Archives de catégorie : Billet

Restitutions de biens volés en Afrique

C’est lundi 5 mars à l’occasion d’une rencontre avec le président béninois Patrice Talon à Paris, que son homologue français Emmanuel Macron a annoncé la mise en place d’une mission pour la restitution aux pays africains d’œuvres spoliées par la France. La nouvelle n’est pas passée inaperçue en Afrique, où de nombreux dirigeants ont apprécié cette volonté déclarée. Sauront-ils pour autant réunir les conditions nécessaires au retour et à la conservation sécurisée de leur patrimoine sur leur sol, se demande un journaliste burkinabé dans le journal local « Le pays ».

Cette volonté du chef de l’État français succède à sa promesse faite trois mois auparavant à Ouagadougou, de travailler à la restitution aux africains de cette partie de leur patrimoine culturel qui a fait l’objet de vol ou de pillage colonial, principalement par de nombreux coloniaux en tous genres – explorateurs, commerçants, administrateurs, et missionnaires. Ceux-ci arrivèrent au 18 ème et 19 ème siècle au temps de la révolution industrielle pour tenter l’aventure africaine. Dans leur sillage, d’autres collecteurs peu scrupuleux furent les auteurs d’un véritable pillage organisé d’objets que l’on retrouve aujourd’hui dans des musées prestigieux en Europe et aux USA. Des masques, des statuettes et bien d’autres objets encore, ont franchi les océans frauduleusement par des voies secrètes, dont notamment le canal de la valise diplomatique, même après les années 1960 des indépendances.

Il est toujours facile de lancer des promesses, moins de les tenir. Gageons que cette fois, les expériences de restitutions d’un passé récent puissent servir de leçons et conduire à des résolutions de cas plus dignes et plus rapides.

Pour lire la résolution du cas de 30 Vivango,  des statues de bois gravées à la mémoire des ancêtres des Mijikenda, restitués par le Denver Museum of Nature au gouvernement kényan.

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Synthèse d’un mémoire de diplôme: des vantaux de porte.

Étude des vantaux de porte déposés de l’église Saint-Gilles à Chamalières-sur-Loire, en vue de leur conservation-restauration – ESAA, 2012

 Dans son mémoire, Maxime Kitaïgorodski, diplômé en 2012 à l’Ecole Supérieure d’Art d’Avignon, nous propose une réflexion sur la nécessité de développer une approche spécifique en terme de conservation-restauration de biens patrimoniaux, conservés dans leur contexte spatial et social et toujours en fonction.

1) Problématique

L’objet, qui fût au centre de l’attention de l’auteur du mémoire, est une ancienne porte à deux vantaux, placée initialement à l’entrée de l’église Saint-Gilles de Chamallières-sur-Loire, puis déposée en 1893. Elle a subi les effets du temps et des évolutions dues à son usage ayant entraîné  une altération de son intégrité matérielle et formelle. De plus sa dépose, effectuées dans un souci de préservation matérielle, a amputé la compréhension de sa fonction et de sa situation premières ainsi que de sa portée symbolique et spirituelle.

Comment aborder la conservation-restauration d’un mobilier monumental patrimonialisé rattaché à son contexte d’origine et pourtant déconnecté de sa fonction première ? s’interroge l’auteur du mémoire .

Autrement dit, comment faire cohabiter la valeur patrimoniale, et ses exigences de conservation, avec l’expression d’une richesse de fonctions passées, qui ont conduit à la patrimonialisation ? poursuit-il.

Son étude commence par s’attacher à définir les besoins urgents de conservation matérielle et de nécessité de traitements pour préserver l’intégrité matérielle de l’objet, et par ailleurs s’interroge sur la conservation de son identité utilitaire et de sa perception altérée. Pour ce faire, il questionne la pertinence d’associer le regard d’un créateur à la phase réflexive du conservateur-restaurateur.

2) Résolution

a) conserver

Dans le but de préserver l’intégrité matérielle des vantaux, une intervention de type “archéologique” est envisagée, se limitant donc strictement aux opérations de conservation curative et de stabilisation physique. Après un travail fastidieux de relevé d’altérations, un comparatif de différents traitements contre les infestations xylophages a été mené selon les paramètres imposés par le bien, son lieu de conservation et le cadre législatif. Le traitement par fumigation ou anoxie dynamique était tout à fait possible mais c’est finalement le traitement chimique par application liquide qui a été choisi. Auparavant un dépoussiérage a été réalisé et des mesures préventives ( entretien régulier du lieu pour limiter un retour des organismes vivants, l’application d’un produit de préservation préventif …) ont été préconisées.

L’étude mécanique a mis en évidence le déséquilibre des forces exercées sur les vantaux. Aussi l’objectif de l’intervention fut-il de conférer une meilleure répartition des forces s’approchant de celle d’origine. La réalisation d’une structure de maintien n’a pu être engagée mais les principes concernant les exigences de conservation ont été établis. Cette structure devra être développée en fonction des choix de présentation et de disposition dans l’espace qui seront faits. Par ailleurs, les pattes de scellement actuelles corrodées devront être retirées et remplacées par un nouveau système de fixation. Les éléments mobiles directement accessibles seront consolidés afin de limiter tout risque de perte de matière, et enfin,  les éléments métalliques seront protégés.

Au vu des interventions explicitées ci-dessus qui seront mises en place, la dépose des vantaux  a semblé nécessaire. Ils devront alors être déplacés séparément et disposés en position horizontale sur des tréteaux.

b) restaurer

La valeur essentielle conféré à ce bien culturel est liée à son contexte architectural et à son usage fonctionnel initial. Sa disposition spatiale pose aujourd’hui un véritable problème de lisibilité, bien plus que son aspect formel. Ainsi convient-il, dans l’idée d’y remédier, de déterminer aujourd’hui, sa position dans l’espace architectural et la façon de le présenter. C’est précisément cette démarche qui caractérise l’ acte de restauration proprement dit.

Deux préoccupations guident le projet : rétablir la fonction utilitaire en remédiant à la disposition actuelle qui occulte la signification de ce bien, et prendre en considération l’acte de dépose en renonçant à une remise en place des vantaux qui ne tiendrait pas compte des valeurs patrimoniales attribuées au cours du temps.

Afin de répondre à ces exigences, une nouvelle approche est proposée : l’association (conservateur-) restaurateur / créateur dans la réflexion et l’élaboration d’une proposition de restauration. Cette interdisciplinarité a pour but d’élargir les possibilités de notre pratique sans  remettre en cause ses fondements ni prétendre à une généralisation.

Le conservateur-restaurateur agit en premier lieu dans un souci de conservation, phase première et nécessaire de la conservation-restauration, mais qui limite l’exploration de nouveaux champs d’investigation pour la présentation et la mise en valeur patrimoniale. Dans quelles mesures la pensée créative peut-elle enrichir celle du restaurateur ?  Quel rôle lui est attribué ?

L’association avec un créateur pourrait permettre  par sa restauration, la perception de significations de l’objet autres que patrimoniales et d’intégrer au processus une vision du contexte contemporain dans lequel existent aujourd’hui les vantaux.

Le créateur a la possibilité de souligner le caractère utilitaire de ces vantaux en tant qu’élément participant d’un ensemble architectural plus large, en faisant fi de contraintes conservatoires. Or dans ce cas, il devra se placer comme un interlocuteur, un collaborateur présentant une proposition créative en l’adaptant aux impératifs de conservation.

Un exemple de projet concret a été envisagé par l’auteur du mémoire. Il s’agissait de concevoir une structure à même d’assurer un maintien et une répartition des forces, tout en constituant aussi un dispositif de présentation des vantaux et de leur articulation à l’environnement architectural. Hélas cette collaboration n’a pas pu dépasser son état embryonnaire, l’auteur s’étant heurté à des difficultés pour susciter un réel intérêt auprès des créateurs sollicités dans le temps qui lui était imparti. Néanmoins, cette réflexion mérite d’être approfondie et affinée sur le long terme pour enrichir la conservation-restauration de la pensée créatrice et lui ouvrir de nouvelles perspectives.

 

 

Synthèse d’un mémoire de diplôme: des fragments de peaux tatouées

Eloïse Quétel introduit son mémoire (« De la conservation d’un patrimoine caché :  peaux humaines tatouées, de l’anthropologie criminelle à l’intention esthétique »,  soutenu en 2013) par l’exposé de ses intérêts personnels et de ses expériences professionnelles dont découlent ses axes de recherches (passage du cadavre à l’objet patrimonialisé, contexte de mise en œuvre, CR et déontologie de restes humains). Plus loin dans son entrée en matière, elle contextualise et présente l’objet de façon sensible en décrivant l’effet produit sur elle par l’objet lorsqu’elle le découvre. Le restes des informations se trouve sous la forme d’une fiche d’identification qui permet de visualiser facilement et rapidement l’aspect de l’objet et ses conditions de conservation. Il s’agit donc de cinq fragments de peau humaine, tatoués, provenant du torse, des bras et du dessus des pieds d’une personne non identifiée.  L’une de ces informations est tout à fait singulière : l’écart entre la date de décès de l’individu (milieu du 20eme siècle) et le prélèvement des peaux (1997). Les cinq peaux proviennent du musée d’anatomie Testut-Latarjet qui est intégré à la faculté de médecine de Lyon. Elle fait alors un focus sur la gestion des patrimoines universitaire et les problèmes récurrents qu’on y retrouve avec la perte de leur valeur pédagogique qui entraîne actuellement l’état précaire de la plupart de ces collections.

En entame de son étude contextuelle, Eloise Quetel retrace l’histoire du tatouage à travers les époques, qu’elle centre sur des questions sociologiques et anthropologique. Elle rappelle principalement la perception qu’ont les sociétés sur les tatouages et les tatoués, et les ressorts psychologiques qui poussent des individus à se tatouer. Comme celui dont proviennent les peaux qui vivait et s’est fait tatouer au début du XXème siècle. Elle rédige également une introduction à la criminologie qui justifiait les prélèvements de peaux tatouées pour des études scientifiques visant, à l’instar de la phrénologie, à stigmatiser le criminel dont les tatouages seraient alors à considérer comme des marques judiciaires avec une valeur signalétique. L’intérêt de cet ensemble est qu’il est représentatif d’une pratique de la criminologie, qu’il se trouve dans un patrimoine universitaire mais qu’il ne relève finalement d’aucun des deux. En effet, il n’a jamais servi la criminologie, ni d’étude pour l’université. L’objet existe par la simple volonté du conservateur actuel qui, lors de la réfection du laboratoire d’anatomie, a découvert le corps d’un individu au fond du congélateur du labo. Plutôt que d’envoyer le corps au crématorium, au vu de ses tatouages, il décide avec deux étudiants de prélever les parties tatouées, simplement parce qu’il trouvait dommage de les perdre et qu’il souhaitait les conserver. Pour Eloise Quetel, qui interrogea le conservateur, cet acte était « empreint de nostalgie mais aussi d’esthétisme ». Ce qui l’a intéressée , c’est que les tatouages soient représentatifs d’une manière de faire et d’un style révolus. Les préparateurs des peaux n’ont pas été formés à cette pratique, c’est pourquoi la mise en œuvre est étonnante et a produit un objet singulier. En effet, la découpe ne suit pas les tatouages, comme pour les prélèvements de criminologie, mais est délimitée par la forme du corps (bras entier, buste et dessus des pieds). Cet acte n’est pas anodin et révèle chez le conservateur, la volonté d’une finalité esthétique en laissant les parties du corps perceptibles. Dans le mémoire il est même question du « geste créateur du conservateur » qui transforma ces peaux humaines en objet de patrimoine. Les dimensions éthique et déontologique nourrissent des questionnements récurrents en conservation-restauration. Or ici, d’autant plus pour les restes humains, ils deviennent centraux et même indispensables pour définir l’objet étudié.

Après avoir parlé de questions juridiques et déontologiques, l’enquêteuse en vient à se demander comment des corps ou leurs fragments deviennent des biens culturels, patrimoniaux. Dans cette transformation, le processus de néantisation de l’individu (perte de l’identité au profit de sa seule dimension matérielle) devient nécessaire. Les peaux proviennent d’un corps non réclamé qui a fini par se retrouver au congélateur sans utilisation scientifique ni destiné à un quelconque projet. Son processus de néantisation s’est opéré alors très rapidement. Il est intéressant d’observer qu’elle justifie l ’acte des préparateurs des peaux comme répondant à une volonté de « conserver une part de l’identité du disparu alors même que le processus de néantisation avait déjà fait son oeuvre » car celle-ci participe également à cette conservation de l’identité et même à sa restauration. D’une part, par l’écriture de ce mémoire en général, et d’autre part, par sa recherche et l’identification de l’individu qu’elle essaye de mettre en place lors de la lecture iconographique des tatouages. Par ces recherches, elle vise à restaurer cette identité qui a été néantisée. Finalement par son travail de documentation qui vise à destituer le processus de néantisation, elle modifie ontologiquement l’objet. Dans la deuxième partie de son mémoire, l’approche matérielle, elle définit scientifiquement les différents éléments et techniques de mise en œuvre utilisés pour ces peaux (la peau, la congélation, le traitement au formol, le tannage). Elle définit ensuite assez précisément l’état constitutif et l’état de conservation de l’objet.

Il apparaît étonnamment qu’elle fait l’impasse sur les encres utilisées pour les tatouages. Quels sont leur vieillissement post mortem , leurs facteurs d’altération, leur impact sur la peau ? De l’étude qu’elle fait de l’état des tatouages, aucune conclusion n’est faite. Ce choix semble délibéré, tant les propositions de conservation-restauration n’abordent que la conservation préventive et la conservation curative. Elles semblent assez « classiques » même si la restauration matérielle de l’objet n’est pas évoquée dans les propositions.

 

Synthèse d’un mémoire de diplôme: un ensemble de jupe Kanak conservé en musée

Après avoir décrit brièvement le contexte de son travail, « Etude et proposition de conservation-restauration d’un ensemble de jupes kanak du Musée d’Histoire Naturelle de la Rochelle », Marie Bastard nous donne à voir dès les premiers chapitres de son mémoire, ses interrogations par rapport à l’identité même de la collection de l’ensemble de jupes kanak que le Musée d’histoire naturelle de la Rochelle lui a confié.

Tout d’abord les différentes terminologies associées aux objets lui semblent confuses et leur questionnement sous-entend déjà un souhait de définir la jupe comme objet social d’échange et non par une définition structurelle et matérielle. Dans un deuxième point, elle identifie les problèmes qui seraient liées à l’intégrité de l’objet (cf. le sens qu’en J.P. Cometti) car les jupes Kanak sont présentées de différentes façon : roulées, légèrement déroulées ou totalement déroulées. Puis,elle identifie un troisième point : c’est celui du statut de l’objet. Est-ce un objet d’usage courant, un vêtement cérémoniel ou encore un objet d’échange économique ? Afin de mieux définir les problèmes sous-jacentes soulevés par cette objet en particulier, elle va alors enquêter sur cette collection et son contexte colonial, puis post-colonial, afin de mieux comprendre les considérations de l’époque sur les plans esthétique, idéologique et historique. Après ses premières investigations et la mise en corrélation des différents aspects des jupes-monnaies avec les contextes passé et actuel, Marie Bastard va se demander si actuellement les différentes modalités d’expositions correspondent à la diversité des états de la jupe-monnaie. En effet, des aspects différents de la jupe-monnaie kanak, vont découler une enquête qui va lui permettre de comprendre ses différentes définitions et formuler une problématique : «L’état de conservation de l’objet et celui dans lequel il était exposé, obscurcit-il la connaissance de son état et de sa fonction originelle ?» Cette problématique est représentative de la relation entre l’exposition de l’objet, son état en tant qu’objet extra-europeen, son état de dégradation et sa fonction originelle que l’auteur n’a pas encore identifiée et qui devrait lui permettre de définir par la suite des solutions de conservation-restauration. Par la résolution de cette problématique, elle projette de mieux connaître la jupe-monnaie au sein de la culture kanak pour finalement identifier deux types de jupes : une jupe d’échange cérémonielle et un vêtement quotidien avec une détentrice individuelle. Pour appuyer son propos ,elle fait notamment référence à la notion d’objet personne de Bazin. De plus, en replaçant l’objet dans son contexte d’origine, elle va pouvoir inscrire la jupe-monnaie dans un réseau d’alliance. Pour tenir cette conclusion, elle s’appuie sur une enquête ciblant les coutumes, échanges, contexte, mais également sur les critères esthétiques imposés par le groupe social. En effet, l’objet devrait être correctement enroulé, avoir peu d’espace entre les rangs, être serré, avoir des franges verticales et alignés, avoir un tressage régulier afin d’accentuer la valeur décorative des traits verticaux. Grâce à cette enquête, elle a pu constater des dysfonctionnements esthétiques,  aborder l’étude technique et la comparaison avec des objets similaires.

Marie Bastard a identifié les diverses fonctionnalités de l’objet et ses différentes temporalités qui se trouvent sous trois différents modes d’existence de l’objet : déroulée car activée par une personne, en train d’être déroulée  et sous forme conique pour une offrande. Son projet de conservation-restauration (nettoyage, muséographie, etc). correspond parfaitement à une polysémie de l’objet qu’elle s’est efforcée de mettre à jour.

D’une marquise à un conte de griot

Le musée d’art et d’industrie André-Diligent « La Piscine » de Roubaix, vient d’acquérir pour 150 euros un ex voto un peu particulier. Il s’agit d’un vitrail en parfait état de 60 X 45 cm représentant un certain Mamadou N’Diaye en costume cravate, avec en arrière-plan, le drapeau  national   du  Sénégal  fixé sur une sagaie et un baobab surmonté d’un blason figurant un lion rugissant devant une croix étoilée.

Crédits: Anonyme « La Piscine »

C’est Germain Hirselj, 34 ans, régisseur de musée et administrateur de la Société des Amis de La Piscine qui l’a déniché par hasard dans un dépôt-vente de Villeneuve-d’Ascq.« Je connaissait vaguement l’histoire de Mamadou. Mais mon père l’a connu et a même eu affaire à lui pour de grosses douleurs dans le dos. Mamadou a été un quelqu’un de très populaire ici » confie-t-il. Au bas du vitrail on peut lire lit la dédicace « Au cher Monsieur Mamadou qui m’a sauvé la vie. », signée la « Marquise ». On sait qui déposa l’hommage à ce monsieur dans la  brocante : il s’agit d’Agnès Sinko, une habitante de la commune voisine de Wattrelos, après qu’elle eut possédé cet objet pendant 32 ans. Elle l’avait acquis avec trois autres portraits lors de la vente aux enchères des affaires de Mamadou N’Diaye à sa mort, celui-ci étant sans héritier. Elle a raconté dans le quotidien local La Voix du Nord qu’« il avait soulagé mon mari après un tour de reins. Puis, quelques années plus tard, il a eu une entorse. Les médecins lui ont dit qu’il ne pourrait plus marcher normalement … Et là encore, Mamadou l’avait soulagé ». La découverte de ce bien culturel est une aubaine pour un musée soucieux de rendre compte aussi de l’histoire de l’immigration. Cependant, ce n’est qu’en octobre 2018, à la fin prévue des travaux du musée que le vitrail sera accessible au public, avec on peut l’espérer, la lumière faite sur l’identité de la mystérieuse commanditaire de l’ex-voto. Une enquête en direction des maîtres verriers locaux de l’époque est une bonne piste …

Mais qui était donc ce Mamadou N’Diaye,  célèbre rebouteux au point de recueillir la vénération de toute une population locale en un temps où les immigrés africains sont rares ? Sur sa tombe d’abord laissée à l’abandon au cimetière de Roubaix et dont une famille belge a repris la concession funéraire pour l’entretenir, on apprend qu’il est né en 1909 à Djourbel au Sénégal, la ville natale de Léopold Sédar Senghor. Originaire d’un pays dont les ressortissants sont très majoritairement musulmans, il semblerait qu’il fut chrétien.

Crédits : NORD ECLAIR / MAXPPP

Marin pendant neuf ans dans la marine marchande, il finit par s’installer à Roubaix au quartier du Pile en décembre 1931. Mamadou N’Diaye est âgé de 22 ans et fait partie des tout premiers Africains de la ville. Il s’adonne à la boxe au point de fonder plus tard, dans les années 1950, le Boxing Club Colonial de Roubaix.

Crédits : NORD ECLAIR / MAXPPP

On le surnomme de façon peu originale « la panthère noire » et il formera de nombreux boxeurs nordistes. Il se marie en 1951 avec Alice Viane, une employée de banque qui avait promis de l’épouser s’il parvenait à effacer ses douleurs ; ils n’auront pas d’enfant. Pendant le même temps, il exerce son talent de guérisseur spécialisé dans la chiropractie, une manipulation corporelle qui traite particulièrement les douleurs causées par des déplacements d’éléments du squelette. « D’un geste de la main, Mamadou vous remettait les vertèbres en place », raconte Germain Hirslej. Sa très bonne connaissance de l’anatomie lui venait certainement de sa pratique du noble art. Le bouche-à-oreille le rend célèbre au point qu’un grand nombre de patients insatisfaits par leurs consultations auprès de praticiens reconnus, affluent. De nombreux sportifs viennent de toute la région pour se faire soigner après leurs compétitions. Même les médecins orientent leurs patients vers Mamadou N’Diaye dès lors qu’ils ne parviennent plus à résoudre leurs maux. Sans autorisation ni aucun diplôme, il ouvre un cabinet de guérisseur au 22, place Carnot à Roubaix. Sa réputation grandit et dépasse la frontière, attirant des patients belges. « Ma grand-mère, qui habite depuis très longtemps le quartier du Pile, se souvient des nombreux véhicules belges qui se garaient sur la place », ravonte Germain Hirslej.

Crédits : NORD ECLAIR / MAXPPP

Hélas, son succès lui attire les foudres de l’ordre des médecins, qui porte plainte pour exercice illégal de la médecine. Au total, il sera poursuivi vingt-deux fois. En 1967 a lieu le dernier de ses procès devant la sixième chambre correctionnelle du tribunal de grande instance de Lille. Le rebouteux est défendu par un certain André Diligent qui sera sénateur et maire de Roubaix de 1983 à 1994, qui a du reste donné son nom au musée roubaisien de la « piscine ».

Près de 300 patients de Mamadou N’Diaye vinrent  » de Paris, de la Sarthe,  et surtout de Belgique pour le soutenir », nous apprend l’article du quotidien local Nord Eclair du 19 avril 1967. A la date du procès, le guérisseur a déjà délivré près de 23000 attestations médicales. L’audience permet à moult témoignages en sa faveur de s’exprimer. Un médecin est venu affirmer qu’il avait conseillé à des patients d’aller consulter Mamadou N’Diaye. Quatre fois en quinze ans, un prêtre s’est fait soigner chez lui. Le jury finira par être convaincu quand le guérisseur soulagera ipso facto la greffière qui souffrait de terribles douleurs au dos. «  On perçoit un craquement impressionnant. La greffière reste figée sur place. Elle est guérie  », rapporte la presse locale dès le lendemain. Le tribunal ordonne pourtant la fermeture de son cabinet. Mais finalement, en  appel le rebouteux ne  sera condamné  qu’à une peine symbolique de 2000 francs avec sursis et, contrairement aux sanctions prévues par la loi, son matériel lui sera restitué. Un encouragement à continuer son activité ! Mamadou N’Diaye poursuivra son exercice jusqu’à son décès en 1985, à l’âge de 75 ans, après avoir délivré en tout 54000 attestations médicales. Jusqu’à sa mort, les paroissiens de l’Eglise  du Très-Saint-Redempteur rendront hommage à Mamadou N’Diaye lors de messes d’action de grâce.

Après le bruit fait par la  réapparition  du vitrail, les trois tableaux, mentionnés plus haut, tous signés vraisemblablement par des artistes amateurs et représentant Mamadou N’Diaye, ont été mis en vente sur Ebay. L’association des Amis du musée « La Piscine »  les a aussitôt acquis puisqu’ils faisaient partie d’un ensemble comprenant le fameux vitrail. C’est en revendant le lot à un brocanteur, l’été dernier, qu’ Agnès Sinko a sans le vouloir remis en lumière cet homme au destin si singulier. «  J’ai l’habitude d’exercer une veille constante sur tous les objets pouvant intéresser le patrimoine roubaisien  » raconte Germain Hirselj qui ne voulait pas rater ce lot de trois tableaux. « Ceux-ci sont importants par ce qu’ils racontent de l’histoire de Mamadou, il était indispensable de recréer cet ensemble avec le vitrail  » .

Crédits: La voix du Nord

Il   aura   fallu   attendre   2017   et  la trouvaille   de  quatre  effigies   de  Mamadou N’Diaye,  l’illustre  rebouteux  nordiste, pour que le musée   de la piscine inaugure un espace  dédié    à   l’ immigration, notamment africaine. Un signe encourageant  à l’heure  d’un  rejet  du phénomène migratoire  par  une bonne partie  de la population européenne, et en   faveur  d’une    histoire   de  la contribution   des   immigrés   de  toutes origines  à  la  société  française,  encore  beaucoup  trop   absente  des consciences cet mémoires citoyennes.

(NB: L’accord de réutilisation des images figurant dans ce billet, a été sollicité auprès des supports de diffusion initiaux)

Restitution des têtes des résistants algériens

L’initiateur de la pétition Restitution des têtes des résistants algériens, détenues par le Musée de l’Homme, Brahim SENOUCI, vient d’informer les quelques 30 000 signataires que le Président Macron a annoncé très officiellement, lors de son voyage en Algérie, que les crânes des martyrs algériens seront restitués à leurs ayant-droit.

Il s’agit de crânes aujourd’hui  rangés à l’intérieur de boîtes numérotées et conservés au Musée de l’Homme , dont celles des chefs de l’insurrection des Zibans : Bou Amar Ben Kedida, crâne n° 5943  Boubaghla, crâne n° 5940. Mokhtar Al Titraoui, crâne n° 5944. Cheikh Bouziane, crâne n° 5941. Si Moussa Al Darkaoui, crâne n° 5942. Aïssa Al Hamadi, lieutenant de Boubaghla, tête momifiée n° 5939.

 

 

Une nouvelle fiche métier pour le domaine de la restauration

Afin de proposer une information claire et actualisée sur les métiers de la restauration, l’Institut national des Métiers d’Art (INMA) et la Direction Générale des Patrimoines du Ministère de la Culture (DGP-MC) ont constitué un groupe de travail chargé d’établir une fiche métier présentant le domaine de la restauration et ses spécialités (Octobre 2017).

Composé d’institutions, d’organisations professionnelles et d’établissements de formation, ce groupe de travail a réalisé deux documents de référence :

  • une fiche métier qui présente la profession, ses débouchés et ses formations

  • une synthèse des ressources, qui liste les organisations professionnelles, les associations, les salons, concours et aides, les centres de recherche et laboratoires, les centres d’information.

 

Stratégie pluriannuelle en faveur du patrimoine

Le 17 novembre, Françoise Nyssen, Ministre de la Culture et de la communication, a présenté sa stratégie pluriannuelle en faveur du patrimoine.

http://dai.ly/x69n215

Extrait

1er défi : restaurer le patrimoine

> Le budget dédié à l’entretien et à la restauration du patrimoine augmentera de 5% l’an prochain pour être porté à 326 millions d’euros ;

> Il sera sanctuarisé pendant la durée du quinquennat ;

> Un fonds spécifique de 15 M€ sera créé dès 2018 pour les petites communes, pour les aider à restaurer le patrimoine fragilisé qu’elles abritent ;

> Lancement dès aujourd’hui d’une plateforme participative pour permettre aux citoyens de signaler des monuments en péril. Cette plateforme accompagnera la mission que le président de la République a confié à Stéphane Bern ;

> Création d’un tirage spécial du Loto pour le patrimoine proposé par dans le cadre du projet de loi de finances rectificative pour 2017 ;

> Simplification des démarches des propriétaires de patrimoine protégé.

Kit de Survie (KEME)

Chacun d’entre nous a déjà entendu parler  d’ ethnocentrisme, ou d’européocentrisme constituant des écueils dans l’approche critique des biens culturels, et dont il faut tenter de se départir. L’ethnocentrisme implique la supériorité sans conteste de la civilisation colonialiste affirmant qu’elle est dotée de valeurs universelles. Jean-Pierre Cometti n’avait pas manqué pas de relever le risque d’ethnocentrisme inhérent aux pratiques, non seulement de la conservation-restauration, mais aussi de la muséographie (Conserver / restaurer. L’oeuvre d’art à l’époque de sa préservation technique, 2016, Paris, nrf Gallimard, p. 116).

Même si ces notions ne présentent pas de grande difficulté de compréhension intellectuelle, il n’est pas toujours aisé depuis notre situation, d’en mesurer la gravité des effets. A contrario, les ressortissants des cultures mal traitées, victimes collatérales de ce travers, sont mieux à même d’en subir les affres. Sans être tenu d’aller s’immerger dans un groupe social pour en connaître le plus justement la culture , il est possible d’entamer un travail d’examen et un processus de déconstruction de cette vision faussée.

Aussi il est proposé ci-dessous un Kit Elémentaire de Mesure de l’Ehtnocentrisme (KEME) en 5 étapes, (à titre d’exemple  vis à vis de l’Afrique Noire), pour tous ceux qui admettent son caractère embarrassant voire intolérable.

1. Entretenir des relations étroites et soutenues,  avec des ressortissants de pays et cultures africains vivant à proximité de nous mais trop peu visibles et audibles à nos yeux et entendement. Aller aussi quelque part en Afrique, le plus souvent possible  (pas dans un club Med ou autre lieu de cet acabit) pour y rencontrer des cultures et « être au monde » différents.

2. Lire  de la littérature négro-africaine produite exclusivement par des auteurs africains francophones ou autres (dans un premier temps, surtout pas par les « spécialistes de l’Afrique » occidentaux). fichier .pdf pour un premier repérage géographique et thématique

Investir et commencer par l’achat du Dictionnaire de la négritude, par Mongo Beti et Odile Tobner, Paris, L’Harmattan, réédit. 2000,

Poursuivre par des ouvrages capables de faire  apparaître les comportements, stéréotypes et clichés qui constituent la vision étriquée et erronée de l’Afrique qui nous est inculquée en France notamment. (cf. p.75). Poursuivre encore par exemple avec ce lien

3. Consulter des sites web africains

Think tank, Télévision , …

4. Ecouter de la musique venue du continent africain pour  en mesurer l’influence sur d’autres cultures : L’Afrique enchantée

5. Entretenir une réflexion critique. Ne constate-t-on pas que notre vocabulaire ne suffit pas toujours à définir avec justesse les différences culturelles ?  C »est du reste un problème récurrent relevé par ne nombreux anthropologues. Dans son ouvrage, Le principe de la chimère, une anthropologie de la mémoire, Paris, coll. aesthetica, 2007, Carlo Severi souligne un écueil majeur. La posture ethnocentrique enjoint à concevoir le monde selon une logique binaire quand elle établit une différence entre « Eux et Nous », quand elle caractérise « l’Autre » seulement par la négative, c’est à dire par ce qu’il n’est pas. Ce procédé est particulièrement criant dès qu’il s’agit  des sociétés dites « sans écriture » où c’est l’oralité qui assure la transmission de la mémoire et de l’histoire. Carlo Severi explique que pour se déprendre de la définition par la négative,  il est nécessaire d’une part, de multiplier les systèmes de références et, d’autre part, de procéder à une analyse  comparative de proche en proche.

Bon voyage avec le KEME, quelque soit votre étape sans jamais vous démunir d’une carte du contient africain

Le prix du musée européen de l’année EMYA

Le Prix du Musée Européen de l’Année (EMYA) a été fondé en 1977 sous les auspices du Conseil de l’Europe, dans le but de reconnaître l’excellence de la scène muséale européenne et d’encourager les processus innovants dans le monde muséal. L’EMYA exerce une influence positive sur la vie de nombreux professionnels des musées et permet de faire apparaître au premier plan de petits musées aux contenus hautement innovants, qui autrement n’auraient pas été reconnus au niveau européen. L’EMYA permet aussi d’attirer l’attention des autorités publiques sur des initiatives émanant de leurs propres pays. Tous les musées concourent à égalité, qu’ils soient publics ou privés, petits ou grands. Quel que soit leur sujet ou leur nationalité, ils sont évalués sur la base de ce qui est considéré comme une qualité publique exceptionnelle. Seuls quatre établissements muséaux français ont été lauréats : Le Musée de la Camargue d’Arles en 1979, le Musée d’art et d’histoire de Saint-Denis en 1982, l’écomusée de Fourmies-Tréflon en 1990 et le Musée Français de la carte à jouer d’Issy-les-Moulineaux en 1999. Depuis, plus rien. Le Musée du quai Branly de Paris et le Musée des Confluences de Lyon, nominés respectivement en 2016 et 2017, ont finalement tous deux échoué. Le prix est revenu cette année au magnifique Musée d’ethnographie de Genève dont le nouveau bâtiment a été inauguré en 2014. Cette distinction vient s’ajouter à celle obtenue en 2015. En effet, le MEG avait  été alors  récompensé d’un Red Dot Award par le Design Zentrum Nordrhein Westfalen en raison de la qualité et de l’originalité de la muséographie de son exposition permanente.

Photo: MEG, B. Glauser

 

 

Pulsions urbaines aux Rencontres d’Arles

« Pulsions urbaines »
Photographie latino-américaine, 1960-2016
Rencontres d’Arles, 3 juillet – 24 septembre, 10H00 – 19H30, 12 euros (sans pass) , tarif réduit pour les étudiants.

L’exposition Pulsions urbaines, est l’un des événements phares de l’édition 2017 des rencontres d’Arles. Très dense en termes d’items et d’occupation des objets sur les murs blancs, elle se déploie dans  trois grandes salles  sur deux niveaux de l’Espace Van Gogh. A partir de plusieurs centaines d’images prélevées dans la collection constituée par le célèbre couple Leticia Carcano et Stanislas Poniatowski, elle a pour ambition d’embrasser un peu plus d’un demi-siècle de photographie latino-américaine.

Prisonero encadenado (1979) 375 x 597, par Jorge Brantmayer (1954).

L’expographie égrène plusieurs thématiques qui se succèdent comme les chapitres d’un essai à la fois historique et anthropologique mais  ici visuel. Plus ou moins en filigrane, le parti-pris de l’exposition, dont un découpage typologique n’est heureusement  qu’optionnel à la faveur d’ un bornage signalétique discret, est clairement celui de l’homme latino-américain dans sa quête d’une nouvelle identité, hybride, métisse, qui doit conjuguer la mémoire populaire rurale avec l’attractivité métropolitaine et ses avatars. Tout porte à croire que les points de vues des photographes se sont attachés à fixer des singularités humaines dans la ville. Les uns et les unes sont pris en étau, tantôt entre leur double antériorité culturelle préhispanique et coloniale, tantôt entre les dualités et antagonismes nés d’une vie sociale diurne et de son pendant nocturne.  La collision s’aggrave de l’émergence des nouvelles identités sexuelles et sociales permises ou imposées,  et des incompatibilités entre ruralité et urbanité. Toute cette coercition n’est pas moins  violente mais peut-être plus pernicieuse que celle induite par l’alternance des régimes autoritaire et démocratique qui s’y rajoute et contribue à produire  des mutants en proie à une globalisation culturelle et économique galopante.

La surabondance et la succession brutale d’ images de nature et intentions différentes concourent certainement à faire ressortir et ressentir une sorte de tension permanente propre à un monde dystopique. On peut en percevoir des ressorts qui marquent beaucoup de regards hallucinés d’un mélange d’inquiétude, d’hébétude et de gravité.   De ce monde citadin sud-américain, il émane une impression de  violence chaotique, d’ explosivité latente même, telles que les médias occidentaux en relatent inexorablement les affres. Malgré son intention indéniablement louable, l’exposition pourra provoquer une impression de remplissage inconsidéré où l’on passe sans transition ni vergogne de la lutte syndicale et politique à la condition interlope principalement noctambule des transsexuels, puis d’une  une esthétique « musicale » liée à de vieux couples danseurs de tango argentin — qui soit dit en passant, ne parvient pas à s’exonérer d’un galvaudage exotique qui a sévi en Europe –, à encore d’autres thématiques ou esthétismes plastiques tout aussi contrastés. Au point de procurer un sentiment oppressant de trop plein émotif, voire de saturation.

« La vie dans les villes » selon Michael Wolf,

Rencontres d’Arles, Eglise des Frères prêcheurs

3 juillet – 24 septembre, 10H00 – 19H30,

10 euros (sans pass) , tarif réduit pour les étudiants.

Logée dans l‘espace architectural gothique de l’église désaffectée des frères-prêcheurs dominicains, cette exposition produite en collaboration avec le musée de la photographie de La Haye. Elle a pour ambition de présenter une vue générale du travail de création de Michael Wolf. Depuis son origine, la démarche artistique et véritablement socio-anthropologique de cet artiste allemand passé par les Etats-Unis et émigré à Hong kong où il a travaillé pendant huit ans pour le magazine Stern, s’est focalisée sur la condition humaine, d’abord à la campagne, puis à la ville. Il sait si bien adopter des points de vue différents qu’il est en mesure de faire ressortir de ses clichés, des dualités déconcertantes de  l’aliénation métropolitaine, entre opacité et transparence,  macroscopie et microscopie, hideur et esthétique, vernaculaire et globalisé, rebut et fétiche,  utilitaire et artistique, fascination et répulsion.

Dès l’accès à la nef,  un parti-pris scénographique bien agencé tout en accordant une déambulation aléatoire, se fait sentir. On a pensé et su mettre à profit toute l’ordonnance architecturale pour concevoir dans l’espace, une cohérence d’ensemble, chronologique et à plusieurs facettes. Le choeur, les chapelles latérales, la nef et même le contraste à échelles comparables du style gothique avec la rectitude des tours et barres de béton, concourent à la mise en lumière du cheminement artistique de Michael Wolf comme  de la variété des perspectives et des effets qu’offre le genre de la photographie attelé au sujet somme toute banal de La vie dans les villes.

À droite de l’entrée, une petite chapelle isolée expose la série Bottrop-Ebel , une suite de photographies en noir et blanc réalisées dans un petit village minier de la Ruhr. Michael Wolf est encore à l’université et travaille alors sous l’égide de son mentor Otto Steinert.

Installée verticalement en un en arc de cercle panoramique contre le mur du coeur de l’église, l’oeuvre phare de l’exposition et qui aspire le regard dès l’entrée, est l’installation The Real Toy Story (2004). Elle a mobilisé et  aggloméré une myriade de plus de 20 000 jouets et figurines en plastiques produits en masse par la Chine, et que l’artiste a glanés dans différents lieux de second hand aux États-Unis. Insérés comme les lucarnes d’un calendrier de l’avent aléatoirement au milieu de cette débauche hallucinante de jouets d’enfants, le visiteur découvre des portraits solitaires ou en groupe d’ouvriers chinois livides, au regard las, asservis aux chaînes d’assemblage de ces biens de grande consommation.

Dans la nef de l’église, un accrochage de grands tirages en couleur rendent compte du projet Architecture of Density mené entre 2003 et 2014.  Celui-ci a pour cible  des façades de gratte-ciels prolétariens qui concentrent des cages à poules et  occultent tout horizon en saturant le cadre. Vues de loin elles n’apparaissent plus qu’en verticales  et horizontales colorées plus ou moins larges et contrastées au point de créer l’illusion de tableaux géométriques de l’art moderne. Mais dès que l’on se rapproche, l’oeil distingue de plus en plus une condition humaine de séjour compressé en cage à poule. Une structure cubique rapportée abrite une oeuvre tridimensionnelle , 100 x 100 (2006) qui au visiteur permet d’intégrer l’un des 100 appartements de Skep Kip Mei Estate. Celui-ci fait partie des plus anciens complexes d’habitat social de Hong Kong et compte des logis mesurant chacun exactement 10 X 10 pieds, soit à peu près 3 X 3 mètres. La visite permet d’expérimenter la promiscuité dont l’impression est augmentée par un tapissage à l’intérieur du cube, d’images de ces appartements habités et de leurs occupants qui fixent l’objectif de l’appareil photographique.

Les images de la série Transparent City (2006) contrastent avex celles des barres de béton. Ici Michael Wolf met en exergue la transparence de l’architecture de la ville de Chicago. Après un long séjour en Asie, Chicago lui apparaît comme une opportunité contextuelle contrastée dans la poursuite de son étude documentaire de l’humanité citadine .  La ville est bien moins dense, et offre une vision plus aérée, plus en profondeur. La troisième dimension est présente dans les images.  tandis que la transparence des gratte-ciel dont les façades comportent plus d’ouvertures et de verre, permet dy voir à l’intérieur.

Avec Tokyo Compression, Michael Wolf continue son observation voyeuriste déjà à l’oeuvre dans Transparent City. Mais cette fois, il vise singulièrement des passagers captifs, compressés dans le métro bondé de Tokyo, leurs joues écrasées contre les vitres. Il s’agit ici pour lui de montrer les effets de la concentration humaine dans le style photographique « no exit » déjà employé dans Architecture of Density. Chaque cliché est un entonnoir destiné à piéger le regard du visiteur dans son cadre au moment précis où chaque passager l’est aussi, dans l’incapacité de se soustraire au confinement de cette geôle temporaire. Les images suggèrent l’inconfort des corps contorsionnés jusqu‘à sortir du champ et quitter le cadre. Même les  yeux clos  sont des tentatives d’évasion mentale et d’échappatoire à l’objectif du photographe vouées à l’échec

Pendant les six derniers mois de 2014, Michael Wolf a pris de la hauteur pour trouver des points de vue originaux en hauts d’ immeubles, de terrasses et de cheminées pour réaliser la  série Paris Rooftops. La vision proposée est frontale au point d’annihiler la profondeur et confère aux images une puissance d’abstraction géométrique insoupçonnable de l’architecture parisienne. Les photographies  conjuguent des verticales de murs avec des arêtes obliques de cheminées ou de perspective et des horizontales de terrasses qui alternent selon une distribution magique autours des aplats de couleurs formés par des pans de façades.

Montré dans l’abside de la chapelle dédiée jadis à Saint Dominique, le projet Hong Kong Corner Houses (2005-2011) traite de la survivance des immeubles d’angle à Hong. Pour la plupart, Ils ont été construits durant les années 1950 et 1960 dans le quartier de Kowloon et abritent tant des activités commerciales que des espaces résidentiels. Datant de la période d’austérité des années d’après-guerre, ils ont été rafistolés et transformés souvent illégalement, de telle sorte qu’ils sont aujourd’hui rares et parfaitement uniques. Ils constituent une espèce toujours plus en voie de raréfaction voire d’extinction, chaque fois qu’ils sont un peu plus  démolis et remplacés par de nouveaux immeubles dans une mégapole en proie à une frénésie immobilière sur un territoire non extensible telle qu’elle sévit à Monaco et à une moindre échelle.

Avec Informal Solutions, Michael Wolf a commencé en 2003 une véritable collection photographique et même physique d’objets observés et parfois récoltés dans des rues populaires de Hong Kong que les médias ne s’attachent jamais à montrer d’une grande mégapole économique. Celle-ci met en valeur le revers de la médaille, la part d’ombre de la ville lumière. Or au coeur de l’indigence, s’active une ingéniosité et une inventivité de solutions adoptées par des habitants en proie à un grand dénuement . Ces photographies et ces objets constituent ensemble une sorte de cabinet de curiosités dont la préciosité repose toujours sur la rareté, mais cette fois, celle des gueux contemporains: gants, chaussures, serpillières au séchage sur des structures improbables, sièges hybrides rafistolés et réaffectés, labyrinthes chaotiques formés par les tuyaux de canalisation et de ventilation, objets ready made décoratifs et même artistiques à partir de formes accidentelles.

Au pays de la production de masse, la Chine, Michael Wolf a repéré et collecté des chaises bâtardes qui constituent une ensemble de plus de 100 Bastard chairs. Chacune d’elles est un unicum qui a sa propre histoire. Rafistolées, bricolées à partir d’épaves, 10 appartenant à sa collection sont exposées sur une estrade blanche qui fait office de socle, comme de véritables ready made auxquels s’attache une esthétique de la survivance du rebut. Chez le plus gros producteur d’objets utilitaires domestiques, difficile d’imaginer une conservation quasi fétichiste d’objets aussi détériorés.

Hong Kong Assemblage Deconstructed (2015) témoigne d’une nouvelle orientation influencé par la collection. Ayant photographié un des assemblages urbains de Hong Kong fait d’objets dont des, Michael Wolf a décidé d’ exposer une installation de cintres, ficelles, parapluies, sacs en plastique, ciseaux, ou encore agrafes métalliques afin qu’elle jouxte une photographie ancienne de cet assemblage.

L’issue de l’exposition n’est pas sans provoquer un certain embarras causé par une ultime dualité. Celle d’un grand plaisir esthétique abondamment nourri par l’efficacité artistique du photographe, mais à la condition d’une intrusion voyeuriste et indécente à bonne distance des affres d’une urbanité effroyable.

 

Quand Narcisse médiocrise l’école d’art

Dans une proportion qu’il reste à déterminer, il existe en école supérieure d’art une véritable difficulté de mener à bien en toute sérénité et confiance, notamment lorsque des étudiants y sont impliqués, un travail collectif qui échappe aux velléités individualistes de postures autocentrées sous l’emprise maladive du narcissisme artistique. D’aucuns sont  en effet  en proie à une permanente frustration du « moi créateur »,  tenaillés sans relâche par une nécessité  impérieuse de s’approprier la paternité (ou la maternité) des idées ou inspirations pour faire « oeuvre » en tant qu’auteur. Hélas cette course éperdue au comblement d’un  déficit de  reconnaissance existentielle qui aurait déjà du ou devrait  s’obtenir dans et par le monde de l’art, fait son oeuvre dévastatrice dans  un contexte scolaire au point que ce sont principalement  les étudiants qui en font les frais. Car il faut bien admettre que ces « artistes-enseignants » en proie à cette insatisfaction chronique, souffrent d’un inassouvissement invétéré qui les enjoint à  faire passer leur propre intérêt avant celui du principe constitutionnel de la conjonction. Ce dernier prévoyant qu’un projet mené à bien demeure hors la sphère de la propriété intellectuelle et n’appartient à personne, pas même  à celui qui en est à l’origine ou  l’a initié.

 

 

 

Projet CORE : Etude du champ d’activité de la conservation-restauration des biens culturel

Le Département des études, de la prospective et des statistiques (DEPS) du ministère de la Culture et de la Communication subventionne le projet de recherche intitulé « Le champ d’activité de la conservation-restauration des biens culturels. Points de tension et d’attention pour une étude statistique et socio-économique » sur une période de 7 mois, d’Avril à Octobre 2017.

L’équipe comprend Léonie Hénaut, chargée de recherche CNRS au CSO, ainsi que deux chercheurs post-doctorants engagés à temps plein au laboratoire : Jasmina Stevanovic et Gabriele Pinna.

Résumé :

Dans la perspective du lancement d’une étude statistique et socioéconomique sur les professionnels indépendants qui s’occupent de la conservation et de la restauration des biens culturels en France, nous proposons de réaliser une étude préalable visant à cerner les contours du champ d’activité, et à documenter les points de tensions concernant le marché public de la conservation-restauration aujourd’hui. L’étude préalable comportera deux volets :

Le premier volet « institutionnel » vise à mettre en évidence et à raisonner l’hétérogénéité des définitions de l’activité de conservation-restauration au sein de l’administration centrale du ministère de la Culture, et à produire une première cartographie des modes de fonctionnement de la commande publique dans les différents domaines patrimoniaux, à partir d’entretiens et de documents. Des responsables d’associations représentant les conservateurs-commanditaires seront également interrogés pour connaître leur point de vue sur les normes prescrites par l’administration et les difficultés qu’ils rencontrent au quotidien dans leur mise en œuvre.

Le second volet « professionnel » consiste en une enquête qualitative exploratoire auprès de professionnels indépendants intervenant sur les biens culturels publics pour comprendre comment ils perçoivent le marché et organisent au quotidien la gestion de leur activité, éventuellement à plusieurs, et quelles difficultés ils rencontrent selon les modèles d’entreprise, les domaines de spécialités et les lieux d’exercice. Les données recueillies dans le cadre de ces études de cas approfondies seront mises en regard avec les revendications des différents groupements professionnels, analysées à partir des sources écrites qu’ils produisent et d’entretiens réalisés avec leurs représentants.

Faut-il et comment banaliser ou patrimonialiser la banalyse ?

Hier soir, à la table d’un dîner entre amis, j’étais reçu en présence notoire d’ un humoriste qui fut très radio-médiatique dans les années quatre-vingts, habitant d’un petit village en Auvergne et festivalier à Avignon pour la dix-septième année non consécutive. Quoi de plus heureux mais banal au fond que des autochtones finissent par nouer des liens étroits sur place avec des gens de spectacle ou de théâtre issus des quatre coins de l’hexagone, le temps du festival d’Avignon prévu aussi à cet effet par Jean Villar. Or ce qui fit de la rencontre un événement  plutôt extraordinaire, précisément et après que ce chantre du ni ni  ( ni connu ni méconnu) eut expliqué à l’assemblée la teneur de son spectacle autant que de son humour se réclamant d’une filiation de l’absurde surréaliste, c’est quand je demandais au convive de marque s’il n’avait pas déjà eu vent d’une expérience néologique appelée banalyse, son premier théâtre d’opérations ayant été initié non loin de chez lui à la gare des Fades sur le parcours de l’omnibus reliant Montluçon à Clermont-Ferrand. Le Congrès ordinaire de banalyse fut fondé en 1982 et débuta donc à un arrêt ferroviaire facultatif d’une localité isolée du Puy-de-Dôme sise aux abords du peu banal viaduc des Fades. Celui-ci fut en effet rien moins que le plus haut du monde de 1909 à 1973. La seule activité de cette réunion inscrite dans le programme officiel joint à toute invitation était, pour l’assemblée générale des congressistes déjà arrivés, d’aller attendre et accueillir les autres éventuels congressistes à la descente de chacun des six trains journaliers. Le Congrès fut réitéré pendant dix ans, chaque troisième week-end de Juin, et suscita d’autres initiatives en France, en Belgique, aux Açores, en Tchéquie, au Canada, etc.

Il faut dire que cette question plutôt insolite pour la tablée, fut induite aussi par une insistance de l’humoriste à propos de son état d’esprit toujours relativiste des événements de la vie quels qu’ils soient et sur sa pratique de ce qu’il appelle une « philosophie rurale » qui ne s’embarrasse pas du sérieux … Incroyable surprise de l’assemblée dînatoire  lorsque le personnage lui aussi médusé, confia qu’il en était:  membre invité n°0488  de l’Annuaire des 1034Titulaires d’une Invitation au Congrès Ordinaire de Banalyse. Ce comptage fut ouvert fin 1984, en même temps que fut inscrit le viaduc à l’inventaire des Monuments historiques (arrêté du 28 Décembre 1984) et devint le document de référence recensant l’attribution des invitations personnelles au congrès annuel. Les trois raisons principales pouvant justifier le fait d’avoir été titulaire d’une invitation, sont:

  • l’avoir soi-même sollicité;
  • s’être soi-même rendu à un Congrès;
  • avoir été pressenti comme banalyste par les organisateurs ou par l’un ou l’autre de leurs multiples correspondants.

A noter qu’ont été et sont aussi banalystes, tous ceux qui ont eu au moins  une  fois l’intention de  se  rendre  à  un congrès  de  banalyse  sans   y  avoir  été  invités  ni avoir  pu  faire le voyage,   ou  ont  pu  le  faire  tout  en  gardant  l’anonymat.  Peuvent être  encore  banalystes   des    individus   qui   se  sont  fait   radier  de   l’annuaire,  ou   qui  même   n’ont    jamais    souhaité  faire  état   de  leur  adhésion  à  la  banalyse auprès de quiconque, considérant  que  mentionner cette  appartenance  identitaire  adepte  du  banal  et  de  l’ennui  qui  est absolument banale elle aussi, n’est pas en  adéquation  avec  la  banalyse.

Pour  en  savoir  plus   sur  ce  que  d’aucuns revendiquent comme  un « mouvement » quand d’autres parlent seulement d’expérience banalytique  qui n’est pas  sans faire penser  à des  intentions  pataphysiques  ou à des velléités situationnistes,  quoi  de plus   pratique  que  de  se  référer à l’article  très  explicite  d’ Alain Garric paru dans Libération le lundi 24 juin 1985 (extrait)  :

 [ … ] Se proposant annuellement une campagne d’observation du banal, elle est définie par ses fondateurs comme « l’agitation mentale, encore assez confuse, que provoque cette expérimentation peu raisonnable, mais exigeante, d’une réalité sans intérêt, mais problématique ».   [ … ]

Le 23 juin 1984, 13 h 36, premier accueil d’invités au Congrès ordinaire de banalyse. Cliché Polaroïd, Yves Hélias.

Éléments de banalyse dans les médias
(relevé non exhaustif fourni par le site  de l’éditeur http://www.lejeudelaregle.fr/2017/presseBanalyse.html)

Le Matricule des anges, novembre-décembre 2015 (article d’Éric Dussert).
Ouest France, 27 novembre 2015 (article de Raphaël Fresnais).
Épiphanot, décembre 2015 (article d’Eymeric Jacquot).
La Montagne, 20 décembre 2015 (article de Daniel Martin).
France Inter, « Carnets de campagne », 11 janvier 2016 (chronique de Philippe Bertrand).
France Culture, « Les Carnets de la création », 14 janvier 2016 (interview de Pierre Bazantay par Aude Lavigne).
Ouest France (toutes éditions), 25 février 2016 (article de Raphaël Fresnais).
La Manche libre (toutes éditions), 27 février 2016 (article d’Alain Fergent).
Livre/échange, CRL de Normandie, mars 2016 (article de Daniel-Claude Collin).
Charlie Hebdo, 20 avril 2016 (article de Marie Darrieussecq).
L’Alamblog, 2 mai 2016 (entretien avec Yves Hélias et Pierre Bazantay).
Critique d’art (site internet), mai 2016 (recension de Baptiste Brun).
Art press, juin 2016 (article d’Alice Laguarda).
Libération, 25-26 juin 2016 (article de Frédérique Roussel).
Diacritik, 11 juillet 2016 (article de Denis Seel).
Le Canard enchaîné, 13 juillet 2016 (note de Frédéric Pagès).
France Inter, « La Marche de l’histoire », 29 août 2016 (émission de Jean Lebrun avec comme invité Yves Hélias).
Infosurr, octobre 2016, numéro 127, recension de Richard Walter.
Viridis Candela, 9e série, numéro 10, 15 sable 144 E.P. (article de Stéphane Mahieu).

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France Inter, « La Marche de l’histoire », 29 août 2016

Émission de Jean Lebrun avec comme invité Yves Hélias (28 min)

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France Culture, « Les Carnets de la création », 14 janvier 2016

Interview de Pierre Bazantay par Aude Lavigne (5 min)

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France Inter, « Carnets de campagne », 11 janvier 2016

Chronique de Philippe Bertrand (2 min)

« Restauration » celtique

Au nord de la ville de Troyes, les fouilles préventives des archéologues de l’INRAP après un diagnostic réalisé en août 2012 sur la ZAC du Moutot, ont permis en 2014 une découverte exceptionnelle. Une nécropole protohistorique dont les sépultures s’étalent sur une période de plus de 1200 ans. Elle abrite notamment une tombe à char princière celte datant du premier âge du fer, entre 800 et 450 avant JC, période Hallstatt. Cette tombe correspond à la présence d’un pôle aristocratique urbain, de la fin du 1er âge du fer. La présence de cette pièce d’apparat rarissime illustre le pouvoir de princes puissants. La pièce majeure retrouvée dans la tombe est un chaudron monumental de facture étrusque ou grec dont l’ouverture est d’un mètre environ.

Au centre de cette pièce exceptionnelle, les archéologues ont mis à jour une très belle œnochoé, un vase à boire, à bec tréflé en céramique attique à figures noires. Elle est  un accessoire du banquet funéraire et fait partie du viatique de la tombe. Elle représente un thème dionysiaque (Dyonisos allongé sous une vigne, face à Démeter et un satyre). L’oenochoé de Lavau est particulièrement remarquable à double titre. Tout d’abord, en ce qu’elle est découverte dans un contexte celtique, fait très peu courant. L’autre caractère exceptionnel est fourni par des ajouts d’ornementations clairement celtiques en métaux précieux à même le vase. Un motif de masque en argent, stylisé avec des oreilles en feuilles de gui, orne la base de l’anse. L’embase et la lèvre (ou le col) du vase sont sertis d’une tôle d’or repoussée (sertissage rapporté), et soulignés d’un décor de méandres en filigrane.

Mais pour quelle(s) raison(s) les celtes ont-ils rajoutés ces motifs de métal précieux sur la céramique ? Afin de la magnifier, lui donner plus de valeur, se l’approprier ou la « restaurer » ? 

Pour tenter de répondre à cette question, il faut passer par d’autres objets. Le vase de Lavau n’est pas un cas unique. Cette « customisation » se retrouve ailleurs. D’autres cas d’amélioration ou d’embellissement d’objets retrouvés dans des tombes, sont conservés dans des musées. Celui du Wurtemberg de Stuttgart, expose des objets méditerranées rehaussés par les celtes.

Württembergisches Landesmuseum

Ils ont été trouvés au XIX ème siècle non loin de Stuttgart, sur le site d’Asperg, dans une tombe princière contemporaine de celle de Lavau. Parmi eux, deux magnifiques coupelles athéniennes qui servaient à distribuer la boisson. On a pu déterminer que ces récipients se sont cassés dans l’Antiquité au niveau des anses, probablement à l’usage. Et ce qui est remarquable, c’est que ces objets étaient si précieux qu’ils ont été  « restaurés » par un ajout de tôle d’or décorée. Les artisans celtes ne se sont pas contentés de consolider l’objet en essayant de seulement réparer la fonctionnalité des coupelles et en s’efforçant de respecter leur apparence d’origine. Leur geste va bien au-delà : il a consisté a leur donner encore plus de valeur et de beauté.

Dans une autre vitrine du même musée, un autre cas restauré par les celtes de manière curieuse, attire l’attention. C’est celui du grand chaudron aux lions en bronze provenant de la tombe de Hochdorf à Eberdingen. Le pourtour de l’ouverture est surmonté de trois petites sculptures de lions. Deux proviennent clairement d’ateliers grecs. Le troisième est de taille identique aux autres, mais son style est beaucoup plus épuré. Il remplace un lion perdu. Cela signifie que les artisans celtes ont délibérément choisi de reproduire le lion manquant avec leur propre style, alors qu’il eut été sans doute faisable d’un point de vue technique, de faire une copie d’un lion original à partir de l’un des deux restants. Après cette intervention singulière, le chaudron est devenu un objet culturellement et stylistiquement composite, métis : mi méditerranéen, mi celtique.

Ces exemples signifient selon les archéologues spécialistes de cette époque, que les celtes n’étaient pas isolés et que des échanges existaient bien entre eux et l’actuelle Italie du Nord, ainsi qu’avec le monde grec, au point que leurs esthétiques étaient partagées. Des objets décoratifs et des bijoux étaient même spécialement fabriqués par des artisans du nord de l’Adriatique pour répondre à une demande celte. « Restaurer » un objet esthétique provenant d’une autre culture, semble avoir consisté, dans les exemples cités, à affirmer son propre style en l’intégrant avec son plus grand savoir faire dans celui de l’Autre. En dépit d’un respect de l’intégrité stylistique des objets, les artisans celtes agissaient comme pour témoigner à la fois d’une égalité de valeur culturelle, et d’un processus d’intégration relevant d’une acculturation délibérément choisie.

Plus près de nous, la restauration a déjà eu pour dessein d’améliorer et même de magnifier parfois  les objets qu’elle traitait. Jusqu’à la fin de la première moitié du siècle dernier, avant que ne se diffuse un code d’éthique, des peintures ont été l’objet du zèle pictural de « peintres-restaurateurs » peu scrupuleux, pour qui retouche signifiait aussi rectification. 

Luc Di Rosa, membre du séminaire « art & artefactualité », a suggéré le parallélisme avec le Kintsugi (ou kintsukuroi), une méthode japonaise de réparation de céramiques cassées, avec une laque spéciale mélangée avec de l’or, de l’argent ou du platine. La philosophie qui sous-tend cette technique, conduit à donner accès à l’histoire de l’objet et à intégrer visiblement la réparation dans la nouvelle pièce sans la camoufler ou  la déguiser, mais en magnifiant les « cicatrices ». Le processus se traduisant généralement par une intervention et un résultat surpassant esthétiquement celui d’origine.