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Une École-monde(s): entre ordinaire et utopie

Si l’on en croit Michel Foucault dans sa description des hétérotopies* lors d’une conférence il y a un demi siècle, celles-ci ont “le pouvoir de juxtaposer en un seul lieu réel plusieurs espaces, plusieurs emplacements qui sont en eux-mêmes incompatibles”.

Le deuxième principe de son explicitation retient l'attention en ce que "au cours de son histoire, une société peut faire fonctionner d'une façon très différente  une hétérotopie qui existe et qui n'a pas cessé d'exister" depuis son origine. En effet, une école d'art se trouve confrontée à une situation où son  hétérotopie se doit de fonctionner à l'intérieur de la société en synchronie de sa culture mais aussi en une certaine asynchronie. En effet, les membres de l'hétérotopie demeurent contraints aux droits et obligations qui régissent le fonctionnement normal de la société. Pourtant ils sont  soumis à "l'incertitude de l'art" et enclins à produire des oeuvres qui doivent beaucoup, par exemple, à des aînés qui se sont inscrits en rupture radicale avec leurs société et temps. Tel l'anticonformisme conventionnel d’un Aby Warburg, d'un  Marcel Duchamp ou encore d'un Joseph Beuys. Le premier  a conçu une histoire de l'art non linéaire à travers un faisceau de correspondances formelles, culturelles, de motifs rémanents, transcendant toute chronologie, et qui se manifestent particulièrement dans son "Atlas mnémosyne".  La démarche subversive du second fit imploser le paradigme de l'art et de l'oeuvre en réussissant à faire conférer au ready-made le statut d'oeuvre d'art. Enfin le troisième à sa façon, tout en ayant fourni une production conséquente de dessins, sculptures, happenings, installations, vidéos, assuma un engagement politique en théorisant les concepts de sculpture sociale et d'art total. Parallèlement  à cette propension, si l'on considère le cas de l'EsaA, d'autres acteurs plus résolument versés dans la préservation d'objets anciens, sont enjoints eux aussi, à se plonger dans des temps asynchroniques et les cultures comme les objets qui en ont été imprégnés.

Le cimetière a ceci de commun avec une école d'art, qu'ils sont chacun une hétérotopie. Ils sont un lieu autre par rapport aux espaces culturels ordinaires et pourtant ils ne sont pas sans lien avec eux. Chaque individu est relié à une tombe, un caveau, comme n'importe quel aspect du monde n'est pas éludé par l'art. "Dans la culture occidentale, le cimetière a pratiquement toujours existé. Mais il a subi des mutations importantes. Jusqu'à la fin du XVIIIe siècle, le cimetière était placé au cour même de la cité, à côté de l'église". Comme eux les écoles d'art  jouissaient de la visibilité ontologique du centre-ville.  Or comme les cimetières, de nos jours elles sont de plus en plus "déménagées" en périphérie. On pourrait y  voir une similitude asynchronique avec la migration des cimetières dont, "au cours du XIXe siècle on a procédé au déplacement ... vers les faubourgs" en prévention d'un risque de leur risque de contagion. une croyance en une contamination par les morts qui a persisté jusqu'à à la fin du XVIIIe siècle.  Les coeurs urbains risqueraient-ils quelque infection par les écoles d'art ?

Si l’on en croit le philosophe, “l’ hétérotopie a le pouvoir de juxtaposer en un seul lieu réel plusieurs espaces, plusieurs emplacements qui sont en eux-mêmes incompatibles”. A l’instar du théâtre dont la scène fait apparaître la succession de toute une suite, à la fois de lieux et temporalités  discontinues, l’École-monde(s) abrite, elle, simultanément,   une multitude d’espaces  d’actions et de représentations étrangers les uns aux autres, en deux et trois dimensions. Comme l’exemple cité aussi par Foucault, du jardin traditionnel persan et  son avatar le plus répandu, le tapis homonyme, l’École monde(s) “en forme d’emplacements contradictoires”  pourrait demeurer le lieu physiquement clos qu’il est, mais comme un jardin oriental jadis, se doter de ses significations très anciennes et enfouies dans les esprits.  Son format rectangulaire incluait les quatre parties du monde, végétalisées et au milieu desquelles, telle leur source de vie, un jet d’eau jaillissait d’un bassin. Du jardin au tapis, il n’y eut qu’un pas et transfert de rôle, en ce que le premier fut à l’origine du second, ” sorte de jardin mobile à travers l’espace”: tous les deux étaient une aire sacrée en tant qu’à la fois plus petite parcelle et totalité du monde.

Le sixième er dernier principe posé par Foucault,attribue  aux  hétérotopies une fonction par rapport aux autres espaces des sociétés : elles sont soit des espaces d’illusion soit des espaces de perfection. Gageons qu’une École-monde(s) ne soit pas un cimetière d’illusions perdues, mais devienne une “hétérotopie heureuse”.

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*Michel Foucault, Dits et écrits, 1984 , Des espaces autres (conférence au Cercle d’études architecturales, 14 mars 1967), in Architecture, Mouvement, Continuité, n°5, octobre 1984, pp. 46-49e.

L’ingénierie de la conservation-restauration à l’EsaA

A les comparer, un certain nombre de parallèles peut être établi entre des productions de l’art contemporain et des artefacts ethnographiques : leur caractère éphémère, un choix de matériaux ou matières très large et particulier, une dimension performative et/ou interactive, leur attachement à un in situ, un contexte de ritualisation hic et nunc, etc. Les méthodes de l’enquête de type pragmatique et documentaire de l’anthropologie telle que l’observation participante ou l’approche holistique en complément voire en remplacement  de l’ approche analytique, peuvent être mobilisées pour l’étude d’œuvres d’art contemporain.

Une approche située

L’approche à caractère anthropologique au service de la conservation-restauration d’un bien culturel vise une compréhension qui repose sur la prise en compte des  conditions situées de fonctionnement ou d’usage de ce bien dans des temporalités et spatialités différentes. Elle enjoint à considérer aussi la teneur des relations sociales auxquelles il a contribué et qu’il a même parfois déterminées. C’est pourquoi la première nécessité du conservateur-restaurateur est de savoir précisément se situer par rapport aux objets, faits et phénomènes sur lesquels il enquête.  A bonne distance qui lui permet de questionner et d’analyser les informations récoltées dans la perspective d’une proposition de son action future, il ne doit pas prendre pour acquis les idées et conclusions produites par des prédécesseurs, ni considérer les catégories ordinaires auxquelles les biens culturels sont rapportés comme prémisses, tout en étant capable de remettre en question ce qu’il croit savoir de son sujet. « L’objet ne se clôt pas sur lui-même à l’instant où on l’observe mais entre, dès sa fabrication, dans différents dispositifs d’usages et de sens, dans des histoires qui ne se superposent pas nécessairement. Marqué du sceau et de l’intention de son créateur plus que de ses détenteurs, qui s’en servent  pour se dire et dire les rapports sociaux où ils agissent, l’objet est le signe et le moyen d’une action. L’historicité des objets nous invite à les inscrire dans la succession des séquences de vie collective où ils ont travaillé. … / … La mise en situation historiée des oeuvres, loin de les placer sous le joug réducteur d’un déterminisme trivial, souligne à l’inverse le travail de création dont elles sont l’aboutissement. L’opposition convenue entre contextualisation et analyse formelle n’a plus raison d’être si l’on considère que toute oeuvre est la réalisation d’une transformation autant politique qu’esthétique, historique qu’artistique. » (Alban Bensa, La fin de l’exotisme. Essai d’anthropologie critique, Paris, Anarchasis, 2006, pp. 248,249.

Occultation de la technique

Toutes ces considérations progressivement établies ont amené la formation de l’Esa d’Avignon à programmer depuis plusieurs années, l’enseignement d’une ingénierie de la conservation-restauration4 de biens culturels, d’abord au croisement de sciences exactes et de sciences humaines et sociales, puis au delà même de leurs frontières de genre. Depuis la publication en 1958 Du mode d’existence des objets techniques, nous avons eu  l’opportunité de faire le constat avec Gilbert Simondon, de l’exclusion progressive de la technique hors de notre culture. C’est notamment par un design épuré d’abord de nos véhicules de transport puis aujourd’hui de nos smartphones, qu’on a visé la dissimulation de leur fonctionnement pour le rendre de plus en plus incompréhensible et invisible. Si bien que  la philosophie des techniques qualifie nos inséparables prothèses communicationnelles, de parfaites boîtes noires. La culture refoule les objets techniques. Cette mise a l’écart de la technique stigmatisée par la théorie marxiste, a produit une triple conséquence : d’abord celle de la diaboliser en occultant son fonctionnement et sa compréhension. Puis celle de la « condenser » en un attachement paradoxal, à la fois inséparable de nous et déplorable parce que imputé aux méfaits de la société moderne, mais pourtant exempt de tout intérêt par et pour la pensée. Enfin  celle de dédouaner l’homme de toute responsabilité.  Qu’il en soit du geek ou du réfractaire absolu, c’est l’ignorance qui crée l’aliénation relative aux techniques. A force d’opposer l’homme à la technique, on finit par oublier son indissociablité de l’humain et ne pas compter dans les sciences de l’homme, les procédés, les outils, les savoirs, savoir-faire et savoir-être.

Une revalorisation de la culture technique

La visée épistémologique et méthodologique dans l’enquête, fait de la culture technique, encore trop cantonnée aux Tecnical studies d’une petite communauté élitaire ou en France aux sciences de l’ingénieur, un objet d’étude à part entière comme les autres centres d’ intérêts des sciences humaines. Elle se trouve en bonne place avec l’histoire, l’histoire de l’art, la muséologie, la sociologie, et la philosophie pour constituer le socle d’une approche à caractère anthropologique à la fois empirique, scientifique et technique des biens culturels pour tenter d’en mieux comprendre le sens  indistinctement des situations avec lesquelles ils sont en prise.  Ne pas déprendre les techniques de leur humanisation, c’est renouer avec le temps où toute production humaine était pensée dans une continuité de la nature à la culture, sans dissociation. Considérer la technique comme une production culturelle humaine relevant pleinement des sciences humaines, c’est aussi reconsidérer la réflexion sur les rapports de l’homme à la nature au cours de l’histoire.

Ingénierie de la conservation-restauration

Cette ingénierie spécifique désigne un ensemble de fonctions qui comprend, dans un premier temps, la réalisation d’enquêtes pouvant conduire à  la production d’études préalables et de faisabilité, de diagnostics et de pronostics,  et la conception de projets globaux. Ensuite, elle inclut la mise en œuvre de traitements spécifiques, techniques ou esthétiques,  l’acquisition et la vérification d’équipement et fournitures adéquats pour leur réalisation en équipe, le contrôle de résultats, et enfin, la livraison de la réflexion et des résultats par la formulation d’un discours argumenté propre à cette ingénierie.

Vers une nouvelle profession d’ingénieur ?

Cette orientation singulière trouve aujourd’hui un écho favorable. Au constat de l’imbroglio sémantique qui sème la confusion entre restaurateur, conservateur et conservateur-restaurateur dans le champ du patrimoine depuis plus de trente ans en France, une conférence réunissant les directeurs et des représentants des quatre formations publiques à la conservation-restauration s’est constituée en 2016 afin notamment de réclamer auprès des pouvoirs publics pour leurs diplômé.e.s, le titre protégé d’ ingénieur.e en conservation-restauration de biens culturels. Cette démarche se place sous l’égide d’un coordinateur missionné par le Ministère de la Culture et de la Communication après la production du Rapport de l’Inspection Générale des Affaires Culturelles (IGAC) sur les répercussions causées par l’inscription des professionnels de la restauration du patrimoine sur la liste des métiers d’art.

De la définition de “conservateur-restaurateur” et de sa perception par le public

par Jerrod Seifert, conservateur-restaurateur d'objets archéologiques, scientifique spécialiste des matériaux du patrimoine et  doctorant à l'Université de Cardiff. Ses recherches sont variées, tant par sujet que par intérêt. 
(Ce billet traduit de l'anglais par M. Maire, a été initialement publié sur le SHARE ejournal de la Cardiff University)


Je suis un conservateur-restaurateur. Certes ma déclaration est vague, je le sais bien. En tant que vocation, la conservation-restauration reste mal définie, du moins pour celles et ceux qui ne s'y retrouvent pas.
La question de la terminologie a été traitée de manière exhaustive [1]. Bien que ceux qui ne sont pas impliqués dans une une profession particulière manquent souvent de compréhension des subtilités de cette profession, ils savent au moins de quoi il retourne. À titre d’exemple, la plupart des gens savent ce qu’on entend par quelqu'un qui se dit «archéologue». Les implicites connus (fouiller de vieilles choses, étudier ces choses), imaginés (Lara Croft ou Indiana Jones) et imprécis (… des dinosaures…) créent une image viscérale dans l'esprit de ceux qui ne sont pas des archéologues. Ceux-ci ramèneront souvent leur profession à ce qui est implicitement connu car, même si c'est trop simpliste, ce n’est pas inexact. Cependant, ils ne vont pas expliquer aux profanes les matrices de Harris, la géomorphologie ou le post-humanisme. Un exemple de ma propre expérience: ma sœur est en marketing. Elle dit que, bien que cela ne soit pas incorrect, elle travaille plus particulièrement dans l'édition de médias numériques. Je comprends le marketing, ou plutôt l’idée de ce qu’est le marketing. Je ne connais pas suffisamment les subtilités du marketing pour faire la différence entre ce que je comprends être le marketing et ce que ma sœur dit faire.

Lorsque je dis aux gens ce que je fais, beaucoup n’ont jamais entendu parler de la conservation-restauration ou n’ont pas une connaissance tacite de ce que cela implique. Les connaissances implicites («peintures» ou art) ne s’appliquent pas à beaucoup de personnes sur le terrain, y compris moi-même. Je suis presque toujours obligé d'expliquer mon métier. En fonction du public, cette profession change. Je suis un conservateur-restaurateur. Je suis un conservateur-restaurateur d'objets archéologiques. Je suis un archéologue. Je suis un scientifique des matériaux du patrimoine. Je suis un scientifique de la conservation-restauration. Je suis, en vérité, toutes ces choses. Cependant, aucun mot ne définit exactement ce que je fais. «Conservateur-restaurateur» devient un fourre-tout, terme nébuleux utilisé pour décrire tout professionnel qui conserve ou analyse tout matériau revêtu d’une valeur intrinsèque, qu’il soit monétaire, culturel ou sentimental. C'est une profession en réduction. Croyez-le ou non, cette définition est plus complète que celle de l'American Institute of Conservation [2], qui stipule qu'un conservateur-restaurateur est «un professionnel dont la principale occupation est la pratique de la conservation-restauration …». L'opacité de cette déclaration la rend vidée de son sens.

Cela ne veut pas dire que je m'oppose à ce que l'on m'appelle conservateur-restaurateur. Je ne suis pas contre le fait que je sois appelé écologiste, car je n'ai rien à faire avec l'environnement ou la biosphère. M'appeler conservateur-restaurateur montre au moins une prise de conscience de l'existence de mon domaine. C'est la perception de ce que je fais à la quelle je m'oppose. Les conservateurs-restaurateurs sont souvent considérés comme des techniciens, des bricoleurs appliquant des «colles de fantaisie», [i] qui prennent un temps interminable pour tout nettoyer soit en raison d’une prudence inutile, soit en raison d’un sens aigu de la sécurité au travail. Un de mes collègues depuis plusieurs années qui dirige ses propres fouilles, a été choqué de découvrir que je savais comment effectuer une fluorescence X pour analyser la composition des niveaux de plancher de sa colline et que je pouvais utiliser la spectroscopie RAMAN pour différencier les composés de biopolymorphes de coquille et de calcaire naturel. Ces anecdotes ne sont pas censées constituer une déclaration d'intention détaillée; je les utilise plutôt pour souligner l'un des nombreux rôles (scientifique des matériaux) que joue chaque conservateur-restaurateur. Besoin d'un spécialiste de la micro-excavation? Appelle le conservateur-restaurateur. Analyste d'échantillonnage et de matériel? Conservateur-restaurateur. Est-ce que le mur de briques de terre que vous creusez va s’effondrer sur la tête? Le conservateur-restaurateur vous le dira [3]. Vous voulez savoir s’il existe une peinture murale de 9 000 ans enfouie sous des couches de plâtre? Le conservateur-restaurateur va le découvrir et lui donnera une belle apparence (Figure 1). Vous avez des questions sur ce que mange votre collection de référence [4]? Examiner la détérioration de la combinaison spatiale de Neil Armstrong [5]? Imaginer la econstruction d'un temple grec [6]? Faire une cartographie thermique des maisons historiques [7]? Nettoyer un squelette de rorqual bleu [8]? Essayer de voir si la peinture de 8 millions de livres sterling que vous voulez acheter est un faux [9]? Installer une exposition comprenant une technologie dépassée [10]? Le conservateur-restaurateur est sur le coup.
Figure 1: Peinture murale néolithique de B.80 à Catalhoyuk, en Turquie. Les conservateurs ont exposé, préservé et élevé ce tableau vieux de 8 000 ans, car ils sont extrêmement talentueux. Photo de Jason Quinlan.
Les conservateurs-restaurateurs ont exposé, préservé et élevé ce tableau vieux de 8 000 ans, car ils sont extrêmement talentueux. Ces exemples ne représentent qu'un échantillon de ce que savent faire les conservateurs-restaurateurs. Et on s'attend à ce que la plupart d'entre eux les fassent tous. Le problème, comme dans toute profession, est que peu de personnes en dehors de la conservation-restauration connaissent les compétences du conservateur-restaurateur, leur étendue et leur spécificité. Je ne suis certainement pas le premier à le signaler (voir, par exemple, Corfield [11] ou tout ce que Jonathan Ashley-Smith a écrit [12]). Cela pourrait venir du nom: Conservateur-restaurateur parît simpliste et sans prétention, n’illustrant pas la complexité du travail. Le travail d'un conservateur-restaurateur est par nature destiné à être modeste. Si notre travail est un succès, seul un œil entraîné peut dire que tout a déjà été fait [13]. Il est difficile de souligner la nécessité du travail que l’on fait si le travail consiste à donner l’impression que rien n’est nécessaire. Je dirais que le public n'est conscient de la nécessité de la conservation-restauration que lorsqu'un amateur sans compétence "blasphème" un objet de grande valeur culturelle [14] [15] [16]. Dans le cas de l’Ecce Homo (Figure 2), la renommée de la «conservation-restauration» a été une aubaine pour l’Église et l’économie locales, réinventant l’original comme une sorte de chef-d’œuvre parmi les objets immindes [17]. Dire que c’est l’exemple le plus célèbre de la conservation-restauration de l’art de la dernière décennie ne serait pas exagéré. J'encourage toute personne qui lit ceci (intentionnellement ou par dépit) à rechercher sur Google les "pires restaurations d'art".
Figure 2: L’auteur effectue des traitements de conservation sur les murs nébrithiques en briques de boue. Photo de Jason Quinlan.
Vous avez le choix entre plusieurs lectures: «Ces restaurations sont-elles les pires de l’histoire ? 6 tentatives choquantes "[18]," Les pires erreurs de restauration d'art de tous les temps "[19]," 9 restaurations fatales échouent et ébranlent le monde "[20], et" Tant pis,  c'est tellement bon: 5 des pires restaurations d'œuvres d'art ! '[ii] [21]. Si l’on recherche les «meilleures restaurations d’art», les résultats sont presque identiques. Il n’existe aucune liste intitulée «Sont-elles les meilleures restaurations de l’histoire ? 6 exemples à couper le souffle ». Il y a deux raisons à cela, la première étant que les "Déraillements de train" recevra toujours plus d'attention que "Arrivées de trains à l'heure". Je parierais que personne ne peut identifier quand la conservation-restauratin est un succès. Conservateur-restaurateur devient synonyme d'échec de s profession. Vous pensez que je me trompe? La plus célèbre conservatrice-restauratrice du monde est ‘Femme espagnole’.
Figure 3: Ecce Homo avant et après le «traitement». La femme qui a procédé au traitement a signé un contrat de licence. Elle a maintenant gagné plus d’argent grâce à la conservation que je ne le ferai probablement jamais. Photo de change.org
Pour lutter contre cela, la conservation-restauration est devenue une partie plus visible parmi les opérations du musée, littéralement. De nombreuses institutions placent désormais les conservateurs-restaurateurs en plein travail  sous les yeux public, soit temporairement [22] [23], soit de façon permanente [24] [25]. Cet auteur (figure 3) a personnellement fait prendre sa photo quelque part dans les quatre figures supérieures tout en effectuant des traitements de conservation-restauration, grâce aux bus remplis de touristes qui défilent à travers les sites archéologiques où j'ai travaillé. Il y a clairement un public pour la conservation-restauration, de ceux qui ont une curiosité dans le processus ou de ceux qui sont plus profondément liés à la préservation du patrimoine. 
Figure 4: Philip Mould traitant une peinture jacobine. Remarquez la vieille laque qui coule sur le tableau? NE FAITES JAMAIS CELA! Photo de My Modern Met.
Mon frère est comptable. Les visiteurs ne disposent d'aucune fenêtre d'observation pour le consulter lors du traitement des feuilles de calcul. Cela ne veut pas dire que la comptabilité n'est pas importante. Je dis que les musées n’ont pas de fenêtre d’observation dans leur service de comptabilité pour une raison quelconque et que mon frère ne lira pas ceci [iii]. Ce que mon frère pourrait faire, c'est regarder des vidéos accélérées produites par ceux qui prétendent être des professionnels conservant des œuvres d'art, dont certaines sont devenues virales et ont reçu des millions de vues (Figure 4) [26]. Les dommages causés par ces vidéos au secteur sont incalculables [27]. Les méthodes sont souvent très suspectes et l'édition est presque toujours effectuée pour un impact maximum, ne laissant aucune place à la nuance, à la subtilité ou au processus. Cela crée une fausse narration pour le spectateur, une où le conservateur-restaurateur est assimilé à un artisan. On laisse croire au public qu’il a vu un traitement correct. Malheureusement, ce public est bien plus important que la fréquentation d’un musée en particulier.
La perception du public est difficile à corriger, surtout si cette perception a été façonnée par les pires éléments du domaine. J'ai déjà essayé de surmonter cet obstacle en reformulant mon choix de carrière avec un nouveau titre. Le meilleur que j’ai trouvé est ‘Archéo -conservato-mètre’, ou un praticien de l' ‘Archéo-conservato-métrie’, un porte-voix très intelligent et très précis à la fois de l’archéologie, de l’archéométrie et de la conservation-restauration. Elle répondait à tous les critères: elle était spécifique, sa complexité correspondait à celle du domaine qu’elle décrivait et, surtout, elle était distincte et totalement dissociée de l’optique problématique du «conservateur-restaurateur». Ça… n'a pas fait mouche. Neuf syllabes font que les gens l'oublient assez facilement. J’ai malheureusement découvert que le mot «conservateur-restaurateur» ne changerait pas. Le seul espoir que j’ai maintenant de changer la perception de ce qu’est un «conservateur-restaurateur» est d’ajouter ma voix à ceux qui crie: "Oui, c'est un tout petit peu ça, mais non, ce n'est pas ce que je fais et vous devriez le savoir !"
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[i] C’était un commentaire fait par un conservateur-restaurateur de musée local lors d’une conférence à laquelle j’assistais, dans une salle remplie de conservateurs-restaurateurs de céramique et verre. C'était censé être péjoratif.  [ii] Conservateur et restaurateur sont souvent utilisés de manière interchangeable ou sont nettement distincts les uns des autres, en fonction du lieu où l’on exerce. C’est un long argument qui ne relève pas du cadre de cette discussion. Je suis aussi très très fatigué.  [iii] Mise à jour: En fait, mon frère a lu ceci. Il aimerait souligner qu'il est un spécialiste des comptes de direction et de la paie. Je suis sûr qu’il y a une leçon à apprendre ici, mais elle m’échappe.
REFERENCES
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[4] Elkhial, M.M. and H.M. Kamal, A New Approach for Detecting Active Insect Infestation in Museum Objects Using Non-dispersive Infrared Spectroscopy. Studies in Conservation, 2018. 63(sup1): p. 345-347.
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[23] Huntington, T., Project Blue Boy. 2018, The Huntington Art Gallery: Online.
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[25] Arista, J. and T. Drayman-Weisser, The conservation window at the Walters Art Museum: building conservation support by creating public value, in The public face of conservation, E. Williams, Editor. 2013, Archetype Publications Ltd.: London, United Kingdom. p. 198-200.
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Dépister la colonialité à l’oeuvre.

Source indéterminée

Workshop MUSEOSCOPIE 2018-19

Lundi 07 – Vendredi 11 Janvier 2019
Avertissement: le texte qui suit a pour objet de rassembler les prolégomènes du workshop à venir. Il n’est pas le fruit d’une recherche strictement personnelle et doit sa teneur en grande partie à une enquête consultative de divers travaux cités avec leurs auteurs en fin de billet. _______________________________________________________________________________

De même que des structures culturelles, sociales et familiales, le colonialisme a muté à travers le temps. A partir des indépendances africaines dans les années 50-60, il a abandonné ses instruments et mécanismes mis à l’index pour perdurer sous couvert de nouveaux avatars (impérialisme, aide au développement, ingérence humanitaire) dans un contexte mondial globalisé. Contrairement à une idée reçue, ce dernier n’a pas mis fin au colonialisme économique et culturel. Il en a permis la mutation. Dès lors, ses nouveaux ressorts moins criants, plus insidieux, ont imprégné à coeur la conception du réel en Occident. La colonisation a véhiculé des constructions sociales, des imaginaires, des pratiques, des hiérarchies, une violence. Elle s’est manifestée dans le monde entier et a déterminé les systèmes de valeurs socio-économiques, raciales et épistémologiques de la société contemporaine, communément appelée société «moderne». Tout comme la modernité, la postmodernité reproduit souvent le «sophisme eurocentrique» qui est à la base de la modernité.

A la fin du XX ème siècle, une pensée critique , tantôt d’inspiration anglo-américaine, (études décoloniales), tantôt latino-américaine (postoccidentalisme ou encore perpectives et théories décoloniales), prend de la vigueur. Elles se distinguent du post-colonialisme  alimenté par des auteurs issus des anciennes colonies  françaises ou britanniques en Asie, en Océanie et au Moyen Orient, et partant plutôt d’une perspective culturaliste situant le début de l’histoire coloniale au XVIIIème siècle. Alors que pour les chercheurs latino-américains, le colonialisme est le mouvement d’expansion européenne qui commence avec la chute du sultanat de Grenade, le 2 janvier  1492 après 10 ans de guerre , et la « découverte » de l’Amérique le 12 octobre suvant. La perspective décoloniale ou décolonialité souffre de sa confusion avec celle des études postcoloniales.  Quand bien même la décolonisation ne serait qu’un mythe, à l’origine d’un autre, le monde postcolonial [sans tiret] (Grosfoguel, 2006, p. 60-61) régi par les USA et les institutions financières internationales — la Banque Mondiale, le Fond Monétaire International, l’Organisation Mondiale du Commerce, les G8, et G20, le Pentagone et l’OTAN — (Palmieri, 2018), une dynamique de traduction à l’initiative du Groupe décolonial de traduction accompagnée d’autres traducteurs encore s’est déclenchée depuis une dizaine d’années. Les revues Multitudes et Mouvement ont été les premières à publier des articles d’auteurs décoloniaux. Plus récemment, d’aucun(e)s ambitionnent de renouveler le concept de colonialité dans le contexte contemporain, afin de dépasser la définition latino-améticaine et de cerner à travers les différences entre espaces et temps, les rapports de domination qui caractérisent les relations sociales à l’ère de la mondialisation (Palmieri, carnet-hypothèses. “Colonialité : enjeux, paradoxes”). On situe l’origine de la conception latino-américaine dans la théologie de la libération diffusée en particulier après le Concile de Vatican II par les Jésuites et dont la philosophie de la libération de Enrique Dussel est l’héritière (Dussel, 2003).
La décolonialité est née en 1955 pendant de la Conférence de Bandung qui réunit vingt-neuf pays asiatiques et africains. Son principal objectif  était de trouver un terrain d’entente et atteindre la même conception d’un futur qui ne soit ni capitaliste, ni communiste. ” …  la pensée décoloniale engage l’égalité mondiale et la justice économique, mais affirme que la démocratie occidentale et le socialisme ne sont pas les seuls modèles qui puissent orienter notre pensée et nos actes” (Mignolo, 2013). Les prospectives décoloniales  s’attellent principalement au problème suivant: les savoirs et les sensibilités propres à l’Occident se sont constitués en un modèle « universel » qui vaudrait pour tous. Cette position a accouché du concept central de la décolonialité, la colonialité, qui désigne un type de pouvoir et de domination. En corollaire, le prédicat « colonialitaire » qualifie ce qui a trait à la colonialité, soit les héritages et reproductions contemporaines des expériences coloniales passées qui ne sont pas directement le produit du capitalisme mais l’alimentent. Les « modèles de pouvoir » instaurés par la colonisation n’auraient pas changé. (Grosfoguel, 2006). Pour exemple, beaucoup de français et d’occidentaux pensent que l’Afrique est caractérisée par la négativité de la pauvreté, de l’indigence, des républiques bananières, de l’absence d’histoire, de l’ignorance, de l’endettement, du sous- développement, de l’après-colonialisme, … Ces représentations correspondent à la conception évolutionniste d’une modernité progressive et civilisée qui serait l’apanage de l’ Occident, lui évolué. Celui-ci, le centre,  serait seul détenteur de remèdes à la barbarie et l’impéritie de ceux dont il daigne se préoccuper avec mérite, les subalternes, mais en se passant de leur consultation, en les excluant du champ du pouvoir et en les maintenant à la périphérie. La théorie de la dépendance a montré que les sociétés du tiers-monde, la périphérie, dépendent structurellement du centre, des puissances capitalistes occidentales. Dans le  système-monde , décrit par Immanuel Wallerstein , le centre se différencie de la périphérie par une construction économique et sociale en perpétuel déséquilibre, labile à la fois dans le temps et l’espace, et qui requiert des acteurs agissant à différents niveaux (nations, entreprises, familles, classes, groupes identitaires …). Le centre assure et maintient cette relation inégalitaire  et la perpétuation d’une périphérie toujours dépendante (Wallerstein, 1995). Les mécanismes palliatifs d’aide, de soutien et de soins fournis par le centre, sont labiles dans le temps et n’ont pas cessé avec les indépendances. A l’heure de la globalisation, ces “remèdes” évolutionnistes servent  les intérêts d’une hégémonie non seulement économique, mais aussi épistémique en tant qu’ils imposent leurs savoirs (Sanna & Varikas 2011). Ils caractérisent l’état des relations entre États et entre États et populations.
Tel un virus, la colonialité s’est insérée dans l’être-au-monde de son hôte, dans ses connaissances à la fois de l’ordre du sensible et de l’intelligible.  Ce faisant, elle a éludé les rapports au réel et les savoirs des peuples dominés par la colonisation, telles la pensée magique, les conceptions cosmogoniques irrationnelles ou considérées comme simplistes, etc., jugées inférieures sur foi d’analyses ethnocentrées, partielles voire partiales. En témoignent les structures d’enseignement occidentales qui ne donnent accès à ces connaissances qu’à partir du point de vue de l’Occident, au prisme de paradigmes déterminés par lui seul. Simultanément, en situation hégémonique de diffusion du savoir avec l’ambition démiurgique d’instaurer des valeurs et considérations universelles des choses de la vie, elles ont « établi[t] avec les autres cultures des relations qui paralysent tout développement réel » (Quijano, 1995)  en propageant une normalisation inhibant tout individu à même de penser son identité hors du moule.

Si l’on prend pour fondement la proposition fondamentale d’Anibal Quijano, on pourrait dire que le concept de  colonialité caractérise les rapports de pouvoir et de domination produits par la reproduction patriarcale, d’abord du colonialisme, puis du capitalisme, de la mondialisation,  et de l’occidentalisation (Quijano, 2006) Cette colonialité ne correspond pas uniquement à la période post-coloniale, mais parasite la relation au réel de tous les jours.  En hiérarchisant les savoirs entre riches et pauvres, Noirs  et Blancs,  hommes et femmes, entre personnes de sexe, classe et race différents,  elle crée une incapacité par les dominants à prendre en compte les savoirs experts des subalternes. De même elle favorise la prise de conscience leurs propres savoirs par les dominés ayant intériorisés leur condition. La colonialité nuit à l’idée de  la multiplicité des savoirs dans un rapport d’oppression des États occidentaux à l’égard de la périphérie, des privilégiés vis à vis des populations de la périphérie ou de la base. La  colonialité pose questions quant aux espaces et temps différents sur la planète, aujourd’hui numériques,  qui accélèrent dans une surenchère  infernale en augmentant les dominations (Palmieri, 2018). De fait, cette “colonialité numérique” occulte des expressions de connaissances pourtant tout à fait à même de faire évoluer la pensée critique. La décolonialité va de pair avec l’épistémologie frontalière. Outre le contenu de la discussion, celle-ci se concentre sur la modification de ses termes. Grâce à elle, il est possible de dissocier cette épistémologie des épistémologies territoriale et impériale fondées sur des politiques de connaissance théologiques (Renaissance) et égologiques (Lumières), la théo- et l’egopolitique de la connaissance prétendues universelles étant basées sur la suppression de la sensibilité, du corps et de son enracinement géo-historique (Mignolo, 2013).


 L’héritage le plus durable de la Conférence de Bandung* est la « déprise » d’avec le capitalisme et le communisme et d’avec la théorie politique des Lumières (libéralisme, républicanisme – Locke, Montesquieu) et de l’économie politique (Smith) ainsi que de son adversaire, le socialisme/communisme. Une fois ce détachement effectué, il faut se tourner vers les modes de vie et de pensée disqualifiés depuis la Renaissance par la théologie chrétienne, laquelle poursuit son expansion à travers la philosophie séculière et la philosophie des sciences, car il n’y a pas d’issue dans la modernité (Grèce, Rome, la Renaissance, les Lumières). Au-delà des frontières épistémiques et territoriales établies par la colonisation des XVe et XVIe siècles, la pensée décoloniale aspire à une modernité plurielle, pluriverselle , dans laquelle les être-au-monde des peuples colonisés et leurs identités seraient pris en compte au même titre que ceux de leurs homologues des pays dominants afin de contribuer sans rapport de subordination aux changements d’un monde qui s’avère toujours plus globalisé. Une fois identifiées les formes d’acteurs et d’institutions dévalorisées par ces frontières, il est alors possible de mieux se détacher de ce dispositif conceptuel par un revirement épistémique qui correspond à la socio-genèse d’un ” être qui existe là où il pense “. Un tel écart procède d’un acte de rébellion contre l’universalisme abstrait hérité des Modernes pour dominer le monde. Autrement dit, c’est un acte de ” désobéissance épistémique ” (Mignolo, 2015).

Ynka SHONIBARE MBE, Scramble for Africa, 2003, commandée par le Musée d’Art africain, Long Island City, N.Y., Collection Pinnell, Dallas.

Les ressorts de la colonialité du pouvoir, du savoir et de l’être, sont d’autant plus difficiles à identifier que l’enquêteur est ressortissant d’un état et d’une culture où elle sévit. L’un des marqueurs de la colonialité est une appropriation que nous qualifierons d'”intégrative” à ne pas confondre avec le résultat de porosités et échanges culturels immémoriaux. Celle dont il est question capte et absorbe les « emprunts » aux cultures dominées dans un rapport inégalitaire, sans réciprocité et jusqu’à les dissoudre en les frelatant (mode, musique, etc …). Ainsi cette appropriation intégrative peut être considérée comme un dommage de la pensée universalisante et sa visée d’assimilation de l’Autre, de dissolution de sa différence en vertu de ses propres filtres et valeurs. Il ne s’agit pas d’échange de gré à gré, mais de véritable subalternisation voire pire, de subordination.
La décolonialité est de plus en plus évoquée aussi bien dans  des travaux de recherche que dans des milieux militants. A l’origine c’est le groupe d’ intellectuels latino-américains appelé projecto Modernidad/Colonialidad qui a propagé la notion de colonialité à partir de 1998. Parmi eux, le sociologue péruvien Anibal Quijano qui a mis en lumière la manière dont le capitalisme doit son efficacité à la racialisation du travail (Quijano, 1995). La racialisation se produit à travers le marquage des corps. Certains corps sont racialisés comme supérieurs, d’autres comme inférieurs. Franz Fanon, soutient l’idée essentielle selon laquelle les individus situés au-dessus de la ligne de l’humain, vivent dans ce qu’il appelle la « zone de l’être », tandis que ceux situés au-dessous de cette ligne, se trouvent dans la zone de non-être (Fanon, [1952] 2011). Dans un monde capitaliste, impérial et colonial, la race s’inscrit en ligne de division traversant les relations de classe, de sexualité et de genre à l’échelle mondiale, ce qu’Aníbal Quijano appelle la colonialité du pouvoir. L’intersectionnalité des relations de pouvoir de race, de classe, de sexualité et de genre se manifeste dans les deux zones dont parle Fanon. La colonialité du pouvoir caractérise un régime de pouvoir qui émerge à l’époque moderne avec la colonisation et l’avènement du capitalisme. Il ne s’achèvera pas avec les indépendances survenues dans les années 50-60, mais persistera (Grosfoguel, 2006) en continuant à marquer de son empreinte les rapports sociaux de pouvoirs actuels dans le système-monde. Pour s’imposer en tant que structure, la colonialité du pouvoir doit être intériorisée non seulement sur le plan de la subjectivité et de l’identité individuelle, mais aussi au niveau collectif, à la fois dans l’aire européenne et à l’échelle globale. Grâce au colonialisme, les hiérarchies globales se sont établies et ont imprégné notre façon de penser au point que ces structures de pouvoir se sont répandues sur toute la planète sans besoin d’administration coloniale pour y parvenir , et qu’elles constituent l’ossature des pratiques institutionnelles, des imaginaires, des identités et de la subjectivité moderne. (Grosfoguel, 2015)

Une particularité de ce concept, c’est qu’il a connu un déploiement de plusieurs de ses dimensions pour engendrer tout un ensemble de recherches sur les rapports sociaux de pouvoir à l’époque moderne.
En 2000, c’est le vénézuélien Edgardo Lander qui dirige la publication d’un ouvrage collectif sur la colonialité du savoir. On peut admettre avec lui que la colonialité n’est pas seulement un système matériel de rapports sociaux de travail. Elle est aussi une épistémé spécifique. Les auteurs tous latino-américains révèlent et veulent dépasser une épistémé eurocentrique qui nourrit la colonialité du pouvoir, écrase et délégitime toutes les autres formes de savoir, différentes de celles produites par la science moderne occidentale. Ce dépassement dénommé transmodernité par l’argentin Enrique Dussel, est appelé à surmonter l’opposition entre l’universel de la modernité et le relativisme de la postmodernité. Proposer une alternative locale au capitalisme sans renoncer à un idéal d’émancipation universel. Pour les chantres du décolonial, les néo-zapatistes du Chiapas constituent un exemple intéressant de mise en oeuvre du pluriversalisme. Avec les notions de “buen vivir” et les “droits de la terre mère”, issus de cosmogonies indigènes,  il s’agit d’essayer de proposer des réflexions alternatives à la domination de la rationalité instrumentale sur la nature. Comme le fait l’intellectuel aymara Simon Yampara  en stipulant que les Aymaras ne sont ni capitalistes ni communistes et promeuvent la pensée décoloniale et l’acte communautaire. Base de l’organisation populaire de l’Amérique précolombienne, la Minga est un concept quechua qui signifie « travail collectif en vue d’un objectif commun.” La Minga est une invitation à faire partie d’un processus de transformation qui de fonde sur les qualités de chaque apport des individus et des organisations (Fals Borda, 1967, 2008).

Jota CASTRO, 2008

C’est déjà ce que visait la pensée de José Carlos Mariategui en ce qu’elle constituait une tentative de dépassement dialectique d’un dualisme figé entre l’universel et le particulier (Mariategui, 2007). Avec la notion de colonialité de l’être, développée par Maldonado-Torres, la notion de la  décolonialité prête également à une réflexion ontologique sur l’être . Développée par la philosophe argentine, Maria Lugones, la colonialité du genre représente la contribution à la pensée féministe de l’option décoloniale. Cette auteure démontre que genre et sexe sont des constructions socio-historiques en vigueur dans les Amériques avec la colonisation. Le genre concerne plutôt une problématique des femmes blanches bourgeoises cantonées dans des rôles sociaux de genre stéréotypés. En revanche, selon la conception coloniale, les personnes racisées, animalisées, ne jouissent pas du statut d’être humain. A l’aune du dysmorphisme sexuel entre mâle et femelle, elles ne sont donc par genrées mais seulement sexuées. Avoir un genre étant l’apanage d’hommes et femmes, blancs et bourgeois. La colonialité du pouvoir peut être exemplifiée par l’extension de l’Etat moderne à l’ensemble du monde. Cet aspect a nourri la réflexion de l’anthropologue James Scott au sujet de Zomia6. Pour sa part, la chercheuse mexicaine Breny Mendoza a tenté de répondre à la question de la colonialité de la démocratie. On le voit bien, la notion de colonialité de pouvoir est à l’origine d’un large programme de recherche sur le siège de rapports  de pouvoir et de domination / subordination, hiérarchisés et imbriqués dans la modernité occidentale, qui ont été imposés de force au reste du monde. Qu’en est-il de la colonialité du champ de l’art, si d’aucuns affirment ou prônent son autonomie ? Le concernant on pourrait d’emblée estimer que la limite est floue entre appropriation innocente, produite de tous temps par l’échange, et appropriation intégratrice, par la domination. Or on peut aussi considérer l’art comme un champ donnant lieu à subordination (ou subalternisation) et appropriations.

Autant générateurs que produits de la modernité et de sa principale prémisse, l’eurocentrisme, l’art et l’esthétique actuels appartiennent à un “système-monde” dont la dynamique est déterminée par le capitalisme et la rationalité scientifico-technologique. On peut associer le concept d’esthétique décoloniale promu par le collectif Modernidad / Colonialidad, aux pratiques d’art actuel qui ripostent à la colonialité du savoir et de l’être, face cachée de la modernité et de la mondialisation impérialiste. « Deux des plus importants traits de cette évolution sont la créativité réalisée dans et depuis le monde non occidental, ainsi que ses conséquences comme politiques de pensée indépendante. Deux traits qui ont généré la libération décoloniale dans toutes les sphères. La décolonialité des connaissances et des êtres renvoie à des pratiques artistiques de collectifs et propose de libérer les sensibilités, sentimentales comme sensorielles. […] En reconnaissant l’existence d’identités multiples et transnationales, les créateurs et les artisans du mot ont réaffirmé leur opposition aux courants impérialistes de la mondialisation, qui cherchent à homogénéiser et effacer les différences.». Une créativité qui privilégie l’émancipation des sens relégués par la modernité-colonialité qui, elle, privilégie la vue, en accordant notamment une place centrale au toucher.

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Alors qu’en est-il de la création artistique et de sa muséalisation ? Depuis la fin de la seconde guerre mondiale, notamment sous la pression d’artistes, l’approche anthropologique occidentale a progressivement entériné et tenté de rectifier son ethnocentrisme.  Dès lors, la production d’art contemporain, sa restauration et son exposition charrient-t-elles une colonialité dont les composantes ont déjà été identifiées, ou d’autres qui seraient spécifiques et restent à déterminer ? Connaissent-elles des impacts colonialitaires, c’est-à-dire qui perpétueraient l’imbrication des rapports de domination produits par l’occidentalisation dans le contexte du capitalisme mondialisé ?   Ou, en questionnant par un autre biais, quelles sont les difficultés à penser son identité hors de l’univers conceptuel caractéristique d’une « esthétique occidentale » ? Est-on en mesure de revendiquer ou identifier des pratiques artistiques, restauratrices et expographiques décoloniales ?

Telles sont les questions initiales auxquelles les participant.e.s au workshop « Muséoscopie » seront invité.e.s à se confronter lors de sa deuxième session. Celle-ci s’inscrit, dans le sillage de la précédente — qui avait abordé la thématique du regard esthétique –, et la perspective de fournir aux étudiant.e.s un outillage critique provenant de divers points de vue.

____Notes___________________________________________________________________

*le Projecto modernidad-colonialidad fut créé lors d’un événement organisé en 1998 à Caracas.

____Image___________________________________________________________________

Ici l’artiste habille des personnages avec du tissu imprimé appelé wax (ou kitenge) qui symbolise l’authenticité africaine. Pourtant ce tissu produit aux Pays-Bas fut initialement destiné au marché indonésien. Or c’est en Afrique qu’il a été adopté pour devenir un attribut d’africanité. Ce tissu est aujourd’hui la “marque ” de l’artiste mise en oeuvre dans des installations reconstituant des scènes notoires de l’Histoire. Cette oeuvre réunit des mannequins acéphales vêtus de wax, qui mettent en scène une extravagante invraisemblance entre le genre de tissu et le modèle européen daté des habits. Etêtés, les mannequins deviennent alors des personnages impersonnels assis autour d’une table sur laquelle est figurée une carte de l’Afrique en 1885. A cette date se tint la Conférence de Berlin réunissant quatorze puissances coloniales qui se partagèrent le continent, sans la présence d’aucun africain.

____Biblio –  / sito – graphie de référence_______________________________

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Entretien avec Ramon GrosfoguelPropos recueillis par Claude Bourguignon-Rougier (2015) http://reseaudecolonial.org/wp-content/uploads/2016/09/Entretien-Ramon-Grosfoguel-RED.pdf

– GROSFOGUEL, Ramon et COHEN, Jim, « Un dialogue décolonial sur les savoirscritiques entre Frantz Fanon et Boaventura de Sousa Santo s», Mouvements2012/4(n° 72), p. 42-53  https://www.cairn.info/revue-mouvements-2012-4-page-42.htm#no4

 – HURTADO-LOPEZ Fátima,« Universalisme ou pluriversalisme ? Les apports de la philosophie latino-américaine », Tumultes, 2017/1 (n° 48), p. 39-50. https://www.cairn.info/revue-tumultes-2017-1-page-39.htm

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  La désobéissance épistémique, (2015), Critique sociale et pensée juridique n°2, Peter Lang, Paris

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VERGES, Françoise, Un féminisme décolonial,La Fabrique, 2019


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__________vidéo 27′________________________________________________________



Le cursus « Conservation – Restauration de biens culturels ” à l’ESAA

… dans le panorama français, …

Il existe en France seulement quatre formations publiques1 à la conservation-restauration de biens culturels, dont celle de l’ESA d’Avignon, délivrant pour l’une un Master, pour les autres un diplôme d’état au grade de Master. Ces diplômes de fin de second cycle (BAC + 5) sont assortis d’une habilitation inscrite dans le Code du Patrimoine [Livre IV, titre 5, chapitre 2, section 3] qui autorise leurs titulaires à traiter des biens culturels conservés dans les Musées de France ou protégés au titre des Monuments Historiques. Par ailleurs, la profession de conservateur – restaurateur est désormais précisément définie par différentes chartes éthiques et codes déontologiques2 sur le plan national comme international depuis un peu plus de trente ans (cf. ICOM-CC 1984ECCO 2002, et ICOM-CC 2008).

Les néophytes conçoivent souvent la (conservation-) restauration comme un champ d’activité homogène ayant pour objectif essentiel de prolonger l’existence des biens culturels dans le futur. En réalité et pour des raisons à la fois historiques et structurelles, il existe différentes démarches de conservation et de restauration qui sont à l’oeuvre en fonction de diverses  théories, catégories de biens culturels (mobiliers, immobiliers par exemple), situations et doctrines institutionnelles , cultures et conjectures qui les ont produites. 

Mémoire de diplôme de Lucille Gaydon, ESAA 2013

En tenant compte du  gabarit normatif d’une formation à la conservation-restauration préconisé par un consensus européen (cf. ENCoRE), chacune des formations publiques françaises a initié et développé son propre programme d’enseignement3 correspondant au contexte national et à son antériorité historique. Cette diversité est contingente de leur histoire, de leur implantation et des spécialités  enseignées par chacune (“œuvres sculptées”, “objets archéologiques”, “arts du feu”, “arts graphiques”, etc.). Mais  elle est aussi tributaire de conceptions théoriques et idéologiques coexistantes.

ses orientations théoriques …

Ce qui distingue plus essentiellement ces cursus, relève de leur « philosophie » de la conservation-restauration, de la conception du statut du conservateur-restaurateur et de son rôle dans la « chaîne opératoire » du patrimoine, des enjeux de son action, et des ressources mobilisées pour la réaliser. Partant d’une position historique d’activité subalterne, la conservation-restauration est aujourd’hui enseignée en école d’application (INP Paris), à l’université (Paris I – Sorbonne) et en écoles supérieures d’art  (ESA Avignon et ENSBA Tours). Elle a acquis dans bon nombre de pays membres de l’ICOM, le rang de discipline académique. En effet, elle est aujourd’hui dotée d’écoles doctorales de troisième cycle, d’un corpus de théories ou doctrines susceptibles d’amélioration permanente qui établit un langage spécifique avec ses règles de production discursive, et enfin, d’une communauté identifiée de chercheurs.

et son « ADN » … 

L’évolution de la formation à la conservation-restauration de l’ESA d’Avignon et son ancrage dans un établissement d’enseignement supérieur artistique, en ont déterminé l’ADN. Depuis plus de quinze  ans et contrairement aux autres formations similaires, celle de l’ESAA a renoncé à dispenser un enseignement visant expressément une spécialisation fondée sur un genre artistique, un médium ou un matériau, et qui induirait leur maîtrise ou expertise technique et technologique. Cette résolution trouve sa justification en regard du large champ d’artefacts qui comprennent à la fois les productions relevant, conventionnellement parlant, de l’art contemporain et des artefacts ethnographiques. En effet, l’étude de ces derniers et de l’art post-moderne incite à les considérer pour la plupart comme affranchies de l’aspiration à la forme préposée, du virtuosisme ou du technicisme et possédant souvent une nature hybride, composite et transgenre (ou intermédiale). Hormis leur appartenance catégorielle quelle qu’elle soit, ces objets sont toujours considérés en situations singulières et font émerger des questionnements en point de départ de l’enseignement et de la recherche.

à l’égard de productions de l’art contemporain et d’artefacts ethnographiques …

A les comparer, un certain nombre de parallèles peut être établi entre des productions de l’art contemporain et des artefacts ethnographiques : leur caractère éphémère, un choix de matériaux ou matières très particulier, une dimension performative et/ou interactive, leur attachement à un in situ, un contexte de ritualisation hic et nunc, etc. Les méthodes de l’enquête de type pragmatique et documentaire de l’anthropologie telle que l’observation participante ou l’approche holistique en complément voire en remplacement  de l’ approche analytique, peuvent être mobilisées pour l’étude d’œuvres d’art contemporain. L’approche anthropologique au service de la conservation-restauration d’un objet vise l’accès à une compréhension qui repose sur la prise en compte des  conditions situées de fonctionnement ou d’usage de cet objet dans des temporalités et spatialités différentes. Elle enjoint à considérer aussi la teneur des relations sociales auxquelles l’objet a contribué et qu’il a même parfois déterminées. C’est pourquoi la première nécessité du conservateur-restaurateur / chercheur est de savoir précisément se situer par rapport aux objets, faits et phénomènes sur lesquels il enquête.  A bonne distance qui lui permet de les questionner et d’analyser les informations récoltées dans la perspective d’une proposition de son action future, il ne doit pas prendre pour acquis les idées et conclusions produites par des prédécesseurs — telles que les catégories pratiques ordinaires auxquelles les objets sont rapportés — tout en étant aussi capable de remettre en question ce qu’il croit savoir de son sujet. « L’objet ne se clôt pas sur lui-même à l’instant où on l’observe mais entre, dès sa fabrication, dans différents dispositifs d’usages et de sens, dans des histoires qui ne se superposent pas nécessairement. Marqué du sceau et de l’intention de son créateur plus que de ses détenteurs, qui s’en servent  pour se dire et dire les rapports sociaux où ils agissent, l’objet est le signe et le moyen d’une action. L’historicité des objets nous invite à les inscrire dans la succession des séquences de vie collective où ils ont travaillé. … / … La mise en situation historiée des oeuvres, loin de les placer sous le joug réducteur d’un déterminisme trivial, souligne à l’inverse le travail de création dont elles sont l’aboutissement. L’opposition convenue entre contextualisation et analyse formelle n’a plus raison d’être si l’on considère que toute oeuvre est la réalisation d’une transformation autant politique qu’esthétique, historique qu’artistique. » (Alban Bensa, La fin de l’exotisme. Essai d’anthropologie critique, Paris, Anarchasis, 2006, pp. 248,249)

… pour une ingénierie de la conservation-restauration …

Toutes ces considérations progressivement établies ont amené la formation de l’ESA d’Avignon à programmer depuis quelques années l’enseignement d’une ingénierie de la conservation-restauration4 de biens culturels, au croisement de sciences exactes et de sciences humaines et sociales. Cette ingénierie spécifique désigne un ensemble de fonctions qui comprend, dans un premier temps, la réalisation d’enquêtes pouvant conduire à  la production d’études préalables et de faisabilité, de diagnostics et de pronostics,  et la conception de projets globaux. Ensuite, elle inclut la mise en œuvre de traitements spécifiques, techniques ou esthétiques,  l’acquisition et la vérification d’équipement et fournitures adéquats pour leur réalisation en équipe, le contrôle de résultats, et enfin, la livraison de la réflexion et des résultats par la formulation d’un discours argumenté propre à cette ingénierie. Cette orientation singulière trouve aujourd’hui un écho favorable. Au constat de l’imbroglio sémantique qui sème la confusion entre restaurateur, conservateur et conservateur-restaurateur  dans le champ du patrimoine depuis plus de trente ans en France, et sous l’égide d’un coordinateur missionné par le Ministère de la Culture et de la communication après la production du Rapport de l’Inspection Générale des Affaires Culturelles (IGAC) sur les conséquences de l’inscription des professionnels de la restauration du patrimoine sur la liste des métiers d’art, une conférence réunissant les directeurs et des représentants des quatre formations publiques à la conservation-restauration s’est constituée en 2016 afin notamment de réclamer auprès des pouvoirs publics pour leurs diplômés , le titre protégé d’ ingénieur en conservation-restauration.

Maquette de l’Universal Circus Pir’Ouet, créée par Georges Berger entre 1924 et 1971/crédits: MUCEM [mémoire de diplôme de C. Douet, 2001]

En toutes les occurrences, celle-ci consistera  d’abord en une enquête rigoureuse à la fois matérielle et socio-historique, subordonnée à une réflexion critique susceptible de corréler ces deux dimensions de tout artefact culturel. Le questionnement et la proposition de réponse concernent essentiellement les enjeux, objectifs et moyens de la conservation-restauration, en fonction de la nature, du statut, de l’ontologie, et du régime des objets que celle-ci est appelée à prendre en charge pour sa part.

Dans un deuxième temps, elle s’efforcera de conduire voire assurer personnellement la réalisation, de traitements appropriés à un ou des biens culturels dans une situation donnée, en vertu d’une déontologie et selon une démarche objectivable dont les principes sont éminemment logiques et ses référents, d’ordre scientifique, technologique et technique.

Cette activité est appelée méthodologiquement à (re)considérer les biens culturels, outre un statut d’accessoire, comme de véritables protagonistes dans une complexité sociale et relationnelle située. Ce dessein implique de concevoir une matérialité qui ne sépare pas la prise en compte de la consistance physique5 de celle d’autres facteurs spécifiques tout aussi déterminants de leur identité et de leurs significations6. Cette manière de comprendre la matérialité d’une matière informée et informative, implique l’idée d’un pluralisme ontologique et de sa performativité. Puisqu’elle s’inscrit dans une démarche pragmatique, l’investigation est amenée à lier étroitement les dimensions techniques, technologiques, sémiotiques, anthropologiques et sociologiques d’une analyse des biens culturels en question. Car ceux-ci participent de cultures matérielles à la fois lointaines et proches en tant qu’ils sont indissociables des expériences et des usages qui s’y inscrivent 7.

…  relative à la contiguïté des deux orientations de l’ESAA.

La proximité et la fréquentation permanente de créateurs — adeptes de la pensée critique comme du caractère subversif de l’art — et théoriciens de tous horizons dans une école supérieure d’art, compte certainement pour beaucoup dans le déclenchement et l’entretien d’une réflexion critique sur le sens, les formes et l’exercice de la conservation-restauration, en un mot, sa métacritique 8.

Selon une conception bien consciente des enjeux de la valorisation du patrimoine et de sa portée politique, les étudiants bénéficient d’un enseignement qui requiert le croisement des regards. Car le recensement des potentialités sémantiques et des valeurs d’un bien culturel est au prix de cette interdisciplinarité à même de discerner des identités plurielles, multiples et des significations qui se rapportent à une intrication de nombreux facteurs spécifiques avec plusieurs temporalités, contextes culturels, politiques et économiques,  histoires et  systèmes de conventions. Pour exemple et concernant l’Afrique, des Afriques devrait-on dire plus justement, le propos d’Achille Mbembe corrobore magistralement cette idée: « [Le] temps de l’existence africaine n’est ni un temps linéaire, ni un simple rapport de succession où chaque moment efface, annule et remplace tous ceux qui l’ont précédé, au point qu’une seule époque existerait à la fois au sein de la société. Il n’est pas une série, mais un emboîtement de présents, de passés et de futurs, qui tiennent toujours leurs propres profondeurs d’autres présents, passés et futurs, chaque époque portant, altérant et maintenant toutes les précédentes. » 9

A l’ESAA, la conservation-restauration n’est pas conçue selon une primauté accordée aux sciences exactes comme le laisse supposer la figure du conservateur-restaurateur en blouse blanche, les yeux rivés sur une loupe binoculaire 10 ou manipulant un instrument technologique.  Ce cliché est souvent véhiculé par les médias et les sites internet de beaucoup de structures dédiées. Méthodologiquement parlant et dès le premier cycle, c’est l’enquête qui est la pierre angulaire d’une activité en faveur d’objets sémiophores « en crise », dont l’usage patrimonial est compromis.

Si l’on examine la conservation-restauration dans une perspective historique et épistémologique, il apparaît que la prévalence de l’attention accordée à la constitution physique des biens culturels est corrélative de la persistance de celle des sciences exactes. Or aujourd’hui, la conservation-restauration des productions de l’art contemporain et des artefacts ethnographiques réclame nécessairement une pratique fondée sur une enquête critique recourant nécessairement aux outils des sciences humaines et sociales. Car celles-ci sont à même d’appréhender des objets et les réseaux de significations dans lesquels ils sont imbriqués et déterminés, pour comprendre leurs significations  à la mesure de l’ attachement d’une communauté diverse et transgénérationnelle à leur survivance.

La contiguïté et la congruence des deux mentions de l’ESAA, conservation-restauration et création-instauration, favorise particulièrement dès la première année (L1), l’intégration en ateliers de création des étudiants qui se destinent pourtant à la conservation-restauration, dans une perspective praxéologique chère à la sociologue de l’art Yaël Kréplak11. Plus que d’apprendre véritablement à devenir des créateurs, ces étudiants sont néanmoins invités à l’action créatrice, mais davantage pour en connaître empiriquement le régime, les modalités et les affres, qu’ en viser la finalité et son mérite, en se regardant créer en quelque sorte.

Cette corrélation a aussi concouru, pour une bonne part, au désir du conservateur-restaurateur d’endosser la capacité de production d’un discours propre à la spécificité de son expérience au contact intime et prolongé avec un bien culturel.  Cette ambition signifie en préalable de son intervention, le dépassement de la vénération fétichiste de la relique ou du chef d’oeuvre. Tout comme l’abandon du modèle de rapport de traitements limité au strict compte-rendu technique, et dont la légitimité serait établie seulement en vertu d’axiomes déontologiques qui en seraient à eux seuls les garants. Le recours à la puissance persuasive des moyens des sciences objectives pour justifier une proposition de traitement ne peut plus donner le change d’un argumentaire dialectique et empreint d’une subjectivité assumée.


______________Notes______________________________________________________________

1 – Premières promotions : 1973 Université Paris I, 1978 IFROA (INP), 1981 ESA Avignon,1983 ESBA Tours.

2 – Ils recourent notamment à un ensemble de dichotomies ou lignes de partage : main/esprit, théorie/pratique, tangible/intangible, matériel/immatériel, tradition/nouveauté, etc.

3 – La proportion et le contenu des enseignements ressortissant des sciences exactes, humaines et sociales, et le dosage théorie/pratique en fournissent une idée.

4 – L’ingénierie de la conservation-restauration, regroupe l’ensemble des actions qui conduisent, de l’examen, l’analyse et la conception, à la réalisation, son contrôle et à la (re)mise en fonctionnement patrimonial d’un bien culturel.

5 – Qui est du ressort des sciences de la matière.

6 – Qui est du ressort des sciences humaines et sociales.

7 -A ce propos, lire « La substance explicite: […] »

8 – Les étudiants ne sont pas formés pour acquérir une compétence qui se mesurerait seulement à la capacité d’excellence de réalisations par soi-même, de traitements devant répondre à une idéologie normative préétablie dans un contexte déterminé et invariable.

9 – Achille  Mbembe, De la postcolonie. Essai sur l’imagination politique dans l’Afrique contemporaine, Paris, Karthala, 2000, p. 36.

10– Voir l’illustration de la page des journées professionnelles 2017 sur le site du MCC

11 – La praxéologie qu’elle mobilise, vise la connaissance de toutes les activités spécialisées en institution muséale, incluant leur pratique par mimétisme et conscientisation de tous leurs ressorts. [Yaêl Kréplak, Whose black box is it? A praxiological perspective on contemporary art conservation, Article présenté au workshop international « Resetting the Black Box ? Beyond Art History and Science Studies », organisé par Philippe Sormani, Istituto Svizzero, 22/09/17]. 

La ronde de nuit mise à jour en public

L’un des tableaux les plus célèbres et les plus ambitieux de Rembrandt, la ronde de nuit (1642) doit faire l’objet de traitements de conservation et de restauration de grande ampleur dès l’an prochain, et à portée de vue des visiteurs. En effet, à compter de juillet 2019, le portrait de groupe monumental du maître néerlandais sera traité en public pendant plusieurs années au Rijksmuseum Museum d’Amsterdam. Les spécialistes et experts travailleront sur la peinture à l’intérieur d’une cage en verre spécialement conçue pour l’occasion. L’ensemble du processus sera non seulement visible par le public in situ mais aussi diffusé en ligne. Le procédé n’est pas sans rappeler l’enceinte vitrée installée au Musée d’Orsay en 2014 pour la conservation-restauration de l’atelier de Courbet.

Enceinte vitrée autour de L’atelier du peintre© Musée d’Orsay / Sophie Boegly-Crépy

Sans doute pour faire preuve de transparence et couper court au risque de polémique, ce projet semble correspondre à une médiation de la restauration de plus en plus à la mode. A la Huntington Art Gallery aussi, la conservatrice-restauratrice de peintures Christina O’Connell avait supervisé l’installation d’une sorte d’arène pour mener à bien le projet «Blue Boy». Il s’agissait d’ une exposition d’un an à propos de la conservation et de la restauration d’une peinture du XVIIIe siècle de Thomas Gainsborough. Les jeudis, vendredis et les premiers dimanches pendant plusieurs mois, la conservatrice-restauratrice a travaillé en silence devant le public, avant de se mettre à sa disposition pour une discussion de 15 minutes.

L’initiative Huntington, financée par une subvention de la Bank of America Art Conservation Project, avec l’appui supplémentaire du Getty’s Conserving Canvas, offrait une visibilité publique à une profession habituellement invisible ou occultée.

Ce tableau, considéré comme l’un des plus grandioses de Rembrandt, fut commandé par des membres de la garde civile d’Amsterdam dirigée par le capitaine Frans Banninck Cocq et le lieutenant Willem van Ruytenburch. Plutôt que d’envisager leur portrait statique, Rembrandt a choisi de peindre la milice en mouvement. La ronde de nuit est la pièce maîtresse de la collection du Rijksmuseum depuis 1808. On a estimé qu’elle est vue par environ 2,2 millions de personnes chaque année.

S’adressant au New York Times, le directeur du musée, Taco Dibbits, a qualifié l’entreprise de “plus grand projet de conservation-restauration et de recherche de tous les temps” et a estimé que cela coûterait plusieurs millions de dollars.

Les (conservateurs-)restaurateurs des musées qui surveillent régulièrement l’état de œuvre, déclarent avoir observé des changements importants dans son état au cours du temps, notamment le blanchiment d’un chien dans la partie inférieure droite de la toile.

La ronde de nuit a été restaurée pour la dernière fois en 1976 après qu’un visiteur l’ait vandalisée avec un couteau à pain. Les conservateurs-restaurateurs ont pu opérer le chef-d’œuvre de Rembrandt aussitôt après l’attentat. Quarante ans plus tard, les retouches ont commencé à jaunir et doivent être refaites.

Selon le Times, les conservateurs-restaurateurs passeront les huit premiers mois à effectuer une série de tests pour examiner le tableau avec des technologies informatisées de pointe, telles que le balayage par fluorescence aux rayons X macroscopiques qui permettent aux chercheurs d’évaluer isolément les couches de peinture .

Dibbits a noté que la technologie contemporaine offre aux chercheurs une opportunité de découvrir des informations auparavant inconnues sur le célèbre chef-d’œuvre. «Nous pourrions résoudre de nombreux mystères de la peinture», a-t-il déclaré. «En réalité, nous ne savons pas grand chose de la façon dont Rembrandt l’a peinte. Lors de la dernière intervention de conservation-restauration, les techniques étaient limitées aux radiographies et nous avons maintenant beaucoup plus d’outils. Nous pourrons nous pencher sur l’esprit créatif de l’un des artistes les plus brillants du monde. ” Plus surprenant encore, dans quelques années, lorsque les opérations seront achevées, le tableau “reprendra vie”. “Vous pourrez voir beaucoup plus de détails, et il y aura des zones de la peinture qui seront beaucoup plus faciles à lire”, a renchéri Dibbits.

Regard-s de et sur la colonisation

Une actualité récente interroge la colonisation , son histoire et ses méthodes. Au musée du Quai Branly-J.Chirac (MQB-JC) jusqu’au 7 octobre, “Le magasin des petits explorateurs” met en lumière tout l’arsenal édifiant des objets fabriqués pour les plus jeunes comme supports de la propagande coloniale imprégnée de la supériorité du colonisateur sur le colonisé. On peut constater dans l’exposition un nombre impressionnant d’objets les plus divers, de récits et d’images, (jouets, jeux de société, attractions foraines, films, expositions universelles et musées ou dessins animés) correspondant à l’attirail déployé pour imprégner la figure de l’étranger et la représentation des sociétés de l’ailleurs dans les jeunes cerveaux.  Le visiteur ne peut pas ressortir indemne de la réflexion à laquelle l’exposition l’invite sur l’éducation-bourrage de crâne et l’altérité dépréciée par la répétition systématique de stéréotypes soigneusement élaborés, à travers la littérature pour la jeunesse, depuis le XIXe siècle jusqu’à nos jours. Sous couvert d’exotisme nourri par des évocations de contrées paradisiaques, de territoires d’exploration aventureuse, d’une nature hostile et sauvage peuplée d’étrangers aux moeurs effrayantes, le discours colonial fut servi par le zèle de savants et d’auteurs européens, littéraires comme visuels.  Ceux-ci ont alimenté un imaginaire qui ne s’embarrasse pas de contradictions et d’ambivalences énormes : clichés répétitifs côtoyant la soif d’exotisme et d’aventure, sentimentalisme  frayant sans vergogne avec des lieux communs. Le public, empreint de nostalgie, est pris à témoin de ce regard daté, raciste, mais dont il se rend bien compte avec un certain malaise plus ou moins refoulé qu’il persiste toujours, pour une part plus ou moins importante … dans ses propres yeux.

Un gros livre collectif de  97 auteurs, 544 pages comportant 1200 illustrations, Sexe, race et colonies coordonné par Pascal Blanchard, Nicolas Bancel, Gilles Boëtsch, Dominique Thomas et Christelle Taraud, s’est donné pour objet courageux de parcourir et révéler l’histoire coloniale à l’aune  d’une part nauséabonde de la sexualité. La trilogie domination, racisme et sexe, édifiée durant plus de six siècles, toujours présente avec des relents  contemporains, y est analysée. Les auteurs n’évitent pas la révélation de la cruauté et de l’obscénité, en particulier des images (sauf celles qui sont pédophiles et retrouvées à foison), même quand ce dévoilement public ne fait pas l’unanimité chez les auteurs. Etait-il inévitable de montrer ce type d’images et autant à la fois ? Dès l’introduction, les auteurs prennent position : «Nous pensons qu’il est impossible de déconstruire ce qui a été si minutieusement et si massivement fabriqué pendant près de six siècles, sans montrer “les objets du délit”.» Christelle Taraud, enseignante à Columbia University, situe la question en précisant que «Le débat de “montrer ou non” est une question qui traverse les féministes, comme les universitaires qui travaillent sur la prostitution ou la pornographie. Une école “prohibitionniste” pense qu’on ne devrait plus jamais montrer ces images humiliantes. Un autre courant, dont je suis, estime que la domination visuelle participe largement de la domination globale, et qu’on ne peut déconstruire sans dévoiler.»

Là encore, comme dans l’exposition du MQB-JC ce sont la profusion et la répétition qui provoquent une sidération. Ce sont toujours  des images, mais cette fois c’est un déversement de celles qui caractérisent des fantasmes sexuels, majoritairement celles de corps “nègres, noirs” palpés, pincés, enchaînés, séquestrés de femmes exposées, exotisées, érotisées par de tout puissants colons, eux vêtus de blanc de la tête au pied. Prendre possession d’un territoire passe par la mise-à-nu de ses occupants. Sous prétexte de les étudier, de les détailler, de les classifier scientifiquement, on a produit des images pour illustrer les manuels d’ethnologie et de médecine. La peinture et la photographie y ont pourvu tout en alimentant une économie porno-coloniale des plus fructueuses par la diffusion de milliers de cartes postales érotiques.. S’installer dans le ventre de la femme, déviriliser les hommes, c’est la domination la plus radicale, inscrite dans le sang et plus seulement dans le sol. … / …  La grande question de la colonisation, ce n’est pas la conquête des territoires, c’est le partage des femmes, assure l’historienne Christelle Taraud, qui fait partie des cinq coordinateurs de l’ouvrage. 

Pas plus que l’exposition précédemment évoquée, le livre ne fait pas acte de contrition  ou  de «repentance» quand bien même ses chiens de garde ne manqueront certainement pas de se faire entendre pour la dénoncer. Le travail scientifique partagé ici, met au grand jour une part d’ombre,  insue ou tue parce que taboue, de l’histoire de la colonisation et de ses mécanismes corrupteurs. Une histoire de la construction et de l’entretien d’un imaginaire nourri par des fantasmes dont l’image est le plus efficace des vecteurs. En écho au colloque pluridisciplinaire,  dont la visée est d’interroger ” la circulation des artistes et des artefacts entre la France et les territoires de son Empire”,   les deux démarches décrites dans ce billet en appellent à «Un travail de déconstruction dev[enu] aujourd’hui, plus que jamais nécessaire».


Prévention des risques causés par … les oeuvres.

Anish Kapoor, Descent into Limbo (1992) at the Fundação de Serralves, Museum of Contemporary Art in Porto. Photo by Filipe Braga

Décidément on n’en finit plus de reparler d’Anish Kapoor, mais pour cette fois, ce n’est pas à propos d’une de ses oeuvres vandalisées. Fasciné par le vide, Anish Kapoor a conçu quelques unes de ses oeuvres les plus fameuses pour en témoigner. Mais il n’avait sans doute pas imagjné  qu’un visiteur italien sexagénaire  de la Fundação de Serralves, musée d’art contemporain de Porto au Portugal, tomberait malencontreusement dans une fosse d’environ 2,5 mètres, circulaire et peinte d’un noir très profond — dont l’artiste a acquis les droits exclusifs, le Vantablack — faisant partie de l’installation de l’artiste Descent Into Limbo Une chute sévère au point que le malheureux a été hospitalisé à la suite de l’incident qui a eu lieu le 13 août selon le journal local Público. L’exposition Anish Kapoor: Œuvres, pensées, expériences, la première enquête muséale portugaise de l’artiste, où le texte de l’affichage note que ” la sculpture exprime l’intérêt de Kapoor dans le jeu formel et métaphorique entre la lumière et l’obscurité, l’infini qui sous-tend son travail sculptural. hospitalisé à la suite de l’incident qui a eu lieu le 13 août selon le journal local Público. L’exposition Anish Kapoor: Œuvres, pensées, expériences, la première enquête muséale portugaise de l’artiste, où le texte de l’affichage note que ” la sculpture exprime l’intérêt de Kapoor dans le jeu formel et métaphorique entre la lumière et l’obscurité, l’infini qui sous-tend son travail sculptural.

Anish Kapoor, Descent into Limbo (1992) Photo by Filipe Braga

L’exposition a été immédiatement interrompue à la suite de l’accident. Pourtant les organisateurs avait placardé une signalétique d’avertissement et un gardien occupait la salle lorsque l’homme a chuté. Il faut croire que cela n’a pas suffi. Depuis, le musée informe que les visiteurs devront signer une clause de non-responsabilité en cas d’accident avant de visiter l’installation. Heureusement, l’infortuné visiteur a déjà quitté l’hôpital et se remet de sa mésaventure qui aurait pu être bien plus dommageable.

Anish Kapoor, dessin des vues de dessus et en coupe de “Descent into Limbo” (1992). Photo by Filipe Braga

Sur le site Web de l’artiste, l’œuvre, produite en 1992, est décrite comme une construction cubique avec un trou noir percé dans le sol. “C’est un espace rempli par les ténèbres, pas un trou dans le sol”. L’œuvre emprunte  son titre à un tableau du peintre  Andrea Mantegna.

On connaissait déjà ceux qui valdinguaient sur des plaques de verglas ou sur une peau de banane, ceux qui se prenaient un poteau en pratiquant le SMS ou ceux qui traversaient la route en téléphonant sans regarder. Après d’autres qui piétinent les oeuvres d’art, — comme le maladroit qui a a malencontreusement foulé au pied le « lit de pigments bleu» le 14 avril 2017 lors de la conférence de presse de présentation au MAMAC de Nice de la rétrospective consacrée à Yves Klein — , il faudra désormais compter ceux qui tombent dedans. Voilà une péripétie qui pourrait inspirer ou déconcerter les préventeurs, qui, soit dit en passant, se sont récemment constitués en association.

Association des Préventeurs Universitaires
9 avenue Taillade
75020 Paris
info@aprevu.com

“Anish Kapoor: Works, Thoughts, Experiments,” is on view at the Serralves Museum, Rua D. João de Castro, 210, 4150-417, Porto, Portugal,  through January 6, 2019. 

Restitutions de biens volés en Afrique

C’est lundi 5 mars à l’occasion d’une rencontre avec le président béninois Patrice Talon à Paris, que son homologue français Emmanuel Macron a annoncé la mise en place d’une mission pour la restitution aux pays africains d’œuvres spoliées par la France. La nouvelle n’est pas passée inaperçue en Afrique, où de nombreux dirigeants ont apprécié cette volonté déclarée. Sauront-ils pour autant réunir les conditions nécessaires au retour et à la conservation sécurisée de leur patrimoine sur leur sol, se demande un journaliste burkinabé dans le journal local “Le pays”.

Cette volonté du chef de l’État français succède à sa promesse faite trois mois auparavant à Ouagadougou, de travailler à la restitution aux africains de cette partie de leur patrimoine culturel qui a fait l’objet de vol ou de pillage colonial, principalement par de nombreux coloniaux en tous genres – explorateurs, commerçants, administrateurs, et missionnaires. Ceux-ci arrivèrent au 18 ème et 19 ème siècle au temps de la révolution industrielle pour tenter l’aventure africaine. Dans leur sillage, d’autres collecteurs peu scrupuleux furent les auteurs d’un véritable pillage organisé d’objets que l’on retrouve aujourd’hui dans des musées prestigieux en Europe et aux USA. Des masques, des statuettes et bien d’autres objets encore, ont franchi les océans frauduleusement par des voies secrètes, dont notamment le canal de la valise diplomatique, même après les années 1960 des indépendances.

Il est toujours facile de lancer des promesses, moins de les tenir. Gageons que cette fois, les expériences de restitutions d’un passé récent puissent servir de leçons et conduire à des résolutions de cas plus dignes et plus rapides.

Pour lire la résolution du cas de 30 Vivango,  des statues de bois gravées à la mémoire des ancêtres des Mijikenda, restitués par le Denver Museum of Nature au gouvernement kényan.

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Synthèse d’un mémoire de diplôme: des vantaux de porte.

Étude des vantaux de porte déposés de l’église Saint-Gilles à Chamalières-sur-Loire, en vue de leur conservation-restauration – ESAA, 2012

 Dans son mémoire, Maxime Kitaïgorodski, diplômé en 2012 à l’Ecole Supérieure d’Art d’Avignon, nous propose une réflexion sur la nécessité de développer une approche spécifique en terme de conservation-restauration de biens patrimoniaux, conservés dans leur contexte spatial et social et toujours en fonction.

1) Problématique

L’objet, qui fût au centre de l’attention de l’auteur du mémoire, est une ancienne porte à deux vantaux, placée initialement à l’entrée de l’église Saint-Gilles de Chamallières-sur-Loire, puis déposée en 1893. Elle a subi les effets du temps et des évolutions dues à son usage ayant entraîné  une altération de son intégrité matérielle et formelle. De plus sa dépose, effectuées dans un souci de préservation matérielle, a amputé la compréhension de sa fonction et de sa situation premières ainsi que de sa portée symbolique et spirituelle.

Comment aborder la conservation-restauration d’un mobilier monumental patrimonialisé rattaché à son contexte d’origine et pourtant déconnecté de sa fonction première ? s’interroge l’auteur du mémoire .

Autrement dit, comment faire cohabiter la valeur patrimoniale, et ses exigences de conservation, avec l’expression d’une richesse de fonctions passées, qui ont conduit à la patrimonialisation ? poursuit-il.

Son étude commence par s’attacher à définir les besoins urgents de conservation matérielle et de nécessité de traitements pour préserver l’intégrité matérielle de l’objet, et par ailleurs s’interroge sur la conservation de son identité utilitaire et de sa perception altérée. Pour ce faire, il questionne la pertinence d’associer le regard d’un créateur à la phase réflexive du conservateur-restaurateur.

2) Résolution

a) conserver

Dans le but de préserver l’intégrité matérielle des vantaux, une intervention de type “archéologique” est envisagée, se limitant donc strictement aux opérations de conservation curative et de stabilisation physique. Après un travail fastidieux de relevé d’altérations, un comparatif de différents traitements contre les infestations xylophages a été mené selon les paramètres imposés par le bien, son lieu de conservation et le cadre législatif. Le traitement par fumigation ou anoxie dynamique était tout à fait possible mais c’est finalement le traitement chimique par application liquide qui a été choisi. Auparavant un dépoussiérage a été réalisé et des mesures préventives ( entretien régulier du lieu pour limiter un retour des organismes vivants, l’application d’un produit de préservation préventif …) ont été préconisées.

L’étude mécanique a mis en évidence le déséquilibre des forces exercées sur les vantaux. Aussi l’objectif de l’intervention fut-il de conférer une meilleure répartition des forces s’approchant de celle d’origine. La réalisation d’une structure de maintien n’a pu être engagée mais les principes concernant les exigences de conservation ont été établis. Cette structure devra être développée en fonction des choix de présentation et de disposition dans l’espace qui seront faits. Par ailleurs, les pattes de scellement actuelles corrodées devront être retirées et remplacées par un nouveau système de fixation. Les éléments mobiles directement accessibles seront consolidés afin de limiter tout risque de perte de matière, et enfin,  les éléments métalliques seront protégés.

Au vu des interventions explicitées ci-dessus qui seront mises en place, la dépose des vantaux  a semblé nécessaire. Ils devront alors être déplacés séparément et disposés en position horizontale sur des tréteaux.

b) restaurer

La valeur essentielle conféré à ce bien culturel est liée à son contexte architectural et à son usage fonctionnel initial. Sa disposition spatiale pose aujourd’hui un véritable problème de lisibilité, bien plus que son aspect formel. Ainsi convient-il, dans l’idée d’y remédier, de déterminer aujourd’hui, sa position dans l’espace architectural et la façon de le présenter. C’est précisément cette démarche qui caractérise l’ acte de restauration proprement dit.

Deux préoccupations guident le projet : rétablir la fonction utilitaire en remédiant à la disposition actuelle qui occulte la signification de ce bien, et prendre en considération l’acte de dépose en renonçant à une remise en place des vantaux qui ne tiendrait pas compte des valeurs patrimoniales attribuées au cours du temps.

Afin de répondre à ces exigences, une nouvelle approche est proposée : l’association (conservateur-) restaurateur / créateur dans la réflexion et l’élaboration d’une proposition de restauration. Cette interdisciplinarité a pour but d’élargir les possibilités de notre pratique sans  remettre en cause ses fondements ni prétendre à une généralisation.

Le conservateur-restaurateur agit en premier lieu dans un souci de conservation, phase première et nécessaire de la conservation-restauration, mais qui limite l’exploration de nouveaux champs d’investigation pour la présentation et la mise en valeur patrimoniale. Dans quelles mesures la pensée créative peut-elle enrichir celle du restaurateur ?  Quel rôle lui est attribué ?

L’association avec un créateur pourrait permettre  par sa restauration, la perception de significations de l’objet autres que patrimoniales et d’intégrer au processus une vision du contexte contemporain dans lequel existent aujourd’hui les vantaux.

Le créateur a la possibilité de souligner le caractère utilitaire de ces vantaux en tant qu’élément participant d’un ensemble architectural plus large, en faisant fi de contraintes conservatoires. Or dans ce cas, il devra se placer comme un interlocuteur, un collaborateur présentant une proposition créative en l’adaptant aux impératifs de conservation.

Un exemple de projet concret a été envisagé par l’auteur du mémoire. Il s’agissait de concevoir une structure à même d’assurer un maintien et une répartition des forces, tout en constituant aussi un dispositif de présentation des vantaux et de leur articulation à l’environnement architectural. Hélas cette collaboration n’a pas pu dépasser son état embryonnaire, l’auteur s’étant heurté à des difficultés pour susciter un réel intérêt auprès des créateurs sollicités dans le temps qui lui était imparti. Néanmoins, cette réflexion mérite d’être approfondie et affinée sur le long terme pour enrichir la conservation-restauration de la pensée créatrice et lui ouvrir de nouvelles perspectives.

 

 

Synthèse d’un mémoire de diplôme: des fragments de peaux tatouées

Eloïse Quétel introduit son mémoire (“De la conservation d’un patrimoine caché :  peaux humaines tatouées, de l’anthropologie criminelle à l’intention esthétique”,  soutenu en 2013) par l’exposé de ses intérêts personnels et de ses expériences professionnelles dont découlent ses axes de recherches (passage du cadavre à l’objet patrimonialisé, contexte de mise en œuvre, CR et déontologie de restes humains). Plus loin dans son entrée en matière, elle contextualise et présente l’objet de façon sensible en décrivant l’effet produit sur elle par l’objet lorsqu’elle le découvre. Le restes des informations se trouve sous la forme d’une fiche d’identification qui permet de visualiser facilement et rapidement l’aspect de l’objet et ses conditions de conservation. Il s’agit donc de cinq fragments de peau humaine, tatoués, provenant du torse, des bras et du dessus des pieds d’une personne non identifiée.  L’une de ces informations est tout à fait singulière : l’écart entre la date de décès de l’individu (milieu du 20eme siècle) et le prélèvement des peaux (1997). Les cinq peaux proviennent du musée d’anatomie Testut-Latarjet qui est intégré à la faculté de médecine de Lyon. Elle fait alors un focus sur la gestion des patrimoines universitaire et les problèmes récurrents qu’on y retrouve avec la perte de leur valeur pédagogique qui entraîne actuellement l’état précaire de la plupart de ces collections.

En entame de son étude contextuelle, Eloise Quetel retrace l’histoire du tatouage à travers les époques, qu’elle centre sur des questions sociologiques et anthropologique. Elle rappelle principalement la perception qu’ont les sociétés sur les tatouages et les tatoués, et les ressorts psychologiques qui poussent des individus à se tatouer. Comme celui dont proviennent les peaux qui vivait et s’est fait tatouer au début du XXème siècle. Elle rédige également une introduction à la criminologie qui justifiait les prélèvements de peaux tatouées pour des études scientifiques visant, à l’instar de la phrénologie, à stigmatiser le criminel dont les tatouages seraient alors à considérer comme des marques judiciaires avec une valeur signalétique. L’intérêt de cet ensemble est qu’il est représentatif d’une pratique de la criminologie, qu’il se trouve dans un patrimoine universitaire mais qu’il ne relève finalement d’aucun des deux. En effet, il n’a jamais servi la criminologie, ni d’étude pour l’université. L’objet existe par la simple volonté du conservateur actuel qui, lors de la réfection du laboratoire d’anatomie, a découvert le corps d’un individu au fond du congélateur du labo. Plutôt que d’envoyer le corps au crématorium, au vu de ses tatouages, il décide avec deux étudiants de prélever les parties tatouées, simplement parce qu’il trouvait dommage de les perdre et qu’il souhaitait les conserver. Pour Eloise Quetel, qui interrogea le conservateur, cet acte était « empreint de nostalgie mais aussi d’esthétisme ». Ce qui l’a intéressée , c’est que les tatouages soient représentatifs d’une manière de faire et d’un style révolus. Les préparateurs des peaux n’ont pas été formés à cette pratique, c’est pourquoi la mise en œuvre est étonnante et a produit un objet singulier. En effet, la découpe ne suit pas les tatouages, comme pour les prélèvements de criminologie, mais est délimitée par la forme du corps (bras entier, buste et dessus des pieds). Cet acte n’est pas anodin et révèle chez le conservateur, la volonté d’une finalité esthétique en laissant les parties du corps perceptibles. Dans le mémoire il est même question du « geste créateur du conservateur » qui transforma ces peaux humaines en objet de patrimoine. Les dimensions éthique et déontologique nourrissent des questionnements récurrents en conservation-restauration. Or ici, d’autant plus pour les restes humains, ils deviennent centraux et même indispensables pour définir l’objet étudié.

Après avoir parlé de questions juridiques et déontologiques, l’enquêteuse en vient à se demander comment des corps ou leurs fragments deviennent des biens culturels, patrimoniaux. Dans cette transformation, le processus de néantisation de l’individu (perte de l’identité au profit de sa seule dimension matérielle) devient nécessaire. Les peaux proviennent d’un corps non réclamé qui a fini par se retrouver au congélateur sans utilisation scientifique ni destiné à un quelconque projet. Son processus de néantisation s’est opéré alors très rapidement. Il est intéressant d’observer qu’elle justifie l ’acte des préparateurs des peaux comme répondant à une volonté de « conserver une part de l’identité du disparu alors même que le processus de néantisation avait déjà fait son oeuvre » car celle-ci participe également à cette conservation de l’identité et même à sa restauration. D’une part, par l’écriture de ce mémoire en général, et d’autre part, par sa recherche et l’identification de l’individu qu’elle essaye de mettre en place lors de la lecture iconographique des tatouages. Par ces recherches, elle vise à restaurer cette identité qui a été néantisée. Finalement par son travail de documentation qui vise à destituer le processus de néantisation, elle modifie ontologiquement l’objet. Dans la deuxième partie de son mémoire, l’approche matérielle, elle définit scientifiquement les différents éléments et techniques de mise en œuvre utilisés pour ces peaux (la peau, la congélation, le traitement au formol, le tannage). Elle définit ensuite assez précisément l’état constitutif et l’état de conservation de l’objet.

Il apparaît étonnamment qu’elle fait l’impasse sur les encres utilisées pour les tatouages. Quels sont leur vieillissement post mortem , leurs facteurs d’altération, leur impact sur la peau ? De l’étude qu’elle fait de l’état des tatouages, aucune conclusion n’est faite. Ce choix semble délibéré, tant les propositions de conservation-restauration n’abordent que la conservation préventive et la conservation curative. Elles semblent assez « classiques » même si la restauration matérielle de l’objet n’est pas évoquée dans les propositions.

 

Synthèse d’un mémoire de diplôme: un ensemble de jupe Kanak conservé en musée

Après avoir décrit brièvement le contexte de son travail, « Etude et proposition de conservation-restauration d’un ensemble de jupes kanak du Musée d’Histoire Naturelle de la Rochelle », Marie Bastard nous donne à voir dès les premiers chapitres de son mémoire, ses interrogations par rapport à l’identité même de la collection de l’ensemble de jupes kanak que le Musée d’histoire naturelle de la Rochelle lui a confié.

Tout d’abord les différentes terminologies associées aux objets lui semblent confuses et leur questionnement sous-entend déjà un souhait de définir la jupe comme objet social d’échange et non par une définition structurelle et matérielle. Dans un deuxième point, elle identifie les problèmes qui seraient liées à l’intégrité de l’objet (cf. le sens qu’en J.P. Cometti) car les jupes Kanak sont présentées de différentes façon : roulées, légèrement déroulées ou totalement déroulées. Puis,elle identifie un troisième point : c’est celui du statut de l’objet. Est-ce un objet d’usage courant, un vêtement cérémoniel ou encore un objet d’échange économique ? Afin de mieux définir les problèmes sous-jacentes soulevés par cette objet en particulier, elle va alors enquêter sur cette collection et son contexte colonial, puis post-colonial, afin de mieux comprendre les considérations de l’époque sur les plans esthétique, idéologique et historique. Après ses premières investigations et la mise en corrélation des différents aspects des jupes-monnaies avec les contextes passé et actuel, Marie Bastard va se demander si actuellement les différentes modalités d’expositions correspondent à la diversité des états de la jupe-monnaie. En effet, des aspects différents de la jupe-monnaie kanak, vont découler une enquête qui va lui permettre de comprendre ses différentes définitions et formuler une problématique : «L’état de conservation de l’objet et celui dans lequel il était exposé, obscurcit-il la connaissance de son état et de sa fonction originelle ?» Cette problématique est représentative de la relation entre l’exposition de l’objet, son état en tant qu’objet extra-europeen, son état de dégradation et sa fonction originelle que l’auteur n’a pas encore identifiée et qui devrait lui permettre de définir par la suite des solutions de conservation-restauration. Par la résolution de cette problématique, elle projette de mieux connaître la jupe-monnaie au sein de la culture kanak pour finalement identifier deux types de jupes : une jupe d’échange cérémonielle et un vêtement quotidien avec une détentrice individuelle. Pour appuyer son propos ,elle fait notamment référence à la notion d’objet personne de Bazin. De plus, en replaçant l’objet dans son contexte d’origine, elle va pouvoir inscrire la jupe-monnaie dans un réseau d’alliance. Pour tenir cette conclusion, elle s’appuie sur une enquête ciblant les coutumes, échanges, contexte, mais également sur les critères esthétiques imposés par le groupe social. En effet, l’objet devrait être correctement enroulé, avoir peu d’espace entre les rangs, être serré, avoir des franges verticales et alignés, avoir un tressage régulier afin d’accentuer la valeur décorative des traits verticaux. Grâce à cette enquête, elle a pu constater des dysfonctionnements esthétiques,  aborder l’étude technique et la comparaison avec des objets similaires.

Marie Bastard a identifié les diverses fonctionnalités de l’objet et ses différentes temporalités qui se trouvent sous trois différents modes d’existence de l’objet : déroulée car activée par une personne, en train d’être déroulée  et sous forme conique pour une offrande. Son projet de conservation-restauration (nettoyage, muséographie, etc). correspond parfaitement à une polysémie de l’objet qu’elle s’est efforcée de mettre à jour.

D’une marquise à un conte de griot

Le musée d’art et d’industrie André-Diligent « La Piscine » de Roubaix, vient d’acquérir pour 150 euros un ex voto un peu particulier. Il s’agit d’un vitrail en parfait état de 60 X 45 cm représentant un certain Mamadou N’Diaye en costume cravate, avec en arrière-plan, le drapeau  national   du  Sénégal  fixé sur une sagaie et un baobab surmonté d’un blason figurant un lion rugissant devant une croix étoilée.

Crédits: Anonyme “La Piscine”

C’est Germain Hirselj, 34 ans, régisseur de musée et administrateur de la Société des Amis de La Piscine qui l’a déniché par hasard dans un dépôt-vente de Villeneuve-d’Ascq.« Je connaissait vaguement l’histoire de Mamadou. Mais mon père l’a connu et a même eu affaire à lui pour de grosses douleurs dans le dos. Mamadou a été un quelqu’un de très populaire ici » confie-t-il. Au bas du vitrail on peut lire lit la dédicace « Au cher Monsieur Mamadou qui m’a sauvé la vie. », signée la « Marquise ». On sait qui déposa l’hommage à ce monsieur dans la  brocante : il s’agit d’Agnès Sinko, une habitante de la commune voisine de Wattrelos, après qu’elle eut possédé cet objet pendant 32 ans. Elle l’avait acquis avec trois autres portraits lors de la vente aux enchères des affaires de Mamadou N’Diaye à sa mort, celui-ci étant sans héritier. Elle a raconté dans le quotidien local La Voix du Nord qu’« il avait soulagé mon mari après un tour de reins. Puis, quelques années plus tard, il a eu une entorse. Les médecins lui ont dit qu’il ne pourrait plus marcher normalement … Et là encore, Mamadou l’avait soulagé ». La découverte de ce bien culturel est une aubaine pour un musée soucieux de rendre compte aussi de l’histoire de l’immigration. Cependant, ce n’est qu’en octobre 2018, à la fin prévue des travaux du musée que le vitrail sera accessible au public, avec on peut l’espérer, la lumière faite sur l’identité de la mystérieuse commanditaire de l’ex-voto. Une enquête en direction des maîtres verriers locaux de l’époque est une bonne piste …

Mais qui était donc ce Mamadou N’Diaye,  célèbre rebouteux au point de recueillir la vénération de toute une population locale en un temps où les immigrés africains sont rares ? Sur sa tombe d’abord laissée à l’abandon au cimetière de Roubaix et dont une famille belge a repris la concession funéraire pour l’entretenir, on apprend qu’il est né en 1909 à Djourbel au Sénégal, la ville natale de Léopold Sédar Senghor. Originaire d’un pays dont les ressortissants sont très majoritairement musulmans, il semblerait qu’il fut chrétien.

Crédits : NORD ECLAIR / MAXPPP

Marin pendant neuf ans dans la marine marchande, il finit par s’installer à Roubaix au quartier du Pile en décembre 1931. Mamadou N’Diaye est âgé de 22 ans et fait partie des tout premiers Africains de la ville. Il s’adonne à la boxe au point de fonder plus tard, dans les années 1950, le Boxing Club Colonial de Roubaix.

Crédits : NORD ECLAIR / MAXPPP

On le surnomme de façon peu originale “la panthère noire” et il formera de nombreux boxeurs nordistes. Il se marie en 1951 avec Alice Viane, une employée de banque qui avait promis de l’épouser s’il parvenait à effacer ses douleurs ; ils n’auront pas d’enfant. Pendant le même temps, il exerce son talent de guérisseur spécialisé dans la chiropractie, une manipulation corporelle qui traite particulièrement les douleurs causées par des déplacements d’éléments du squelette. « D’un geste de la main, Mamadou vous remettait les vertèbres en place », raconte Germain Hirslej. Sa très bonne connaissance de l’anatomie lui venait certainement de sa pratique du noble art. Le bouche-à-oreille le rend célèbre au point qu’un grand nombre de patients insatisfaits par leurs consultations auprès de praticiens reconnus, affluent. De nombreux sportifs viennent de toute la région pour se faire soigner après leurs compétitions. Même les médecins orientent leurs patients vers Mamadou N’Diaye dès lors qu’ils ne parviennent plus à résoudre leurs maux. Sans autorisation ni aucun diplôme, il ouvre un cabinet de guérisseur au 22, place Carnot à Roubaix. Sa réputation grandit et dépasse la frontière, attirant des patients belges. « Ma grand-mère, qui habite depuis très longtemps le quartier du Pile, se souvient des nombreux véhicules belges qui se garaient sur la place », ravonte Germain Hirslej.

Crédits : NORD ECLAIR / MAXPPP

Hélas, son succès lui attire les foudres de l’ordre des médecins, qui porte plainte pour exercice illégal de la médecine. Au total, il sera poursuivi vingt-deux fois. En 1967 a lieu le dernier de ses procès devant la sixième chambre correctionnelle du tribunal de grande instance de Lille. Le rebouteux est défendu par un certain André Diligent qui sera sénateur et maire de Roubaix de 1983 à 1994, qui a du reste donné son nom au musée roubaisien de la “piscine”.

Près de 300 patients de Mamadou N’Diaye vinrent ” de Paris, de la Sarthe,  et surtout de Belgique pour le soutenir”, nous apprend l’article du quotidien local Nord Eclair du 19 avril 1967. A la date du procès, le guérisseur a déjà délivré près de 23000 attestations médicales. L’audience permet à moult témoignages en sa faveur de s’exprimer. Un médecin est venu affirmer qu’il avait conseillé à des patients d’aller consulter Mamadou N’Diaye. Quatre fois en quinze ans, un prêtre s’est fait soigner chez lui. Le jury finira par être convaincu quand le guérisseur soulagera ipso facto la greffière qui souffrait de terribles douleurs au dos. «  On perçoit un craquement impressionnant. La greffière reste figée sur place. Elle est guérie  », rapporte la presse locale dès le lendemain. Le tribunal ordonne pourtant la fermeture de son cabinet. Mais finalement, en  appel le rebouteux ne  sera condamné  qu’à une peine symbolique de 2000 francs avec sursis et, contrairement aux sanctions prévues par la loi, son matériel lui sera restitué. Un encouragement à continuer son activité ! Mamadou N’Diaye poursuivra son exercice jusqu’à son décès en 1985, à l’âge de 75 ans, après avoir délivré en tout 54000 attestations médicales. Jusqu’à sa mort, les paroissiens de l’Eglise  du Très-Saint-Redempteur rendront hommage à Mamadou N’Diaye lors de messes d’action de grâce.

Après le bruit fait par la  réapparition  du vitrail, les trois tableaux, mentionnés plus haut, tous signés vraisemblablement par des artistes amateurs et représentant Mamadou N’Diaye, ont été mis en vente sur Ebay. L’association des Amis du musée “La Piscine”  les a aussitôt acquis puisqu’ils faisaient partie d’un ensemble comprenant le fameux vitrail. C’est en revendant le lot à un brocanteur, l’été dernier, qu’ Agnès Sinko a sans le vouloir remis en lumière cet homme au destin si singulier. «  J’ai l’habitude d’exercer une veille constante sur tous les objets pouvant intéresser le patrimoine roubaisien  » raconte Germain Hirselj qui ne voulait pas rater ce lot de trois tableaux. « Ceux-ci sont importants par ce qu’ils racontent de l’histoire de Mamadou, il était indispensable de recréer cet ensemble avec le vitrail  » .

Crédits: La voix du Nord

Il   aura   fallu   attendre   2017   et  la trouvaille   de  quatre  effigies   de  Mamadou N’Diaye,  l’illustre  rebouteux  nordiste, pour que le musée   de la piscine inaugure un espace  dédié    à   l’ immigration, notamment africaine. Un signe encourageant  à l’heure  d’un  rejet  du phénomène migratoire  par  une bonne partie  de la population européenne, et en   faveur  d’une    histoire   de  la contribution   des   immigrés   de  toutes origines  à  la  société  française,  encore  beaucoup  trop   absente  des consciences cet mémoires citoyennes.

(NB: L’accord de réutilisation des images figurant dans ce billet, a été sollicité auprès des supports de diffusion initiaux)

Restitution des têtes des résistants algériens

L’initiateur de la pétition Restitution des têtes des résistants algériens, détenues par le Musée de l’Homme, Brahim SENOUCI, vient d’informer les quelques 30 000 signataires que le Président Macron a annoncé très officiellement, lors de son voyage en Algérie, que les crânes des martyrs algériens seront restitués à leurs ayant-droit.

Il s’agit de crânes aujourd’hui  rangés à l’intérieur de boîtes numérotées et conservés au Musée de l’Homme , dont celles des chefs de l’insurrection des Zibans : Bou Amar Ben Kedida, crâne n° 5943  Boubaghla, crâne n° 5940. Mokhtar Al Titraoui, crâne n° 5944. Cheikh Bouziane, crâne n° 5941. Si Moussa Al Darkaoui, crâne n° 5942. Aïssa Al Hamadi, lieutenant de Boubaghla, tête momifiée n° 5939.