Archives de catégorie : Livres

J.-P. Cometti, N. Quintane (dir.), L’art et l’argent

Jean-Pierre Cometti, Nathalie Quintane (dir.)

L’ART ET L’ARGENT

Amsterdam éditions

ISBN 9782354801540

16 EUROS

152 p.

PARU LE 21 AVRIL 2017

L’art et l’argent : ce vieux couple célèbre depuis peu de nouvelles noces, à nouveaux frais. À tel point qu’il est devenu difficile, voire impossible, de ne pas immédiatement parler d’argent lorsqu’on parle de l’art d’aujourd’hui. L’art semble désormais l’affaire exclusive des plus riches ; les autres sont invités à en admirer les effets mais à éviter d’en tirer les conséquences et d’en penser l’implicite.

Ce livre part au contraire de l’idée que la question de l’art, donc aussi celle de ses rapports avec l’argent, appartient à tout le monde. En mêlant témoignages, essai littéraire, textes théoriques et reproductions d’œuvres contemporaines, en s’intéressant aux fondations privées comme aux écoles d’art, à la spéculation comme à la condition d’artiste, il voudrait permettre de mieux comprendre depuis quand, comment et sous quelles formes la « valeur » argent a transformé nos façons de faire de l’art, de le regarder et d’en parler.

Sommaire et contributeurs :

Jean-Pierre Cometti : Onze thèses sur l’art et le marché de l’art

Jovan Mrvaljevic : Bizarre Love Triangle

Olivier Quintyn : La valeur somptuaire de l’art et la pauvreté des artistes

Claire Bishop : Nous sommes tous des artistes publics

Entretien avec le directeur d’une école d’art municipale : Dernières nouvelles des écoles d’art

Témoignages d’anciens étudiants en écoles d’art : L’école des classes

Jean-Pierre Cometti : L’art riche

Sylvie Coëllier : Collectionneurs, spéculateurs…

Nathalie Quintane : Parler d’art en plein tournant mécénal

Pourquoi nous vivons un tournant historique

L'âge de la régression - Pourquoi nous vivons un tournant historique - APPADURAI ARJUNEditeur: Premier parallèle      Date de sortie : 13/04/2017

Nous vivons un tournant historique. Non, nous n’avons pas assisté à « la fin de l’Histoire ». Loin de marquer le début du règne d’une démocratie universelle et d’un capitalisme heureux, la chute du mur de Berlin a inauguré une période de tourments politiques. Ascension de partis nationalistes (pensons par exemple au Front national), démagogie (telle que l’incarne Donald Trump), souverainisme (Brexit), tendances autoritaristes d’Europe centrale et d’Europe de l’Est (Hongrie et Pologne), appels à la « grandeur » et à la « pureté » nationale (Narendra Modi en Inde, Vladimir Poutine en Russie), vague générale de xénophobie et de crimes haineux, brutalisation des discours politiques, complotisme, « ère post-vérité », appels à l’érection de murs toujours plus nombreux, toujours plus hauts… Tout se passe comme si nous assistions à un grand retour en arrière. Comme si la peur, la violence et le repli sur soi l’emportaient sur les espoirs jadis nourris par la mondialisation. Quinze intellectuels, chercheurs et universitaires de renommée internationale explorent les racines profondes de la situation qui est la nôtre aujourd’hui, et qu’il est permis d’appeler une « grande régression ». Ils la replacent dans son contexte historique, s’attachent à élaborer des scénarios possibles pour les années à venir, et débattent des stratégies susceptibles de la contrecarrer. Arjun Appadurai, Zygmunt Bauman, Nancy Fraser, Bruno Latour, Eva Illouz, Ivan Krastev, Paul Mason, Pankaj Mishra, Robert Misik, Oliver Nachtwey, Donatella della Porta, César Rendueles, Wolfgang Streeck, David van Reybrouck, Slavoj Žižek. Préface de Heinrich Geiselberger. (Desription de l’éditeur).

Authenticity in transition

Authenticity in Transition: Changing Practices in Contemporary Art Making and ConservationContents:
‘In the Wings’ – Jill Sterret; Conservation of contemporary art: from concepts to practice, Cloaca by Wim Delvoye – Dr Muriel Verbeeck and Nico Broers; When the critical reception won’t let go of the inaugural exhibition: The case of the fragmentation of Mike Kelley’s Day Is Done – Dr Ariane Noël de Tilly; In search of the real Suzanne: Conservation of Julian Opie’s Suzanne Walking in Leather Skirt (2007) – Joanna Shepard; Shaping a collection of current art. Between curator and the artist – a problem of authority – Agnieszka Wielocha; The legalities of authenticity and contemporary art – Jean Brown; Stills and Touches. Paper conservator in a private gallery – Magdalena Grenda; Authorship and intentionality in the Contemporary Art Museum – Dr Glenn Wharton; The conservation of the Cybernetic Tower of Nicolas Schöffer: between the continuity and historicity of the production – Manon D haenens; Good Vibrations: Conserving Soto’s Grande muro panoramico vibrante – Dr Paolo Martore; Shifting authenticities in re-performance – Christine Baviere; The aesthetics of change: On the Relative Duration of the Impermanent and critical thinking in conservation – Dr Hanna Hölling; …Designed to exist in passing time: Robert Rauschenberg’s Black Paintings – Jennifer Hickey; Through the conservator s lens: from analogue photowork to digital printout – Sanneke Stigter; Mind the gap: Recognising the material legacy of transitional art practice – Dr Dawn V. Rogala; Street Art: Its evolving materials and a consideration of how necessity is the mother of invention – Will Shank; Tracing authenticity in the computational age by looking at alliances in net art practices – Dr Annet Dekker; Artist’s experiments with new materials in works of art: How to preserve intent and matter – Dr Monika Jadzinska; Motors matter: Electro-Mechanical devices in contemporary art preservation. Two case studies – Laura Calvi, Iolanda Ratti, Roberto Dipasquale; Connecting practices of preservation: exploring authenticities in contemporary music and performance art – Andreia Nogueira and Hélia Marçal; Authenticity and authorship in socially engaged art – Dr Rebecca Gordon; Identifying aesthetic and technological thresholds in the restoration of contemporary art – Tiarna Doherty and L. H. (Hugh) ShockeyWashington DC; Conserving authenticity in transition – Stephanie de Roemer; Blind spots in contemporary art conservation. Results of an interdisciplinary workshop – Julia Giebeler, Nora Krause, Prof. Dr Gunnar Heydenreich; Authenticities and ontologies: an approach from practice theory – Prof. Renée van de Vall.

Art et artefact / Art and artifact

PUTMAN, James, Art and artifact, Editions Thames & Hudson, London, 2001, 208 pages, 280 illustrations dont 227 en couleurs. Traduit en français par C.-M. Diebold sous le titre Le musée à l’oeuvre, Thames & Hudson, Paris 2002

Conservateur des Arts Contemporains et responsable du programme des Cultures au British Museum, James Putnam explore six thèmes distincts mais corrélés entre eux, au cours d’un fascinant examen du rôle non conventionnel du musée dans l’art contemporain. Le livre fournit une enquête sur la façon dont les musées et leurs collections ont été décrits et utilisés par des artistes contemporains, et le gain que cela représente pour le du musée en tant qu’interprète culturel. Putnam détermine d’abord l’iconographie du musée, l’aura qu’il confère aux objets exposés, et son utilisation parfois paradoxale pour élever le banal ou le grotesque. Il révèle en fin de compte que, dans l’ère post-moderne, les artistes ont fait des musées moins un lieu de consommation passive d’informations apparemment objectives et de valeurs hiérarchiques, et plus un forum ouvert d’enquête stimulante, de discours et même de controverse. Doté d’une profusion d’illustrations, le livre présente un survol général  du rôle des artistes contemporains et de leur travail dans la muséographie et l’exposition. « Les artistes considèrent aujourd’hui les musée comme remplis d’art non pas mort, mais pleins de la vie des courants artistiques. » [Arthur Danto, Après la fin de l’art.] Ce livre est la première grande enquête  sur l’un des thèmes les plus importants et intrigants de l’art d’aujourd’hui : la relation souvent obsessionnelle entre l’artiste et le musée. C’est une relation avec une longue histoire, dont la signification tout entière peut être repérée dans les productions des artistes au cours des dernières décennies. Des premiers cas d’un désir puissant de rassembler des objets exotiques, « le cabinet de curiosités, » à l’assemblages d’objets trouvés et aux imitations d’expositions de musée, les artistes ont souvent tourné leur attention vers les idées et les modalités traditionnellement incarnées dans la muséographie, l’archivage, la classification, le stockage, la « curation » qu’ ils ont alors adoptés, imités et interprétés à leurs propres manières. En citant une  gamme élargie d’exemples, « du Musée Portable de Marcel Duchamp » à l’utilisation distincte de vitrines par Damien Hirst, James Putnam examine les thèmes par lesquels l’artiste et sa relation au musée sont définis et redéfinis. Il montre non seulement les solutions qui ont influencé les artistes  à partir de systèmes muséaux,  et qui leur ont permis de réaliser leurs œuvres dans une simulation du musée, mais aussi comment ils ont interrogé la fonction des musées, observé leurs pratiques, comment ils y sont intervenus et ont contribué à les redéfinir. Ce sujet  est celui  autour duquel gravite directement et indirectement le dialogue de l’art contemporain. Sans rival, cet ouvrage est un de ces livres rares qui deviendront la lecture essentielle pour tous ceux qui s’intéressent au développement de l’art et de sa présentation au public dans les expositions permanentes et ponctuelles.

Le livre s’achève avec une exploration de que l’avenir réserve au musée et comment l’art contemporain contribue à déterminer son incarnation future. Les images d’installations, la majorité en couleur, illustrent presque chaque page et sont accompagnées par d’importantes légendes expliquant la signification des œuvres et comment chacune concerne le thème qu’elle illustre.

Résumé de l’éditeur en français: Face à l’émergence d’une tendance muséographique dans l’art et à la multiplication des interventions d’artistes au sein du musée traditionnel, James Putnam se propose d’analyser, pour la première fois, un phénomène passionnant : l’utilisation du musée comme médium. De Marcel Duchamp et sa Boîte-en-valise à Damien Hirst et ses vitrines, nombreux sont les artistes qui, depuis plus d’un demi-siècle, se sont intéressés, d’un point de vue créatif et critique, aux systèmes de conservation, de classement et de présentation propres au musée afin de se les approprier, de les imiter et de les réinterpréter. A travers les oeuvres de plasticiens tels que Hans Haacke, Christian Boltanski, Tracey Emin, Fred Wilson ou encore Ilya Kabakov et des projets réalisés dans des musées non artistiques – donc encore peu connus des milieux de l’art et ici publiés pour la première fois -, l’auteur montre non seulement comment des artistes ont été influencés par les systèmes muséographiques et ont fait de leurs oeuvres des simulations du musée, mais aussi comment ils ont analysé les pratiques de l’institution muséale, ont interrogé sa nature et son rôle, sont intervenus en son sein, et ont contribué finalement à la redéfinir. En proposant un panorama des différents regards portés par les artistes sur le musée et des dialogues entre musées et artistes qui en sont nés, cet ouvrage dresse le tableau, en ce début de XXIe siècle, d’un musée en pleine mutation.

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A profusely illustrated survey of the role of contemporary artists and their work in museum presentation and display. « Artists today treat museums as filled not with dead art, but with living artistic options. » Arthur Danto, « After the End of Art » Here is the first extensive survey of one of the most importantand intriguing themes in art today: the often obsessive relationship between the artist and the museum. This is a relationship with a long history, whose full significance has been realized in the activities of artists in recent decades. From early instances of the urge to collect exotic objects, the « cabinet of curiosities, » to assemblages of found objects and imitations of museum displays, artists have often turned their attention to the ideas and systems traditionally embodied in the museumdisplay, archiving, classification, storage, curatorshipwhich they have then appropriated, mimicked, and interpreted in their own ways. Citing a wide range of examples, from Marcel Duchamp’s « Portable Museum » to Damien Hirst’s distinctive use of vitrines, James Putnam examines the themes by which the artist/museum relationship is defined and redefined. He shows not only the ways in which artists have been influenced by museum systems and made their works into simulations of the museum, but also how they have questioned the role of museums, observed their practices, intervened in them, and helped to redefine them. This is a subject around whichdirectly and indirectlycontemporary art dialogue revolves. Without rival, this is one of those rare books that will become essential reading for everyone interested in the development of art and its presentation to the public in museum displays and installations. 280 illustrations, 227 in color.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Un survol général avec profusion d’illustrations, du rôle des artistes contemporains et de leur travail dans la muséographie et l’exposition. « Les artistes considèrent aujourd’hui les musée comme remplis d’art non pas mort, mais pleins de la vie des courants artistiques. » Arthur Danto, Après la fin de l’e livre Art. Ce livre est la première grande enquête  sur l’un des thèmes les plus importants et intrigants dans l’art aujourd’hui : la relation souvent obsessionnelle entre l’artiste et le musée. C’est une relation avec une longue histoire, dont la signification tout entière a été réalisée dans les productions des artistes au cours des dernières décennies. Des premiers cas d’un désir puissant de rassembler des objets exotiques, « le cabinet de curiosités, » à l’assemblages d’objets trouvés et des imitations d’affichages de musée, les artistes ont souvent tourné leur attention vers les idées et les systèmes traditionnellement incarnés dans la muséographie, l’archivage, la classification, le stockage, la « curation » qu’ ils se sont alors appropriés, qu’ils ont imités et ont interprétés à leurs propres façons. En citant une  gamme élargie d’exemples, « du Musée Portable de Marcel Duchamp » à l’utilisation distinctive de vitrines de Damien Hirst, James Putnam examine les thèmes par lesquels l’artiste/la relation de musée est définie et redéfinie. Il montre non seulement les solutions qui ont influencé les artistes  à partir de systèmes  de musées-  et qui leur ont permis de réaliser leurs œuvres dans une simulation du musée, mais aussi comment ils ont interroge la fonction des musées, comment ils ont observé leurs pratiques, comment ils y sont intervenus et ont contribuer à les redéfinir. Ce sujet  est celui  autour duquel gravite directement et indirectement le dialogue sur l’art contemporain. Sans rival, cet ouvrage est un de ces livres rares qui deviendront la lecture essentielle pour tous ceux qui s’intéressent au développement de l’art et de sa présentation au public dans les expositions permanentes et ponctuelles.

280 illustrations, 227 en couleurs.

A profusely illustrated survey of the role of contemporary artists and their work in museum presentation and display. « Artists today treat museums as filled not with dead art, but with living artistic options. » Arthur Danto, « After the End of Art » Here is the first extensive survey of one of the most importantand intriguing themes in art today: the often obsessive relationship between the artist and the museum. This is a relationship with a long history, whose full significance has been realized in the activities of artists in recent decades. From early instances of the urge to collect exotic objects, the « cabinet of curiosities, » to assemblages of found objects and imitations of museum displays, artists have often turned their attention to the ideas and systems traditionally embodied in the museumdisplay, archiving, classification, storage, curatorshipwhich they have then appropriated, mimicked, and interpreted in their own ways. Citing a wide range of examples, from Marcel Duchamp’s « Portable Museum » to Damien Hirst’s distinctive use of vitrines, James Putnam examines the themes by which the artist/museum relationship is defined and redefined. He shows not only the ways in which artists have been influenced by museum systems and made their works into simulations of the museum, but also how they have questioned the role of museums, observed their practices, intervened in them, and helped to redefine them. This is a subject around whichdirectly and indirectlycontemporary art dialogue revolves. Without rival, this is one of those rare books that will become essential reading for everyone interested in the development of art and its presentation to the public in museum displays and installations. 280 illustrations, 227 in color.

Gestion des collections de costumes

Louise COFFEY-WEBB, Managing Costume Collections: An Essential Primer, Texas Tech University Press, Lubbock, Costume Society of America, 192 pp. with 56 ills., 84 pages., February 2016.

Une approche large et systématique de l’organisation et de la gestion des collections de costumes, destinée  à un spectre  de divers publics: depuis l’amateur privé,  jusqu’aux collectionneurs de musées, de sociétés historiques, de théâtres, et de collections d’études,  en respect des besoins fixés par la Société Américaine des Costumes.

 

 

Le premier livre de Gaspard Salatko.

Le dieu situé.
Une enquête sur la fabrique de l’art sacré.
dans le catholicisme contemporain
Gaspard Salatko
ANTHROPOLOGIE DU MONDE OCCIDENTAL
ISBN : 978-2-343-10064-7
21,50 € • 208 pages

En recommandant le commun engagement des fidèles dans les procès publics d’oraison, le concile Vatican II a introduit une réorganisation majeure des lieux du culte catholique. Ce livre entend rendre compte des implications esthétiques de ce programme de restauration du Rituel romain. Par l’adoption d’une démarche d’enquête d’orientation pragmatique portant sur le fonctionnement des laboratoires de liturgie, Gaspard Salatko analyse la façon dont les praticiens et les théoriciens du catholicisme organisent leurs églises étant donné les spécificités du régime français de laïcité. Sous ce rapport, l’observation de la façon dont sont réalisés les lieux conçus pour l’exercice public du culte permet de mettre au jour les modalités situées d’actualisation du dieu chrétien.
L’AUTEUR
Anthropologue, Gaspard SALATKO est chercheur associé au Centre Norbert Elias (CNRS/EHESS-Marseille). Il enseigne l’anthropologie de l’art et du patrimoine à l’École Supérieure d’Art d’Avignon.

TABLE DES MATIÈRES
ESTHÉTIQUE ET CONNAISSANCE DU CULTE CATHOLIQUE CONTEMPORAIN
LES ACTUALISATIONS SITUÉES DU DIVIN
Conditions de possibilité d’une anthropologie du christianisme
Faire du dieu chrétien un objet d’anthropologie
Une théologie de l’image
Se déprendre du paradigme de l’image chrétienne
LE RITUEL AU REGARD DE L’ART SACRÉ
Descriptibilité du Rituel
Décrire le sanctuaire
La question anthropologique du contact
Architecture cultuelle
L’engagement postural des orants
Pour une saisie esthétique du Rituel
Le dieu situé
HÉTÉROTOPIE DU RITUEL
D’une catégorie indistincte
Un laboratoire de liturgie
D’une conception homotopique initiale…
… à la requalification hétérotopique du sanctuaire
La question de l’aménagement des églises durant la période postconciliaire
La forme « art sacré » en question
CONSERVER LES CHOSES DU CULTE ET RESTAURER LE RITUEL
Une gestion plurielle de l’appareil commémoratif chrétien
Les commissions préconciliaires d’art sacré
L’engagement patrimonial des Cdas préconciliaires
Émergence d’un programme de restauration liturgique
L’engagement cultuel des Cdas postconciliaires
Le congrès de l’Arbresle (1966)
L’organisation du congrès d’Avignon (1978)
La séance plénière de Lourdes (1981)
Les implications esthétiques d’une restauration liturgique
La minoration de la place accordée aux images
Restauration liturgique et conservation du patrimoine
Des modes distincts de référence au passé
INSTANCIATIONS MÉMORIELLES DU DIVIN
Des architectures mémorielles hybrides
La mémoire comme contrainte
Une théologie de la mémoire ?
Composer un appareil commémoratif
POTENTIALITÉS D’AFFORDANCE DU CULTE
L’esthétisation des espaces cultuels
D’un traitement dimensionnel de l’espace
Réglages proxémiques du sanctuaire
La perception comme contrainte
LA PLACE DES AUTRES
Site d’implémentation cultuelle
Le dieu absent
L’orant
Le tiers observateur
BIBLIOGRAPHIE
LEXIQUE
Acronymes
Notions étiques
Notions émiques
TABLE DES ILLUSTRATIONS
TABLE DES MATIÈRES

A la découverte des dessous de la peinture impressionniste

Peindre au temps des impressionnistesLes récents travaux menés à l’occasion de campagnes de restauration sur l’histoire matérielle et les techniques de la peinture du dernier quart du XIXe siècle, ont contribué de façon déterminante à un renouveau des études sur les œuvres et la vie artistique de cette période. Le présent volume, qui réunit des contributions de restaurateurs travaillant en Europe ou aux États-Unis, porte une attention particulière aux supports toile et aux préparations, éléments peu visibles des œuvres, qui ont pourtant une incidence directe sur la couche colorée. L’étude des châssis, de la toile à nu, des étiquettes, des tampons, des marques et des différentes couches de préparation donne à voir de nouvelles manières de peindre et met l’accent sur l’attention que portaient des artistes comme Claude Monet, Vincent van Gogh, Émile Bernard, Auguste Renoir, Paul Cézanne ou Paul Gauguin à la technique picturale. En regardant le dessous des peintures de ces artistes nous entrons en quelque sorte dans la fabrique de leurs œuvres.

Sommaire

Bénédicte Trémolières – Introduction ;

  • Ann Hoenigswald – Une question de fond : observations sur les couches de préparation de tableaux du XIXe siècle ;
  • Devi Ormond – Analyse du tableau Le Pardon de Pont-Aven d’Émile Bernard ;
  • Ella Hendriks – Les toiles recyclées de Van Gogh : l’art de l’économie ;
  • Kimberley Muir, Inge Fiedler, Don H. Johnson, Robert G. Erdmann – Étude systématique des toiles utilisées par Claude Monet ;
  • Pascal Labreuche – Marques, étiquettes, inscriptions au revers du tableau : un passeport fiable ? Questions de méthodologie ;
  • Bénédicte Trémolières – Les formats des peintures dans la série des Cathédrales de Claude Monet ;
  • Jean-Pascal Viala – Étude des agrandissements de deux Cathédrales de Claude Monet.

Table des figures

Titre : Peindre au temps des impressionnistes
Sous-titre: L'apport de l'étude matérielle des toiles
Édition   Première édition 
Coordination éditoriale de  Bénédicte Trémolières
Éditeur  Presses universitaires de Rouen et du Havre
Support  Livre broché
 ISBN-13  9791024006710
 Référence  120436-27
 Date de publication  27 septembre 2016
 Nombre de pages: 144
 Format  15,5 x 22 x 0,8 cm
 Poids  300 gr
 Prix   15,00 € 

Une bibliographie à propos des objets.

Du mode d’existence des objets techniques.

SIMONDON Gilbert, Du mode d’existence des objets techniques, Aubier,  {1958] 2012

Comment redonner à la technique le statut qui lui revient dans la culture et comprendre les vraies sources de l’aliénation dont on l’accuse d’être la cause ? Trop souvent, en effet, la réalité technique a été jugée selon l’opposition entre contemplation et action, théorie et pratique, loisir et travail. Ces oppositions ne sont pas adéquates, car l’objet technique ne se définit pas essentiellement par son caractère utilitaire, mais par son fonctionnement opératoire. Il faut attribuer à l’objet technique un statut ontologique à côté de celui de l’objet esthétique ou de l’être vivant, en comprenant le sens de sa genèse. Il est alors possible d’étudier les relations de l’homme avec la réalité technique, notamment du point de vue de l’éducation et de la culture. Mais c’est aussi la genèse de la technicité elle-même qu’il faut comprendre, par l’analyse de l’ensemble des relations fondamentales de l’homme au monde. Cet ouvrage d’une extrême originalité a modifié de façon profonde et durable la réflexion philosophique sur la technique et il est devenu depuis 1958 une référence incontournable de la pensée actuelle.

Le système des objets,

BAUDRILLARD Jean,  Le système des objets,  Gallimard « Tel », [1968] 1978

«Les objets en particulier n’épuisent pas leur sens dans leur matérialité et leur fonction pratique. Leur diffusion au gré des finalités de la production, la ventilation incohérente des besoins dans le monde des objets, leur sujétion aux consignes versatiles de la mode : tout cela, apparent, ne doit pas nous cacher que les objets tendent à se constituer en un système cohérent de signes, à partir duquel seulement peut s’élaborer un concept de la consommation. C’est la logique et la stratégie de ce système d’objets, où se noue une complicité profonde entre les investissements psychologiques et les impératifs sociaux de prestige, entre les mécanismes projectifs et le jeu complexe des modèles et des séries, qui sont analysées ici.» Jean Baudrillard.

La vie des objets: d’ustensiles banals à objets de collection,

BONNOT Thierry, La vie des objets : d’ustensiles banals à objets de collection, Paris, Édition de la Maison des sciences de l’homme, 2002,

Peut-on retracer la biographie des objets ? L’ethnologue Thierry Bonnot, chercheur à l’écomusée du Creusot-Monceau, analyse en particulier le parcours de certaines céramiques de Saône-et-Loire : poteries en grès, bouteilles à encre, vases et cruchons à liqueur, etc. Il montre que l’épaisseur symbolique des objets, même les plus humbles d’apparence, est une construction sociale. Il n’y a pas d’objet strictement « utilitaire » ou qui se réduise à sa valeur commerciale. L’objet s’inscrit dans une trajectoire sociale, il passe de mains en mains : ancien ouvrier céramiste, amateur local, collectionneur, brocanteur, responsable de musée, etc.

Depuis la fabrication jusqu’à la conservation, la fonction, le mode d’appropriation et le statut de l’objet évoluent dans le temps et en fonction de celui qui le manipule.

L’attachement aux choses

BONNOT  Thierry, L’attachement aux choses, Paris, CNRS éditions, 2014.

L'attachement aux chosesLes sciences sociales ont souvent entretenu une vision strictement positiviste des objets, sorte d’échantillons de civilisation infaillibles et univoques. C’était la doctrine de l’objet-témoin. Passer d’une étude des objets en tant que sources d’un savoir sur les hommes en société à une étude des objets comme faits sociaux complexes, dans leur relation avec les hommes et dans leur influence sur les relations entre les hommes, tel est le pari de ce livre. En effectuant un tour d’horizon des travaux récents, l’auteur se propose de retracer l’évolution du traitement des objets par les sciences sociales et notamment par l’anthropologie. La méthode biographique met en évidence l’enchevêtrement des objets dans un réseau d’intérêts particuliers et d’enjeux collectifs, pour mieux saisir le devenir des objets par le jeu de leurs attachements aux acteurs sociaux. Un ensemble d’études de cas, issues d’enquêtes de terrain sur les objets en société, viendra illustrer cette démarche critique touchant à différents domaines de recherches traditionnellement distincts. Quelques propositions conceptuelles et méthodologiques complètent cet ouvrage, pensées comme des ouvertures de nouveaux chantiers et de zones d’échanges entre les savoirs. À l’heure d’un vaste remodelage du paysage muséal et de la dématérialisation annoncée du patrimoine comme de certaines pratiques quotidiennes, qu’en est-il des liens entre les hommes et les objets auxquels ils tiennent ?

Sémiotique des objets. La matière du temps,

BEYAERT-GESLIN Anne , Sémiotique des objets. La matière du temps, Presses Universitaires de Liège, 2015

Ce volume est une réflexion sur le temps représenté par les objets quotidiens. En sollicitant la phénoménologie, les sciences de l’information et de la communication et la sociologie, cette étude sémiotique montre comment une tasse ou une chaise saisissent le temps au passage, lui offrent un plan de manifestation, permettent de le penser et de le mesurer. L’ouvrage se décline en trois volets qui explicitent la relation que cette temporalité incarnée construit avec les usagers. Les objets nous ancrent dans le présent de l’expérience mais, lorsque nous les quittons, s’inscrivent aussi dans le passé de la mémoire où ils constituent des points de repère. Ils donnent alors accès au temps diachronique. Protagonistes de leur temps, ils viennent à nous sous la forme de la collection, du vintage , du kitsch ou du marqueur générationnel mais se dissolvent aussi dans ces ambiances du passé que nous aimons reconstituer. Ils élaborent ainsi un temps historique. Ils mesurent enfin le temps de l’expérience et, sollicitant le geste, dessinent des formes de vie. Ce temps du faire permet de distinguer, à partir de l’action, le statut des objets domestiques et artistiques. Cet ouvrage consacré à la temporalité incarnée poursuit une interrogation initiée avec Sémiotique du design, publié en 2012 aux Presses universitaires de France. Il accorde cependant aux objets domestiques une attention très spécifique qui, par la théorisation et les analyses, discute quelques concepts clés de la sémiotique actuelle, en premier lieu les valeurs. S’inscrivant lui-même à un moment précis de l’histoire des objets, le lendemain de la société de consommation, il accorde résolument son privilège aux valeurs de la passion.

La deuxième vie des objets. Recyclage et récupération dans les sociétés contemporaines.

Dir. : ANSTETT Elisabeth , ORTAR Nathalie , La deuxième vie des objets. Recyclage et récupération dans les sociétés contemporaines, Petra, 2015.

La deuxième vie des objetsLes crises économiques qui touchent les sociétés de consommation, les conséquences de la surexploitation des ressources naturelles, tout autant que l’émergence d’un impératif de développement durable ont partout favorisé l’apparition de pratiques de récupération et de réutilisation d’objets et de matériaux usagés. Malgré leur grand nombre et leur diversité, ces pratiques restent pourtant encore peu documentées et peu questionnées par les sciences humaines et sociales. Or les logiques qui président au tri, à la collecte et au réemploi de rebuts ou de matériaux déqualifiés, mettent en lumière la modification de rapports économiques ou sociaux tout autant que des changements de systèmes de valeurs. Elles amènent à se demander comment, où et quand l’on passe du déchet à l’objet ré-appropriable et selon quelles modalités notamment culturelles, sociales et sexuées s’effectuent ces transformations. Prenant appui sur des situations de recyclage observées en France, en Europe ou ailleurs dans le monde, cet ouvrage qui associe anthropologues, sociologues et géographes, propose de s’attacher à la « deuxième vie » des objets en montrant que ces pratiques de récupération et de réemploi sont révélatrices des transformations les plus récentes de nos sociétés.

(Résumés fournis par les éditeurs)

et encore :

  • LEROI-GOURHAN, André. Évolution et technique, tome 1 L’homme et la matière, Paris, Albin Michel, [1943] 1971, 367 p
  • LEROI-GOURHAN, André. Évolution et technique, Tome 2 Milieu et technique. Paris, Albin Michel, [1945] 1973, 475 p.
  • GLUCK. D. et VIRVILLE, M de. [et al.]. Système descriptif des objets domestiques français. Paris : MinisteÌre de la culture et de l’environnement. Editions des musées nationaux, c1977. 291p.
  • CHENHALL, Robert G. Nomenclature for Museum cataloging : a systeme for classifying man-made objects. Nashville, American Association for State and Local History, 1978, 512 p.
  • MARTINET, Chantal. « Objets de famille/objets de musée. Ethnologie ou muséologie » dans Ethnologie française, XII, 1982, 1. P. 62-71
  • VAN GIJSEGHEM, Hubert. La quête de l’objet : pour une psychologie du chercheur de trésor. LaSalle : Hurtubise HMH, 1985, 121p.
  • KOPYTOFF, Igor. « The Cultural Biography ou Things : commoditization as Process », dans Arjun APPADURAI (dir.), The Social Life of Things : Commodities in Cultural Perspective, Cambridge, Cambridge University Press, 1986, p. 64-91.
  • POMIAN, Krzysztof. Collectionneurs, amateurs et curieux; Paris, Venise XVIe-XVIIIe siècle, Paris, Gallimard, 1987, 367 p.
  • CERTEAU, Michel de. L’invention du quotidien, Tome 1 : L’art de faire, Paris, Gallimard, 1990 (1980),
  • CERTEAU, Michel de, Luce GIARD et Pierre MAYOL. L’invention du quotidien, Tome 2 : Habiter, cuisiner, Paris, Gallimard, 1990 (1980). 416 p.
  • APPADURAI, Arjun. The Social Life of Things : Commodities in Cultural Perspectives, Cambridge, Cambridge University Press, 1986, 329 p.
  • KOPYTOFF Igor, « The Cultural Biography of Things : commoditization as process », dans Arjun Appadurai, The Social Life of Things, CUP, 1986,
  • MATHIEU, Jacques et al. « L’objet et ses contextes », Bulletin d’histoire de la culture matérielle, vol. 26, automne 1987, p.7-18
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New book : Paik’s Virtual Archive, by Hanna Hölling

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Paik’s Virtual Archiv

Time, Change, and Materiality in Media Art

Hanna B. Holling (Author)

In Paik’s Virtual Archive, Hanna B. Hölling contemplates the identity of multimedia artworks by reconsidering the role of conservation in our understanding of what the artwork is and how it functions within and beyond a specific historical moment. Using examples of works by Nam June Paik (1932–2006), the hugely influential Korean American artist who is considered the progenitor of video art, Hölling explores the relation between the artworks’ concept and material, theories of musical performance and performativity, and the Bergsonian concept of duration—and the parts these elements play in the conceptualization of multimedia artworks. In this book, Hölling combines her astute assessment of artistic technologies with ideas from art theory, philosophy, and aesthetics to probe questions related to materials and materiality not just in Paik’s work but in contemporary art in general. Ultimately, she proposes that the archive—the physical and virtual realm that encompasses all that is known about an artwork—is the foundation for the identity and continuity of every artwork.
Available worldwide
Hardcover, 280 pages
ISBN: 9780520288904
February 2017
$65.00, £48.95

Livre: La conservation des peintures modernes et contemporaines

La conservation des peintures modernes et contemporaines

L’art en général et les peintures en particulier sont le reflet de notre société, elles expriment le bien-être ou le mal-être de notre civilisation. Préserver les œuvres dans un bon état de conservation est un devoir, car elles constituent un patrimoine exceptionnel et le témoignage spécifique d’une époque.

Dès la fin du XIXe siècle, le métier d’artiste s’est transformé non seulement du point de vue formel et idéologique mais aussi du point de vue technique. Le savoir-faire a été peu à peu remplacé par l’expérimentation, produisant des œuvres fragiles, instables et sensibles aux facteurs environnementaux.

Même si les méthodes de conservation préventive sont utilisées de nos jours, il manque malgré tout, dans ce domaine, des outils d’évaluation des risques de dégradation mécaniques. Cet ouvrage, nourri d’une longue expérience professionnelle, propose nombre de ces outils, pour faire face aux paramètres climatiques et microclimatiques : détermination mathématique de la limite d’endurance d’une peinture sollicitée, diagrammes de sensibilité d’une trentaine de techniques picturales différentes, etc.


Publication date : 23/06/2016

Auteur : Alain ROCHE

ISBN : 978-2-271-08916-8

Format : 15.0 x 23.0 cm

Reliure : Broché

Pagination : 284

Des valeurs outre le beau et le laid

Nathalie Heinich, Jean-Marie Schaeffer et Carole Talon-Hugon
Collection : Æsthetica
Format : 17 x 21 cm
Nombre de pages : 198 p.
ISBN : 978-2-7535-3350-9
 2014   Prix :  17,00

La tradition occidentale tend à assimiler l’art et la valeur esthétique. La beauté serait la finalité essentielle de l’art. Or, c’est une conception réductrice: la valeur esthétique n’a pas le monopole des valeurs engagées dans la création, la circulation et la réception des œuvres d’art. Dans la valeur que nous accordons à une œuvre, l’authenticité, l’autonomie, la célébrité, la cherté, la moralité, l’originalité, la pérennité, le plaisir, la rareté, la responsabilité, la significativité, le travail, l’universalité, la virtuosité… jouent souvent un rôle aussi important que l’attrait esthétique. Cet ouvrage, qui réunit des philosophes, des historiens et historiens d’art, des littéraires, des musicologues, des anthropologues et des sociologues, propose pour la première fois une cartographie de ces valeurs autres qu’esthétiques qui interviennent dans l’évaluation artistique, qu’elle soit profane ou savante. Les analyses réunies ici n’ont donc pas pour objet l’art lui-même, ni les œuvres. Elles n’étudient pas non plus la valeur de l’art en lui-même ou par rapport à d’autres activités humaines. Elles portent sur les attentes axiologiques projetées sur le monde de l’art et différemment déclinées selon les arts, le contexte historique et culturel, et la position sociale des individus ou des groupes qui en sont les porteurs. (résumé de l’éditeur)