vision plus aérée, plus en profondeur. La troisième dimension est présente dans les images.  tandis que la transparence des gratte-ciel dont les façades comportent plus d’ouvertures et de verre, permet dy voir à l’intérieur.

Avec Tokyo Compression, Michael Wolf continue son observation voyeuriste déjà à l’oeuvre dans Transparent City. Mais cette fois, il vise singulièrement des passagers captifs, compressés dans le métro bondé de Tokyo, leurs joues écrasées contre les vitres. Il s’agit ici pour lui de montrer les effets de la concentration humaine dans le style photographique « no exit » déjà employé dans Architecture of Density. Chaque cliché est un entonnoir destiné à piéger le regard du visiteur dans son cadre au moment précis où chaque passager l’est aussi, dans l’incapacité de se soustraire au confinement de cette geôle temporaire. Les images suggèrent l’inconfort des corps contorsionnés jusqu‘à sortir du champ et quitter le cadre. Même les  yeux clos  sont des tentatives d’évasion mentale et d’échappatoire à l’objectif du photographe vouées à l’échec

Pendant les six derniers mois de 2014, Michael Wolf a pris de la hauteur pour trouver des points de vue originaux en hauts d’ immeubles, de terrasses et de cheminées pour réaliser la  série Paris Rooftops. La vision proposée est frontale au point d’annihiler la profondeur et confère aux images une puissance d’abstraction géométrique insoupçonnable de l’architecture parisienne. Les photographies  conjuguent des verticales de murs avec des arêtes obliques de cheminées ou de perspective et des horizontales de terrasses qui alternent selon une distribution magique autours des aplats de couleurs formés par des pans de façades.

Montré dans l’abside de la chapelle dédiée jadis à Saint Dominique, le projet Hong Kong Corner Houses (2005-2011) traite de la survivance des immeubles d’angle à Hong. Pour la plupart, Ils ont été construits durant les années 1950 et 1960 dans le quartier de Kowloon et abritent tant des activités commerciales que des espaces résidentiels. Datant de la période d’austérité des années d’après-guerre, ils ont été rafistolés et transformés souvent illégalement, de telle sorte qu’ils sont aujourd’hui rares et parfaitement uniques. Ils constituent une espèce toujours plus en voie de raréfaction voire d’extinction, chaque fois qu’ils sont un peu plus  démolis et remplacés par de nouveaux immeubles dans une mégapole en proie à une frénésie immobilière sur un territoire non extensible telle qu’elle sévit à Monaco et à une moindre échelle.

Avec Informal Solutions, Michael Wolf a commencé en 2003 une véritable collection photographique et même physique d’objets observés et parfois récoltés dans des rues populaires de Hong Kong que les médias ne s’attachent jamais à montrer d’une grande mégapole économique. Celle-ci met en valeur le revers de la médaille, la part d’ombre de la ville lumière. Or au coeur de l’indigence, s’active une ingéniosité et une inventivité de solutions adoptées par des habitants en proie à un grand dénuement . Ces photographies et ces objets constituent ensemble une sorte de cabinet de curiosités dont la préciosité repose toujours sur la rareté, mais cette fois, celle des gueux contemporains: gants, chaussures, serpillières au séchage sur des structures improbables, sièges hybrides rafistolés et réaffectés, labyrinthes chaotiques formés par les tuyaux de canalisation et de ventilation, objets ready made décoratifs et même artistiques à partir de formes accidentelles.

Au pays de la production de masse, la Chine, Michael Wolf a repéré et collecté des chaises bâtardes qui constituent une ensemble de plus de 100 Bastard chairs. Chacune d’elles est un unicum qui a sa propre histoire. Rafistolées, bricolées à partir d’épaves, 10 appartenant à sa collection sont exposées sur une estrade blanche qui fait office de socle, comme de véritables ready made auxquels s’attache une esthétique de la survivance du rebut. Chez le plus gros producteur d’objets utilitaires domestiques, difficile d’imaginer une conservation quasi fétichiste d’objets aussi détériorés.

Hong Kong Assemblage Deconstructed (2015) témoigne d’une nouvelle orientation influencé par la collection. Ayant photographié un des assemblages urbains de Hong Kong fait d’objets dont des, Michael Wolf a décidé d’ exposer une installation de cintres, ficelles, parapluies, sacs en plastique, ciseaux, ou encore agrafes métalliques afin qu’elle jouxte une photographie ancienne de cet assemblage.

L’issue de l’exposition n’est pas sans provoquer un certain embarras causé par une ultime dualité. Celle d’un grand plaisir esthétique abondamment nourri par l’efficacité artistique du photographe, mais à la condition d’une intrusion voyeuriste et indécente à bonne distance des affres d’une urbanité effroyable.

 

La peinture de Ronan Barrot à Avignon, dans le plus simple appareil.

Auteur de l’affiche du Festival d’Avignon 2017 (ci-dessus à gauche), le peintre Ronan Barrot expose du 06 au 26 Juillet des œuvres — dont la plupart conçues pour l’occurrence — dans l’église  conventuelle des Célestins aujourd’hui désaffectée et accessible gratuitement.

En érudit d’histoire de l’art et dont la filiation à la tradition picturale est criante, le peintre qui affirme « s’être jeté dans la gueule du Louvre », a pris en compte le caractère d’un lieu que la mémoire ne peut jamais désacraliser tout à fait. Avignon offre l’opportunité de visiter beaucoup d’églises toujours consacrées et dotées d’un décor foisonnant de tableaux encadrés par des moulures dorées. Or si la situation est a priori similaire à l’église des Célestins, il n’en est rien. Dans un dénuement « cistercien » de l’architecture gothique, minérale, grisâtre, toute en verticalité sur un sol de terre meuble et nimbée par une atmosphère de pénombre de cachot, le peintre a installé parfois à même le sol, non pas des tableaux, mais des toiles peintes , exemptes de cadres, de cimaises et de cartels en jouant de l’ordonnance architecturale.  L’éclairage ponctuel et oblique des œuvres, la plupart des grands formats (environ 200 x 250 mm), est discret, tout en retenue, comme pour respecter les ambiances obscurcies aussi bien dans les représentations que du lieu d’exposition. Ainsi les images demeurent pâles, sans aucun reflet. Il faut s’approcher et scruter la surface en lumière rasante pour percevoir une alternance de brillances et matités qui témoignent des matières plus ou moins saturées en huile. A l’instar de l’architecture, la peinture non vernie apparaît dans son plus simple appareil, brute et odoriférante, comme si le peintre venait tout juste de terminer son travail (Traditionnellement, les peintures ne pouvaient être recouvertes d’un vernis résineux « égalisateur » qu’au moins un an après leur finition).

© Christophe Raynaud de Lage

Détail

Lorsqu’on observe pour décrypter les images, il ne s’agit plus seulement de scènes religieuses ou théologiques qui illustreraient explicitement l’Ancien ou le Nouveau Testament. Celles de Ronan Barrot y réfèrent sans doute par quelques éléments de composition, de théâtralisation et de formes architecturales, mais demeurent énigmatiques, intemporelles, en comportant une large part  d’incertitude et de mystère. Même des visages se dérobent, distordus à la manière de ceux de Francis Bacon, estompés  et « endommagés » (Cf. détail ci-contre). Comme pour nous dire: « ce vieillard barbu n’est (peut-être) pas celui que vous croyez reconnaître … » Le contour des formes se dilue dans l’opacité des bruns sombres. De quoi s’agit-il ? Qui sont les protagonistes ? Sont-ils actuels ou fictionnels ? Est-ce un moyen de passer du biblique au profane contemporain ? L’artiste le sait-il lui-même ? Est-ce au regardeur de déterminer ce qu’il voit ? Ronan Barrot peindrait-il la part d’ombre de l’homme, au propre  avec un « outre-brun » envahissant, comme au figuré, pour en éclipser une barbarie insoutenable ? Tel Poussin, lui qui a contrario  » … n’a jamais pu peindre la tête du Christ; le corps pas davantage, ce corps d’une complexion si tendre; cette tête où se lisent l’onction et la sympathie pour les misères humaines. » (Delacroix, Journal, 1851, p.438).

En fin de compte, ce n’est pas la représentation d’un thème ni la figuration d’un sujet qui priment puisque le visiteur est laissé sans itinéraire fléché, désemparé avec ses interrogations et son infirmité cognitive. Dès lors l‘enjeu  n’est-il pas précisément  la peinture pour elle-même, sa composition, sa grammaire, sa gamme chromatique, ses harmonies et ses dissonances colorées, son rythme, son énergie, sa puissance, sa force ? Ronan Barrot ne serait pas le premier à vouloir (dé)peindre la peinture. Toujours est-il que la sienne est souvent taxée par d’aucuns — les premiers, un comble,  certains de ses professeurs de l’ENSBA ! — comme une survivance d’académisme  dans la production artistique contemporaine. Or à n’avoir de cesse que de  transgresser l’académisme, on finit par s’illusionner dans un académisme de la transgression.

Une peinture en cours d’exécution, avant l’exposition.

Plus encore peut-être que toute autre, l’empreinte de la manière espagnole du XVII ème siècle et de Goya en particulier semble indéniable. Mais la recherche de parenté apparaît bien vaine sitôt qu’au tableau suivant, c’est plutôt le XIX ème français, Géricault, Courbet, Manet, Delacroix,  l’expressionnisme berlinois des années 1920,  ou encore plus près de nous, les harmonies de Matisse et les empâtements sculpturaux d’Eugène Leroy , qui s’invitent … On retrouve un usage omniprésent de  tonalités claires très colorées qui tranchent avec l’obscur des bruns sombres appliqués vigoureusement à grands coups de brosses ou spalters. Cette façon   caractérise  la dramaturgie et même la violence insufflées dans des images cinglantes qui attirent l’oeil mais dont la signification est redoutable. S’y enchevêtrent dans une furia gestuelle les signes iconiques oscillant toujours entre l’achevé et l’ébauche.

Puisque qu’elle dissimule autant qu’elle révèle,  cette peinture iconoclaste n’est plus médium du message. C’est le thème qui parait  assujetti à la peinture qui se joue d’elle même, du sujet  et d’une iconographie univoques, au point parfois d’estomper  la frontière entre figuration et abstraction  à laquelle d’aucuns veulent toujours se référer. Et c’est déjà en cela que cette manière n’est plus académique et aspire à la contemporanéité quand bien même elle est allusive, évocatrice, mémorielle de maîtres anciens et de sa fonction majeure jadis. Excellant de savoir faire, Ronan Barrot peint en peinture comme un alchimiste cherche en expérimentant sans cesse les ressorts de la technique académique à l’huile. Tout comme un Sigmar Polke, mais sans volonté d’irrévérence subversive. Par exemple, sur un fond de paysage dont la facture est achevée, il a dessiné au trait et en demi-pâte seulement par une ellipse  et une oblique qui ne coïncident pas avec une esquisse initiale en frottis,  une barque qui apparaît alors « translucide » tandis qu’à l’intérieur le nautonier — peut-être Charon traversant l’Achéron — est lui, opaque. Ailleurs, la moitié inférieure du tableau est seulement esquissée quand la partie supérieure est aboutie. Une façon d’inscrire une temporalité dans l’image afin  d’en proscrire la fixité en faisant apparaître simultanément plusieurs phases qui matérialisent la chronologie d’exécution. « Toute la peinture est dans les sacrifices et les partis pris », avait dit Goya. Il faut être virtuose pour oser se permettre ces transgressions expérimentales avec mesure et sans pure fantaisie sur des tableaux dynamiques qui ont été élaborés en concert dans l’atelier, l’un non sans les autres. Telle une emblématique série de crânes alignés dans un triptyque à volets, qui peut faire penser aussi à l’accumulation provoquant un effet de saturation. C’est que leur metteur en scène démiurgique est « fou de peinture » comme il le dit lui-même. Ronan Barrot n’en est pas moins  didactique: à l’heure du pixel, il veut partager avec le regardeur son solfège et les entorses qu’il y provoque,  en l’incitant au décryptage de la fabrication processuelle de ses visions ténébreuses, de leur mystérieux idiome et de leur rapport dialectique.

Puisse l’asservissement à l’habileté qui conduit inexorablement au galvaudage et à l’imposture prétentieuse du toc artistique drapé dans ses oripeaux mondains, épargner ce prospecteur acharné qui brave les ayatollahs de l’art contemporain et sa doxa. Pour s’en prémunir, en digne et téméraire héritier des maîtres qu’il célèbre, il devra nécessairement trouver le courage de continuer à s’aventurer dans des contrées inconnues de son art. « Ils ont à ce point galvaudé leurs éloges, que l’artiste qui se respecte tient pour encens leurs imprécations  » (Gide, Journal, 1924, p. 790)

  • Programme de salle PDF
  • Entretien avec Ronan Barrot PDF

Crédits photographiques : © Christophe Raynaud de Lage

Un peu d’Afrique beaucoup à Paris

« L’ Afrique des routes »             31 Janv. – 12 Nov. 2017              Musée du Quai Branly – J.Chirac  Lire ici

Alexis Peskine • Le radeau de la Méduse • 2015

 

 

« Africa Now ! »                               27 Mars-25 Juin 2017 Galerie des Galeries Lafayette    Lire ici

 

 

 

 

« Afriques Capitales »                  29 Mars – 28 Mai 2017            Grande Halle de la Villette        Lire ici

« Trésors de l’islam en Afrique »                                                 De Tombouctou à Zanzibar Institut du monde arabe          14 avril30 juillet 2017         Lire ici
Expo BILLET FONDATION ART AFRIQUE, LE NOUVEL ATELIER « Le nouvel atelier »   26 Avril – 28 Août 2017 Fondation Louis Vuitton      Lire ici

« Ikonikat » expérimente le parcours visuel sur les images artistiques

Des chercheurs du CNRS ont mis au point une application qui permet d’étudier les différents comportements des regardeurs de tableaux. Le projet ikonikat (Ikonik Analysis Toolkit) ambitionne de découvrir ce que l’on perçoit face à une œuvre d’art. Du 22 mars au 26 juin 2017, l’application sera à disposition des visiteurs de l’exposition « Le Mystère Le Nain », au musée du Louvre-Lens.

Elle associe pour la première fois des sociologues et historiens de l’art en comportant deux colloques-ateliers (du 28 au 31 mars à Lille et à Lens, les 5 et 6 mai à Lens). Son point d’orgue est une expérimentation dans l’exposition, de l’application Ikonikat avec appareils d’oculométrie cognitive et tablettes qui mettent en œuvre le procédé sur sept tableaux des frères Le Nain.

Par des aller-retour successifs, les yeux des visiteurs passeront des peintures accrochées aux cimaises à leurs reproductions numériques sur une tablette, et vice versa ; puis avec leurs doigts, ils pourront cerner virtuellement les visages, tracer par frottement des lignes courbes ou droites avec un  gros trait rouge – un peu comme sur Snapchat pour les plus jeunes, ou sur Paint mais sans l’aide d’une souris pour les autres. L’objectif étant de permettre aux chercheurs de  mieux étudier  la réception des images artistiques.

Interface de l'application Ikonikat affichant le tableau Famille de paysans, de Louis Le Nain. © RMN-Grand Palais (musée du Louvre)/Jean-Gilles Berizzi/Julien Wylleman/Sarah Landel/Ikonikat
Interface de l’application Ikonikat affichant le tableau « Famille de paysans », de Louis Le Nain. © RMN-Grand Palais (musée du Louvre)/Jean-Gilles Berizzi/Julien Wylleman/Sarah Landel/Ikonikat

Les manipulations de chaque visiteur seront collectées par l’application, de même que leurs réponses à un questionnaire sociologique. Leur exploitation devrait permettre de vérifier si l’attention du public se porte réellement sur les éléments jugés les plus importants par les professionnels des musées et les historiens de l’art. Ou encore de comprendre de quelle manière le contexte social et culturel (visites en famille, groupe scolaire, etc.) ou l’ordre dans lequel les œuvres sont présentées, influence leur perception par les visiteurs. Par ailleurs, l’exposition sera la première consacrée aux frères Le Nain depuis plus de quarante ans.
Selon le commissaire d’exposition, Nicolas Milovanovic, « L’interdisciplinarité est encore rare en histoire de l’art et c’est une chance de pouvoir la mettre en pratique à l’occasion d’une exposition au Louvre-Lens ». Cette expérience devrait permettre « de mieux comprendre comment le public appréhende les œuvres, quels sont les cheminements du regard et comment mieux adapter aux différents publics le discours des conservateurs, des conférenciers et des médiateurs. »

Cette expérimentation renvoie au travail d’Amaël Rivoal-Mourelot, diplômée de l’INP en 2012 et à son mémoire « L’oculométrie cognitive ou la perception d’une image. Le cas d’une œuvre lacunaire : La vie de Saint-André, panneau peint catalan, fin XIIIème siècle (Paris musée des Arts décoratifs) présenté lors des JERI 2014. Gaelle Baudry, aujourd’hui diplômée de l’ESAA, avait fait alors un commentaire critique pour Semin’R, de « cette méthode expérimentale, comme une manière de pallier l’absence d’approche scientifique dans le choix de réintégration des lacunes pour la restauration des peintures ». […] « L’oculométrie cognitive est une technique permettant l’enregistrement du mouvement des yeux par un repérage en temps réel de la position du regard. Ce système capte la réflexion de rayons infrarouges envoyés sur la cornée oculaire. Les modes d’enregistrement varient mais dans le cas présent Amaël R-M a utilisé des lunettes dotées de caméras. Les informations récoltées permettent de connaître le temps de fixation d’un individu, le temps d’intérêt et le nombre de fixations par zone sur un support donné. On retrouve l’utilisation de cette technologie dans des études psychologiques, marketing, simulations virtuelles etc… Les usages sont nombreux et même une étude a été menée par la Tate Britain en soumettant à la perception du public deux types de restaurations (monochrome ou illusionniste). »

Du reste, le procédé  Ikonokat pourrait bien servir à d’autres applications de recherche. Le CHispa qui est soutenu par l’Agence Nationale de la Recherche (ANR-13-JSH3-0006ANR ), est destiné à élaborer des outils numériques permettant d’exploiter des corpus d’archives et de manuscrits. En tant que projet expérimental, il prend appui sur des corpus particuliers d’archives  dont les ayants-droits ont accepté la mise à disposition pour la recherche. Le CHispa vise ainsi à développer des méthodologies pour faciliter l’exploitation, grâce aux outils numériques, des archives des écrivains contemporains. Dans ce  cadre CHispa poursuit également une recherche sur la valorisation par le numérique des Arts performatifs.

Lire aussi : « Ikonokat, un autre regard sur l’art »

 

A voir ou à revoir …

 

© Elodie Henaff / CDP29

Voyant, devin, tireuse de cartes, sorcier : ces mots convoquent immanquablement des images d’Épinal, depuis les sorcières du Moyen Âge jusqu’aux marabouts d’Afrique. Pourtant, les pratiques dites magiques n’ont pas disparu en France, en ville comme à la campagne. L’Abbaye de Daoulas s’associe avec le Musée des civilisations de l’Europe et de la Méditerranée (Mucem) pour traiter de la magie et de la sorcellerie dans notre monde contemporain.

Conçue comme un retour sur nos représentations face aux incertitudes du présent et du futur, l’exposition invite à s’interroger sur notre propre position entre rationalité et croyance. Amulettes, supports d’envoûtement, films documentaires – ou encore la reconstitution du cabinet d’un célèbre voyant des années 70, Marcel Belline – matérialisent l’invisible et l’impalpable et nous plongent au cœur d’une autre vision du monde.

BONNE FORTUNE & MAUVAIS SORT AU CINEMA L’IMAGE DE PLOUGASTEL DAOULAS
En partenariat avec l’Abbaye de Daoulas, Le cinéma l’Image de Plougastel Daoulas, propose de septembre à décembre différents films à voir ou revoir en lien avec l’exposition Bonne fortune & mauvais sort. Magie, communication avec l’au-delà, pouvoirs magiques sont au programme.

Plus d’info dans le programme cinéma l’Image en téléchargement ci-dessous.


* CYCLE DES CROYANCES *
Cette année, trois de nos sites partagent en outre le même thème des
croyances. Vous êtes invités à cheminer depuis la foi bretonne du 16e siècle, catholique et préservée des contestations, avec Il était une foi au Château de Kerjean, jusqu’à ces petits arrangements avec le rationnel que raconte l’Abbaye de Daoulas et qui peuvent nous pousser chez les diseuses de bonne aventure ou à croire au mauvais sort. Le Manoir de Kernault, fidèle à son habitude n’en a pas fini de nous raconter des histoires, de celles qui sont peuplées d’êtres immortels, de vampires ou de fées avec Même pas peur ! Voyages dans d’autres mondes.

Chemins du patrimoine en Finistère

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